最懂鳥類的插畫家!英國藝術家Matt Sewell筆下可愛迷人的鳥類插畫創作

Matt Sewell創作

圖鑑繪畫創作者,用百科式主題展現一系列的插畫,並且以輕鬆有趣的個人風格將史實、科學理論變得更生活化,無論是考察一地歷史,或是辨識鳥類,認識主題內容之餘,還能看到作者令人會心一笑的想法!

Matt Sewell─鳥類的藝術家朋友

英國插畫家 Matt Sewell(馬特·休厄爾)出版多本鳥類圖鑑式書籍,質樸可愛的鳥類在他的書中,以有趣且更容易親近的方式,讓人重新發現生活周遭或大自然裡甚少仔細觀察的生物群。這不僅是 Matt的藝術創作,更是他展現生活方式的途徑。

 

讓賞鳥興趣成為插畫事業

出版一系列鳥類圖書和各種跨界合作之前,Matt最早的插畫工作是在英國《The Big Issue》雜誌擔任插畫家,之後便開始和雜誌、時尚品牌合作,並參與壁畫繪製。2006年,Matt感覺自己在大量商業性插畫中找不到熱情,並面臨工作低潮時,決定帶著當時的女友、即現任妻子到遙遠的澳洲展開一場冒險。在氣候怡人且到處有寬闊自然景觀的澳洲,大部分時間Matt都在野外賞鳥並用塗鴉的方式進行創作。「到英國後,又回到沒有客戶、沒有案子的窘況,我決定將賞鳥興趣和插畫工作結合,這就是後來源源不絕的鳥類插畫和新事業的開始。」Matt說道。

 

Matt Sewell

Matt Sewell創作

在Matt畫筆下的鳥兒以質樸、親人的外型,讓甚少關注鳥兒的人們忍不住多看幾眼。「我會依需要而有不同的使用方式,如果是圖像創作,我會同時使用鉛筆、麥克筆和數位繪圖。」而讓這些鳥類充滿親和力的最大功臣,就是Matt重點式的水彩上色。「但並不是全以水彩畫出鳥類,我會先以素描方式輕輕地勾勒出輪廓,然後再決定以什麼樣的紋路和色調呈現。水彩的好處是可以在需要修改的地方快速地上色處理。」目前Matt出版的圖書包含以鳥的種類為主題的《迷人的金翅雀》(A Charm Of Goldfinches,2016)、《貓頭鷹》(Owls, 2014),或在特定場域的鳥類如《林地中的鳥》(Our Woodland Birds, 2014 )、《花園裡的鳥》(Our Garden Birds, 2014),在英國圖書出版類有著不錯的迴響。

《Owls》中描繪熱帶貓頭鷹的生長環境

能持續推出一系列如圖鑑類的鳥類插畫書,Matt認為持續保有對賞鳥的熱情,以及豐富的鳥類民間傳說,一直是他創作的靈感來源,但如此貼近自然的創作主題是否也有焦慮的時候?「碰上截稿日期,也不可避免地會有壓力,這時我就會泡杯茶,吃上一大堆巧克力,聽著電子音樂繼續創作囉!」

 

讓鳥類知識更貼近大眾

在Matt圖鑑式的鳥類圖書中,以單頁鳥類插畫、單頁為少量文字介紹的形式呈現,簡潔清爽的圖文比例,每翻開一頁,就是一種鳥類的特色說明。對鳥類有狂熱愛好的Matt,在創作這樣的圖書時,以輕鬆的筆調融合個人長期觀察下的鳥類特色,「因為不像百科全書強調科精確的生物內容,所以我的圖書也可以說是一種漫畫。我用文字和圖像創造一種鳥類角色,並在必要的區塊才加上色彩。」

 

而全世界鳥類多不勝數,怎樣的鳥類會被收錄在Matt的書中?「如何讓書吸引人,的確是選擇內容的重要考量。例如《花園裡的鳥》就是在大家在花園裡時常看到的鳥類,但你必須將最有特色的種類選擇出來。但是在《唱歌的鳥》(Our Songbirds)裡,並不是每隻鳥都會唱歌,只要會發出有趣、特殊叫聲的鳥兒,也會是值得大家欣賞的鳥類。」在文字上,Matt傾向結合自己的觀察、想像和鳥類叢書知識書寫文字,因此文字中帶著鮮明的個人特色。「通常我不會研究太多鳥類生物知識,這樣會讓文字失去有趣的特色。」

