還記得美術館牆壁是什麼顏色嗎?你忘了留心的美術館秘辛

美術館,原來如此!你記得美術館牆壁是什麼顏色嗎?_01

對建築師來說,設計美術館是一大難題?在軟體方面,美術館不可或缺的是收藏品,那硬體方面又是如何?曾任職於「巴黎奧塞美術館」並於2006年就任東京丸之內三菱一號館美術館第一任館長的高橋明也,他以《美術館,原來如此!》一書,深入剖析平常被大家忽略的美術館細節,這裡以高橋明也將告訴大家「美術館牆壁」的設計門道!


美術館的光線

美術館是光線明亮的玻璃帷幕現代建築,還是傳統的陰暗室內照明好?要說哪一種對藝術品來說才是最佳環境,當然是後者。這是因為藝術品最大的忌諱之一就是陽光,為了保存,希望能盡量遮光。當然溫溼度等空氣相關條件也很重要,基本上空調要保持攝氏21度上下2度以內,濕度變化則要在50RH加減3%-5以內左右,這是國際準則。對藝術欣賞來說,採光也是大家最關心的一件事。這是因為透過眼睛這個認知器官享受藝術作品時,效果是好是壞全賴光線影響之故。更麻煩的是包含波長各異的紫外線、紅外線等的光線,更是對藝術品產生傷害的元凶之一。

 

法國羅浮宮
法國羅浮宮 



但是最近使用玻璃帷幕光線充足的建築物很受歡迎。的確,站在來訪的觀眾角度來看,這種美術館有開放感,感覺很舒服。不過我自己每次去到光線明亮的美術館,都會悄悄在心裡想像:「啊,看來這位建築師掌握了主導權。」

 

最近在日本的建築業界流行拉皮和翻新,商業大樓的壽命也從50年縮短為30年。在這樣的現況當中,美術館雖還不到半永久,但對建築師來說仍是某種程度長期保存的設施,是非常想要挑戰的對象。美術館設計在創作面上也非常刺激創作力,有名建築師都想要設計美術館的理由就在這裡。

 

建築師和美術館的業主會產生摩擦是很自然的事。對美術館來說,尤其是對學藝員來說,作品的保存一直是最優先的課題,因此若從採光開始思考,會期待某種程度的封閉空間;相反地對建築師來說,採光則是空間設計的最優先事項,他們總是思考如何引進光線,在這裡就會產生極大的歧異。若沒有好好協調處理採光,美術館設計大多會以失敗收場。這一點是和其他商業建築或公共建物大不相同的地方。

 

奧塞美術館翻新成功的秘訣

採光正是建築方和美術館方的爭論焦點,不論偏向哪一方,都有可能使展示空間的品質變好或變壞。但也有成功的案例。2011年翻新後重新開幕的奧塞美術館(Musée d'Orsay )即為一例,下面我想來分析其改建工程的光線演出和換新壁紙。

 

最容易理解的例子就是雷諾瓦有名的名作《煎餅磨坊》(Le Moulin de la Gallette)。有的人已經去過翻新後的美術館,加上由於當時的影片、雜誌等等大幅報導,應該也有很多人透過媒體看過了。首先是採光問題。在翻新前,連堂堂奧塞美術館也為了整天變化的自然光而煩惱。奧塞原本是車站,並非為了做美術館而建,因此燦爛陽光會射進室內。既然不可能關上所有窗戶,今後要如何與自然光和平共處,成為翻新時的一大任務。


 

法國奧賽美術館
法國奧賽美術館 


美術館,原來如此!你記得美術館牆壁是什麼顏色嗎?_04
奧塞美術館的前身原是為了巴黎萬國博覽會所興建的火車站,1974年,法國政府決定在此成立一座美術館,經過建築師歐龍第(Gae Aulenti)的規劃,奧塞火車站才成為奧塞美術館,於1986年12月21開幕。 


在這裡欣賞《煎餅磨坊》時,若從天井進來的自然光太強,作品的色澤會因牆壁和地板的反射而變曖昧。若光線反射中,自然光較弱、間接照明的光線較強,作品表面看起來就會偏紅,這是很為難的地方。因此翻新時便痛下決心,把原本是淺沙色(sand beige)牆面的一部分塗成偏藍的深灰色─透過調整光線強弱,有時候看起來像是很濃的深藍色。極端地說,就像是白變黑般的劇烈變化,這是為了防止牆面的光線反射,只有掛在牆上的作品以接近自然光的照明照射。原因將在後面說明,但透過這樣的方式畫面看起來較明亮,並且集中、呈現立體感。作品不受太陽光線左右,不論什麼時段看效果都很穩定,雷諾瓦筆下樹木的綠和畫面上透過樹葉的日光看起來非常鮮明。


