當許多學門因為與社會實用性脫鉤而逐漸式微之際，「策展」卻異軍突起有了專門學程，快速成為值得關注的產業。究竟策展是什麼？又有哪些眉角？以下這些活躍的策展人：飛躍文創活動展覽部總監陳姿含、飛躍文創Brand∙Content事業部部長陳慈賢、時藝多媒體展演活動部總監王華瑋、格式設計總監王耀邦、臺北市立美術館資深策展人蕭淑文及聯合數位文創活動事業群文創二部總監鍾逸民，以梳理過的實務經驗，分享關於策展，那些你想了解的事。

近年隨著華山、松菸等文創園區陸續開放，看展風氣逐漸成熟，週末假日到文創園區逛逛、參加活動已成為時下年輕人的習慣，也是許多親子家庭的活動熱點。在這個寬廣場域裡，有精選的設計商品、特色餐飲，還有頻繁替換的藝文、展覽、活動，非常適合消磨一日的悠閒時光。「策展」，也正是在這樣的生活型態下，快速成為一門顯學。

一種具時代樣貌的學習方法

不可否認，細品一個精心策劃的策展，就像是一場心靈的洗禮，經過一連串綿密布局的絲路後，當我們走出展場時，也彷彿得到了些新的體悟。而這，正是「策展」的獨特性；在於資訊被有系統地整理呈現過，並且在時代性的角度予以新的觀點。

所以觀眾能在一個有限空間裡尋著脈絡觸及到新的知識、美感與意義，蕭淑文也說，「作品是否能回應我們現在生活環境跟時代的精神面，這才是藝術有趣的地方。」於是，這些具有視覺美感、文化觀點及品味的專家們，以某個核心概念連結多樣化的作品、資料，從而創造出嶄新的觀點，並呼應當下社會的需求，使得策展不僅成為一種深具時代性的活動，更是論述當下社會文化的形式。

策展如同一門學問、方法學般地值得被關注，但對於看展的大眾而言，其實反而是輕鬆的體驗，某些龐大的議題被化為容易理解的視覺圖像、在不知不覺間吸收。一檔好的展覽如同一劑強心針，為每位看展人注入不同的文化養分，也因此，為了讓所有人都能得到所想要的心靈養分，熱鬧蓬勃的策展市場上，有了不同受眾、不同商業模式的誕生。

多樣態策展，直搗大眾的渴望

目前常見的商業策展可略分為藝術作品展、IP授權展（Intellectual Property，簡稱IP）及自製展三大類。

藝術作品展可說是台灣策展的最初樣貌，包括莫內、米勒、夏卡爾、梵谷、高更等世界知名畫家作品，不遠千里運送到台灣的大型特展，每每都掀起一陣藝術潮。「二十年前出國看展還不是那麼容易，所以能一次看到多幅世界名畫是很重要的體驗」，鍾逸民說。然而藝術展除了借展費用驚人外，策展單位需有執行專業藝術展的能力，故在人力、經費上的需求遠遠不是一般中小型策展公司所能負擔。

相較之下，因為文創園區崛起，順勢而起的IP授權與文創類型展覽就親民許多！近年來漸漸成為策展主力的IP授權展，是由策展方取得肖像IP授權後，用故事、情境、互動營造展場，達到與一般民眾溝通的目的。由於展覽的高互動性正中時下年輕人喜歡拍照打卡的習性，尤其透過觀展民眾大量的打卡宣傳，更強化「到展覽拍照」的熱潮。雖然熱賣，但IP授權展受版權方的限制多，且即使策展方設計一套有趣而獲得肯定的展覽內容，也因IP版權而無法移植，侷限了創意展延伸的可能性，也促使台灣策展公司努力朝自製展發展。此外，近年來IP授權展也在策展團隊的努力下，走向更有教育意義、更能引發觀眾省思與體察生活細微的深度展覽，而不再只是追風潮式的輕薄，更有生命意義的厚度。

“當形式逐漸被打破時，策展的核心精神就更加外顯；如何與觀眾溝通、是否精準傳遞訊息，這些就成為策展團隊恆存不變的圭臬。”

「自製展」顧名思義就是從主題、內容到執行都是由策展公司一手打造並擁有版權，例如時藝多媒體著名的「顛倒屋」展，就是發想、設計、規劃、施工全部自己完成的特色展覽。創作過程中所遇到的困難遠遠超出想像，但所引起的話題、市場熱度也相對更高。最重要的是，在台灣成功打響知名度的展覽，最有可能促成海外策展單位前來洽談移展，對於台灣策展公司而言，這才是能走得更長遠的策展。

