北歐建築大師 Alvar Aalto「創造即生活」的自由：田中央黃聲遠 × 芬蘭策展人Mari Murtoniemi深度對談

by 吳哲夫 2025-09-19

北歐設計為何總讓人心生嚮往？答案或許就藏在芬蘭大師阿爾瓦．阿爾托（Alvar Aalto）的作品中——那種溫潤樸實卻深刻的人文關懷。在忠泰美術館《創造即生活－愛諾、艾莉莎與阿爾瓦・阿爾托》開展當下，早在芬蘭相識的田中央主持建築師黃聲遠與Alvar Aalto Museum策展人Mari Murtoniemi，這次在台灣相聚，深談Aalto與田中央的生活和創造性。

2016年，田中央工作群歐洲巡迴展《Making Places》的首站，在芬蘭于韋斯屈萊（Jyväskylä）Alvar Aalto Museum登場。這裡是Alvar Aalto作品數量最多的城市，也是Mari Murtoniemi的家鄉，當時她便是此站的策展人。「這絕對不是巧合而是命運。巡迴展從這裡開始，是很有意義的。」黃聲遠回憶起，當1993年他決定回台灣時，《動員戡亂時期臨時條款》才剛廢除不久、準備民選總統，正值社會改變的啟蒙時代，「那時年輕的我，感受到我們有機會獲得自由。」他在Alvar Aalto身上，看到一種「探索生命中什麼是真正重要」的自由精神。而為了追尋這種自由，他最終選擇落腳宜蘭。Mari Murtoniemi笑著回應：「這讓我想起Aalto曾說過的話：既有的建築系統太粗暴、太僵化，建築師的工作是為生活提供更溫和的環境。她認為田中央的實踐正回應了Aalto的核心價值觀。

展出逾160件手稿原件、模型與設計作品等，深入探索建築師的生命與創作歷程。（圖片提供：忠泰美術館）

Ｑ：你們是如何接觸並被Alvar Aalto的建築理念所影響？

Mari Murtoniemi
如果我們看Aalto的旅程，首先是傳統的古典主義，然後逐漸轉變成現代主義，再來開始關注人的體驗，比如病人在帕伊米奧療養院（1933）的經驗。經歷了在美國麻省理工學院的教學後，他吸收美國現代主義也發現了其中問題。回到芬蘭故土，慢慢地他開始欣賞工藝。早期現代主義追求機械、工業化的美學，但他選擇展現磚匠、木匠等等工藝與手作痕跡。他1950年代早期的作品就是我的最愛了，賽於奈察洛市政廳（1952）便容納眾多機能、非常實用，蘊含強烈的象徵主義，卻以一種謙遜的方式表達。

Aalto在設計帕伊米奧療養院（1933）時，考量臥病在床的結核病患者，需求與一般病患相當不同，因此所有設計都是以患者的生理與心理需求為依歸。（圖片提供：Alvar Aalto Foundation）

黃聲遠
我學建築的時代，大約是後現代主義、解構主義的開始，對我來說太喧鬧了。在當時的教科書中，Aalto的作品顯得有些奇怪，像是可隨手觸及、離我們太近的日常。那時主流總討論柯比意、Mies van der Rohe、Frank Lloyd Wright這些表現極強的大師，年輕人尋求刺激。另外，我的父母移民加拿大，而我想要安定下來、尋找土地的根源。我不想追隨理論，我想真誠地追隨生活。當時潮流是什麼都想有個完整理論——這是美國人的問題。我慢慢發現歐洲人嘗試理解脈絡，不一定非要有完善論述，更像是接受它就在那。2016年第一次造訪芬蘭時，我已經在做類似的事情，感覺像遇見老朋友。對台灣人來說，不能只是其他文化的鏡像，我們要與真實的人建立關係，透過自己的身體、生活來了解自己。這是種信心，也許建築師的志業，就是勇敢地面對眼前任何需要完成的事件。