 

美術館,原來如此!你記得美術館牆壁是什麼顏色嗎?_02


負責指揮的是我的朋友科居瓦館長,他說:「原本的照明太過老舊讓人無法忍受,翻新後,學藝員和監視員都異口同聲地說,那些熟悉的名畫看起來就像是不同的作品。」事實上在二○一○年,一號館美術館團隊在開幕前做了相當於實際尺寸的模型(mock-up),呈現照明與牆壁顏色並一邊模擬展示效果,那時科居瓦館長在此,並深感興趣地參與。之後在奧塞翻新時,他接受法國報社採訪時說:「就像日本許多美術館都在做的一樣,我很注意牆壁顏色和照明的關係。」可能就是根據那時候的體驗所說。

 

的確,光是光線與背景的處理就能讓名畫產生立體感,帶來深厚的畫面效果。這是美術館方面和設計方面合作的成功案例。

 

在美術館,藝術品才是主角

各位讀者可從奧塞的例子明白,其實牆面顏色和質感是空間演出的重要關鍵。即便如此,大部分人應該都不記得美術館的牆面是什麼顏色吧?關於一號館美術館的牆壁,我也曾特地問過身邊的人,「咦,是什麼顏色啊?」、「是不是每次展覽都不同?」等,從這些回答可以發現,大家平常完全沒有留意。

 

一般人可能都以為白色或淺駝色最理想,不過三菱一號館美術館的牆壁顏色是偏紅的灰棕色(grey brown)。這是之前提到的在開館準備時,經過深思熟慮、不斷煩惱後所決定的顏色。


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三菱一號館,西元一八九四年由英國建築家康得(Josiah Conder)在東京丸之內建設的第一棟辦公室商業建築。後因都市更新計劃,三菱在一九六八年將它拆掉,在原地蓋了一棟三菱商事大樓。直至二○ ○七年二月,三菱將這座建築物起死回生,並在二○一○年四月完成。 

 

之所以選擇灰棕色而非偏明亮的白色或淺駝色,是因為比起暗色,人類眼睛對明亮顏色更有反應之故。若以淺駝色等偏亮的色調圍繞色調沉穩的作品,作品看起來會感覺更暗。相對的,十九世紀的繪畫大多色調偏暗,周圍牆面的明度、彩度若不設計得比作品更低調,繪畫的色調看起來會太暗。因此比起白色或淺駝色之類的明亮顏色,壓低色調的棕色才是一號館美術館牆面最理想的選擇。

 

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三菱一號館美術館-三樓展示空間,圖片取自官網 


雖然是自誇,本館的牆面顏色可說是日本最成功的,不論什麼作品、什麼展覽,都很合適。其實前面提到的科居瓦館長也說過:「這個牆面顏色是最佳的。」雖然是非常圈內的無聊話題,美術館的主角不用說就是藝術品,裝潢和其他的裝置不過是輔助罷了。一般人可能會歪著脖子想:「是什麼顏色啊?」,不會妨礙觀賞的牆壁顏色才是我們心目中的理想。


本文出自La Vie出版書籍《美術館,原來如此!》,更多精彩內容請見《美術館,原來如此!

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走進勤美術館《Net & String Taichung》!奧地利設計團隊 Numen / For Use量身打造兩件沉浸式大型裝置

走進「可參與的空間建築」!勤美術館《Net & String Taichung》將登場,奧地利藝術團隊 Numen / For Use打造沉浸式大型裝置

勤美術館2025夏季展《Net & String Taichung》將於6月20日至11月2日展開。來自奧地利維也納、活躍於概念藝術與空間實驗領域的設計團體 Numen / For Use,首度來台展出,以全球巡迴經典〈Net〉與〈String〉系列全新版本,量身打造勤美場域限定的裝置創作,為台中城市注入一場體感與結構交織的當代藝術實驗。

奧地利維也納Numen / For Use團隊首次登台

團隊 Numen / For Use 成立於1998年,由斯帆.瓊克(Sven Jonke)、克里斯托夫.卡茲勒(Christoph Katzler)和尼古拉.拉德利科維奇(Nikola Radeljković)三位工業設計師共同創立,活躍於概念藝術、舞台設計、空間與家具創作等領域。以極簡主義出發再加入實驗與創意,長年致力於探討觀眾、身體、材料與空間之間的詩性關係,並模糊建築、雕塑與舞台之間的界線。

