方序中:面對艱困僵局,我選擇發揮創意,突破限制

方序中:面對艱困僵局,我選擇發揮創意,突破限制

「經典,是永不退流行;但經典,卻不能只是墨守陳規」。即使經過80年的時間磨礪,Converse Jack Purcell系列依舊保有強烈的自我革新精神,不怕挑戰經典,以新的時代思維走出自己的路。全新的「Jack Purcell Signature Jungle Cloth」鞋款,就在這樣的設計態度下完美誕生。

 

而生活中也有一群人,有著Converse Jack Purcell的靈魂,面對未知的每一步,依舊堅持夢想,不怕改變,做自己認為對的事。橫跨唱片、藝文、設計等多面向的創意工作者方序中,跳躍在不同方格中,仍沒忘記最初的電影夢。即使看似繞了一大圈繞路,卻遊走出更大天地,用更加鏗鏘有力的語彙訴說設計的故事。

 

最愛說故事角色

關於方序中,很難用三言兩語形容他的頭銜,曾任好氏創意的創意總監,目前同時為究方社負責人、Sense30視覺總監、熱血品牌創意總監、音樂專輯設計師……前一陣子,他也才剛加入了2015 臺北設計城市展的陣容,接下來還要投入於演唱會、以及舞台劇的案子當中。面對這麼多的角色扮演,或許讓人看了眼花繚亂,但方序中笑著說,他所扮演的角色,其實就只是「說故事的人」。抱持著這個堅持與想法,也帶領他進入了設計這一行。

 

從小嚮往有故事的畫面,方序中長大後原本想進入電影行列中,但在前輩的建議下,如果一開始就投入電影,會很像待在一個小房間出不來,不如用喜歡與擅長去外面繞一圈,接觸到更有趣的再繞回來。方序中說,這樣的看法到現在還影響著自己,「現在我看很多事都是設定方向而不是設定點,當我碰觸更多的時候,只要方向抓準了,就是往對的方向前進。」因此,以設計為圓心,往外不斷的開疆拓土,也為方序中在設計上帶來更飽滿的能量。

 

設計首重想像力

以唱片設計的角色為人所熟知的方序中,其實有好一陣子原本從事與音樂無關的設計以及輔導傳統產業。但在因緣際會下,他開始設計了第一張專輯封面,也開始用設計為音樂說故事。以阿妹的《偏執面》專輯為例,就是他眼中玩得很開心的一個作品。「過去做唱片設計,都是唱片公司先排好版,選好封面後再給我一張光碟,但我不太習慣這樣的合作,感覺就只是做一個好看的編排,設計與音樂之間沒沒有任何關連。」

 

不過,在設計《偏執面》的過程中,方序中以白色為基調,試圖為純白找出不同的情緒與層次。「我們嘗試為每首歌配對不同的紙張,讓每首歌歌詞的用紙都不一樣。另外我們也在歌詞背後寫下每首歌的溫度,而數字在紙張上的位置,也是我們認為它在世界的樣子。」找出每首歌不同的觸感、視覺與想像力,讓方序中想說的故事帶來了更多感動。

 

此外,孫燕姿休息好一陣子再出發的《克卜勒》專輯,也是方序中最喜歡的作品之一。延續著「宇宙裡很多星星,最閃亮的的依然在那裡」的專輯概念,方序中讓專輯如同被隕石包覆,並在封面上放上了一組摩斯密碼讓閱聽者自己去解讀。他感性地說,即使訊息經過了轉換,但它背後的含意卻是不會被時間和距離所阻隔與影響的。

 

調整心態面對挑戰

方序中的作品洋洋灑灑,雖然外表看似風光,挑戰當然也不少。他舉例表示,很多時候公司會出很少預算,卻要做出一個特別設計時,就是一個很大的挑戰。而撇開預算問題,他認為人與環境的關係,也在考驗著自己。「案子大致可分為幾種:錢多無聊、或是錢少卻有價值,要怎麼去好好面對,心態的調整很重要。」

 

