「經典，是永不退流行；但經典，卻不能只是墨守陳規」。即使經過80年的時間磨礪，Converse Jack Purcell系列依舊保有強烈的自我革新精神，不怕挑戰經典，以新的時代思維走出自己的路。全新的「Jack Purcell Signature Jungle Cloth」鞋款，就在這樣的設計態度下完美誕生。

而生活中也有一群人，有著Converse Jack Purcell的靈魂，面對未知的每一步，依舊堅持夢想，不怕改變，做自己認為對的事。橫跨唱片、藝文、設計等多面向的創意工作者方序中，跳躍在不同方格中，仍沒忘記最初的電影夢。即使看似繞了一大圈繞路，卻遊走出更大天地，用更加鏗鏘有力的語彙訴說設計的故事。

最愛說故事角色

關於方序中，很難用三言兩語形容他的頭銜，曾任好氏創意的創意總監，目前同時為究方社負責人、Sense30視覺總監、熱血品牌創意總監、音樂專輯設計師……前一陣子，他也才剛加入了2015 臺北設計城市展的陣容，接下來還要投入於演唱會、以及舞台劇的案子當中。面對這麼多的角色扮演，或許讓人看了眼花繚亂，但方序中笑著說，他所扮演的角色，其實就只是「說故事的人」。抱持著這個堅持與想法，也帶領他進入了設計這一行。

從小嚮往有故事的畫面，方序中長大後原本想進入電影行列中，但在前輩的建議下，如果一開始就投入電影，會很像待在一個小房間出不來，不如用喜歡與擅長去外面繞一圈，接觸到更有趣的再繞回來。方序中說，這樣的看法到現在還影響著自己，「現在我看很多事都是設定方向而不是設定點，當我碰觸更多的時候，只要方向抓準了，就是往對的方向前進。」因此，以設計為圓心，往外不斷的開疆拓土，也為方序中在設計上帶來更飽滿的能量。

設計首重想像力

以唱片設計的角色為人所熟知的方序中，其實有好一陣子原本從事與音樂無關的設計以及輔導傳統產業。但在因緣際會下，他開始設計了第一張專輯封面，也開始用設計為音樂說故事。以阿妹的《偏執面》專輯為例，就是他眼中玩得很開心的一個作品。「過去做唱片設計，都是唱片公司先排好版，選好封面後再給我一張光碟，但我不太習慣這樣的合作，感覺就只是做一個好看的編排，設計與音樂之間沒沒有任何關連。」

不過，在設計《偏執面》的過程中，方序中以白色為基調，試圖為純白找出不同的情緒與層次。「我們嘗試為每首歌配對不同的紙張，讓每首歌歌詞的用紙都不一樣。另外我們也在歌詞背後寫下每首歌的溫度，而數字在紙張上的位置，也是我們認為它在世界的樣子。」找出每首歌不同的觸感、視覺與想像力，讓方序中想說的故事帶來了更多感動。

此外，孫燕姿休息好一陣子再出發的《克卜勒》專輯，也是方序中最喜歡的作品之一。延續著「宇宙裡很多星星，最閃亮的的依然在那裡」的專輯概念，方序中讓專輯如同被隕石包覆，並在封面上放上了一組摩斯密碼讓閱聽者自己去解讀。他感性地說，即使訊息經過了轉換，但它背後的含意卻是不會被時間和距離所阻隔與影響的。

調整心態面對挑戰

方序中的作品洋洋灑灑，雖然外表看似風光，挑戰當然也不少。他舉例表示，很多時候公司會出很少預算，卻要做出一個特別設計時，就是一個很大的挑戰。而撇開預算問題，他認為人與環境的關係，也在考驗著自己。「案子大致可分為幾種：錢多無聊、或是錢少卻有價值，要怎麼去好好面對，心態的調整很重要。」

雖然自己還處於「被環境選擇」的狀態，但是至少要保有「選擇環境的方向。」他接續著說，「現在每接到一個案子，我都會要求我的團隊同時滿足三個條件，第一是客戶能想像的，第二是我們能想像的，第三是天馬行空，目的是要挑戰客戶極限，讓雙方共同成長。」而對於設計師而言，創意與細節是挑戰，同時也是設計師必定要有的的獨門功夫。除了大膽發想，更需要細節才能走出與眾不同的路。「我常說，不能在設計上做設計、創意上想創意！」

方序中認為，細節就在於培養興趣、聊天、運動、交朋友等不同面向當中，從生活中尋找答案。「創意是一種浪漫，除了能解決問題之之外，更要丟出一種新的思維與邏輯。」他以電影《回到未來》系列與最近上映的《絕地救援》為例，創意工作者為未來提出了新的看法與觀點，這正是創意工作者的使命與價值所在。

跨越界線不斷前進

談到最近的跨界合作案「小花。門裏門外 家＿寫真」計畫，將眷村文化保存議題結合視覺設計，與群眾募資平台 flyingV 合作籌募資金，方序中依舊以他一貫慢條斯理的口吻表示，這應該是他目前遇到最難的角色扮演。

「以往的設計案很清楚的，就是要用大家聽得懂得的語言與美感來溝通呈現，但我們這次選擇了這幾年來在台灣開始火紅的群眾募資，其困難點在於，要怎麼用新的說話方式和大家溝通。」身為眷村子弟，方序中表示，案子的想法很單純，就是期望從自己家鄉的土地回憶保存開始，喚起大家對家鄉及珍貴眷村文化的重視和保存！

接下來，方序中腳步不停歇，依舊有滿滿的計畫。對於設計他仍不設限，但唯有腳踏實地，相信創意的力量，才能創造出讓人感動的作品，帶來改變世界的可能性。如果說，站在創意之上，不怕挑戰勇於跨越邊界，是屬於Converse Jack Purcell 的精神；那麼，活躍於平面設計、唱片封面、產品包裝等多個領域的創意人方序中，或許就是這種勇敢走自己的路的浪漫代表。每跨出一步，都是理想的實踐，不論路徑如何取捨、角色如何變換，都在為抵達目標蓄積能量！

Text、Photo / 大人物

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

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想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group