奧地利藝術團隊Numen For Use (Photo credit:Numen / For Use;photography by Aurélie Cenno)
奧地利藝術團隊Numen / For Use(圖片提供:Numen / For Use,攝影:Aurélie Cenno)
此次展覽以兩件裝置作品《Net Taichung》與《String Taichung》連動呈現,參展民眾可實際穿越、攀爬、匍匐於作品之中,身體不再是旁觀的工具,而是觸發空間變化的關鍵。(圖片提供:勤美術館)
此次展覽以兩件裝置作品《Net Taichung》與《String Taichung》連動呈現,參展民眾可實際穿越、攀爬、匍匐於作品之中,身體不再是旁觀的工具,而是觸發空間變化的關鍵。(圖片提供:勤美術館)

量身打造兩件沉浸式互動裝置

策展人卡茲勒與團隊於2023年9月即開始本展合作的前期溝通,也於奧地利進行多次技術模擬,歷經形體測試、材質拉力調整、視覺範圍校正,最終得以精準安裝於勤美術館的挑空區與室內樓層之中。卡茲勒表示:「這次的創作不是單純展示兩件作品,而是讓它們融合成一個連續的感官旅程。參展觀眾先在《Net Taichung》裡解放身體,以兩層繩網構築出懸浮的平台,線條極簡卻富含動能,觀眾可以實際走入、穿梭其中;再於《String Taichung》中沉浸視覺,將日常的素材賦予全新意義,再從解構與重組間得到轉化。」

他也強調這是團隊迄今最大規模的空間裝置嘗試,特別挑戰在精準限制的室內場域中完成作品。卡茲勒更表示欣賞台灣人的幽默感,儘管跨文化的溝通一定會有困難,但自己也非常喜歡這次與勤美術館的合作,這場冒險與嘗試很值得。

策展人 克里斯托夫.卡茲勒(Christoph Katzler)置身於《Net Taichung》作品中。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
策展人 克里斯托夫.卡茲勒(Christoph Katzler)置身於《Net Taichung》作品中。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
 作品《Net Taichung》讓觀眾穿梭於層層堆疊的空間,成為作品的一部份。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
作品《Net Taichung》讓觀眾穿梭於層層堆疊的空間,成為作品的一部份。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)

《Net Taichung》:穿梭、躍動、伸展於空間之中

勤美術館入口處如脈動般的線條是《Net Taichung》重要的創作靈感,這些富有動態與光影的建築元素,戶外大樓梯與岩板牆面正如同大自然中丘陵般起伏的形狀,使人與空間對話。作品以張力懸吊在空間中的網狀結構,更猶如可行走於其內的立體畫作。策展人卡茲勒也表示:「單就《Net》系列來講,《Net Taichung》是我做過最大的一件。」

《Net Taichung》柔軟而靈動的結構體,將隨著觀者進入其中的腳步而變形。這件以充氣結構張力作為支撐基礎的網狀裝置,無需額外支架,即能自成穩定結構。其外膜不僅能充當「柔光箱」豐富視覺層次。觀眾可穿梭其中、躍動、伸展於空間中,感受結構隨行進而律動,更成為作品的一部分。

走進作品《Net Taichung》,感受作品結構隨著觀者穿梭、躍動而律動著。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
走進作品《Net Taichung》,感受作品結構隨著觀者穿梭、躍動而律動著。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
《Net Taichung》成為《Net》系列最大件的作品(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
《Net Taichung》成為《Net》系列最大件的作品(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)

《String Taichung》:立體且沉浸式的極簡藝術

《String Taichung》的靈感則源自勤美術館屋頂的斜線格柵,平行輪廓的反覆出現,正好啟發了編織繩線的三維線性空間。緊繃的繩索穿越空間,如同一座可穿越的社會雕塑。坐落於勤美術館地下1樓層空間,張力繩索結構創造出一種懸浮、輕盈卻又極具力量的體驗。

《String Taichung》的線條是一組立體且沉浸式的極簡藝術;觀者可實際在被繃緊的繩索網旁探索,猶如置身於未定義尺度的空間迷宮。身體位置與方向感變得模糊,觀者將產生「它是虛擬的」的感覺,又因是質材創作而帶出真實感,體驗的雙重情境,如同超現實主義的夢境拼貼。

作品《String Taichung》讓觀眾置身於作品感受空間中的虛與實。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
作品《String Taichung》讓觀眾置身於作品感受空間中的虛與實。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)

