如何打造一場吸引人的展覽?6位台灣策展專家親解「策展藝術」幕後秘辛

當許多學門因為與社會實用性脫鉤而逐漸式微之際,「策展」卻異軍突起有了專門學程,快速成為值得關注的產業。究竟策展是什麼?又有哪些眉角?以下這些活躍的策展人:飛躍文創活動展覽部總監陳姿含、飛躍文創Brand∙Content事業部部長陳慈賢、時藝多媒體展演活動部總監王華瑋、格式設計總監王耀邦、臺北市立美術館資深策展人蕭淑文及聯合數位文創活動事業群文創二部總監鍾逸民,以梳理過的實務經驗,分享關於策展,那些你想了解的事。

 

近年隨著華山、松菸等文創園區陸續開放,看展風氣逐漸成熟,週末假日到文創園區逛逛、參加活動已成為時下年輕人的習慣,也是許多親子家庭的活動熱點。在這個寬廣場域裡,有精選的設計商品、特色餐飲,還有頻繁替換的藝文、展覽、活動,非常適合消磨一日的悠閒時光。「策展」,也正是在這樣的生活型態下,快速成為一門顯學。

 

一種具時代樣貌的學習方法

不可否認,細品一個精心策劃的策展,就像是一場心靈的洗禮,經過一連串綿密布局的絲路後,當我們走出展場時,也彷彿得到了些新的體悟。而這,正是「策展」的獨特性;在於資訊被有系統地整理呈現過,並且在時代性的角度予以新的觀點。

 

所以觀眾能在一個有限空間裡尋著脈絡觸及到新的知識、美感與意義,蕭淑文也說,「作品是否能回應我們現在生活環境跟時代的精神面,這才是藝術有趣的地方。」於是,這些具有視覺美感、文化觀點及品味的專家們,以某個核心概念連結多樣化的作品、資料,從而創造出嶄新的觀點,並呼應當下社會的需求,使得策展不僅成為一種深具時代性的活動,更是論述當下社會文化的形式。

 

策展如同一門學問、方法學般地值得被關注,但對於看展的大眾而言,其實反而是輕鬆的體驗,某些龐大的議題被化為容易理解的視覺圖像、在不知不覺間吸收。一檔好的展覽如同一劑強心針,為每位看展人注入不同的文化養分,也因此,為了讓所有人都能得到所想要的心靈養分,熱鬧蓬勃的策展市場上,有了不同受眾、不同商業模式的誕生。

 

多樣態策展,直搗大眾的渴望

目前常見的商業策展可略分為藝術作品展、IP授權展(Intellectual Property,簡稱IP)及自製展三大類。

 

藝術作品展可說是台灣策展的最初樣貌,包括莫內、米勒、夏卡爾、梵谷、高更等世界知名畫家作品,不遠千里運送到台灣的大型特展,每每都掀起一陣藝術潮。「二十年前出國看展還不是那麼容易,所以能一次看到多幅世界名畫是很重要的體驗」,鍾逸民說。然而藝術展除了借展費用驚人外,策展單位需有執行專業藝術展的能力,故在人力、經費上的需求遠遠不是一般中小型策展公司所能負擔。

 

相較之下,因為文創園區崛起,順勢而起的IP授權與文創類型展覽就親民許多!近年來漸漸成為策展主力的IP授權展,是由策展方取得肖像IP授權後,用故事、情境、互動營造展場,達到與一般民眾溝通的目的。由於展覽的高互動性正中時下年輕人喜歡拍照打卡的習性,尤其透過觀展民眾大量的打卡宣傳,更強化「到展覽拍照」的熱潮。雖然熱賣,但IP授權展受版權方的限制多,且即使策展方設計一套有趣而獲得肯定的展覽內容,也因IP版權而無法移植,侷限了創意展延伸的可能性,也促使台灣策展公司努力朝自製展發展。此外,近年來IP授權展也在策展團隊的努力下,走向更有教育意義、更能引發觀眾省思與體察生活細微的深度展覽,而不再只是追風潮式的輕薄,更有生命意義的厚度。

 

“當形式逐漸被打破時,策展的核心精神就更加外顯;如何與觀眾溝通、是否精準傳遞訊息,這些就成為策展團隊恆存不變的圭臬。”

 

「自製展」顧名思義就是從主題、內容到執行都是由策展公司一手打造並擁有版權,例如時藝多媒體著名的「顛倒屋」展,就是發想、設計、規劃、施工全部自己完成的特色展覽。創作過程中所遇到的困難遠遠超出想像,但所引起的話題、市場熱度也相對更高。最重要的是,在台灣成功打響知名度的展覽,最有可能促成海外策展單位前來洽談移展,對於台灣策展公司而言,這才是能走得更長遠的策展。

 

另一類自製展是由商業品牌主動提案,透過策展來包裝銷品牌目的。由於近年幾檔自製展取得極高的聲量與話題,使得商業品牌愈來愈看懂展是一個更好的宣傳方式,因為體驗的過程絕對比廣告來得更有說服力,而且策展是幫助品牌解決問題的一種方法。就如格式設計為Samsung策展的「UP TO 3742|臺灣屋脊上」,不僅不著痕跡地介紹了Samsung手機與VR效果,更幫助韓國品牌解決了需要跟台灣在地民眾連結的課題。