 

Matt認為這系列圖書能夠獲得不錯的反應,「也許真正吸引讀者的,是我的文字內容,並非我的圖像創作。」文如其人,閱讀Matt的圖鑑式鳥類圖書,不僅能更貼近他有著漂亮羽毛的朋友,還能從中一窺這位鳥類專家對自然充滿熱情的生活方式。

 

Matt Sewell

英國藝術家、插畫家和作家,熱衷於鳥類觀察。曾與英國《衛報》、V&A博物館等合作插畫案,也參與戶外品牌HELLY HANSEN、運動品牌Puma等壁畫創作,並到倫敦、紐約、東京和巴黎等地展出個人創作。出版有《Our Songbirds》(2013)、《Our Garden Birds》(2014)、《Our WoodlandBirds》(2014)、《Owls》(2014)、《Penguins》(2015) 和《A Charm Of Goldfinches》(2016)等鳥類圖書。 

https://www.mattsewell.co.uk/

 

文 陳岱華 

圖片提供Matt Sewell 

影 Jeremy Freedman

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專訪插畫家陳姝里:玩泥弄土,捏出一顆自由的心

(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

「對我而言,創作不會總是有很強烈的意圖。」一開口,陳姝里如此輕描淡寫,卻正好道出她在藝術創作之路上「自然而然」轉向陶藝的關鍵。過去十餘年,她穿梭在插畫與平面設計之間,也因此在插畫界中闖出一番成績。只是,日復一日,面對形形色色的客戶需求,她漸漸無法沉浸在「純創作」的心流之中。「會去捏陶,就像是一種自然轉換的過程,因為當時的我,很需要自己的空間,不僅是實體的空間,心理也是……」

創作的起點

日光穿過半掀的調光簾透進屋內,落在工作桌上散落的色紙碎片。這些看似「無用」的東西,偶然被陳姝里收了起來,並衍生出她的創作系列:《拾獲物》(found object)。

「這些色紙碎片是剪紙過程中剩餘的材料,本來應該要被丟進垃圾桶的,但我覺得這些造型不一的圖形,其實更吸引我。於是我就把喜歡的碎片變成新的創作素材,拼貼出《組合》這系列作品。」

陳姝里剪紙剩餘的色紙碎片,衍生出她後續一連串的《拾獲物》創作系列。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里剪紙剩餘的色紙碎片,衍生出她後續一連串的《拾獲物》創作系列。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

偶然出現的碎紙片,意外帶給陳姝里更純粹、單純的創造樂趣。平時面對繁雜的平面設計與插畫工作,容易使她陷入過度的計畫與目的性。然而在這些碎紙片面前,心思卻能回到最初的空白。「這些剪紙碎片構成的創作,我叫它們『小雕塑』。某一天,我突然有個想法,如果把這些平面的紙片,變成立體的作品,可以怎麼呈現?」

可以說是記憶使然,陳姝里立刻想到一種既熟悉又陌生的創作手法:陶作。原來,陳姝里的舅舅是陶藝家,小時候陳姝里在過年時會去舅舅的工作室玩陶。大學也修過一學年的陶藝課,所以捏陶對陳姝里來說並不陌生。

剩餘的色紙碎塊,被陳姝里視為寶貝,她著迷這些色紙的造型,甚至大量蒐集再將其拼貼成為一件作品。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
剩餘的色紙碎塊,被陳姝里視為寶貝,她著迷這些色紙的造型,甚至大量蒐集再將其拼貼成為一件作品。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

捏陶,也是在捏塑自己的心

捏陶看似閒適,但她苦笑說自己其實沒什麼時間可以閒下來,大部分時間被工作填得密不透風。後來有了小孩,時間又被分割得零零碎碎。「以前我可以每天工作十個小時,但自從女兒出生,人生又多了一種角色和責任。生活一直處在停不下來,不斷忙碌、擔心的狀態。」

