每一件公共藝術品誕生的過程，都可以是一篇精彩的真實世界現形記。我們專訪了4 位台灣新世代藝術家及藝術行政人，以開放匿名、暱稱或實名的選項，說出公共藝術咖的真心話！

匿名藝術家

台灣的公共藝術，因為是以政府標案的方式進行，創作方自然而然地成為「廠商」的角色，而創作者的身份也因此淡了些。在這樣的狀態中，為業主服務的需求多了，相對的創作的成分與狀態則少了。又因標案時間通常都在30-45天左右，至少對我而言，在閱讀資料、現場勘查後，思考作品的時間太過壓縮，常常還未消化便已需要將整案企劃細節完成，這也使得藝術創作的成分漸減。在速成的流程中，我認為是一個太過勉強的、為法案而硬做的現象，並不是一個太健康的環境，也造成過多的作品閒置街頭，卻無法與環境融合的現象。

藝術家─藝遊

我認為公共藝術部分的立意，是幫助藝術家藉由承製作品而維持其創作生涯的生活，但目前台灣的公共藝術制度存在著許多問題，首先是近來公共藝術單一標案經費動輒高達數千萬，藝術家個人難以獨立參與，逐漸變成僅少數大公司才能承作的狀況。且此類高達數千萬經費的公共藝術案評審過程過於簡化，缺乏充分透明的討論過程，許多此類案件採用邀請比件的比例偏高，有失公平公開的原則，期望未來的公共藝術制度能更加透明，審議過程能有充分討論的空間，讓公共藝術有更多可能⋯

台灣電力公司公共藝術課長─侯力瑋

在一個為全民提供穩定電力的國營企業，要改變保守的企業文化是需要非常大的勇氣。然而很幸運的可以透過公共藝術提供全民另一種新的美學體驗，喻肇青教授團隊規劃的環境場域開放結合台灣年輕藝術團隊豪華朗機工、王仲堃噪咖事務所和張立人的作品，不僅翻轉了外界社會大眾的觀感，也同時帶動了另一種企業文化的想像力和未來的可能性。在這種轉變的背後是需要無數個日以繼夜地趕工和清晨才會到家的努力。

藝術家莊志維

在過往參與許多公共型創作和藝術節慶裝置的製作經驗中，時常被包夾在給予經費的「長官」和「民眾」之間，這和過往純粹個人創作的狀態不太相同。這時候的藝術家更像是走出了自己的小世界，嫁入了另外的大家庭中，在面對上有公婆，同時又有眾多親戚盯著的處境中，需要把持住自己的風格和脈絡。原先立意良善，透過資源的挹注讓創作有更多大尺度的可能性，後來卻時常成為服務政治、滿足期待的道具而已，時常要求修改符合長官們的期待。但或許給予藝術家更多的空間，交予創作者的專業，才能帶給大眾更多對於突破既有世界的可能性與想像，回到「美感體驗」的初衷。

採訪編輯／方敘潔

註：圖片僅為公共藝術案例，與文章論述觀點相互獨立。

註：本文不代表La Vie立場。

 【更多精彩內容請見 2018《La Vie》雜誌 2 月號】

記憶存在於虛實之間，靠近事發現場時生動鮮明，後又隨時間的流動模糊變形，在我們感嘆消逝時，日本藝術家Cream Ecoe透過繪畫凝結記憶。台北藝廊奇想會現正展出Cream Ecoe首次海外個展《Always be in my heart》，展覽圍繞記憶、時間與情感交錯等主題，透過藝術家夢幻、超現實的視覺語彙，探索那些隨時光流逝而樣貌模糊、餘韻卻仍繚繞內心的生命片段。

記憶，不完全脫離現實的非現實感

色彩在Cream Ecoes的創作中扮演關鍵角色，他經常選擇不易讓人直接聯想到現實世界的色彩，例如紫色、綠色，並搭配藍色來平衡整體調性，這讓他的作品充滿超現實感，引領觀者進入一個陌生又迷人的世界。然而，為了讓作品保持與觀者的連結，他在畫面中保留了現實中的元素，如窗戶、植物或山的輪廓，創造出一種「既陌生又親切」的氛圍，讓觀者能夠投射自己的想像，進入這個幻想空間。

在本次個展《Always be in my heart》中，Cream Ecoes進一步深化這種創作方式，透過架空的建築結構、虛幻的景色以及非典型的色彩搭配，藉繪畫將記憶的殘影視覺化，並以獨特的筆觸描繪時間與情感的流動。