展場音樂設計加深沉浸感

而為深化展覽的沉浸感,本展特別委託蔡瑋德(Nick Tsai)原創音樂設計。創作以模組合成器製作聲響,融入「頻率組成」與「空間分佈」兩大聲音元素,分別對應作品的有機流動與張力線構。觀眾先行聽見開放明亮的環境音,引導出對結構與空間的想像後;音樂再轉為多層次的頻率律動與留白長音,建構出如置身生命體或結構網格間的聽覺場域,讓身體與聲音同步遊走於裝置之中。

(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
《Net Taichung》與《String Taichung》是 Numen / For Use 為勤美術館量身打造的兩件沉浸式互動裝置,巧妙延伸館體獨特的建築視覺語言,轉化為觀者可親身介入的空間經驗。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)

0km美術館商店選品呼應編織主題

另外,0km美術館商店也推出「Weaving the Future 編織未來」選品企劃,聚焦於編織結構與材質創新的多元可能。集結國內外設計品牌與藝術創作者,從織品工藝出發,探索編織作為建構空間與觀點的媒介。nafl設計品牌「+10・加拾」以《葛飾北齋》為主題的限量襪品系列,結合和紙纖維與墨染技法,演繹經典波紋;針織藝術家黃郁媚則透過手工Plisse Knit Bag,展現織品與身體、空間的深層連結;克羅埃西亞家具品牌Prostoria精選Numen/For Use經典家具作品,如Buffa、Toggle 與 Polygon 等桌椅;更與ohnoki設計品牌聯名推出0km限定黑白雙色展覽飲料杯掛繩,作為參與者與展覽之間的記憶編織物件。

勤美術館與ohnoki設計品牌聯名推出0km限定黑白雙色展覽飲料杯掛繩(圖片提供:勤美術館)
勤美術館與ohnoki設計品牌聯名推出0km限定黑白雙色展覽飲料杯掛繩(圖片提供:勤美術館)
Prostoria Polygon單椅作品(圖片提供:勤美術館)
Prostoria Polygon單椅作品(圖片提供:勤美術館)

小小樹食推出本展限定新品

小小樹食美術館店也特別推出本展限定新品,將展覽空間與結構意象延伸至味覺體驗。甜點「浮影」透過焙茶白巧甘那許、黑芝麻杏仁蛋糕與竹炭奶油霜層層堆疊,再以桂花清酒凍創造晶透視覺,呼應展中光影與結構交織的空間體驗。飲品「南國博士」則以博士茶與紅豆、豆乳、藍莓調製,象徵人與人之間流動與交織的網絡,呼應展覽以身體作為介質參與空間的精神,體現藝術、食物與感官的共鳴連結。

小小樹食美術館店也特別推出本展限定新品,將展覽空間與結構意象延伸至味覺體驗。(圖片提供:勤美術館)
小小樹食美術館店也特別推出本展限定新品,將展覽空間與結構意象延伸至味覺體驗。(圖片提供:勤美術館)

《Net & String Taichung》
展覽日期:2025/06/20(五)~11/2(日)
地點:勤美術館(台中市西區館前路79號)
展覽場次(須線上預約場次及購票)

資料提供|勤美術館、文字整理|Adela Cheng

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「美國大都會博物館名作展」在故宮!集結梵谷、塞尚等大師名作,梳理印象派到現代主義百年藝術流變

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作

美國大都會博物館(The Met)首度來台展出!故宮博物院將於2025年6月至10月呈獻《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》。

本展集結大都會博物館多達81件繪畫及素描珍藏,它們分別來自梵谷、雷諾瓦、馬諦斯、塞尚等38位大師級畫家,帶觀眾一覽1920世紀中,自現實主義遞嬗至印象派、現代主義等的藝術流變;更特別精選多位知名女性藝術家之作,如印象派名家瑪麗‧卡薩特、貝絲‧莫莉索等,藉此呈現女性在西方現代藝術發展中的崛起與獨特風格。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
(圖片來源:《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》官方Facebook)
「從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展」即日起於國立故宮博物院北部院區第二展覽館隆重開展。(圖片提供:時藝多媒體)
「從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展」即日起於國立故宮博物院北部院區第二展覽館隆重開展。(圖片提供:時藝多媒體)

穿越橫跨一世紀的藝術浪潮

美國大都會博物館被譽為全球四大博物館之一,收藏近200萬件橫跨5000年歷史的珍貴藏品,涵蓋世界各大文明與藝術流派。而故宮本次展覽時區鎖定1920世紀中,類別涵蓋現實主義、學術繪畫、印象派、後印象派至早期現代主義。印象派的出現,讓畫家們從室內走向戶外、繪畫主題自人物與肖像延伸到自然景致,藉畫筆捕捉光影流動,並影響了後續藝術流派如點描派、野獸派、現代主義等的誕生及演變,留下許多經典佳作。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
美國大都會博物館。(圖片來源:The Met)

