橙果設計打造孩童新未來樂園
延續2014年的成功迴響，今年寒假，橙果設計再度結合日本TeamLab互動技術，於2015年2月2日(一)至2015年3月8日(日)間，假新光三越台北信義新天地A9館9樓展覽館，舉辦「學習！未來的遊樂園」2015 3D太空奇幻世界特展，將互動主題延伸，融入更多創意故事，為孩子們打造更大規模的互動遊樂園，鼓勵小朋友們透過遊樂的過程中，盡情揮灑無限創意異想，活化傳統邏輯思維，感受全方位互動體驗。

擴大規模推動學習！未來的遊樂園 全新元素超吸睛
有別於以往的靜態展覽，2015年「學習！未來的遊樂園」更拓展規模，推出「3D彩繪太空城」、「精靈遊樂桌」、「氣球熊先生拍照機」、「遠古精靈神話」、「光球管弦樂團」、「串聯吧！積木列車」，共六個主題故事展區，讓教育融合娛樂，透過最新的互動科技讓小朋友們發揮想像力自由創作並盡情玩樂。

此次特展以令人耳目一新的3D技術呈現立體奇幻太空城，透過現場及時掃描，讓小朋友們想像成真，隨手創作出的太空船在太空城市中恣意奔馳，更藉由揮手等動作與作品互動，可放大縮小太空船外，同時小心閃避太空巨獸！而首次加入的氣球熊先生故事角色，也將與夥伴們變身為「學習！未來的遊樂園」的導覽員，在展場鼓勵大小朋友們勇敢探索，歡樂共創。2015 3D太空奇幻世界特展中，除了獨樹一格且繽紛飽滿的視覺呈現外，隨著彩色光球交織出的管弦樂曲，環繞著五光十色的聲光效果，為所有參展的大小朋友們，打造一場難忘的感知體驗。

六大主題區拓展創意思維 互動科技呈現藝術美感
橙果設計為不同年齡層推動的「學習！未來的遊樂園」2015 3D太空奇幻世界特展，結合日本TeamLab的最新互動科技，透過燈光音效與繽紛色彩，呈現繽紛絢麗的立體畫面。在樂園中，孩子們親手彩繪的汽車、太空船等，透過現場即時掃描於太空幻想城市中盡情奔馳；可愛的小精靈，在桌上、指尖甚至是手機旁俏皮跳躍、嬉戲；幾塊不同色彩與形狀的積木任意擺放便變化出不同的鐵道或航線，滾動的大球互相撞擊交織出活潑色彩與旋律；透過超大螢幕的3D影像與指尖滑動、觸摸，運用象形文字及畫面中的各種生態奇景召喚出遠古神話中的精靈與動物，讓孩子在樂園中透過身體感知體驗，和週邊的大小朋友共同創造非規則性、不可預期的互動結果，讓參與者在互動過程中跳脫填鴨教育的思維模式，引發心中無限的創意想像。

無形框架延展有形規範 橙果設計打造數位創意樂園
每個孩子出生時都是無框的一張白紙，為了讓他們融入社會的規範與體制，給予他們規範的框架，孩子在框內長大，成為符合社會規範中獨立的個體。對橙果設計而言，框也可以是一種精心設計的架，具有彈性可以延展，提供消費者可以參與並能盡情揮灑的畫布。「學習！未來的遊樂園」就是一個在具有框形故事下提供孩子創作的實例。讓教育結合育成及娛樂，透過互動科技讓故事變的生動且容易理解，同時促進肢能與智力發展，讓孩子在自己體驗事務的過程中，累積經驗並學習知識；除此之外，「學習！未來的遊樂園」中的多元故事展區，讓不同年齡層的大小朋友皆能一同遊樂，創造家庭共玩的美好經驗，寓教於樂之際亦能兼顧邏輯組織與創意活化，提供多元媒體世代孩子最適合的學習模式。

信義區最夯遊樂據點 寒假春節親子同遊最佳去處
隨著寒假春節的到來，橙果設計於台北信義新天地A9館，推出讓人耳目一新的數位互動遊樂園，「學習！未來的遊樂園」2015 3D太空奇幻世界特展，將以更多元的故事元素與主題，結合聲光效果十足的互動體驗擴大展出，將成為寒假與春節期間，親子同遊的最夯遊樂據點。「學習！未來的遊樂園」邀請大小朋友們喚起內心的童趣玩心，一同加入「學習！未來的遊樂園」的奇幻太空異想。

展區介紹
A.3D彩繪太空城3D Sketch Town
彩繪太空幻想城市中的繽紛場景，各式各樣的房屋、汽車、太空船等，現場即時掃描將創意作品立體地呈現在城鎮中，透過觸碰建築與交通工具進行互動，還會有外星怪獸不定時會來大搞破壞喔！
B.精靈遊樂桌A Table Where Little People Live
這是一張小精靈居住的桌子，他們每天勤勞的在桌子裏頭來回奔跑。將手或是物件擱置在桌子上頭，精靈們就會發覺，然後一躍而上，透過你我的創意，讓可愛的小精靈們互相幫助，觸碰溫暖的陽光吧！
C.氣球熊先生拍照機Mr. Balloon Bear Camera
透過肢體互動、自動拍照的數碼顯示板，透過鼓勵創意思考的氣球熊先生，帶領參觀者以手勢與身體的動作選擇不同的拍照畫面，並以動作加入畫面內的互動特效，留下個人化效果的創意照片。
D.遠古精靈神話Story Of the Time When Gods Were Everywhere
在遠古時代裡不管是森林、草原、山嶺、河川之中都寄宿著神靈，據說人們為了和這些神靈溝通交流而創造出了象形文字，透過對文字與圖像的召喚，和周圍人所創造的世界交互作用，不斷創造出全新的剎那美景。
E.光球管弦樂團Light Ball Orchestra
藉由碰觸、滾動環境中大小不同的光球，周圍的球體也會跟著一起改變顏色或是發出聲音。所有的球體之間具有音與光的關連性，只要敲擊其中一個，周圍的球體也會發出聲音。讓孩子在這樣的空間裡頭可以一邊注意彼此之間的變化，一邊享受宛如交響樂空間的樂趣。
F.串聯吧！積木列車Connecting! Train Block
藉著放置各式各樣的積木，積木與積木之間就會產生鐵路與車道，當許多列車及汽車開始行駛，街道的輪廓也就逐漸發展活絡。孩子們自由堆疊的積木，造就出共同的城市街道。

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圖文資料提供 橙果設計

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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