妹島和世的「3個建築關鍵字」！金澤世紀美術館、日立玻璃車站皆出自她手

2010年可算是妹島和世建築師生涯中最重要的轉捩點，不僅榮獲普立茲克建築獎的榮耀，旋即又獲選為義大利威尼斯建築雙年展的策展人，這是威尼斯建築雙年展第一次以女性做為策展人，顯見妹島已是建築新顯學的代名詞，更是新世代建築美學中不可忽視的力量。

傳承自伊東豊雄設計能量的妹島和世生於1956年日本茨城縣，1981年研究所畢業後就到伊東豊雄建築事務所工作，並於1987年自行成立妹島和世建築事務所，直到1995年才與西澤立衛共同設立妹島建築設計事務所。妹島就讀日本女子大學時，非常喜愛由伊東豊雄打造的中野本町之家，因此便主動懇請伊東讓她進去實習，在伊東事務所工作的時期，她不僅創作出伊東知名的家具設計「FLOWER CHAIR」，此時期的學習也對她後續設計的脈絡與手法形成相當關注的連結。交大建築所助理教授謝宗哲提到，做為伊東的徒弟，其實妹島與伊東兩人間的溝通不太順暢，甚至號稱是人生最慘淡的日子，直到要離開伊東事務所的前兩年，妹島才逐漸找到在事務所工作的節奏與韻律。

創業之初，妹島也曾因為單打獨鬥的辛苦一度想要解散事務所，因而她會趁伊東不在時返回事務所與其他人聚會，也因此認識了西澤立衛，並於1995年同組妹島聯合建築事務所，2004年，兩人以金澤21世紀美術館一案贏得當年威尼斯建築雙年展的金獅獎榮耀。

尋求空間與結構的非尋常實驗性妹島聯合建築事務所成立初期也曾面臨經營上的困難，直到再春館製藥女生宿舍所規劃的案子完成後才逐漸好轉。本案中，妹島突破傳統集合住宅與宿舍的單一動線，讓進出入口採開放形式，兩側的每個房間都有小門可以直通公共空間，徹底顛覆了宿舍的想像。

當然，從早期的嘗試開始，具有決定性的成功作品當屬金澤21世紀美術館一案。金澤21世紀美術館的設計概念強調呼應這座充滿歷史與人文的城市，並且以公共空間圍繞展覽區域的手法，做出一個開放、透明、有捷徑穿越更可自然親近的空間，於是人們不再只是前來美術館參觀展覽，更刺激了人與人的互動，打破美術館如藝術殿堂高高在上的模樣。

美術館外觀以圓形與起伏變換的曲線來建構量體的自由，並以開縫取代了低牆，呈現一種碎化的效果，構思成一種與眾不同「分離─陳設」的議題；而拆解的量體中，每個藝術家都能做完整的展示，像是一個boutique得以靈活運用，徹底顛覆了過去做美術館的方法。金澤21世紀美術館的成功，讓妹島在日本當地與國際間陸續完成極具代表性的創作，無論是表參道上的Dior旗艦店、2006年美國俄亥俄州Toledo藝術博物館的玻璃館（Glass Pavilion,Tolendo Museum of Art）、2006年德國的礦業同盟設計管理學院（Zollverein School of Management and Design）、2007年荷蘭的De Kunstlinie戲劇院暨文化中心（DeKunstlinie Theater and Cultural Center）、2007年紐約新當代藝術博物館（New Museum of Contemporary Art），以及2009年瑞士洛桑勞力士學生活動中心（The Rolex Learning Center）等，每個案例都讓世人眼睛為之一亮。

集東方思維與西方手法之大成亞洲大學創意設計學院助理教授謝宗哲分析，身為一位女性建築師，妹島不管是面對人或面對設計，都帶有著某種執著，就像是日本的御宅族，是非常專精而完全投入的。而妹島會如此成功與西方建築列強平起平坐的主因，在於其所使用的空間手法深受20世紀初三大建築師：柯比意（Le Corbusier）、萊特（Frank Lloyd Wright）及密斯凡德羅（Mies van der Rohe）的影響，尤其自2003年後，妹島大量使用曲線於建案，係累積自她對柯比意建築中線條的研究，至於在均質空間中，創造不斷流動意象的手法，則多是受到密斯凡德羅之感染。