以人體、肖像、大自然等「畫面主題」劃分5大展區

策展敘事跳脫傳統上以「時序」、「畫派」分類的形式,改以「畫面主題」引導觀眾透過「直覺」展開探索,感受畫中色彩、筆觸及其蘊藏的人文情感,沈浸於作品所營造的氛圍情境。讓我們分別看向5大展區亮點:

▍身體姿態

此區梳理自1860年代起不同藝術家對人體的詮釋,並闡述鉛筆、顏料等不同媒材與技法對裸體描繪的特殊性,看人體如何成為藝術表達的試驗場。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《大溪地的出浴女子 Tahitian Women Bathing》,高更 Paul Gauguin,1892。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍肖像與人物

18世紀歐洲迎來工業革命,撼動社會階層與城市風貌,藝術也從國家資助轉向更開放的大眾市場,肖像畫趁勢崛起為中產階級展現財力、地位之物。這一時期,藝術家描繪現代生活中的社交互動,讓親朋好友成為畫中人,賦予肖像更風格化的表現,模糊肖像畫與風俗畫的界限,開啟人物畫的新風貌。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《彈鋼琴的兩位少女 Two Young Girls at the Piano》,雷諾瓦 Auguste Renoir,1892。(圖片來源:The Met)
「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《春日 Springtime》,皮埃爾·奧古斯特·考特 Pierre-Auguste Cot,1873。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍徜徉自然

在歐洲各國隨政治與工業革命的推進逐漸轉變之時,藝術家將視野轉向自然風光,以風景為畫作主角,並在其中融入自身獨特視角與繪畫風格,徹底改變1920世紀初的畫風。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《花朵盛開的果樹園 The Flowering Orchard》,梵谷 Vincent van Gogh,1888。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍城市到鄕村

1920世紀之交,藝術家們不僅徜徉自然,也探索各地人們的生活方式,及人們與環境的互動,眾多畫作描繪的主角從不斷變化的巴黎城市景觀、塞納河畔及度假勝地享受悠閒時光的漫遊者,再到鄉村小鎮和田園風光。藝術家以現代眼光及創新技巧,各自展開對所處地方的景觀與人群的獨到詮釋。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《大碗島的星期天下午 A Sunday on La Grande Jatte》習作,喬治·秀拉 Georges Seurat,1884。(圖片來源:The Met)
「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《冬天早晨的蒙馬特大道 The Boulevard Montmartre on a Winter Morning》,卡米耶・畢沙羅 Camille Pissarro,1897。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍水岸風光

工業革命帶動鐵路運輸,人們能以更便捷的方式前往海灘、漁村、港口等各地觀光,藝術家們也踏上旅途,留下許多描繪水景風光的美作,無論在法國各海岸、威尼斯或阿爾及爾等地,都能看到不同藝術家詮釋的畫作紀錄。

皮耶‧波納爾,《聖特羅佩舊港一景》,1911年。(圖片來源:The Met)
皮耶‧波納爾,《聖特羅佩舊港一景》,1911年。(圖片來源:The Met)

票價資訊總整理

《從印象派到現代主義美國大都會博物館名作展》規劃3波售票期間,提供各式票組選擇,有興趣者請見下方詳細售票資訊。

《從印象派到現代主義美國大都會博物館名作展》

展期|2025.06.1410.12

展場|國立故宮博物院 第二展覽館 一樓特展廳

開放時間|每日 9:0017:0016:30展覽現場停止售票及入場)

 

▬▬▬ 購票請點此 ▬▬▬

▍早鳥票 3/13-3/31

・雙人紀念套票|$770

內附雙人入場憑證1組、紀念套票1

請於觀展驗票時出示入場憑證,以兌換紀念套票組

▍預售票 4/7-6/13

・單人票|$400

THE MET 限定零錢包套票|$499

內附單人入場憑證1個、THE MET限定零錢包1

請於觀展驗票時出示入場憑證,以兌換限定零錢包

▍展期票 6/14-10/12

・全票|$500

・優待票|$4506歲以上持有效學生證件者,每證限購一張(碩博士生、社區大學、空中大學及在職進修等恕不適用)

・特惠票|$25065歲(含)以上者、持本國或外國身心障礙手冊之陪同者,需出示證件正本,每證限購1

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