專訪藝術家王德瑜、建築師林柏陽：從忠泰《感知現場》到桃園兒美館〈我的重力坡〉跨域合作，顛覆你的空間感官

當藝術撞上建築會是什麼模樣？藝術家王德瑜與境衍設計主持建築師林柏陽再次於桃園市兒童美術館跨界合作裝置作品〈我的重力坡〉，打破你的身體平衡，大開感官。

科學革命的重要起源之一，便是重力。王德瑜笑著說，當初構思〈我的重力坡〉時，腦海首先浮現英國「滾起司大賽」中，人們瘋狂飛撲追逐滾落乳酪的畫面，由此發想出讓民眾自由探索的斜坡設計。他觀察到，「在忠泰美術館的《感知現場——建築×藝術跨界展》中，像是將外部元素引入室內，而在這裡，視線與感知則完全相反，全被向外延伸。」因而，這次作品不同於王德瑜代表性的大型氣囊裝置，而是留下簡潔通透、視野無遮擋的空間，只打造一個斜坡，呼應了日本建築大師山本理顯以「透明」為設計語彙所打造的山形美術館。

斜坡上灑落的4個「巧翹板」，源自林柏陽的一次靈感。他曾打電話告訴王德瑜：「我覺得硬幣掉在地上，快要停止晃動的那個狀態很不錯。」王德瑜立即以鐵絲模擬出那流線的波動形態，再交由境衍設計進行3D列印，發展成原型。在特殊的力學設計下，無論是踩踏或是坐臥在巧翹板上，都能與山坡產生富有趣味的互動體驗，激發人們的想像力。

在感知現場跨域對話的試驗

回顧兩人2022年在《感知現場》的首次合作，忠泰美術館總監黃姍姍最先邀請了王德瑜，原本以為是要辦個展，但總監提到忠泰具有豐富的建築策展背景，詢問他是否介意加入一位建築師合作？「我想說那就太棒了！」經常擾動空間的他早想嘗試，只是始終沒有機會——那是完全不同的領域。林柏陽則坦言，當初他設想自己是「搭背景」的角色，「有些藝術品可能需要一個背景來襯托，我 一開始以為我的角色就是要去做那個背景。」經過每週密切的對話交流，他們漸漸理解彼此的創作理念。

儘管展間可以劃分各自發揮，但他們並不滿足於此。由於COVID-19疫情影響，展覽延後了一年，他們得以推翻最初的想法，又再不斷翻案，反覆觀察模型，思量著怎樣的感知空間最理想，彼此辯證出共識。兩人各有所長，彼此「放一點拿一點、放一點拿一點」的過程，境衍設計的同事都受不了說：「你們兩個現在是⋯⋯不要再推翻了！」

他們放入曲線樓梯、天井、木作裝置與巨大氣囊，讓整個美術館的量體化為一個巨型作品。柔軟的珍珠紗薄膜包覆住大部分室內，隨觀眾的摸索不斷改變形狀，變化著空氣流動與闇微的光線。林柏陽說，「比如說光線，我放進去之後可能就能跟德瑜產生對話。」在前檔展覽中，美術館窗戶都被遮住，使展間成為黑盒子，他直覺想到，大多數展覽皆仰賴人造投射光源，於是提出：要不要引入自然光、盡量不打燈？「那時候確實大膽，因為人們可能會說這樣好像沒有開展的感覺。」他們將外界的自然元素引進，例如光線，斜射入室內的光隨深度漸暗，調動觀眾的視覺感知；走到窗邊，人也得以眺望外部的風景，落葉狀木椅彷彿呼喚著窗外的小葉欖仁。

當建築與藝術鬆動空間的定義

王德瑜第一次參訪境衍設計「那魯灣文化里民集會所」（2022）的經驗，讓他深刻體認到藝術家與建築師討論「邊界」時的差異。「我習慣在一個給定的空間裡面去想像，那時我才知道建築師的觀點是：這裡原本什麼東西都沒有。」斜屋頂不僅具備排水功能，更巧妙融入兒童滑梯、攀岩、「小綠丘」等遊樂設施，讓不同機能自然連結，視線則隨建築造型延伸至不遠處的海堤與吊橋，形成深具趣味的開放空間。