由於這些因素，故對西方人而言，妹島的案子不純然是東方的情調，也讓他們感受到屬於密斯先鋒建築學派的連結，也因此，妹島的案子有70%都位於歐洲。她以細膩的思維運用曲線，這些充滿有機而令人難以理解的線條，對她而言，即便是如此輕盈而穿透的材質，但是強烈地採取正規幾何學思考，即使強調與外在環境的連結，但某種型態上依然是一種隔絕，這樣類似於西方建築學派的思考，以及屬於日本傳統細膩的手法，在妹島手中信手拈來，其實並無強烈的國籍色彩。

謝宗哲提到，一些日本新銳建築師也影響著妹島的創作，例如石上純也，這位2008年參與威尼斯雙年展的建築師，其纖細的設計手法在某種程度上也影響了妹島和世，例如他所設計的兔子椅以及 Alessi所設計的咖啡杯，細緻的程度很難讓人想像是位擁有粗獷外型的建築師，這個衝擊對崛起於90年代、且身處在陽剛味頗重的建築領域的妹島，開啟了新的氣象與啟示。

近年來，妹島操刀的建案愈來愈多，像是2012年開館的法國羅浮宮朗斯分館（Louvre Lens），此案還擊敗了多位設計大師，如Zaha Hadid、Steven Holl Architects、Rudy Ricciotti、Lacton &Vassal Architects、Jerome De AluzaArchitecture等。同時，朗斯分館也是法國史上首次讓女性建築師負責的大型公共建築。妹島和世以她獨有去層級的「輕」建築手法，與「穿透」的空間語彙，為日本與歐美各地帶來驚喜。

文｜廖淑鳳

日系眼鏡品牌JINS與英國海澤維克工作室（Heatherwick Studio）跨界聯名，透過「以人為本」的設計理念，將常以直線輪廓示人的眼鏡，轉化成有如水波流動般的曲線，並從大自然各種液態景緻中汲取6大色彩，打造出獨具特色的設計眼鏡！

向來被稱作設計鬼才的海澤維克（Thomas Heatherwick），作品橫跨多個領域，從建築、都市規劃、產品與家具設計、時尚精品等，都能看見他充滿玩心又具實驗性的設計風格。如今，他首度進軍眼鏡市場，攜手日系品牌JINS，推出「JINS × Heatherwick Studio」 聯名眼鏡系列（JINS流動美學系列）。

以Liquid為靈感，打造流動曲線、揉合大自然色彩的設計眼鏡

若你對海澤維克的作品不陌生，那一定能想得到這款聯名眼鏡顯然不會走傳統路線，而是符合他一直以來秉持嶄新、原創，以及符合人本的特色。本次「JINS × Heatherwick Studio」以「Liquid」為核心概念，靈感源自水面波紋與大自然起伏蕩漾流動姿態 。

相較於傳統眼鏡多以工業製品的精準與對稱為設計基礎，海澤維克工作室將液體流動的柔軟瞬間轉化為鏡框線條，透過不對稱的輪廓、如水波般起伏的鏡腳細節，讓眼鏡不再只是修飾臉型的配件，而是一件能自然貼合臉部，襯托配戴者個性的日常物件。

海澤維克工作室執行合夥人Stuart Wood表示：「眼鏡訴說著配戴者的自我，是極為私人又親近的存在。然而現今的鏡框設計往往過於單一，難以貼近個人的獨特個性。比起冰冷的工業製品，我們更追求宛如受自然之力洗禮、自然形塑而成的『有機形態』。」 而每當戴上它時，配戴者都能遇見更有質感、更特別的自己。

在款式設計上，「JINS × Heatherwick Studio」共推出樹脂膠框與鈦金屬鏡框兩大類型。樹脂膠框款以具份量感的框型呈現液體般的流動曲線，包含Grey Mist水面晨霧、Amber Stone琥珀、Stream Fern水生植物與Obsidian Black黑曜石等色彩，分別呼應薄霧浮於水面、琥珀樹脂的溫潤深度、清澈溪流下的水生植物，以及火山岩與深邃溪谷的沉靜光澤。

鈦金屬款則以更輕盈俐落的線條展現另一種液態質感，包括Polished Titanium亮面拋光鈦金屬與 Brushed Titanium霧面髮絲鈦金屬，前者如波光粼粼的水面或熔融金屬般映照光影，後者則透過細緻拉絲處理，呈現如微波蕩漾的水面。 