另一類自製展是由商業品牌主動提案，透過策展來包裝銷品牌目的。由於近年幾檔自製展取得極高的聲量與話題，使得商業品牌愈來愈看懂展是一個更好的宣傳方式，因為體驗的過程絕對比廣告來得更有說服力，而且策展是幫助品牌解決問題的一種方法。就如格式設計為Samsung策展的「UP TO 3742｜臺灣屋脊上」，不僅不著痕跡地介紹了Samsung手機與VR效果，更幫助韓國品牌解決了需要跟台灣在地民眾連結的課題。

另一方面，早在藝術圈玩轉多年的跨界、混種概念，已悄悄影響了策展；蕭淑文認為策展也是一種創作，只是偏向思想上，而需要仰賴藝術家將思想視覺化，所以創作人不要給藝術家太多侷限，才能為觀眾創造不同的思想空間。在其策劃的「愛麗絲的兔子洞」展中，就讓人看到如何透過策展，將不同領域藝術家的作品創造出更有深度、精緻度的樣貌。

策展的種類因應受眾和業主會有不同的樣貌，策展、設計、藝術之間的界線也不必然壁壘分明。當形式逐漸被打破時，策展的核心精神就更加外顯；如何與觀眾溝通、是否精準傳遞訊息，這些就成為策展團隊恆存不變的圭臬。

讓策展喚醒你的愛與美

「我認為策展很浪漫，但在思考時是很理性」，王耀邦說。這或許解釋了為何策展總像是一場理想與現實的拉鋸戰，直到雙方找到甜蜜點為止。擅長操作IP展的陳姿含也說，「對策展人而言最感動也重要的是『讓觀眾有共鳴』，但除此之外，成功的商業模式、對的時間結合對的事物、提供完整的體驗，這些條件都能達到才是好展覽的樣貌。」

“未來的策展樣貌或許是推出進入門檻較低，但思考更深的當代藝術展……讓更具包容性的展覽成為社會培育下一代的文化養分。”

對於售票展而言，現實是一檔好展覽絕對要能獲利，而要做到獲利，就需要有吸引人的內容、完整的體驗、到位的宣傳和成功的商業模式；至於理想面，自是希望展覽有更深層的教育意義，能喚醒每個人心底的美。相較之下，非售票展雖然沒有獲利壓力，但需要有吸引人的內容、完整的體驗與到位的宣傳一項也不能缺，策展單位更需審慎思考如何在商業行為裡，依然創造出一些對大眾有意義的事。

「雖然台灣人的喜好比較像日本，但日本很早就在培養民眾看展的習慣，相對也促使日本的展覽品質較高，台灣在這一點上還有很大的努力空間。」即使已經策展多年，王華瑋依然在達成現實目標之餘，亦不斷思考每一檔策展要帶給民眾的課題以及對社會的意義。而王耀邦也說，「觀點需要被用各種方式去提升出更清晰的輪廓，而策展正可以去收斂，鍛造一個觀點，使其產生社會影響力。」他甚至以2017年卡塞爾文獻展（Kassel Documenta）為例，當你看到以鐵絲網一比一築出的帕德嫩神廟上掛滿時代的禁書、最終拆下來的書還可以讓現場每一個人帶走時，你會真實感受到時代的壓迫，這遠比洋洋灑灑的演講來得更有力量。

所以未來的策展樣貌或許是推出進入門檻較低，但思考更深的當代藝術展，以培養大眾的藝術品味；或許是將海量的資訊梳理地更加易懂卻不失意義；甚至是培養出能推往國際的台灣IP；或是創造更多元類型、主題的展覽，讓更具包容性的展覽成為社會培育下一代的文化養分。

如同《策展人工作指南》一書所提到「策展實踐已經被視為一種文化生產的權威形式」，因此策劃出更好的展覽，將是策展團隊始終不變的挑戰。

Text / 陳玟晴

Photo credit / 飛躍文創、時藝多媒體、格式設計、臺北市立美術館、聯合數位文創

2023年底登場的「Camping Asia」，由臺北表演藝術中心、法國國家舞蹈中心、香奈兒三方合作，透過營隊形式，打破機構、藝術家、學院之間的疆界，實踐人才培育、國際交流、跨領域對話的核心理念。