雖然自己還處於「被環境選擇」的狀態,但是至少要保有「選擇環境的方向。」他接續著說,「現在每接到一個案子,我都會要求我的團隊同時滿足三個條件,第一是客戶能想像的,第二是我們能想像的,第三是天馬行空,目的是要挑戰客戶極限,讓雙方共同成長。」對於設計師而言,創意與細節是挑戰,同時也是設計師必定要有的的獨門功夫。除了大膽發想,更需要細節才能走出與眾不同的路。「我常說,不能在設計上做設計、創意上想創意!」

 

方序中認為,細節就在於培養興趣、聊天、運動、交朋友等不同面向當中,從生活中尋找答案。「創意是一種浪漫,除了能解決問題之之外,更要丟出一種新的思維與邏輯。」他以電影《回到未來》系列與最近上映的《絕地救援》為例,創意工作者為未來提出了新的看法與觀點,這正是創意工作者的使命與價值所在

 

跨越界線不斷前進

談到最近的跨界合作案「小花。門裏門外 家_寫真」計畫,將眷村文化保存議題結合視覺設計,與群眾募資平台 flyingV 合作籌募資金,方序中依舊以他一貫慢條斯理的口吻表示,這應該是他目前遇到最難的角色扮演。

 

「以往的設計案很清楚的,就是要用大家聽得懂得的語言與美感來溝通呈現,但我們這次選擇了這幾年來在台灣開始火紅的群眾募資,其困難點在於,要怎麼用新的說話方式和大家溝通。」身為眷村子弟,方序中表示,案子的想法很單純,就是期望從自己家鄉的土地回憶保存開始,喚起大家對家鄉及珍貴眷村文化的重視和保存!

 

接下來,方序中腳步不停歇,依舊有滿滿的計畫。對於設計他仍不設限,但唯有腳踏實地,相信創意的力量,才能創造出讓人感動的作品,帶來改變世界的可能性。如果說,站在創意之上,不怕挑戰勇於跨越邊界,是屬於Converse Jack Purcell 的精神;那麼,活躍於平面設計、唱片封面、產品包裝等多個領域的創意人方序中,或許就是這種勇敢走自己的路的浪漫代表。每跨出一步,都是理想的實踐,不論路徑如何取捨、角色如何變換,都在為抵達目標蓄積能量!

 

Text、Photo / 大人物

專訪插畫家陳姝里:玩泥弄土,捏出一顆自由的心

(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

「對我而言,創作不會總是有很強烈的意圖。」一開口,陳姝里如此輕描淡寫,卻正好道出她在藝術創作之路上「自然而然」轉向陶藝的關鍵。過去十餘年,她穿梭在插畫與平面設計之間,也因此在插畫界中闖出一番成績。只是,日復一日,面對形形色色的客戶需求,她漸漸無法沉浸在「純創作」的心流之中。「會去捏陶,就像是一種自然轉換的過程,因為當時的我,很需要自己的空間,不僅是實體的空間,心理也是……」

創作的起點

日光穿過半掀的調光簾透進屋內,落在工作桌上散落的色紙碎片。這些看似「無用」的東西,偶然被陳姝里收了起來,並衍生出她的創作系列:《拾獲物》(found object)。

「這些色紙碎片是剪紙過程中剩餘的材料,本來應該要被丟進垃圾桶的,但我覺得這些造型不一的圖形,其實更吸引我。於是我就把喜歡的碎片變成新的創作素材,拼貼出《組合》這系列作品。」

陳姝里剪紙剩餘的色紙碎片,衍生出她後續一連串的《拾獲物》創作系列。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里剪紙剩餘的色紙碎片,衍生出她後續一連串的《拾獲物》創作系列。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

偶然出現的碎紙片,意外帶給陳姝里更純粹、單純的創造樂趣。平時面對繁雜的平面設計與插畫工作,容易使她陷入過度的計畫與目的性。然而在這些碎紙片面前,心思卻能回到最初的空白。「這些剪紙碎片構成的創作,我叫它們『小雕塑』。某一天,我突然有個想法,如果把這些平面的紙片,變成立體的作品,可以怎麼呈現?」

可以說是記憶使然,陳姝里立刻想到一種既熟悉又陌生的創作手法:陶作。原來,陳姝里的舅舅是陶藝家,小時候陳姝里在過年時會去舅舅的工作室玩陶。大學也修過一學年的陶藝課,所以捏陶對陳姝里來說並不陌生。

