數位藝術並非純供欣賞，還具備促進人們交流的功能。擅長製作數位互動裝置的日本公司teamLab，近年以多次大型展覽，擄獲無數海內外觀眾的心。《La Vie》特別飛往其位於東京的總公司，專訪共同創辦人兼社長猪子寿之，請他暢談創作的想法，以及隱含在作品背後，那份關切人們的溫暖心意。

先是一杯微量的咖啡，注入大量的鮮奶直至盈滿，再用棒子攪了半晌。teamLab 共同創辦人猪子寿之（Toshiyuki Inoko）像這樣，每向他提出一個問題，就會停頓好一陣子，才慢慢開口。看得出年關將近，整間辦公室都在廝殺奮戰，與我們的會面，不曉得是連續熬夜多久後才有的放緩片刻。

「我們是由很多工程師、建築家、數學家、CG 動畫師等專業人員組成的團隊。除了進行商業合作外，最主要是創作藝術作品，所以也可說是一個進行想像創作的團隊。」他笑說，「但要問公司怎麼成長到這麼大，哈哈，我還真的不知道呢。」

400 人浩大陣容，打造無限奇幻的遊樂園

由猪子寿之率領的teamLab，成立自2001 年，一開始是幾個熱愛新鮮事物的同窗組成的小團體，後來為了爭取更多經費完成從事藝術的夢想，開始接洽各種商業活動，編制也日益擴大，至今已有超過400 位成員，不論在國內外都是非常可觀的陣容。不過更可觀的，是他們利用高科技製作互動式裝置，打造出一個又一個令人驚豔的數位藝術空間。

「大學時我讀應用物理，接觸的都是如宇宙或原子這種，小到肉眼看不見，或根本碰不著的東西。但現在是一個新的時代，科學能改變人類對世界的看法，我覺得藝術也行。我出身理科，很懂科技，但又喜歡藝術，所以想把兩者結合。」

改變大眾觀點的具體方法，就是再造一個全新的世界。2015 年，teamLab 在東京台場舉辦《未來遊樂園》（Future Park）大展，其中一件作品〈水晶宇宙〉（Crystal Universe），使用多達6 萬顆LED 燈，走入場內，四周數不清的光粒子不斷閃爍、變色，並隨觀眾的行進產生不同花樣，甚至可以透過手機APP，將行星、恆星等元素投擲至眼前的螢幕中。半年創下近50 萬參觀人次，僅次於莫內和羅浮宮的外來展，是當年日本觀賞人數第三高、且為在世創作團隊中最受歡迎的展覽。不僅讓他們榮獲DFA 亞洲最具影響力設計獎科技類得主，該展還巡迴至美、星、泰、韓等地，並在去年底登陸台北華山文創園區，成為冬季最魔幻的數位大展。

讓傳統再活一次

若觀察teamLab 的作品，會發現他們十分擅長將傳統的日本元素，例如浮世繪經常出現的山岳、花葉、鳥獸等，生動重現於數位動畫。去年首屆《茨城藝術祭》中，將花朵倒映在沏好的茶內，就像飲入一抹芬芳，或讓遊客觸碰螢幕掉落的書法字，字體瞬間化為蝴蝶或花瓣飄去。森美術館2016 年末大展《宇宙と芸術展》的最後一件壓軸作，也是他們在小房間內施展魔法，讓螢幕裡棲於古木上的小鳥，隨音樂揚起，自由飛竄在無垠的宇宙中，無非是讓傳統活於當代的絕佳嘗試。

「我對工業革命以前的人類社會很有興趣。很多知識不再通用，但也許還潛藏一些未來可能會用到的線索也不一定。」他舉例，近代以前日本看待世界的方法，和現在大不相同，從繪畫用平面長軸式的角度呈現事物即可知曉。他們將這種2D 的美，投映在螢幕上，再透過動畫的方式讓它們獲得新生，特別是藉由電腦運算而非事先預錄，使每一刻的顯像都是唯一，更符合日式「一期一會」的唯美意境。

猪子寿之自豪地表示，在teamLab 出現之前，日本對數位藝術的想像，停留在使用Photoshop 等軟體進行編輯的層面，而他們將之推向超乎想像的美學境地。《紐約時報》曾讚譽，比起James Turrell 或Doug Wheeler 的光影作品像把人送上時光機器，teamLab 完全是另一種邏輯，宛若複合頻道的管弦樂團，歡樂地歌頌奔騰的進行曲。也因為這種全力投入的執著，感動了日本知名線上遊戲DMM.com，成為其最有力的資助者，繼續協助造夢的里程。

藝術，人和人相繫的觸媒

親手打造出美麗新世界之後，期望帶給人們什麼東西呢？「我希望透過數位藝術讓界線變得模糊。」講到背後目的，猪子寿之的表情轉為嚴肅。他指出，現代城市讓大眾彼此疏離，個人很容易覺得自己對社會沒有任何影響力。即便在經歷311 東日本大地震後，情況依舊沒有太大變化。而他們想要反轉這種觀念。

「如果今天你欣賞蒙娜麗莎時，小朋友在旁邊吵鬧的話，一定會覺得非常煩躁。但在我們的作品裡，小孩的奔跑反而讓花開得更漂亮。我希望透過創作，讓在同一個空間裡的他人，也有意義，並成為一個正向的存在。」他雙眼發亮地說，「如果都市本身變成一個數位藝術，物理外表不見得有太大的更動，但因為它是一個藝術空間，人與人的關係，或許可以因此改變也說不一定。」

乍看是由電腦運算構築的大型奇幻樂園，事實上卻隱含拉近與人們彼此間距離的想望。在大人小孩的歡笑和嬉鬧中，不斷激發更多意料之外的趣味。teamLab 的創作告訴我們，科技藝術並不冰冷，它可以帶來前所未有的絢爛視聽，也能融化人們平時僵固的互動模式，懷抱愉快的心，重新拾回對明日的希望。

猪子寿之

1977 年生於日本德島市， 畢業自東京大學工學部。1998 年感受到網路即將對時代產生衝擊，以及希望能和好朋友一起從事創作，發起teamLab，2001 年正式登記成為公司，他目前擔任teamLab 株式會社的社長。曾在日本節目《熱情大陸》的訪問中表示，「就算別人再怎麼說你的樣子難看，永遠不要結束懷抱希望和夢想的青春才是。」將自己比喻為小學四年級的男孩，始終充滿動力和純真想望。

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Text /  歐陽辰柔

photo / Kouzaburo Momose

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/10月號《韓國設計特搜》

想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group