「我們藝術家在一個場域是要為觀眾創造事件，但就建築來說，日常生活裡的每個狀態，例如出門買午餐、曬個太陽，只要轉換一下視角，其實都可以成為事件。」對藝術家而言，人是特定時空下的「觀眾」，但對建築師來說則是「民眾」。林柏陽進一步補充，建築師不僅要考慮人們當下的感受，更必須設想10年、20年後的長期使用情境。

當初，林柏陽從技職轉進大學體系，從做中實學，才補足「虛」的理論，許多出發點、感官與設計本科不同。他回憶起兒時南方澳的家，房子前面5公尺就面對漁港，後面2、3樓可以一直延伸到海邊，鄰居的屋頂都能互相連通。「兒時記憶裡我對空間邊界的感受很不一樣，它不是那麼明確，會一直往外延伸、往外看。」這樣的空間經驗，深深影響了他的設計方式。

就像「新竹市三民國小附設幼兒園」（2021）中連續性的迴廊空間、「那魯灣文化里民集會所」四通八達的屋頂、以及內外邊界大開的「茄苳國小風雨球場」（2023）等作品，都特別重視人與空間的互動。透過空間的變化與連結，提升了使用上的包容性與開放性，讓不同年齡、族群 的人都能親近。這正是他所追求的建築「公共性」。

對此，王德瑜也回顧，他最初學習雕塑，求學期間老師陳世明提點他「雕塑以外的空間才是重點」。他便開始轉向注意與空間互動的關係，他代表性軟質的動力裝置「氣囊」手法慢慢成形，在空間中作用，挑動人探知空間的感官。他也持續試驗調動觀眾感知的策略，就像〈No. 31〉（1999），他在竹圍工作室屋頂放上一排椅子，邀請大家坐在屋頂的稜線上面。他與林柏陽相同，始終都在思考如何觸動人的感知。在這個 過程中，他們不斷探索並挑戰空間的界線，「我們讓它鬆動、讓它變動，讓它呈現不穩定的狀態，藉由這種不穩定，不只拉出了空間的邊緣和動線，同時也能觸發觀眾的感知。」

當非日常藝術撞上日常的建築

憑藉二次合作的默契，加上桃園兒美館策展主題《新說小百科》明確鎖定親子孩童，比起上次耗時兩年，〈我的重力坡〉僅花幾個月便完成。作品運用斜坡創造不穩定的有機條件，讓人脫離平地重力，踩上坡面便會被帶至不同高度與角度。

王德瑜觀察到，「你會不斷切換平衡點，同時感受保持平穩或往下滑的刺激，進而尋找屬於自己的支點。」他設想大小朋友會更抬高視線，站在更高的山坡上觀看，這是對觀者感知的另一種提醒與召喚。兩面抬高的平緩斜坡正好對話山形屋頂，第三面則聳起蓋覆部分落地玻璃。林柏陽指出，若只有單一平面，空間便會給人壓迫感，而三面構築讓空間的深度截然不同。「其實不需要以如山脊般高聳的方式來表現，雖然只是一個簡單的坡面，微微的變動才是重要的。」林柏陽認為人的身體本能喜愛依靠角落，這「山稜線」也令空間性質也隨之變化，當人們往上攀爬時，身體便會自然歪斜、探索空間。

林柏陽分享，「在做建築的時候，我會盡量讓建築空間表達得少一點，因為我不太想表達太多東西。如果換成是表現性較強的建築師，跟德瑜合作起來會是另一種情況。」在兩人都抱持「退後」的理念上，王德瑜覺得非常幸運。他們坦言也會迷失，像一開始過分將注意力放在巧翹環上，期待看到觀眾跟他互動、體驗到什麼。可後來他們發現，小朋友更常或趴或坐在斜坡上拿畫版畫圖，或單純在斜面一直滑、一直滾。也還好，他們當初評估不放滿巧翹環，只留下4個，「你必須要留出空間來，讓他們的身體去感覺這個場域。」王德瑜說，他們是要創造一個融入的環境，不只是在創造一個藝術品。「藉由在空間中種種你看不見的細微安排，召喚起你的感官，它會看起來像是一個日常空間，可是又沒那麼日常。」這個看似平常、彷彿本就存在於美術館的空間，實則蘊藏著一場活動身體的冒險。其實，人們的感知早就被他們悄悄打開。