延續此成功，香奈兒品牌也支持國立臺北藝術大學（以下簡稱北藝大）舞蹈學院，將於今年底重新詮釋 20 世紀最具影響力的經典舞碼作品 Pina Bausch《春之祭》，以培育新世代舞者。La Vie 以給下一代的舞蹈藝術為題，邀請舞蹈學院教育家何曉玫、旅外國際舞者余采芩、台灣新生代舞者邱柏盛、許韶軒、林韋辰分享彼此所見，激發不同世代的靈感火花，打開舞蹈藝術的全新可能。

香奈兒在文化贊助方面早有悠久豐富的歷史，如今則與全球各地領先的文化機構開展長期合作，開辦推廣創意和文化思維創新的全新項目。「香奈兒文化基金」（CHANEL Culture Fund）支持理念相符的藝文機構，也透過「CHANEL Next Prize」挖掘全球創意新銳、Podcast 頻道《CHANEL Connects》則探討當今與未來文化趨勢。

聚焦台灣，近兩年與臺北表演藝術中心合作的「Camping Asia」及「Dance Talk」計畫，共同致力於推廣表演藝術在亞洲的發展，首屆「Dance Talk」不僅邀請台灣重要的舞蹈創作者開拓年輕舞者的視野，11月亦將偕同衛武營國家藝術文化中心，帶來一場跨世代的對話和身體律動工作坊。

渴望的力量，讓身體自己動起來

參與首場台北「Dance Talk」、現為北藝大舞蹈學院院長的編舞家何曉玫，開門見山地點出，在全球各個城市裡，舞蹈往往是最弱勢的藝術形式，每一位想成為專業舞者的人，都需要比其他藝術領域花費更多的時間去鍛鍊和學習，「舞蹈是一門非常殘酷的藝術，舞者可能很快受傷，或只能再跳幾年便失去舞台，無論是身體還是心理，得面對的競爭和挑戰都非常嚴苛。何況它並非一種能用語言表達的藝術，需要觀眾願意懷抱想像力和開放心態來認識它。」

何曉玫認為，所有能夠打動人的事物，都是源於真正的用心與對細節的掌握，「舞蹈每一個成果都得來不易，既脆弱但也是最堅韌的，因為舞者是真實的人，透過情感的聚集，展現出強大的力量。脆弱與堅強，正是我在舞者身上所見到的兩種能力，而香奈兒對舞蹈的支持，無疑是這個藝術領域中的一大幸運。」

何曉玫也談及林懷民老師對她的影響之深遠，特別是在1980年代的台灣，他做事的態度就像是「桌子一拍，拚下去！」，不管有多困難都不斷堅持往前。「記得有一次和林老師的個別談話中，我不禁情緒崩潰，大哭了起來，我說我不想再當第二，為什麼無論做什麼事情，我總是拿不到第一。結果林老師並沒有用鼓勵的話安慰我，他只是簡單地回覆：『那你就要努力朝向第一。』我頓時明白，做事情不需要仰賴別人的眼光，而是應該忠於自己內心的渴望，並且以200%的努力去實現這個目標。」全力以赴、毫無保留地投入，這精神深深啟發了何曉玫。

以長達3年時間進行的《默島進行曲計畫》，是何曉玫將舞蹈融入傳統文化場域，讓舞作來到了廟埕，和在地陣頭夥伴及藝文隊伍進入地方參與台灣各地民俗慶典，鼓勵民眾一起來跳舞。「當代舞蹈的觀點中，所有人的動作都是舞蹈，你的坐、臥、行、走都可以被視為舞蹈。所以，為什麼我們不能認同自己的『踏跤步』也是舞蹈的一部分呢？」另外，她也強調即興舞蹈的耐人尋味，當給予舞者充分自由時，可以很快地看出其個性，這些自由的表現能夠揭示出他可能需要如何蛻變自己，如何通過更多不同的訓練，走向更全面的自我開發。

邱柏盛：我想成為能讓人感受得到「溫度」的舞者

目前就讀於北藝大舞蹈系碩士班的邱柏盛，透露當初之所以喜歡舞蹈的起點，「我是來自鄉下的小孩，因為看到歌仔戲開始對肢體感興趣，世界知名編舞家碧娜．鮑許更深深衝擊我，小學時曾看過她的紀錄片，在那個年紀，多數同學都覺得無聊，我卻看得入迷不已。」邱柏盛說在作品的排練過程中，對於細節的要求逐漸培養了自身對表演的標準，無論是身體詮釋還是情感投射，甚至手腕輕輕的一個角度，都會帶來不同的情緒，而這些細節最終成為舞者未來創作與表演的養分。