剩餘的色紙碎塊,被陳姝里視為寶貝,她著迷這些色紙的造型,甚至大量蒐集再將其拼貼成為一件作品。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
剩餘的色紙碎塊,被陳姝里視為寶貝,她著迷這些色紙的造型,甚至大量蒐集再將其拼貼成為一件作品。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

捏陶,也是在捏塑自己的心

捏陶看似閒適,但她苦笑說自己其實沒什麼時間可以閒下來,大部分時間被工作填得密不透風。後來有了小孩,時間又被分割得零零碎碎。「以前我可以每天工作十個小時,但自從女兒出生,人生又多了一種角色和責任。生活一直處在停不下來,不斷忙碌、擔心的狀態。」

漸漸地,她感覺快被外界的人事物塞滿,內心沒有了自己的位置⋯⋯「我喜歡創作,但成為媽媽之後,時間變得很破碎,加上疫情嚴重的那年,我24小時育兒,一天也許只有30分鐘的空檔。但我還是想創作,我需要創作。我內心知道,若再不撥一點時間給自己,我會失控。」

在這個掙扎的時刻,陳姝里接觸到陶藝,摸到陶土的那一刻,她感到一股似曾相識的感覺。「我以為自己已經忘了,但觸覺帶我回到小時候,在家門口玩泥巴,把泥土捏成球。手中握著泥球,我好滿足。而捏陶的時候,我又感受到那種純粹的快樂。」

開始創作陶藝後,陳姝里就想要將《拾獲物》中的平面造型化為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
開始創作陶藝後,陳姝里就想要將《拾獲物》中的平面造型化為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

放下執念,享受不可控

對陳姝里而言,不論是紙片創作、插畫,或是後來的雕塑、捏陶,本質都相通。她喜歡組合與拼貼,就像剪紙的碎片可以重新拼出新的造型;陶土也是如此,需要一塊一塊地塑造、連結,再進窯燒製。

然而,創作不總是順利。偶爾作品會在燒製過程中出現意想不到的變化,或是不如預期。但她並不懊惱,反而樂於接受這種「不可控的成果」。「把錯誤留給媒材」是她打破完美、走向自由的一步。

一邊說,一邊拿出一樣作品。陳姝里試著把那個作品立起來,但隨即就倒下去:「這是一個立不起來的作品,我取名為《水平》。它也是我把剪紙碎片立體化的成果,本來想把陶土實心的部分挖除,讓作品平衡站起,沒想到作品還是無法站立。由垂直站立的狀態變成只能水平擺放。似乎是要我放下執念,接受它最後的狀態。」

陳姝里在原有的工作室裡,再整理出一個專屬創作陶藝的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里在原有的工作室裡,再整理出一個專屬創作陶藝的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

她笑笑地繼續說:「所以這是一個失敗的作品嗎?我不這麼認為。或許對有些人來說,這是失敗品。但我卻因此看到,它有其他呈現方式。不只《水平》,我也有其他作品燒完後乍看不喜歡,但時間一久卻慢慢能夠欣賞它美的地方。」

陳姝里在大眾認知的「失敗」與「錯誤」中找到了另一種未曾想像的美。特別是當陶藝作品最後出窯時,會帶來無預期的驚喜或驚訝。她脈脈望著層架上的陶盤說道:「我好像也能更坦然面對生活中的不可控了呢!」

陳姝里熱愛作陶時的快樂,特別是捏塑作品造型時,她會想像自己走進作品,進入一個很純粹的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里熱愛作陶時的快樂,特別是捏塑作品造型時,她會想像自己走進作品,進入一個很純粹的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

文字 / 洪孟樊

攝影 / 林家賢

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Olafur歌單4+1:承接你的心緒

 

❶ 《In Waves》

Jamie xx|2024

睽違9年,相較前張個人專輯的繽紛,這英國電音鬼才交出的作品更顯憂鬱複雜,卻眼望舞池的純真快樂。

 

❷ 《Lahai》

Sampha|2023

生於西非獅子山裔移民家庭,英國非裔音樂人Sampha第2張專輯冠以祖父之名,揉合電子與靈魂樂,探索自己成為父親後的內省與溫暖。

 