 

另一方面,早在藝術圈玩轉多年的跨界、混種概念,已悄悄影響了策展;蕭淑文認為策展也是一種創作,只是偏向思想上,而需要仰賴藝術家將思想視覺化,所以創作人不要給藝術家太多侷限,才能為觀眾創造不同的思想空間。在其策劃的「愛麗絲的兔子洞」展中,就讓人看到如何透過策展,將不同領域藝術家的作品創造出更有深度、精緻度的樣貌。

 

策展的種類因應受眾和業主會有不同的樣貌,策展、設計、藝術之間的界線也不必然壁壘分明。當形式逐漸被打破時,策展的核心精神就更加外顯;如何與觀眾溝通、是否精準傳遞訊息,這些就成為策展團隊恆存不變的圭臬。

 

讓策展喚醒你的愛與美

「我認為策展很浪漫,但在思考時是很理性」,王耀邦說。這或許解釋了為何策展總像是一場理想與現實的拉鋸戰,直到雙方找到甜蜜點為止。擅長操作IP展的陳姿含也說,「對策展人而言最感動也重要的是『讓觀眾有共鳴』,但除此之外,成功的商業模式、對的時間結合對的事物、提供完整的體驗,這些條件都能達到才是好展覽的樣貌。」

 

“未來的策展樣貌或許是推出進入門檻較低,但思考更深的當代藝術展……讓更具包容性的展覽成為社會培育下一代的文化養分。”

 

對於售票展而言,現實是一檔好展覽絕對要能獲利,而要做到獲利,就需要有吸引人的內容、完整的體驗、到位的宣傳和成功的商業模式;至於理想面,自是希望展覽有更深層的教育意義,能喚醒每個人心底的美。相較之下,非售票展雖然沒有獲利壓力,但需要有吸引人的內容、完整的體驗與到位的宣傳一項也不能缺,策展單位更需審慎思考如何在商業行為裡,依然創造出一些對大眾有意義的事。

 

「雖然台灣人的喜好比較像日本,但日本很早就在培養民眾看展的習慣,相對也促使日本的展覽品質較高,台灣在這一點上還有很大的努力空間。」即使已經策展多年,王華瑋依然在達成現實目標之餘,亦不斷思考每一檔策展要帶給民眾的課題以及對社會的意義。而王耀邦也說,「觀點需要被用各種方式去提升出更清晰的輪廓,而策展正可以去收斂,鍛造一個觀點,使其產生社會影響力。」他甚至以2017年卡塞爾文獻展(Kassel Documenta)為例,當你看到以鐵絲網一比一築出的帕德嫩神廟上掛滿時代的禁書、最終拆下來的書還可以讓現場每一個人帶走時,你會真實感受到時代的壓迫,這遠比洋洋灑灑的演講來得更有力量。

 

所以未來的策展樣貌或許是推出進入門檻較低,但思考更深的當代藝術展,以培養大眾的藝術品味;或許是將海量的資訊梳理地更加易懂卻不失意義;甚至是培養出能推往國際的台灣IP;或是創造更多元類型、主題的展覽,讓更具包容性的展覽成為社會培育下一代的文化養分。

 

如同《策展人工作指南》一書所提到「策展實踐已經被視為一種文化生產的權威形式」,因此策劃出更好的展覽,將是策展團隊始終不變的挑戰。

 

Text / 陳玟晴

Photo credit / 飛躍文創、時藝多媒體、格式設計、臺北市立美術館、聯合數位文創

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(圖片提供:奇想會、張紘齊)

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走上國際時尚伸展台,不忘畫家夢

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壓克力顏料和亞麻布,是張紘齊最常用的創作媒材,他用畫筆、調色刀作畫,偶爾也靠手指,用與材料近距離、甚至是零距離的方式,畫出自己遊走於多元文化的探險,傳達被遺忘的情感和觀點。

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2022年夏天,張紘齊為畫作帶入了靈魂角色「手指人」,他性別流動,擁有指尖般的容顏,長了三隻手指和腳趾,總是穿梭於不同的場景,承載著創作者的情緒和感受。而畫中以紅、黃、藍及二次色描繪的場景,多半源自張紘齊的日常生活,可能是一次有意義的邂逅、可能是一場難忘的夢。

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不過話說回來,張紘齊口中「被遺忘」的情感和觀點,指的到底是什麼?在旅行的過程中,張紘齊發現,「繪畫的觸覺體驗,常常被文化教育、流行趨勢掩蓋,限制了最純粹的感受。」面對這些被掩蓋、遺忘的感知,他不斷調整心態,也試驗直接以手指作畫的方式,試圖讓繪畫回歸最純粹的狀態,也讓作畫的「體感」極致真實。

