如何打造一場吸引人的展覽?6位台灣策展專家親解「策展藝術」幕後秘辛

當許多學門因為與社會實用性脫鉤而逐漸式微之際,「策展」卻異軍突起有了專門學程,快速成為值得關注的產業。究竟策展是什麼?又有哪些眉角?以下這些活躍的策展人:飛躍文創活動展覽部總監陳姿含、飛躍文創Brand∙Content事業部部長陳慈賢、時藝多媒體展演活動部總監王華瑋、格式設計總監王耀邦、臺北市立美術館資深策展人蕭淑文及聯合數位文創活動事業群文創二部總監鍾逸民,以梳理過的實務經驗,分享關於策展,那些你想了解的事。

 

近年隨著華山、松菸等文創園區陸續開放,看展風氣逐漸成熟,週末假日到文創園區逛逛、參加活動已成為時下年輕人的習慣,也是許多親子家庭的活動熱點。在這個寬廣場域裡,有精選的設計商品、特色餐飲,還有頻繁替換的藝文、展覽、活動,非常適合消磨一日的悠閒時光。「策展」,也正是在這樣的生活型態下,快速成為一門顯學。

 

一種具時代樣貌的學習方法

不可否認,細品一個精心策劃的策展,就像是一場心靈的洗禮,經過一連串綿密布局的絲路後,當我們走出展場時,也彷彿得到了些新的體悟。而這,正是「策展」的獨特性;在於資訊被有系統地整理呈現過,並且在時代性的角度予以新的觀點。

 

所以觀眾能在一個有限空間裡尋著脈絡觸及到新的知識、美感與意義,蕭淑文也說,「作品是否能回應我們現在生活環境跟時代的精神面,這才是藝術有趣的地方。」於是,這些具有視覺美感、文化觀點及品味的專家們,以某個核心概念連結多樣化的作品、資料,從而創造出嶄新的觀點,並呼應當下社會的需求,使得策展不僅成為一種深具時代性的活動,更是論述當下社會文化的形式。

 

策展如同一門學問、方法學般地值得被關注,但對於看展的大眾而言,其實反而是輕鬆的體驗,某些龐大的議題被化為容易理解的視覺圖像、在不知不覺間吸收。一檔好的展覽如同一劑強心針,為每位看展人注入不同的文化養分,也因此,為了讓所有人都能得到所想要的心靈養分,熱鬧蓬勃的策展市場上,有了不同受眾、不同商業模式的誕生。

 

多樣態策展,直搗大眾的渴望

目前常見的商業策展可略分為藝術作品展、IP授權展(Intellectual Property,簡稱IP)及自製展三大類。

 

藝術作品展可說是台灣策展的最初樣貌,包括莫內、米勒、夏卡爾、梵谷、高更等世界知名畫家作品,不遠千里運送到台灣的大型特展,每每都掀起一陣藝術潮。「二十年前出國看展還不是那麼容易,所以能一次看到多幅世界名畫是很重要的體驗」,鍾逸民說。然而藝術展除了借展費用驚人外,策展單位需有執行專業藝術展的能力,故在人力、經費上的需求遠遠不是一般中小型策展公司所能負擔。

 

相較之下,因為文創園區崛起,順勢而起的IP授權與文創類型展覽就親民許多!近年來漸漸成為策展主力的IP授權展,是由策展方取得肖像IP授權後,用故事、情境、互動營造展場,達到與一般民眾溝通的目的。由於展覽的高互動性正中時下年輕人喜歡拍照打卡的習性,尤其透過觀展民眾大量的打卡宣傳,更強化「到展覽拍照」的熱潮。雖然熱賣,但IP授權展受版權方的限制多,且即使策展方設計一套有趣而獲得肯定的展覽內容,也因IP版權而無法移植,侷限了創意展延伸的可能性,也促使台灣策展公司努力朝自製展發展。此外,近年來IP授權展也在策展團隊的努力下,走向更有教育意義、更能引發觀眾省思與體察生活細微的深度展覽,而不再只是追風潮式的輕薄,更有生命意義的厚度。