王德瑜+林柏陽〈我的重力坡〉

展覽時間｜即日起－06.16

展覽地點｜桃園市兒童美術館

開放時間｜開館時間週三至週一 09:30－17:00（最後入場時間16:30），週二及國定假日休館

林柏陽
境衍設計主持建築師，長期關注建築的「公共性」。境衍設計由林柏陽、黃聖軒、何岳璟於2012年共同創立，領域橫跨空間運用整合顧問及建築、室內規劃設計等。事務所首件作品「山邑家」（2014）入圍ADA新銳建築獎；「進之宅」（2018）獲得TRAA第6屆台灣住宅建築獎首獎、入圍ADA新銳建築獎；新竹市「那魯灣文化里民集會所」（2022）獲2024台灣建築獎建築新人獎。近作包括茄苳國小風雨球場（2023）、竹蓮國小活動中心（2023）、埔心幼兒園（2023）等。

王德瑜
1970年生於台灣新竹，關注空間與身體的感知，透過極簡媒材探索人的存在狀態。以布料、光線、氣味等元素令感官經驗取代視覺，建立可供觀者體驗的共感場域。曾於台灣、馬來西亞、德國、北京等地舉辦個展，並參與台北雙年展（1996）、橫濱三年展（2005）、茨城縣北藝術祭（2016）、奧地利OK當代藝術中心（2019）、韓國釜山現代美術館（2019）等展覽。

_{文｜吳哲夫　攝影｜羅柏麟、朱祈安、凌瑋隆、拾蒔生活製作所、Wenya Studio　攝影助理｜王涵葳
圖片提供｜王德瑜、境衍設計、忠泰美術館　場地協力｜桃園市兒童美術館}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/3月號《建築還能怎麼觀看？》

《藤本壯介建築展：原初．未來．森》海外巡迴首站落腳台北，本展透過雙展區、6大主題、逾百件建築計畫，梳理其30年來的建築創作。記者會上，藤本壯介也特別帶逛展場，帶我們走進他腦海內的森林。

日本東京森美術館在去（2025）年推出的藤本壯介建築展，創下逾23萬人次參觀紀錄，不僅是建築相關人士，也吸引了許多年輕人、家庭族群前來觀看。藤本壯介提到，當初在與森美術館討論建築展時，他希望不只是回顧他過去30年的創作軌跡，也能夠呈現他思考了什麼、有什麼前瞻性的內容，最後，「森」這個關鍵字便冒了出來。

從北海道森林走向世界

藤本壯介出生於自然資源豐富的北海道，自幼常見的雜樹林景觀，成為其理解空間與自然關係的原點。1994年自東京大學建築系畢業後，他未循一般路徑進入建築師事務所，而是展開長達6年的獨立探索，省思建築的原點，逐步形塑其建築哲學：模糊自然與人造物、室內與戶外、個體與群體的邊界，創造如森林般開放而富有包容力、得以容納多元關係共存的空間。

用建築連結人、自然與未來

藤本壯介補充，他們在「森」這個字裡面做了很多的想像，不只是自然的森林，人與建築物的關係，其實也是一種森林的意象。「森林裡面有很多不同的生物共存，形成豐富的多樣性，未來的建築物是否也能像一座森林，讓不同的人相聚共存，從多樣性中產生意想不到的連結，這也是我們對於未來建築與社會的想像。」

一踏入展場，牆面上所見的60多幅圖像，這些是藤本壯介從以前到近期的作品，人們能從縱觀的角度窺見它們雖然各自不同，卻又存在某些共同點；透過這面牆，大家可以了解藤本壯介這些年走過的路，其中包含一些實驗性的錯誤，但他也從中思考了許多多樣性與不同的可能性，並讓它們同時共存。

想像多元共鳴的未來城市

抬頭可見的懸掛裝置，則是藤本壯介對100或200年後未來都市的想像。他們想像人們住在一個個如泡泡的圓球中，裡頭也有許多綠意與公園，構成了包容各種多樣性且相互交融的生活空間。他說，在他想像的未來世界中，也許人們都有了可以在空中飛翔的裝置，因此住宅也打破了所謂的樓層限制，形成一個具有多樣性且交融在一起的自由空間。