黃聲遠、Mari Murtoniemi正觀察著穆拉察洛實驗住宅（1954）模型，討論其設計。（攝影：蔡耀徵）

Ｑ：據說前幾天你們與另一位策展人Timo Riekko一同走訪了田中央在宜蘭的作品，有發現與Aalto的理念有相近的地方？

黃聲遠
我們經過不少河流與道路，才驚訝於自己多年來走過的路。我有一種照顧人們身體感知需求的責任感，運用不少手工製作的材質，其本身就形成了一種語言，賦予人的感受。

Mari Murtoniemi
我感受到了。我真的很喜歡礁溪櫻花陵園（2015）美麗的大型混凝土結構上留下的板材拼接痕跡，可以看見結構本身，也彷彿看見工人施作的過程。我們當時也在討論員山機堡戰爭地景博物館（2011），建築物的和緩曲線映襯自然景觀，與Aalto令建築融入景觀的思考方式有呼應之處。

黃聲遠、Mari Murtoniemi正在討論Alvar Aalto設計的家居。（攝影：蔡耀徵）

Ｑ：芬蘭建築家Juhani Pallasmaa曾是《Making Places》展覽的總策展人之一，曾提到Aalto與田中央都關注身體感官與使用情境，你們如何看？

Mari Murtoniemi
作為建築師，你可以成為大眾的服務者，同時給予他們美麗的事物。不是所有建築空間都是平等的，他的市政廳作品嘗試令以科層劃分的空間感受更平易近人，塔樓彰顯了其作為社群政治決策場所的民主象徵，也提醒大樓其中與一旁總是有廣場等互動休憩空間。

黃聲遠
我感覺Aalto如此自由、不受限制。在設計中尋找自由是非常抽象、內在的概念。他同時照顧建築的精神性和人性需求，過去現代主義建築只追循抽象的理念，但他的作品直觀回應專案條件，自然地處理光線的穿透，同時關注人的身體感知。這很重要，他和家人孩子在海灘上自然地交談。我也經常游泳，我們透過身體學習自由的感受，知道能觸碰到的人與事才最重要。主事者的問題都是遠離了真實的人。我這一代承擔著時代責任，要為自由理念奮鬥，但過去總被教導只能抉擇：要成為英雄還是溫暖的人？Aalto給了我們勇氣：我們可以為理想奮戰，同時照顧好身邊的人。

塞伊奈約基文化暨行政中心計畫（1951∼1987）始於其事務所贏得該市的教堂（1951）和市政廳（1958）的設計競賽，歷經諸多階段，在多年之後逐漸成形。（圖片提供：Alvar Aalto Foundation）

Ｑ：這次展覽也強調Aino、Elissa兩任妻子與Aalto共創的角色。田中央當前也是以團體行動，建築師以團隊名義協作似乎是當今風潮，你們認為這反映了什麼？

Mari Murtoniemi
我認為Aino、Elissa首先是建築師和設計師，其次是女性。Aino與他一同發展家庭與事業、建立起國際聲譽，也在1935年共創家居品牌Artek，後來成為設計總監，重心更多專注這方面。比Alvar Aalto年輕很多的Elissa則協助Alvar Aalto國際專案的溝通與其事業遺產的延續。當今人們越加好奇並重視誰在這些作品背後，所以如同Aalto2 Museum Centre展出的《Visibly Invisible – Artek's Drawing Office 1936–2004》，我們開始把更多面向呈現出來。

展覽中展出Aalto夫婦1930年代起設計的多款家具作品。（圖片提供：忠泰美術館）

黃聲遠
我父母都是教師，我似乎擅長想像空間的可能，但我更享受成為老師。田中央實際上也像一個學校，許多年輕建築師從這裡發散出去。現在我與許多成員住在與工作室同一棟的宿舍，我們家就在2、3樓。我很關心人的關係，他們更像我的家庭成員，我幾乎認識他們大多的家人。我認為社會的麻煩在於過度分化。現在，不同年齡層之間都可能成為朋友，共同生活就會有想法的多樣性。

