俄羅斯當代藝術之窗：格拉吉當代藝術博物館與世界級建築事務所OMA的對話

由俄羅斯首富Roman Abramovich之妻Dasha Zhukova於2008年成立的格拉吉當代文化中心，2015年從莫斯科北部的Bakhmetievsky公共汽車車庫搬遷至高爾基公園（Gorky Park）內，並終於擁有第一個恆遠的家。

從「當代文化中心」轉變至「當代藝術博物館」，年僅34歲的Zhukova對於美術館已有不同願景，不再只是引介世界當代重要的藝術作品予群眾，而以建立俄羅斯的當代藝術收藏為目標，也是俄羅斯首座專注於本國當代藝術文獻收藏的檔案研究室及公共圖書館。

首席策展人Kate Fowle說道：「格拉吉當代藝術博物館（Garage Museum of Contemporary Art）的目標是在莫斯科建立讓當地的當代藝術圈、當代藝術家及策展人皆能逐漸發展的藝術生態。」如今藝術界琅琅上口、藝術市場關注的仍是18世紀至20世紀初的印象派和現代主義畫家，Fowle希望改變這個現況，讓位於藝術邊陲的俄羅斯當代藝術在世界發光發亮。

因而策展軸線除了持續展出世界級大師之作如草間彌生、Louise Bourgeois；另一軸線則聚焦俄羅斯當代藝術家，2014年春季，Fowle策展的《Personal Choice》，就親身拜訪了22位俄羅斯的頂級藏家，請他們從自身收藏中分享對自己最有意義的作品，除了世界知名的大腕級藝術家外，在俄羅斯已有一定地位的當代藝術家如Konstantin Khudyakov、Vladislav Mamyshev-Monroe（已身故）也浮上名單，以更生活的角度認識俄羅斯當代藝術；最新展出的《Open Systems：Self-Organized Art Initiatives in Russia: 2000–2015》則探討過去15年俄羅斯藝術家所有自發性在廢棄空間或自家公寓辦展，藉以爭取發言權的行為，從各種不同視角呈現俄羅斯當代藝術的風貌。

蘇維埃建築的集體氣息
走入格拉吉當代藝術博物館，原址是曾經興盛的四季餐廳，席坐1,000人的熱絡空間，卻在1991年蘇聯解體之後，逐漸衰落，終至荒廢。然而這座建築，卻有著蘇聯時期的經典建築元素。

負責重建這座老建築的普立茲克獎得主、建築大師Rem Koolhass過往接受採訪時就曾說道：「蘇聯的共產系統有許多負面作為，但是此建築的寬廣及開放性則不在其中。」

統籌格拉吉當代藝術博物館項目的OMA高級建築師Ekaterina Golovatyuk，接受La Vie專訪時更進一步闡明：「這座建於六十年代後期的公共建築，擁有非常寬闊且有效率的空間，滲透著一種『集體』氣息，及雄偉的觀感。這類建築大多數以廉價材料和預製工業元件建造，因此可以在莫斯科甚或整個俄羅斯隨處複製。能夠參與這棟歷史遺跡的改造工作，我們都感到很不可思議。」

創新手法保留馬賽克壁畫
改造老建築，永遠無可避免地回答什麼該留下、什麼又該改變？而在格拉吉當代藝術博物館，Golovatyuk說：「我們希望能盡量合理保留原來的建築肌理，再注入清晰可見的當代元素和設計手法，兩者互補，令原來的建築成為當代博物館空間。」OMA 悉心保留蘇聯時代的馬賽克壁畫、磁磚，然而色彩豐富的室內空間，不免影響展品呈現、美術館純粹的「白盒子」特質。為此，OMA 特意施展了如收納大師的空間魔法，讓白色牆板隱身在天花板上，透過鉸鏈即可將天花板上的牆板移動變身垂直牆面，置放展品，創造白盒子空間，不僅保留建築原貌，又同時顧及了美術館的展覽功能。

量體外層的「聚碳酸酯幕牆」則為老建築注入當代靈魂。Golovatyuk說：「我們選擇聚碳酸酯幕牆基於幾個原因。這種材料具有很好的隔熱性能，同時又輕巧，能呈現半透明效果，安裝也便捷。聚碳酸酯將日光分散到室內，而高爾基公園的景色透過聚碳酸酯幕牆幻化成一幅明亮活潑的抽象畫。」周圍高爾基公園的扶疏樹景，淺淺映照於牆上，柔和鑲嵌於地景中，尊重歷史，卻不囿於歷史，是OMA 對老建築的再詮釋。