從音樂開啟藝術創作之路

Cream Ecoes最初從事音樂創作，因對專輯視覺設計與藝術表達感興趣，開始踏入繪畫領域。他善於從生活中的細微之處提煉靈感，如電影、旅行、城市中的光影變化、建築造型與景觀結構，並將其轉化為畫面中的架構與氛圍，構築獨特的視覺敘事。雖目前以數位創作為主，但Cream Ecoes對未來的創作不設限，期待嘗試以顏料在畫布、紙板、甚至牆面上，進行更自由、開放的情感釋放。

Cream Ecoes個展《Always be in my heart》

展期｜2025.02.28－03.23

時間｜13:00－20:00，每週二、三公休

地點｜奇想會 Whimsy Works（台北市大安區安和路一段21巷7號）

入場費｜低消一杯飲品

從台北Restaurant A到倫敦Restaurant Gordon Ramsay等米其林星級餐廳，都可見到陶瓷藝術家劉子瑜的食器作品，它們低調襯托料理、也細緻為餐桌增色。可劉子瑜的創作不僅止於功能性，更延伸出獨樹一幟的藝術性，她將兼容並蓄、有機而和諧的美學，貫穿於嚴謹的創作實踐之中，展現出陶瓷創作、原始的自然力量與自我意志之間的深刻連結。

睽違三年，TAO ART推出劉子瑜個展《漸變》

即日起至2025年4月19日，台北藝術空間TAO ART推出劉子瑜最新個展《漸變 Gradations》，集結藝術家過去7年來累積的作品及創作靈光。展名「漸變」一方面點出了釉燒過程中所經歷的質變，與物質本身的可變性；另一方面則隱喻藝術家多年來的探索與創作軌跡，及作品逐漸長出的豐富樣貌。

談及創作時的心境，劉子瑜說：「在我的作品中，我最享受的是去實驗色彩的漸層變化、各種色調之間過渡的微妙差異。」上述特質也能見於《漸變》個展之中，以下精選幾件亮點作品帶看。

用陶瓷凝結自然美景

近展場入口處的細長圓柱造型陶瓷作品，是劉子瑜從2020年延續至今之作。她藉由流釉質感和高低排列組合，敏銳捕捉不同光線、不同時間之下的感性經驗：〈春寒料峭〉色彩細緻、富漸層變化，令人聯想台灣山林間的濕潤綠意，襯著藍天與雲霧繚繞的遠景；〈秋老虎〉的瑰麗釉色混合了草葉綠、橄欖綠、冷杉綠和芥黃，宛若秋陽斜落於山林、穿越樹葉間隙，瞬息萬變的景色。

對劉子瑜而言，暫時放下對器皿實用性的思考，追求自由表達，是一種嶄新的發現；這次她也首次展出全新水彩紙本創作，呼應陶瓷作品對自然意象的捕捉。

最大展間中呈現寧靜的暖色家居氛圍，以劉子瑜最為人熟知的「餘」系列為主角，並展出精彩的大幅作品〈春夏秋冬〉。其中的亮眼新作還有「池塘深處」系列，她運用礦物塗料創造具流動感、空間感的背景，並在閃爍溫潤光澤、富動態感的魚群之間覆上一層金葉，重現一幅池塘落葉的場景，將瞬間凝結為永恆，寧靜而雋永，蘊含藝術家對生命與自然的深刻感受。

融有趣想像，轉譯古典器物

這次個展中，劉子瑜也再度挑戰由傳統形制的器物發想，融入有趣和想像性的當代元素。她讓南宋青釉龍虎尊上經典的靈獸形象，變身為既像龍又像蟲的龍蝦；器蓋上，在中國傳統中象徵朱雀的鳥被巧妙地換成小螃蟹。而傳統形制的鳳耳紙槌瓶上，則棲息著優雅的蒼鷺，以她特別喜歡的灰藍色調與漸層釉色效果表現。

自在遊走於功能性、藝術性陶瓷創作間

劉子瑜與陶瓷藝術的相遇，是美好的偶然。她出生於美國加州，大學修讀商業經濟學和法語，畢業後曾想赴法國烹飪學校進修，但在啟程前邂逅並愛上陶瓷藝術，因此決定攻讀陶瓷碩士學位，以結合自己對陶土和美食的熱情。如今，劉子瑜的陶瓷作品散見於全球多間米其林星級餐廳，儘管她的創作著重於功能性，但並不受其限制，她以功能性的形式作為設計的起點，最終成品遠不止於實用的餐盤或碗具，而是蘊含深刻意義、質樸與奢華並存的獨特作品。

劉子瑜個展《漸變》

展期｜即日起至2025年4月19日

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）