在展示Aalto傳奇的「Stool 60」等經典家具的體驗區，黃聲遠、Mari Murtoniemi親身感受這些作品。（攝影：蔡耀徵）

Ｑ：生活與工作的界線，在Aalto和田中央的創作中是如何體現？

Mari Murtoniemi
家庭和工作生活，對Aalto來說其實是混合的。阿爾托之家（1936）中間有個滑動門，在忙碌時拉開，建築師便在客廳外的工作室中工作，甚至他們會把桌子搬到客廳；節奏悠緩時門會關上，讓他們好好聽女兒練習鋼琴。他們某種程度上總是在工作，但我不認為他們是為了工作而工作的工作狂，思考、解決問題是對他們深具啟發和有趣的。

黃聲遠
我妻子不是建築師，通常我們在家不會討論工作，沒有她，我認為我不會得到休息，有點瘋狂，我真的熱愛建築。成員也會帶著孩子到這，台灣過去有「客廳即工廠」的說法，我們希望孩子們理解沒有什麼是理所當然的，要他們看見我們多麼努力、真誠地工作和生活。這些對人的考慮、對生活細節的關心，會明顯反映在我們設計的決定上。

Aino與Alvar Aalto於阿爾托之家中工作。（圖片提供：Alvar Aalto Foundation）

Ｑ：我們可以如何以「創造即生活」的概念回顧Aalto的設計哲學？

Mari Murtoniemi
我認為最重要的是意識到問題沒有單一標準的解方，你必須將每個問題視為獨特的問題，並且將每座建築當作獨一的個案來面對。

黃聲遠
這次展名很反映真實。創造本身就是自由的前提，每個人都需要自由，而自由的狀態需要不斷重新創造。事情總是不容易，但我仍相信我們能夠創造出一些還不存在的東西，這很重要。創造力正來自於生活。

黃聲遠（左）、Mari Murtoniemi（右）站在原木材質打造的曲線木柵展牆，這呼應了Alvar Aalto的設計語彙。（攝影：蔡耀徵）

黃聲遠
田中央聯合建築師事務所與田中央工作群創辦人兼主持建築師。1963年生於台北市，1986年畢業於東海大學建築系，1991年取得美國耶魯大學建築碩士。曾在美國北卡羅萊納州立大學建築系擔任助理教授。1993年返回台灣，隔年移居宜蘭，深耕至今30多年。2017年獲頒日本「吉阪隆正賞」，是首位日本外地區受獎人；2018年獲第20屆國家文藝獎與第3屆總統創新獎肯定。
Mari Murtoniemi
Alvar Aalto Museum展覽部門、設計典藏部門首席策展人。自2011年在此工作以來，曾任教育推廣策展人。特別專精跨域藝術策展，樂於向不同觀眾分享Aalto豐富且充滿人文精神的文化遺產。曾負責2016年田中央工作群歐洲巡展《Making Places》，首站於Alvar Aalto Museum的展出。

《創造即生活──愛諾、艾莉莎與阿爾瓦．阿爾托》
【主展區】忠泰美術館
展期｜2025.08.16（六）-2026.01.25（日）
地址｜臺北市大安區市民大道三段178號
開放時間｜週二至週日 10:00－18:00（週一休館）
參觀資訊｜全票150元／優待票100元（學生、65歲以上長者、10人以上團體）／身心障礙者與其陪同者一名、12歲以下兒童免票（優待票及免票須出示相關證件）
週三學生日｜每週三憑學生證可當日單次免費參觀

【衛星展區】NOKE忠泰樂生活 Uncanny
展期｜2025.10.04（六）－11.30（日）
地址｜臺北市中山區樂群三路200號3樓
開放時間｜週日至週四 11:00－21:30、週五六 11:00－22:00
參觀資訊｜免票參觀

_{採訪整理｜吳哲夫　口譯協力｜Jennifer Shin　攝影｜蔡耀徵　圖片提供｜各單位}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/9月號《開一家甜點店》

Zaha Hadid在台遺作淡江大橋通車！專訪ZHA副總監黃劭暐，極簡弧線把最美夕陽留給淡水

by 吳哲夫 2026-06-30

LaVie雜誌人物專訪 Zaha Hadid

Zaha Hadid在台遺作淡江大橋通車！專訪ZHA副總監黃劭暐，極簡弧線把最美夕陽留給淡水

淡江大橋在5月正式通車，這座出自「建築女帝」Zaha Hadid 本人之手的遺留之作，以世界最大單塔不對稱斜張橋之姿橫跨淡水河口，卻輕盈得令人屏息。Zaha Hadid Architects（ZHA）專案建築師黃劭暐親身講述，他們如何從這片土地的光影、生態與人文記憶中，淬鍊出一道屬於台北的水岸弧線。