有別於一般俄羅斯美術館總與觀者抱持距離，Zhukova 希望能吸引對於當代藝術感到陌生的一般大眾，將在俄羅斯總是單向傳遞訊息的 guide（導覽員）改為與群眾雙向互動的mediator（傳遞者；中間人），親切歡迎每一位參觀者；美術館內更附設俄羅斯美術館少有的咖啡店、書店，並開設眾多教育學習課程，讓大眾生活走入藝術。

關於OMA

由知名建築大師Rem Koolhaas所領軍的OMA（Office for Metropolitan Architecture，大都會建築事務所），是世界最重要的建築團隊之一，其面向涵蓋建築、城市及文化的分析與批判。Rem Koolhaas從不害怕以建築提問或實驗，透過建築回應當地地景、社經、政治等多面議題。著名作品包括西雅圖中央圖書館、荷蘭舞蹈劇場、PRADA紐約旗艦店、De Rotterdam大樓、Fondazione Prada，以及未來將完工的台北藝術中心等。

Text / 彭永翔 

Photo / David X Prutting、Egor Slizyak、Iwan Baan、Vasily Babourov、Yuri Palmin

via / OMA、The Easton Foundation / RAO, Moscow、Garage Museum of Contemporary Art

由土耳其裔新媒體藝術家Refik Anadol與文化研究者Efsun Erkılıç共同創立的DATALAND，2026年6月於洛杉磯The Grand LA正式開幕。該美術館不僅展示AI創作，更希望打造一座持續生成並與觀眾互動的文化場域，重新思考人類、科技與藝術之間的關係。

一座結合資料、藝術與科學的智慧文化平台

不同於傳統美術館以展示歷史和典藏作品為核心，DATALAND將「資料（Data）」視為新的藝術媒材。館方提出「活的美術館（Living Museum）」概念，試圖重新定義數位時代的藝術表達方式。

以創作資料藝術的新媒體藝術家Refik Anadol成長於伊斯坦堡，受《銀翼殺手》啟發，長期探索科技、記憶與空間的關係。創立跨領域工作室後，他在2016年獲選為Google的AI駐村藝術家，並透過作品《Archive Dreaming》運用AI將龐大資料轉化為沉浸式藝術，持續探索機器學習、記憶與現實的邊界。今年開幕的DATALAND是工作室成立十年的里程碑，希望打造一充滿動感與變幻的互動空間。

延伸閱讀：專訪土耳其藝術家Refik Anadol：MoMA典藏作品到全球首座AI博物館，如何以數據美學掀起當代文藝復興？

而DATALAND除了舉辦展覽，其願景不止於藝術館本身。未來將建立一涵蓋各類AI藝術作品的綜合館藏，鼓勵藝術家駐村，並提供教育計畫與研究平台，串聯藝術家、科學家、研究機構及科技產業等各界人士，期望成為探索AI藝術與文化的重要據點。

值得一提的是，館方特別強調所有AI模型皆建立於合法授權與公開合作的資料來源，並將透明的資料治理與環境保護視為重要發展方向，希望回應生成式AI在版權、資料使用、創作倫理與二氧化碳排放上的討論。

首檔展覽《Machine Dreams: Rainforest》帶你走進沉浸式熱帶雨林

開館首展《機器夢想：雨林（Machine Dreams: Rainforest）》橫跨五個展區，透過人工智慧、即時運算和可穿戴裝置，結合光影、聲音、氣味與互動感測，打造沈浸式的多感官體驗。每一次演算都可能因時間、環境和觀眾互動而產生不同畫面，植物、光影、色彩與森林景觀皆隨著AI運作不斷變化，讓觀眾不只是觀看作品，更是走進一座由資料生成的12億像素數位雨林實境，添加展覽的趣味和多樣性。

光影、聲音、氣味交織，打造多重感官體驗

DATALAND強調身體與空間的互動。挑高展廳以360度投影，搭配雨林環境錄製的自然聲景、低頻音場與森林氣味，營造出宛如置身熱帶雨林的沉浸式體驗。

展覽亦設置「Data Tunnel」，以可視化資料與互動展示，揭示AI如何從龐大的資料中學習和分析，再生成眼前的影像。觀眾除了欣賞作品，也能理解資料如何一步步轉化為藝術，進而思考科技與自然之間的全新關係。