漸漸地,她感覺快被外界的人事物塞滿,內心沒有了自己的位置⋯⋯「我喜歡創作,但成為媽媽之後,時間變得很破碎,加上疫情嚴重的那年,我24小時育兒,一天也許只有30分鐘的空檔。但我還是想創作,我需要創作。我內心知道,若再不撥一點時間給自己,我會失控。」

在這個掙扎的時刻,陳姝里接觸到陶藝,摸到陶土的那一刻,她感到一股似曾相識的感覺。「我以為自己已經忘了,但觸覺帶我回到小時候,在家門口玩泥巴,把泥土捏成球。手中握著泥球,我好滿足。而捏陶的時候,我又感受到那種純粹的快樂。」

開始創作陶藝後,陳姝里就想要將《拾獲物》中的平面造型化為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
開始創作陶藝後,陳姝里就想要將《拾獲物》中的平面造型化為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

放下執念,享受不可控

對陳姝里而言,不論是紙片創作、插畫,或是後來的雕塑、捏陶,本質都相通。她喜歡組合與拼貼,就像剪紙的碎片可以重新拼出新的造型;陶土也是如此,需要一塊一塊地塑造、連結,再進窯燒製。

然而,創作不總是順利。偶爾作品會在燒製過程中出現意想不到的變化,或是不如預期。但她並不懊惱,反而樂於接受這種「不可控的成果」。「把錯誤留給媒材」是她打破完美、走向自由的一步。

一邊說,一邊拿出一樣作品。陳姝里試著把那個作品立起來,但隨即就倒下去:「這是一個立不起來的作品,我取名為《水平》。它也是我把剪紙碎片立體化的成果,本來想把陶土實心的部分挖除,讓作品平衡站起,沒想到作品還是無法站立。由垂直站立的狀態變成只能水平擺放。似乎是要我放下執念,接受它最後的狀態。」

陳姝里在原有的工作室裡,再整理出一個專屬創作陶藝的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里在原有的工作室裡,再整理出一個專屬創作陶藝的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

她笑笑地繼續說:「所以這是一個失敗的作品嗎?我不這麼認為。或許對有些人來說,這是失敗品。但我卻因此看到,它有其他呈現方式。不只《水平》,我也有其他作品燒完後乍看不喜歡,但時間一久卻慢慢能夠欣賞它美的地方。」

陳姝里在大眾認知的「失敗」與「錯誤」中找到了另一種未曾想像的美。特別是當陶藝作品最後出窯時,會帶來無預期的驚喜或驚訝。她脈脈望著層架上的陶盤說道:「我好像也能更坦然面對生活中的不可控了呢!」

陳姝里熱愛作陶時的快樂,特別是捏塑作品造型時,她會想像自己走進作品,進入一個很純粹的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里熱愛作陶時的快樂,特別是捏塑作品造型時,她會想像自己走進作品,進入一個很純粹的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

文字 / 洪孟樊

攝影 / 林家賢

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Olafur歌單4+1:承接你的心緒

 

❶ 《In Waves》

Jamie xx|2024

睽違9年,相較前張個人專輯的繽紛,這英國電音鬼才交出的作品更顯憂鬱複雜,卻眼望舞池的純真快樂。

 

❷ 《Lahai》

Sampha|2023

生於西非獅子山裔移民家庭,英國非裔音樂人Sampha第2張專輯冠以祖父之名,揉合電子與靈魂樂,探索自己成為父親後的內省與溫暖。

 

❸ 《Enjoy the Silence》

Naima Joris|2025

這位疫情期間因社群翻唱而備受注目的比利時爵士歌手,回歸初心重新詮釋曾療癒她的歌曲。

 

❹《Go》

Jónsi|2010

這是Sigur Rós主唱Jónsi的首張個人專輯與個人的華麗冒險,夢幻假音飄盪, 在後搖與更流行的樂種間嬉玩。

 

同場加映:《I Hear You》

Peggie Gou|2024

因藝術收藏而相識,Olafur為活躍柏林的韓國DJ Peggy Gou首張完整專輯《I Hear You》設計專輯封面,她穿戴的作品便是Psychoacoustic empathy amp〉(2023);Olafur也執導單曲〈1+1=11〉MV,並將場景設定在他的柏林工作室,親自獻上一舞

 

Olafur書單×6:餵養你的靈感

 