「最近與余采芩老師的排練讓我印象深刻，她親自示範了一個橋段，儘管那個動作並不複雜，只是一個輕輕走過的行為，但全場似乎都靜止了。」這種臨場感和張力，他認為是無法用文字或攝影機記錄的，這正是劇場最大的魅力。若要想像未來的十年，邱柏盛希望自己成為一位真誠的舞者，不論是在舞台上、排練場上，還是在創作過程中，都能始終保持真實，並能讓觀眾感受到舞蹈中傳遞的溫度與情感，「我最喜歡舞蹈中非常純粹的表達，它不需要過多的修飾，就能直達人心！」

許韶軒：不再犧牲自己成為別人，我在舞動中成為獨立個體

從6歲開始習舞、目前就讀北藝大舞蹈系貫六的許韶軒，回憶起自己當初只是單純地喜歡表演，享受在教室裡與同學一起跳舞的凝聚力，隨著年齡增長，舞蹈成為她表達情感的方式，開始用舞蹈來呈現最真實的自己，訴說內心的故事。

「舞蹈帶給我最大的快樂在於，過程艱辛，卻能看清自己在其中的成長與進步，除了即興演出讓我更真實地傾聽內心；群舞中，則讓我了解必須找到與其他舞者之間的關係更為重要。」她期許自己對未來的想像是廣闊的，舞蹈藝術是一個競爭激烈的領域，若能在其他領域中學習更多知識，可以讓她在舞蹈的路上走得更遠更廣。

許韶軒也分享， 她上學期修了一門文學課，課堂上討論到不同領域的結合，包括當今為了突破舞蹈表演在舞台上的既定印象，許多人嘗試將戲劇元素融入舞蹈中，這種結合在某種程度上是一種突破，打破了傳統舞蹈應該有的樣子，並以更生活化或戲劇化的方式來呈現作品。「如果這種突破變成一種固定的模式，是否會讓作品失去舞蹈的本質？我們該如何界定戲劇表演與舞蹈表演的差異？值得我們探究。」至於舞蹈的推廣，許韶軒認為，藝術是一種主觀的表達形式，她希望透過作品引導觀眾思考生命或社會議題，從中找到與自己的共鳴。

林韋辰：舞蹈中人人有故事 細微舉動流露獨特情感

「舞蹈能讓我專注於當下，並將身體練至極致，以表現恐懼、痛苦、狂喜、憤怒等複雜情感，對我來說，跳舞就是『呼吸』，就是『活著』。」就讀北藝大舞蹈系貫七的林韋辰，提及一次與余采芩老師排練的互動經歷，「她示範了一個簡單的跑步動作，強調跑步時，要想像前方有東西帶領你，用胸口和呼吸去引導動作。這種方式讓跑步變得更富情感，展現了更多內在力量。」

曾到巴黎參與交換學生計畫的他，看到舞蹈與戲劇、音樂等領域的結合，讓他有感未來的舞蹈將越來越多元化，舞者必須不斷吸收來自不同領域的靈感，創造出新的藝術形式。「現代舞最大的挑戰，也許就在於如何讓大眾更容易理解和接受這種藝術形式，因此希望自己成為一名多元化的舞者，能夠掌握各種風格和元素，並在與不同編舞家的合作中靈活運用自己的技巧。」林韋辰認為，在solo時可以更加自由地融入自己的個性與風格，但在群舞中， 則需要考慮與其他舞者的協調，保持一致的色彩、色調。「在稍早與柏盛、韶軒的排練中，曉玫老師特別指導我如何用後背帶動手臂的動作，我驚覺舞者每天的身體狀態都不同，因此每天都面對著新挑戰，學習如何在不同狀態下調整身體，這是一個不斷磨練的過程。」

未來的舞蹈？找到集體共識之美

在表演藝術中，展示自己的觀點和個性是至關重要的。何曉玫在指導3位舞者即興的過程中，強調當要求學生一遍又一 遍地反覆練習時，核心在於舞者是否願意再多認識自己一點，是否願意去探究那些他深信自己已經理解的事物背後的內涵。「采芩讓我看到，除了她勇敢追逐夢想的勇氣，還有她的執著一樣難能可貴，從北藝大畢業後，甘願重新花4年時間攻讀埃森福克旺藝術大學，因為那是她想去到的境界。」何曉玫指出，過去亞洲的教育體系中，我們常常被教導要謙虛、不要多說話、要服從。然而，作為表演者或藝術工作者，更應該大膽地發出自己的聲音，不要退縮、敢於犯錯。