 

“當形式逐漸被打破時,策展的核心精神就更加外顯;如何與觀眾溝通、是否精準傳遞訊息,這些就成為策展團隊恆存不變的圭臬。”

 

「自製展」顧名思義就是從主題、內容到執行都是由策展公司一手打造並擁有版權,例如時藝多媒體著名的「顛倒屋」展,就是發想、設計、規劃、施工全部自己完成的特色展覽。創作過程中所遇到的困難遠遠超出想像,但所引起的話題、市場熱度也相對更高。最重要的是,在台灣成功打響知名度的展覽,最有可能促成海外策展單位前來洽談移展,對於台灣策展公司而言,這才是能走得更長遠的策展。

 

另一類自製展是由商業品牌主動提案,透過策展來包裝銷品牌目的。由於近年幾檔自製展取得極高的聲量與話題,使得商業品牌愈來愈看懂展是一個更好的宣傳方式,因為體驗的過程絕對比廣告來得更有說服力,而且策展是幫助品牌解決問題的一種方法。就如格式設計為Samsung策展的「UP TO 3742|臺灣屋脊上」,不僅不著痕跡地介紹了Samsung手機與VR效果,更幫助韓國品牌解決了需要跟台灣在地民眾連結的課題。

 

另一方面,早在藝術圈玩轉多年的跨界、混種概念,已悄悄影響了策展;蕭淑文認為策展也是一種創作,只是偏向思想上,而需要仰賴藝術家將思想視覺化,所以創作人不要給藝術家太多侷限,才能為觀眾創造不同的思想空間。在其策劃的「愛麗絲的兔子洞」展中,就讓人看到如何透過策展,將不同領域藝術家的作品創造出更有深度、精緻度的樣貌。

 

策展的種類因應受眾和業主會有不同的樣貌,策展、設計、藝術之間的界線也不必然壁壘分明。當形式逐漸被打破時,策展的核心精神就更加外顯;如何與觀眾溝通、是否精準傳遞訊息,這些就成為策展團隊恆存不變的圭臬。

 

讓策展喚醒你的愛與美

「我認為策展很浪漫,但在思考時是很理性」,王耀邦說。這或許解釋了為何策展總像是一場理想與現實的拉鋸戰,直到雙方找到甜蜜點為止。擅長操作IP展的陳姿含也說,「對策展人而言最感動也重要的是『讓觀眾有共鳴』,但除此之外,成功的商業模式、對的時間結合對的事物、提供完整的體驗,這些條件都能達到才是好展覽的樣貌。」

 

“未來的策展樣貌或許是推出進入門檻較低,但思考更深的當代藝術展……讓更具包容性的展覽成為社會培育下一代的文化養分。”

 

對於售票展而言,現實是一檔好展覽絕對要能獲利,而要做到獲利,就需要有吸引人的內容、完整的體驗、到位的宣傳和成功的商業模式;至於理想面,自是希望展覽有更深層的教育意義,能喚醒每個人心底的美。相較之下,非售票展雖然沒有獲利壓力,但需要有吸引人的內容、完整的體驗與到位的宣傳一項也不能缺,策展單位更需審慎思考如何在商業行為裡,依然創造出一些對大眾有意義的事。

 

「雖然台灣人的喜好比較像日本,但日本很早就在培養民眾看展的習慣,相對也促使日本的展覽品質較高,台灣在這一點上還有很大的努力空間。」即使已經策展多年,王華瑋依然在達成現實目標之餘,亦不斷思考每一檔策展要帶給民眾的課題以及對社會的意義。而王耀邦也說,「觀點需要被用各種方式去提升出更清晰的輪廓,而策展正可以去收斂,鍛造一個觀點,使其產生社會影響力。」他甚至以2017年卡塞爾文獻展(Kassel Documenta)為例,當你看到以鐵絲網一比一築出的帕德嫩神廟上掛滿時代的禁書、最終拆下來的書還可以讓現場每一個人帶走時,你會真實感受到時代的壓迫,這遠比洋洋灑灑的演講來得更有力量。