➣本文選自La Vie 2026／6月號《構築卡地亞美學的符碼風景》，更多精彩內容請點此

黃劭暐回憶，他們自 2015 年 1 月開始參與淡江大橋競圖，到同年 8 月真的贏下設計案，當時 Zaha Hadid 非常高興。然而令人惋惜的是，她尚未能親自踏上台灣的土地，便已在 2016 年 3 月 31 日離世。淡江大橋，就此成為這位偉大建築家的眾多遺作之一。

淡江大橋採取單塔不對稱斜張橋設計橫跨淡水河口，優雅修長的橋身與向外延展的放射狀鋼索共同描繪出線條俐落、極具張力的現代地標輪廓。（圖片提供：交通部公路局、台灣設計研究院）

淡江大橋總長 920 公尺、主橋塔高 211 公尺、主跨距 450 公尺，是當今世界上最大的單塔不對稱斜張橋。這份成果，來自 ZHA 與台灣中興工程、德國理安工程（Leonhardt, Andrä und Partner）長達十年的跨國無間協作。然而，大橋整體看來卻輕盈低調得令人難以置信。設計團隊細細推算四季夕陽的軌跡，讓每年 6 月 21 日夏至當天，夕陽能恰好沉落在主橋塔之間。橋體鋼索輕輕劃過天際，纖細而不留痕跡，那一抹不被橋體遮擋的淡水夕陽，因此得以完整地留給所有人。黃劭暐說，「剛拿到這個案子時，很多人說這不像 ZHA 的作品，應該要再更瘋狂一些。但你仔細看，其實整個橋塔本身就是一個很大的雕塑藝術品。包括混凝土從凸面到凹面的轉折點，以及往上延伸的那些細微設計線條，都體現了 ZHA 在設計上『優雅極簡』（elegant simplicity）的詮釋方式——外觀簡潔，內裡卻暗藏無數細節，這正是設計的關鍵所在。」

舞者身姿般律動的橋影

成長於台北的黃劭暐，自然對台灣這片土地有著天生的熟悉感。競圖之初，他主導了淡水、八里一帶 13 處的在地踏查與測繪。他觀察到，淡水一帶留下荷蘭、西班牙殖民痕跡，也留下在地濃重的建築色彩，更有紅樹林濕地豐富的生態景觀。恰好在競圖那年，雲門劇場落成啟用，自八里排練場遭祝融吞噬後，雲門舞集正式遷居此地，在原有的文史地層之上，又疊加上現代的新元素。雲門舞者舞動時在空中劃出了流線，給了設計團隊靈感。黃劭暐解釋：「我們想像橋梁在這地方應要有很好的律動，它要如同舞者的肢體與環境互動，也要在車子開過去時帶來很有動感的體驗。」於是競圖時，他們與中興工程才有了「夜半舞者靜謐時」（The Serene Dancer of the Night）的提案概念。「這座橋，特別是在淡水這個地方，有一種非常靜謐、讓人身心療癒的感覺，跟整個環境和諧融合，但同時又不失動感。」

那麼，ZHA 的設計語彙如何與在地紋理取得平衡？黃劭暐認為，當你真正理解了一個地方的景觀、文化與生態之後，設計會很自然地去回應那些從土地中發掘出來的東西。落實在淡江大橋上，最佳解答是低調的呈現。「我們希望整座橋像是從水平線上面升起，彷彿是非常乾淨的一條線。」為了實現這個意象，當多數競爭對手提案以混凝土鋼筋打造橋身時，ZHA 卻採用了鋼箱梁工法。鋼材天生具備高強度、相較鋼筋混凝土輕量化的特性，抗風、抗扭轉、抗震的穩定性也讓橋面得以壓縮至極致纖薄，主橋箱梁深度僅約 4 公尺便能支撐起大跨距的單一橋塔設計，同時搭配倒角處理降低了風阻。