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張紘齊個展登陸奇想會

張紘齊將於台北藝廊奇想會舉辦個展HAND IN HAND - REALM OF PURE LOVE》,透過畫作、捲軸、短篇動畫等不同媒材,詮釋「手指人」的內心情景,及自身的生活故事。

現場作品分為3大系列:「人生的七味粉」匯聚了張紘齊過去十幾年來的生活回憶,以乘載不同觀點的7種畫面表現;「17個階段」透過色彩彰顯遇到各種人、事、物所產生的心情變換;「起源」則聚集了我們身在現實世界,或不曾在意、或錯過的愛和感知。

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(圖片提供:奇想會、張紘齊)

張紘齊個展《HAND IN HAND - REALM OF PURE LOVE

展覽期間|2024.06.28 07.14

時間|13:0020:00(週二公休)

地點|奇想會(台北市大安區安和路一段217號)

門票|入場費為低消飲品一杯

50歲拋下25年廣告生涯,決定當藝術家!François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂

François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂

如果你看展不愛高深的論述、謎般的作品理念,只想純粹跟著色彩、線條、空間氛圍感受心緒的流動,那François Bonnel(弗朗索瓦・邦內爾)就是你在找的藝術家!

曾從事廣告業25年,50歲的François Bonnel毅然決然拋開熟悉的工作和生活模式,轉作一名藝術家。他把熱愛的音樂、藝術結合,作畫時讓耳邊的靈魂樂、藍調搖滾、民謠……貼合著畫中一切元素的脈動,用單純而直率的曲線、不對稱圖形、明亮色彩創造質樸畫面。看著Bonnel的畫,眼睛像是吃了冰淇淋,心情也不自覺跟著好了起來。想要感受這股魔力,不妨走進他在台灣的第一場個展《會唱歌的畫》領會。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

50歲拋開穩定的廣告工作,當一名藝術家

出身法國的François Bonnel,有位擔任繪畫老師的藝術家媽媽,從小帶著他用手指沾著顏料隨意畫出線條、形狀,培養對藝術的喜好。聽到這裡,你或許會以為Bonnel順應著家庭環境的薰陶,讀美術專科,20幾歲就決定踏上藝術家之路。故事不是這樣發展的。正是因為媽媽從事藝術,Bonnel更懂得成為一名藝術家所需的天賦、機運和過程中的難處,於是他輕輕放下藝術之路,大學畢業後從事廣告業將近25年。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

沒想到,2020年一場席捲全球的大疫,成了Bonnel生命的轉捩點。他本就厭倦日復一日的生活,又正好遇上疫情作為改變的契機,在50歲那年他決定揮別廣告生涯,嘗試做一名藝術家。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

毫無包袱,自由實驗媒材、技巧的可能

現居於法國圖魯茲(Toulouse)的Bonnel,日日沈浸於這座玫瑰色古城的藝術氛圍,以即興的方式、融合音樂性發展創作,過程中也不斷探索數位媒體、攝影、拼貼等技巧與媒材。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

成為藝術家對Bonnel來說像是一場解放。多虧人生上半場的辛勤努力,50代的他沒什麼現實包袱、更有餘裕全心投入藝術。正是這份餘裕,為Bonnel的繪畫注入純真、活潑、令人毫無負擔的生命力;光是看著,就不自覺被感染。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

將音樂轉化為畫作,各個方向看都和諧

Bonnel來說,音樂是日常的必需品、繪畫的養分,他說:「一幅畫作必須與周圍的環境和諧,就像香水或音樂。」於是他聽著各個年代、各種曲風的音樂作畫,用色彩、線條、形狀和構圖,呼應著音符、和弦、旋律與編曲架構;並在構圖時反覆轉動畫布,讓畫作不管從各個角度、方向看,比例都是和諧的,且能看出不同趣味。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

以下面這幅〈A Love International〉為例子,它正看像是一顆顆乒乓球在碗中跳躍;側看像是大大小小的香草冰淇淋灑落一地;倒過來看又像是忘了關的蓮蓬頭,水滴滴答答地落下。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

幫畫作取名的巧思

說到把音樂融入畫中,Bonnel還有個習慣——用作畫當下正在聽的音樂曲目,為畫作命名,讓畫成為生活的有聲切片。這習慣也被帶到《會唱歌的畫》現場,看展時歡迎到臨窗小桌點播歌曲、為展場變換音樂,從François Bonnel專屬歌單找到與畫共鳴的聲音,跨越時空重回藝術家創作的時刻。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

自私的藝術家

François Bonnel笑說自己是位「自私的藝術家」,創作只為了開心,沒有要講什麼大道理,「繪畫是一種純粹的樂趣,並非為了傳達訊息或哲學,而是簡單沉浸於其中。」這份單純的起心動念,正是讓他的畫作如南法陽光烘乾枕頭般愜意、舒適的秘方。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

弗朗索瓦・邦內爾 François Bonnel 在台首個展《會唱歌的畫》

展期|-2024.06.30

地點|Bluerider ART 台北.敦仁(台北市大安區大安路一段101巷10號1F)

營業時間|週二至週日 10:00-19:00