何曉玫自2011年起推出「鈕扣*New Choreographer」計畫，邀請旅外優秀舞者、編舞家「回家」創作與演出並交流國際經驗。2023年擔任「Dance Now Asia亞洲舞蹈藝術節」總策演人，邀請台北、大邱、東京、吉隆坡4個亞洲重要城市舞團參與，以「亞洲．跳」Connecting Islands為核心主題，探索島嶼與島嶼間的文化異同。

「我經常思考，我們是否有可能建立出屬於自己的亞洲美學？畢竟，我們的外貌和身體都與西方不同。如何回到自己的文化，重新思考現代性是什麼？希望更多新世代舞者可以一同探索、一起好奇，跳出屬於我們亞洲文化的身體。」

何曉玫

國立藝術學院舞蹈系畢業，美國紐約大學舞蹈碩士，曾任臺北越界舞團團長，並多次受邀擔任雲門舞集客席編舞家。2000年前後活躍於國內外舞台，持續發表作品，多次受邀於國際舞蹈節演出，2010年創立何曉玫MeimageDance舞團，2011年起推動「鈕扣*New Choreographer」計畫，2023年策展Dance Now Asia推動亞洲舞蹈鏈結。現為國立臺北藝術大學舞蹈學院院長。

旅歐舞者余采芩談跨世代共創：舞者往內心深掘，無論在哪都能找到屬於自己的光芒

我 6 歲開始學舞，一接觸舞蹈就無法自拔地愛上了跳舞。12 歲時，我已經非常清楚自己想要站在國際舞台上表演，即使身體能力並不算特別出色，但北藝大的老師們仍然給了我很多機會參加展演。前往德國深造後，出身於碧娜．鮑許舞蹈劇場的老師告訴我：「來到這裡，要把以前學到的東西都丟掉，重新開始學習。」這句話花了我一、兩年去消化，但最終，它讓我在舞蹈的道路上取得了更大的突破。

相比於古典芭蕾的美和規範，現代舞非常自由，創作和表演都記錄了不同年紀的所思所想，允許你表達內在情感，讓我在舞蹈中找到了抒發和釋放的空間。不過，舞蹈不應該只是單純的情感發洩，作為一名編舞者，有責任站在觀眾的角度來看待自己的作品，舞蹈不僅僅是為了自己，更是要能夠讓觀眾有所感受、有所思考。

台灣的舞者，包括以前的我，常常因為站在舞台上的壓力，覺得自己必須做到完美、必須讓自己看起來毫不費力，然而碧娜．鮑許常常讓舞者感受極度疲憊，當你累到無法再偽裝時，真正的情感和狀態便會自然流露，我希望學生們能夠透過舞作，對不同的表演方式有全新的體會。

這次在北藝大的舞者甄選和排練中，看到每個舞者都有自己獨特的身體特質和表現方式。柏盛非常努力、對舞蹈充滿熱情，從他身上，我看到了過去那個拚命三郎般的自己；韶軒是一個可愛又快樂的女生，無論排練有多麼辛苦，她總是帶著微笑，我忍不住想問她：「這支舞就像在地獄一樣，你在地獄的時候，笑得出來嗎？」初期的分段排練，舞者們還沒有真正感受到這支舞有多麼累人，直到最後幾天進行完整排練，她完全展現了應有的投入狀態， 整個人亮了起來；韋辰也是一個身體條件非常好的人，他和其他兩位舞者的共同點是，都對舞蹈充滿熱情，深深熱愛著舞蹈，這分熱情驅使他們不斷學習和探索，追求更高的表現力。

好的舞者不僅需要柔軟的身體，更重要的是協調性和質地，找到屬於自己的舞蹈語言。在我與這些年輕舞者合作的過程中，不僅是他們在學習，我也在過程中不斷反思和成長。很多人說看不懂現代舞，坦白說，身為舞者，我也不是每次都能看懂。舞蹈藝術的未來會如何發展，就像播種後，究竟會長出一朵花，或長出一棵樹，或者完全不發芽，我們現在無法得知，可是至少有這一片土壤，提供了各種可能性。創作者最終還是必須回到認識自己的道路上，從生活經驗出發，因為人性才最能打動觀眾、獲得共鳴。

余采芩

2003年畢業於國立臺北藝術大學舞蹈系，2006年畢業於德國埃森福克旺舞蹈系並開始研習獨舞表演，期間多次演出德國知名編舞家Susanne Linke之經典舞作〈Wandlung〉並成為其舞作傳人之一，同年成為烏帕塔舞蹈劇場碧娜．鮑許《春之祭》之客席舞者，隨舞團巡迴各國，2008年正式成為台灣第一位進入烏帕塔舞蹈劇場碧娜．鮑許舞團之團員至今。