這仰賴先進的參數化設計軟體輔助。黃劭暐解釋，ZHA 合夥人 Patrik Schumacher 很早便推崇並發展參數化主義，「這無非就是讓你更高效、更有效地去看待設計。」透過精密的計算與模擬，得以生成仿若大自然中變化無窮的有機形態，這正是 ZHA 深具識別度的流動曲線美學的來源；設計團隊也能在極短時間內比較並篩選多種方案，找到最能與淡水地景產生共鳴的輪廓線條。沿橋布設的傾斜景觀燈柱設計並不常見，同樣由參數化工具調控，每一支並非等比複製，而是順著橋面走勢，隨鋼索與橋面長度的變化，在高度、傾角與彎折形式上漸次遞變。「燈柱的線條隨著鋼索一步一步傾斜往上升、再下降，在淡水這個方向形成非常好的韻律。」

126支燈柱設計以舞者姿態為靈感，呈現高聳、傾斜及彎折的流動線條。（圖片提供：交通部公路局、台灣設計研究院）

輕觸大地、與之共存的設計學

整個設計過程中，ZHA 進行了大量的環境諮詢，其中最棘手的課題，是如何兼顧工程需求與出海口的濕地生態保育，尤其八里一岸便是大片的挖子尾濕地。「更早的提案是打造兩座橋塔。後來我們評估靠八里的南側要建橋塔的話，下方會需要圍堰、抽水，施工時整個出海口的海流、潮汐都會受到影響，對濕地衝擊也大；但如果只做橋墩，相對能減輕很多，而且落墩點的施作範圍也比橋塔淺，所以我們決定把橋塔挪到北側。」這讓大橋得以與棲息在周遭紅樹林中的沼澤蟹、彈塗魚及 10 多個品種的淡水螃蟹和平共存，同時也減少了對候鳥飛行路徑的遮擋。鋼箱梁與橋體部件由工廠預鑄後能像積木般更快地拼接，更把水上作業時間縮到最短，極大化地保護了濕地生態。

他們也謹慎地調控夜間照明的亮度，避免侵擾周遭野生物的生存。設計團隊選用白色系外觀搭配色溫低於 3,000K 的暖色燈光，在維持夜間景觀的同時也減少光害。6 公尺高的路燈提供交通道基礎照明，橋塔上方的景觀燈柱則豐富了視覺層次的變化，整體呈現柔和而克制的光感。色彩系統也秉持同樣原則，將對環境的衝擊降到最低，自行車道、人行步道乃至扶手上的木質材料，從斜索套管到鋼索包布的用色，均納入整體淺色配色考量，橋體無論在晴雨各種氣候條件下，皆能自然而然融入觀音山及周邊風景，讓行人在橋上長時間停留時，也能感到舒適自在。

成為辨認家鄉的水岸弧線

寬闊的橋面上，預留了未來輕軌與公共交通的空間，同時整合汽車快速道路、機車道、自行車道與人行道等多元動線。而那 5 公尺寬的人行道，黃劭暐說明，「我們在橋塔的中間這一段，特地把它全部做成可以休憩的空間。這裡設有 8 張長椅，提供民眾休息、看海景，甚至要舉辦一些小型活動都足以容納。」在此，也能近距離欣賞整座橋鋼索、燈柱等結構的曲線，與不遠的山巒景緻交織在一起。橋不再只是單純聯繫河口兩岸、駕車轉瞬即過的交通節點，而是一道令人們主動親近、欣賞的水岸風景，一個真正融入人們休閒生活的公共場域。