❶ 《Is a River Alive?》

Robert Macfarlane|2025

土地是否能擁有人格權?Olafur觀察到台灣也正處理這議題,賦予河流或山脈人格權,自然界便也有了自我保護的法理基礎。

《Is a River Alive?》,Robert Macfarlane,W. W. Norton & Company,2025。(圖片來源:W. W. Norton & Company)
《Is a River Alive?》,Robert Macfarlane,W. W. Norton & Company,2025。(圖片來源:W. W. Norton & Company)

 

❷ 《Conflict Is Not Abuse》

Sarah Schulman|2016

資深酷兒運動者直面當代痛點:我們太快將不適貼上受害標籤?這部挑釁之作解構二元對立思維,呼籲重新思考責任與修復。

《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)
《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)

 

❸《山之生》

Nan Shepherd|1977(中譯版-新經典文化|2019)

手稿沉睡30年後,這位蘇格蘭女作家畢生的登山札記才問世。她以詩人之眼凝視高地荒原,成為自然書寫的經典。

《山之生》中譯版,Nan Shepherd,新經典文化,2019。(圖片來源:新經典文化)
《山之生》中譯版,Nan Shepherd,新經典文化,2019。(圖片來源:新經典文化)

 

❹ 《The Discovery of Slowness》

Sten Nadolny|1983

海軍傳奇在冰天雪地中尋找西北航道,天生行事緩慢卻屢建奇功,挑戰效率至上的現代迷思。

《The Discovery of Slowness》,Sten Nadolny,Penguin Publishing Group,1997。(圖片來源:Penguin Publishing Group)
《The Discovery of Slowness》,Sten Nadolny,Penguin Publishing Group,1997。(圖片來源:Penguin Publishing Group)

 

❺ 《心靈的傷,身體會記住》

Bessel van der Kolk|2014(中譯版-大家出版|2017 )

這本書顛覆創傷研究的既有認知, 認為痛苦不只存在腦海,更銘刻在 身體之上,重新思考療癒的定義。

《心靈的傷,身體會記住》中譯版,Bessel van der Kolk,大家出版,2017。(圖片來源:大家出版 )
《心靈的傷,身體會記住》中譯版,Bessel van der Kolk,大家出版,2017。(圖片來源:大家出版 )

 

❻ 《The End of Nature》

Bill McKibben|1989

在氣候變遷尚未被關注之時,McKibben便已提出獨立於人類之外的「自然」已不存在,我們需要重新審視與環境的關係。

《The End of Nature》,Bill McKibben,Random House Trade Paperbacks,2006。(圖片來源:Random House Trade Paperbacks)
《The End of Nature》,Bill McKibben,Random House Trade Paperbacks,2006。(圖片來源:Random House Trade Paperbacks)

 

 

Olafur Eliasson,柏林。(攝影:Vidar Logi, 2024|Courtesy of CIRCA © 2024 Olafur Eliasson)
Olafur Eliasson,柏林。(攝影:Vidar Logi, 2024|Courtesy of CIRCA © 2024 Olafur Eliasson)

奧拉弗.埃利亞松 Olafur Eliasson

冰島-丹麥藝術家,1967生於丹麥哥本哈根,工作室位於柏林。作品探索藝術與世界的廣泛連結。自1997年起,他的個展陸續於世界各大美術館展出,創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影,以其挑戰感知並強調環境共創的展覽與公共裝置,在國際藝壇享有盛譽。2003年,他在倫敦泰德現代美術館的渦輪大廳創作《The weather project》,以迷霧籠罩的巨大發光「太陽」創造沉浸式體驗。2008年,他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布,呈現於《The New York City Waterfalls》計畫中。埃利亞松亦透過藝術探索氣候變遷的議題,例如2014年,他將格陵蘭冰川的碎冰帶至哥本哈根市中心,隨後2015年在巴黎、2018年於倫敦再次展出此《Ice Watch》計畫,讓路過的民眾得以親手觸摸來自格陵蘭的冰川碎片,見證冰川融化消逝的脆弱過程。2012年,創立社會企業「小太陽」(Little Sun),並持續參與其發展至2024年。2014年,他與Sebastian Behmann共同成立Studio Other Spaces,這是一間專注於藝術與建築的創作機構。

更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》

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