思考多元共存與彼此連結的可能

來到「開放之環」主題展場，映入眼簾的是200分之1的大阪萬博大屋根模型，搭配牆面上藤本壯介的草圖，能更加了解他設計大屋根時的思考軌跡。藤本壯介說，圓環狀的大屋根雖然是建築，卻極具開放性；所謂的建築，既要接納大眾，又要具備保護與包容的功能，而要如何讓兩個同時並存，是他想要傳達的概念，因此在旁邊的牆面，也可見到體現「開放之環」這個理念的建築作品。

走進藤本壯介的「腦內森林」

匯集了藤本壯介30年來建築模型的「思想之森」展間，則將帶領大家走進他腦內的森林。從入口的早期作品到後方的近期、進行中的作品，主要分為3大創作脈絡：探討建築如何兼顧內部的包覆感，又能向外敞開的「展開與包圍」、思考許多局部如何共同組成一個整體的「眾中之眾」，以及打破空間只有單一用途想像的「未分化」，但這3個概念並非壁壘分明，也有很多交融之處，比如貝爾格勒的哈拉水岸中心（beton hala waterfront center）便展現出這3大主軸。另外，牌子上也特別設置了對應這些概念的壓克力小方塊，讓人們能夠透過顏色辨識每件作品所蘊含的設計脈絡。

思想、創造力是自由的

有趣的是，展間中除了專業的建築模型，也展示了藤本壯介收集的物件，像是包水果的保麗龍紙，呈現建築的通透感；捏碎的寶特瓶表達變形後的風貌，引領人們思考建築的外觀也可以有不同面貌；展出洋芋片模型，則是因他認為洋芋片透過某種堆疊、中間產生的縫隙也是所謂的空間，或許有可能被運用在建築上。藤本壯介說明，希望透過這些展示品，讓大家了解所謂的思想、創造力可以是很自由的，並能在這些自由的發想中找到樂趣。

回望30餘年的建築實踐

「軌跡之森」由建築史學家倉方俊輔兼修編纂，透過年表、手繪草圖、建築語錄與獲獎紀錄，串聯藤本壯介不同時期的代表作品。藤本壯介說，「藉由這次展覽，我才有機會重新回頭看過去的手稿，這些都要感謝我母親當年的細心保存。看到這些草稿時，我一方面感嘆當年自己真的很努力，另一方面也會覺得過去的自己還是有點不行啊。不過，看到這些手稿才發現原來我始終在思考同樣的核心命題，並在不斷的實驗與失敗中反覆鑽研。這些手稿不是為了展出而畫，它們就是我建築思考過程最真實的呈現。」

走進1:5大屋根模型

本次展覽一大亮點、位於衛星展區的5分之1的局部大屋根，則邀請大家穿過模型、用身體感受其中的空間感。藤本壯介補充，大屋根模型在森美術館展出時是靠牆的，在這裡則是可以360度的環繞觀賞、動線更加自由。值得一提的是，展場長達15分鐘的大屋根紀錄片，是藤本壯介在大阪萬博閉幕前一星期自費拍攝、去年底完成剪輯，影片中記錄下從早到晚的風景以及現場的聲音，讓人們即便不在現場，也能感受當時的空間與氛圍，尤其是這部影片沒有上傳到公開的平台分享，推薦大家靜下來欣賞影像，再次回味大阪世博的感動。

藤本壯介建築展：原初．未來．森
日期｜2026.8.15（六）-2027.1.3（日）；開放時間｜週二至週日 10:00-18:00（週一休館）
展覽地點｜主展區：忠泰美術館（臺北市大安區市民大道三段178號）、衛星展區：建國啤酒廠成品倉庫（臺北市中山區松江路25巷40號）
更多資訊可至官網查詢

出身於比利時、活躍於亞洲乃至全球酒店設計領域的建築師Jean-Michel Gathy，自1983年創立Denniston事務所以來，憑藉世界各地頂級酒店、住宅和其他款待業項目穩步成為行業標竿，其中尤自安縵（Aman）、迦努（Janu）品牌旗下酒店孕育城市靜謐生活的嶄新構想。隨本文看安縵紐約、曼谷奈樂安縵、迦努東京3址如何憑藉同中有異的獨到語彙，使「靜謐」兩字對應環境變換適當詮釋。