橋塔造型由「靜謐舞者」轉化而來，兩側向上收攏如雙手合十，傳達祈福與祝願的意象。（圖片提供：交通部公路局、台灣設計研究院）

作為 Zaha Hadid 生前投入的最後幾個計畫之一，這座橋的落成對 ZHA 別具意義。「淡江大橋的性質跟單純的基礎交通建設不太一樣，它同時是一個公共工程，在台灣所代表的意義更可能超越了一座橋梁的範疇，承載著豐富的文化意涵，甚至有機會成為一座城市的符號與標誌，為這個城市、乃至這個國家，參與並設計屬於未來的文化象徵。」他補充道，巴黎有艾菲爾鐵塔，講起舊金山會想起金門大橋。人們對一座城市的記憶，往往濃縮在一個輪廓、一道弧線之中。或許這座從台北高樓遠眺隱約可見、在往返桃園機場的航班上俯瞰清晰可辨的大橋，終將成為我們心中辨認家鄉的印記。

黃劭暐
Zaha Hadid Architects（ZHA）副總監暨深圳辦公室負責人，主導粵港澳大灣區、東南亞及台灣的戰略營運。曾於洛杉磯多家知名設計事務所工作，2008 年起加入 ZHA，深度參與多項國際重要專案，包括：北京大興國際機場、南京國際青年文化中心、印度新孟買機場、利比亞黎波里人民會議廳、北京銀河 SOHO、深圳前海一丹教科文中心等。除擔任全球最大單塔不對稱斜拉橋台灣淡江大橋的專案建築師，近期也帶領團隊拿下並推進台北北門郵局都更案：國家創新創意及金融中心。

_{文｜吳哲夫　攝影｜Paddy Chao　圖片提供｜交通部公路局、台灣設計研究院}

JINS × 海澤維克工作室聯名！以「Liquid」為靈感，結合水波流動曲線、自然色彩的設計眼鏡

by Ian Liu 2026-05-15

JINS 海澤維克 thomas heatherwick

JINS × 海澤維克工作室聯名眼鏡！以「Liquid」為靈感，結合水波流動曲線、自然色彩的設計眼鏡

日系眼鏡品牌JINS與英國海澤維克工作室（Heatherwick Studio）跨界聯名，透過「以人為本」的設計理念，將常以直線輪廓示人的眼鏡，轉化成有如水波流動般的曲線，並從大自然各種液態景緻中汲取6大色彩，打造出獨具特色的設計眼鏡！

向來被稱作設計鬼才的海澤維克（Thomas Heatherwick），作品橫跨多個領域，從建築、都市規劃、產品與家具設計、時尚精品等，都能看見他充滿玩心又具實驗性的設計風格。如今，他首度進軍眼鏡市場，攜手日系品牌JINS，推出「JINS × Heatherwick Studio」聯名眼鏡系列（JINS流動美學系列）。

以Liquid為靈感，打造流動曲線、揉合大自然色彩的設計眼鏡

若你對海澤維克的作品不陌生，那一定能想得到這款聯名眼鏡顯然不會走傳統路線，而是符合他一直以來秉持嶄新、原創，以及符合人本的特色。本次「JINS × Heatherwick Studio」以「Liquid」為核心概念，靈感源自水面波紋與大自然起伏蕩漾流動姿態。

相較於傳統眼鏡多以工業製品的精準與對稱為設計基礎，海澤維克工作室將液體流動的柔軟瞬間轉化為鏡框線條，透過不對稱的輪廓、如水波般起伏的鏡腳細節，讓眼鏡不再只是修飾臉型的配件，而是一件能自然貼合臉部，襯托配戴者個性的日常物件。

海澤維克工作室執行合夥人Stuart Wood表示：「眼鏡訴說著配戴者的自我，是極為私人又親近的存在。然而現今的鏡框設計往往過於單一，難以貼近個人的獨特個性。比起冰冷的工業製品，我們更追求宛如受自然之力洗禮、自然形塑而成的『有機形態』。」而每當戴上它時，配戴者都能遇見更有質感、更特別的自己。

在款式設計上，「JINS × Heatherwick Studio」共推出樹脂膠框與鈦金屬鏡框兩大類型。樹脂膠框款以具份量感的框型呈現液體般的流動曲線，包含Grey Mist水面晨霧、Amber Stone琥珀、Stream Fern水生植物與Obsidian Black黑曜石等色彩，分別呼應薄霧浮於水面、琥珀樹脂的溫潤深度、清澈溪流下的水生植物，以及火山岩與深邃溪谷的沉靜光澤。