_{文、採訪整理｜張瑋涵   平面攝影｜林軒朗   動態攝影｜周家祺
化妝｜李孟書、Nash Chen　髮型｜翁與盛、Jun Zhang
圖片提供｜何曉玫MeimageDance舞團}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/10月號《跟著咖啡去旅行》

走進日本藝術家稻垣美侑的展覽，就像打開一本「空間繪本」，她擅長透過將繪畫及其衍生的片段組合在同一空間，來解構已知的風景，並嘗試建構新的景象，就像打造出一個敞亮的維度，邀請人們走進她觀察和感受的世界。

今年10月19日起，朋丁將舉辦稻垣美侑個展《黑冠與水坑》，展前藝術家特地來台取材，途中偶遇的黑冠麻鷺、基隆海濱砂岩地質令她印象深刻，從而發展出全新繪畫及陶藝作品，以獨特視角重現並帶你我重新閱讀熟悉的風景。

「世界曾經是什麼樣貌？」

「世界曾經是什麼樣貌？」是稻垣美侑創作中從不缺席的重要提問，這不僅是對眼前風景的單純疑問，同時也是嘗試想像和不同立場進行對話的意識表現，比如鳥類、昆蟲是如何看待和感知這個世界的？隨著觀察角度的不同，世界的解讀方式也會有巨大變化，這麽說來，世上存在的生物數量有多少，或許就有多少個不同的世界，而人類只是世界的一小部分而已。稻垣美侑透過了解自然環境與不同生物，以豐富多樣的視野看待眼前世界。

《黑冠與水坑》靈感源自台灣風景

2024年5月，稻垣美侑為朋丁個展來台灣取材，在台北街頭偶遇黑冠麻鷺，這種被暱稱為「大笨鳥」的鳥類，竟然毫不畏懼人類，悠然自得地在城市中漫步，這一幕在她心中留下了深刻的印象。同趟旅程中，她在基隆發現了海邊的砂岩地質，其受到風和海浪的侵蝕，削蝕的岩石表面隨處可見小小的窪地，這些窪地中積存著海水或雨水，映照出每天變幻莫測的天空色彩，都是留在她心中的美麗景觀。

她的創作靈感由這趟漫遊展開，展覽標題也取自於此——「黑冠」和「水坑」，兩者的共同點是由當地的自然環境孕育而成，存在著漫長歲月。海浪、風化與地形，在這2500萬年的漫長歲月間，交織出什麼樣的影色？黑冠麻鷺茶褐色的身軀、黑色的冠羽，邊走邊用大眼睛觀察周遭，這些自古以來棲息在台灣的鳥兒，究竟看著怎樣的風景呢？

親近土地，反覆閱讀

不只在台灣，稻垣美侑總是在生活中尋找能夠開啟想像的風景，她說：「當我造訪一片新土地時，我非常重視四處走動，反覆觀察所見的多樣風景，以此觸碰這片土地所特有的景色。」

過往展覽〈青の遊泳 / 游玩海中〉重現她對三重縣鳥羽市的觀察，在這座靠海漁村，她透過海女們的話語理解她們的生活，開啟對海面下世界的想像；又或〈渦としかく／漩渦與方塊〉呈現廢棄建築與蝸牛的共生關係，並用螺旋狀與方形的交流，重譯在一大片風景中的感受；〈ぐぜり／呀呀鳥語〉則以不同的畫作呈現鳥語的節奏、出現的所在，對稻垣美侑而言，「聲音」也是構成風景的重要元素，因此聲音的意象往往會反映在她構圖的節奏或色彩上。

在朋丁個展〈黑冠與水坑〉中，稻垣美侑以訪台時所捕捉到的風景為靈感，透過詩意的方式轉化我們習以為常的生活。她的展覽都為空間與主題量身訂做，將風景收束成一片片繪畫創作，再跨越出繪畫，延伸出不同質地、材質、維度的展出可能性，包含立體、雕塑、空間感等表現方式，不被平面畫布所框架、靈活運用環境中各種元素，用瞬間的美麗觸發感動。

《黑冠與水坑》稻垣美侑個展

展期｜2024.10.19－11.3，週一公休

時間｜12:00－19:00

地點｜朋 丁 pon ding（台北市中山區中山北路一段53巷6號）