放眼全球大都會之三：紐約、曼谷、東京，皆可見傳奇酒店建築師Jean-Michel Gathy與其設計團隊Denniston打造的奢華酒店作品，正在重新定義城市靜謐美學。此系列極富遠見的傳世傑作，將安縵別具代表性的寧和意蘊，與其姊妹品牌迦努特有的活力氣質，分別注入位於美洲、亞洲的世界都市中心，讓每一場域以獨屬當地的方式演繹靜謐內涵，並通過因地制宜的建築語言細膩呼應周遭景致。

▼ 傳奇酒店建築師Jean-Michel Gathy（左）

Jean-Michel Gathy行雲流水的設計手法，匯聚古今、貫通東西，連結自然環境與人文建築。他秉持對感官體驗的極致追求，縝密利用光線、聲音、材質堆疊空間節奏，促使處處細節皆服務於整體氛圍的營造。安縵紐約（Aman New York）、曼谷奈樂安縵（Aman Nai Lert Bangkok）、迦努東京（Janu Tokyo）3作不僅交相輝映，深刻體現文化傳承、建築個性與沉浸式感官體驗之間的精妙平衡，更共同描畫一幅當代都市生活的理想藍圖，於城市的喧囂脈動下為旅客構築從容有度的棲居之所，進而留駐靜心時刻。

▍安縵紐約（Aman New York）

安縵紐約主要針對第五大道與57街交匯點所在歷史地標皇冠大廈（Crown Building）進行修復，在保留其巴黎美術學院派（Beaux-Arts，布雜藝術）建築遺風的同時，巧妙融會安縵標誌性的空間寧靜感。室內以開闊格局、柔和色調，以及經過悉心調控的光線鋪陳，且每間套房均由真火壁爐帶入親密氛圍，隔音舒適性則透過多層次材質與精緻細節處理加以強化。雙層挑空的空中大堂，和點綴火景與水景的花園露台，另於雲端之上勾勒一方隨時供旅客作舒緩身心之用的都市逸境。

▍曼谷奈樂安縵（Aman Nai Lert Bangkok）

從曼哈頓的高聳密林抽身，Jean-Michel Gathy將目光轉向曼谷的豐茂地域，使靜謐呈現截然不同的樣貌。曼谷奈樂安縵以深厚的自然連結與文化傳承為依託，於市中心闢設深植在地精神的都會綠洲。全案選址草木蓊鬱、占地7英畝（約2.8公頃）的綠意園林「奈樂園（Nai Lert Park）」，圍繞一棵百年四數木（Sompong Tree）展開；該樹的雄偉存在除為整體布局定調，亦憑活態歷史之姿賦予整處空間靈魂與根基。兼受鄰近宅邸啟發，室內且交織傳統泰式元素與現代典雅風格：大片落地窗與開放式規劃，構成與自然景觀的持續對話；天然材質的運用、甄選古董與訂製工匠作品的陳設，則添溫暖質感與真實光彩，締造彷彿超然時間之上的世外桃源。

▍迦努東京（Janu Tokyo）

行至東京，Jean-Michel Gathy以空間秩序取代有機寧靜，憑當代禪意美學，和精準、靈活的設計語彙，重新詮釋靜謐意義。插旗麻布台之丘（Azabudai Hills）的迦努東京，被構想為靈動而充滿鮮活力量的都市庇所，於東京的蓬勃能量中平衡出澄明氣韻。整體設計奠基東西合璧主調，並藉由溫潤材質、簡約線條和大地色彩，共演東方凝練內斂與西方優雅颯爽風采。空間體驗的核心在於推拉門與模組化隔層的運用，既讓空間可隨不同需求微妙重組，又能將收納隱於無形、使光線調節自如；氛圍隨心而變，但始終維持井然有序之感。綠意植被、自然肌理與有機紋飾的無縫融入，更進一步強化與自然世界的連結。縱使位居城市急促節奏下，迦努東京仍將靜謐闡釋為清明與從容，提供旅客涵養正念的靜修聖地。

都市三部曲誕生

落址全球重要都會，匠心營建人們得以平靜棲居之作，安縵紐約、曼谷奈樂安縵與迦努東京，合而為Jean-Michel Gathy引人入勝的都市三部曲。3處居所雖由相異視角揭示「靜」字旨意，卻皆以對感官體驗、文化語境與人文關懷的深刻思考一以貫之。Jean-Michel Gathy的願景並非引導人們遠離城市，而是重新書寫「靜謐」於城市中的存在方式，為都市旅居樹立全新範式，在當代生活的核心地帶構築安然淨土。