 

所以未來的策展樣貌或許是推出進入門檻較低,但思考更深的當代藝術展,以培養大眾的藝術品味;或許是將海量的資訊梳理地更加易懂卻不失意義;甚至是培養出能推往國際的台灣IP;或是創造更多元類型、主題的展覽,讓更具包容性的展覽成為社會培育下一代的文化養分。

 

如同《策展人工作指南》一書所提到「策展實踐已經被視為一種文化生產的權威形式」,因此策劃出更好的展覽,將是策展團隊始終不變的挑戰。

 

Text / 陳玟晴

Photo credit / 飛躍文創、時藝多媒體、格式設計、臺北市立美術館、聯合數位文創

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史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會(Fondation Louis Vuitton),匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品,從加州時期以泳池為題的一系列作品,到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫,展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置,並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作,也同時回顧David Hockney早期的代表性作品,帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示:「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽,連我現在正在創作的畫作也會展出,我想這一定會非常精彩。」

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
《David Hockney 25》展覽現場(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來,David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年,他的創作生涯豐富且多產,無論媒材或技法皆持續創新,從未停下腳步。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
David Hockney(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言,並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕,像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯,以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像(泳池與兩個人像)》等作品,以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Christopher Isherwood and Don Bachardy(圖片來源:David Hockney)

1980至1990年代,David Hockney轉而描繪自然景觀,並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分,則聚焦David Hockney近25年回到英國,於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期,他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主,像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》,以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等,都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
May Blossom on the Roman Road(圖片來源:David Hockney)

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間,他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色,透過科技筆觸描繪生活的希望,持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時,他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像,並以傳統畫框裝裱數位畫作,產生時空交錯的視覺效果。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Full Bloom, 27th March 2020, No. 1(圖片來源:David Hockney)

來到展覽的尾聲,則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品,其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發,畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外,David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像,為這場規模空前的回顧之旅收尾。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
After Munch: Less is Known than People Think(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique(圖片來源:David Hockney)

David Hockney 25

展覽日期|2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點|Fondation Louis Vuitton

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讓自我如幻夢般流動!Ana Karkar個展《Pipe Dream》登台:以變形女體,挑戰對情色和親密的既定想像

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊(Galerie Marguo)攜手合作,推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡(Ana Karkar)在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識,幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中,她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世,情緒張力飽滿,洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力,帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境,穿越現實與幻想的邊界。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)
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(圖片提供:TAO ART)

狂想般的視覺語言,包裹對「自我」的見解

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(圖片提供:TAO ART)

在卡卡的藝術宇宙裡,身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器,神聖又脆弱,蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚,引領觀者在幻象與現實之間,重新凝視身體與存在的關係,想像蛻變的可能。

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(圖片提供:TAO ART)

《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品,持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence畫中濃綠與青藍色調,喚起水與生命誕生的意象,與火的元素形成對比,象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象,神秘而無法被定義;她內心彷彿燃燒著渴望,只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

另一邊,〈Scales畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞,形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇,白與紫的色彩對比空靈而神秘,營造近乎神話般的場景。

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藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響,也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中,糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象,強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒(Egon Schiele);激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙,則呼應了克林姆(Gustav Klimt)的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演,從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪(Brian De Palma)到達利歐·阿基多(Dario Argento),以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

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(圖片提供:TAO ART)

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂,都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」,延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格,根植於卡卡的生活背景,她出生並成長於舊金山,從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後,曾進入Louis Vuitton總部工作,於影像製作和數位媒體部門任職7年,現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷,皆深深影響她的創作。

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(圖片提供:TAO ART)

在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為,「卡卡畫的不是單純的身體,而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變,還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角,創造了一個心理空間,在那裡,身體不再是固定的,而是不斷變化、彼此交織,充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

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(圖片提供:TAO ART)

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream

展期|2025.05.0707.12

開放時間|週二至週六 11:0019:00

地點|TAO ART(台北市內湖區洲子街79-18樓)