此主題延續Refik Anadol近年持續關注的自然議題。團隊以自行開發的AI模型 「Large Nature Model（LNM）」為基礎，運用Smithsonian、Cornell Lab of Ornithology、iNaturalist與倫敦自然史博物館等機構授權的自然資料，以及實地走訪全球熱帶雨林後蒐集的環境資訊，讓AI學習森林的紋理、聲音、生態與氣候，生成介於真實與想像之間的自然景觀。

重新定義未來美術館

近年來，Refik Anadol持續關注人工智慧是否能成為新的創作語言。在 DATALAND，觀眾得以進入作品之中，影響畫面的呈現，也能彷彿身臨其中地感受作品營造的環境，同時享受視覺、嗅覺、聽覺與觸覺結合的盛會。藝術的邊界正持續被改寫，或許在今日的數位時代，我們都將參與這場人類、自然與科技共同創作和碰撞的感官饗宴。

《Machine Dreams: Rainforest》

時間：即日起至2027年1月31日

地點：DATALAND（The Grand LA）

地址：100 S Grand Ave, Los Angeles, CA 90012, USA

網站資訊請點此

資料來源｜DATALAND、Related Companies

美國當代藝術家James Turrell的常設作品《As Seen Below – The Dome》，於2026年6月19日在丹麥ARoS美術館正式登場。這件高16公尺、直徑40公尺的《As Seen Below》，更是James Turrell第100件的「Skyspace」系列作品，別具意義。

探索光、空間與人類感知

1943年出生於洛杉磯的James Turrell，在年輕時取得飛行員的執照，長時間的飛行經驗，讓他深受天空、光線與感知變化吸引。他曾將飛行形容為一種近似冥想的經驗：置身於天空的遼闊之中，感受光線與色彩隨著高度、時間與天氣不斷流動。而這些經驗深刻形塑了他對「空間」與「光」的理解，同時成為他創作的靈感來源，也得以打造出挑戰人類現實感知的作品。

“Flying taught me to value the horizon as an important boundary between earth and sky. It’s this line I try to work with in many of my pieces.”（飛行教會我重視地平線，因為它是大地與天空之間一條重要的分界線。在我的許多作品中，正是圍繞著這條線進行創作。）

觀看這個行為本身就是藝術品

而James Turrell最具代表性的「Skyspace」系列裝置作品，是在空間頂部設置大型圓形開口，以框住開放的天空。這些經過精密設計的建築空間，營造出靜謐的氛圍，邀請觀者感受自然光線不斷變化的色彩與質地。如今，他的Skyspace系列作品遍布世界各地，持續引領人們放慢腳步、以全新的方式感知世界。他說，「建築將天空拉近，於是你意識到，『觀看』這個行為本身就是藝術品。」（The architecture brings the sky close, so you realise that the very act of seeing is the artwork itself.）

最大規模Skyspace作品登場

這件位於丹麥ARoS美術館的《As Seen Below – The Dome》，高16公尺、直徑40 公尺，也由於其規模、完成度與獨特表現形式，James Turrell將其形容為他至今最具企圖心的Skyspace作品。觀者可先經由地下通道進入作品，接著步入壯觀的室內穹頂空間；James Turrell標誌性的光線設計將覆蓋整個空間，同時透過上方的巨大開口，將天空收納進視野之中。

如何體驗《As Seen Below》？

而《As Seen Below》主要有3種觀看模式：在「Open Sky」模式下，巨大的穹頂空間顯得無邊無際，展現出開闊的天空視野；上方的圓形開口將把天空轉化為一幅不斷變化的生動畫布。「Colour Shift」將封閉天空的開口，使觀看的重點從天空轉向光與色彩本身；在這裡，光不只是照明工具，而是既塑造空間，也滲透於空間之中的具體存在。

在晝夜交替時分登場的「Twilight」模式中，穹頂開口將敞向天空，空間內的光線則隨著日出與日落緩緩轉換色彩，與自然光的變化相呼應。James Turrell透過空間中流動的色調來重塑人們的觀看情境，使天空的顏色彷彿也隨之流轉、時刻變幻。也正如他所說：「我可以把天空變成任何你想要的顏色。」

資料來源｜ARoS