❸ 《Enjoy the Silence》

Naima Joris|2025

這位疫情期間因社群翻唱而備受注目的比利時爵士歌手,回歸初心重新詮釋曾療癒她的歌曲。

 

❹《Go》

Jónsi|2010

這是Sigur Rós主唱Jónsi的首張個人專輯與個人的華麗冒險,夢幻假音飄盪, 在後搖與更流行的樂種間嬉玩。

 

同場加映:《I Hear You》

Peggie Gou|2024

因藝術收藏而相識,Olafur為活躍柏林的韓國DJ Peggy Gou首張完整專輯《I Hear You》設計專輯封面,她穿戴的作品便是Psychoacoustic empathy amp〉(2023);Olafur也執導單曲〈1+1=11〉MV,並將場景設定在他的柏林工作室,親自獻上一舞

 

Olafur書單×6:餵養你的靈感

 

❶ 《Is a River Alive?》

Robert Macfarlane|2025

土地是否能擁有人格權?Olafur觀察到台灣也正處理這議題,賦予河流或山脈人格權,自然界便也有了自我保護的法理基礎。

《Is a River Alive?》,Robert Macfarlane,W. W. Norton & Company,2025。(圖片來源:W. W. Norton & Company)
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❷ 《Conflict Is Not Abuse》

Sarah Schulman|2016

資深酷兒運動者直面當代痛點:我們太快將不適貼上受害標籤?這部挑釁之作解構二元對立思維,呼籲重新思考責任與修復。

《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)
《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)

 

❸《山之生》

Nan Shepherd|1977(中譯版-新經典文化|2019)

手稿沉睡30年後,這位蘇格蘭女作家畢生的登山札記才問世。她以詩人之眼凝視高地荒原,成為自然書寫的經典。

《山之生》中譯版,Nan Shepherd,新經典文化,2019。(圖片來源:新經典文化)
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❹ 《The Discovery of Slowness》

Sten Nadolny|1983

海軍傳奇在冰天雪地中尋找西北航道,天生行事緩慢卻屢建奇功,挑戰效率至上的現代迷思。

《The Discovery of Slowness》,Sten Nadolny,Penguin Publishing Group,1997。(圖片來源:Penguin Publishing Group)
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❺ 《心靈的傷,身體會記住》

Bessel van der Kolk|2014(中譯版-大家出版|2017 )

這本書顛覆創傷研究的既有認知, 認為痛苦不只存在腦海,更銘刻在 身體之上,重新思考療癒的定義。

《心靈的傷,身體會記住》中譯版,Bessel van der Kolk,大家出版,2017。(圖片來源:大家出版 )
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❻ 《The End of Nature》

Bill McKibben|1989

在氣候變遷尚未被關注之時,McKibben便已提出獨立於人類之外的「自然」已不存在,我們需要重新審視與環境的關係。

《The End of Nature》,Bill McKibben,Random House Trade Paperbacks,2006。(圖片來源:Random House Trade Paperbacks)
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Olafur Eliasson,柏林。(攝影:Vidar Logi, 2024|Courtesy of CIRCA © 2024 Olafur Eliasson)
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奧拉弗.埃利亞松 Olafur Eliasson

冰島-丹麥藝術家,1967生於丹麥哥本哈根,工作室位於柏林。作品探索藝術與世界的廣泛連結。自1997年起,他的個展陸續於世界各大美術館展出,創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影,以其挑戰感知並強調環境共創的展覽與公共裝置,在國際藝壇享有盛譽。2003年,他在倫敦泰德現代美術館的渦輪大廳創作《The weather project》,以迷霧籠罩的巨大發光「太陽」創造沉浸式體驗。2008年,他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布,呈現於《The New York City Waterfalls》計畫中。埃利亞松亦透過藝術探索氣候變遷的議題,例如2014年,他將格陵蘭冰川的碎冰帶至哥本哈根市中心,隨後2015年在巴黎、2018年於倫敦再次展出此《Ice Watch》計畫,讓路過的民眾得以親手觸摸來自格陵蘭的冰川碎片,見證冰川融化消逝的脆弱過程。2012年,創立社會企業「小太陽」(Little Sun),並持續參與其發展至2024年。2014年,他與Sebastian Behmann共同成立Studio Other Spaces,這是一間專注於藝術與建築的創作機構。

更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》

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