「JINS × Heatherwick Studio」已於5月14日正式上市，若想體驗戴上設計大師操刀的眼鏡是什麼感受，也不妨親自走進門市試戴。

資料來源｜JINS

黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh，近年躍升為全球最受矚目的建築師之一，《時代》雜誌不僅將她選入2025年「次世代百大影響力人物」（TIME100 Next），更是該榜單當年唯一入選的建築師；全球最大規模文化翻新案之一的大英博物館西側展廳群（Western Range），也由她拿下國際競圖。她親身分享，如何透過「未來考古學」（Archaeology of the Future），從研究、材料探索與田野調查出發，與建築的過去和未來展開對話。

➣本文選自La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》，更多精彩內容請點此

曾經，Lina Ghotmeh立志成為考古學家。成長於黎巴嫩內戰末尾的貝魯特，戰後市中心四處進行著大規模考古挖掘，腓尼基、羅馬、鄂圖曼等不同文明的斷層，就這樣赤裸攤開在她眼前。「那是一座被破壊與重建一層層刻印的『開放考古現場』，激起了我對考古學的興趣，也讓我開始把每一塊基地都視為被環境塑造、由故事層疊堆積而成的『古羊皮重寫書卷』（palimpsest）。」然而，她不只想發掘過去，更著迷於以建築定義未來的力量。貝魯特美國大學（American University of Beirut，AUB）跨學科的環境讓她自由探索；她日後所謂「未來考古學」的概念，也在此緩慢成形——一讓建築既錨定於當地環境與歷史痕跡之上，又能清晰指向未來願景。

「我把建築理解為一種傾聽：傾聽土地、傾聽歷史，傾聽那些看不見的敘事。」

畢業後，她前往法國巴黎深造。其後，她受邀任職於Ateliers Jean Nouvel，被派駐倫敦與Nouvel / Foster + Partners合作Walbrook Square大型開發案，共事的皆是世界頂尖團隊。「那是充滿啟發的時期，讓我更加確信『作夢』的重要性，以及不斷拓展建築邊界的必要。」然而，她也意識到這並非自己想走的路。

建築無法抹平創痕，但給予力量

2005年，愛沙尼亞國家博物館（2006～2016）的競圖公告令Lina Ghotmeh眼睛一亮，內心湧起一股強烈想要參與的衝動。她回憶道：「那時愛沙尼亞剛加入歐盟，帶著動盪的歷史記憶，這在很多層面上都跟我自己的成長經驗產生了共鳴，而基地本身也留有那段歷史的痕跡。」她深受吸引，邀請當時的兩位同事田根剛與Dan Dorell一起投件。3人暢想將建物延伸至Tartu的前蘇聯軍用跑道上，使一段複雜的民族歷史轉化為向未來升起的斜坡，大膽的設計贏下了博物館競圖。那一年是2006年，她才26歲，便決心與夥伴創立合夥事務所「DGT.」（Dorell Ghotmeh Tane / Architects）。

歷經漫長的10年，愛沙尼亞國家博物館在2016年正式完工。3人也決定各自獨立，Lina Ghotmeh隨即在巴黎成立了同名事務所Lina Ghotmeh－Architecture（LG－A）。她的下一個計畫集合住宅「Stone Garden」（2011～2020）帶她回到了貝魯特。施工末尾，2020年貝魯特港口發生驚世大爆炸，建物倖存下來，也在當年順利完工。無論戰爭或意外，都是巨大的破壞力量，她坦言：

「建築無法抹除創傷，但它能給予尊嚴與延續感，給人一個得以共同喘息的空間。它也能成為一種媒介，讓情感透過實體的形式被訴說出來。」

Lina Ghotmeh擁抱起貝魯特的廢墟記憶與集體創痛。「這個計畫不是要掩蓋傷痕，而是去吸收它們，將記憶轉化為實體。」粗糙的大地色混凝土外牆由工匠手工刻畫出波紋，如同農人在一片垂直的土地上耕作，也引人聯想起這國家多舛的命運；其上雕鑿出巨大的窗口，回應著曾烙印 在城市肌膚上的彈孔，使建築通透迎向外界，也成了居民種植植物的窗台與生活所在。「公共性，本身就出自於大方的姿態。立面、門檻、花園、陰影，每一處細節都可以成為與人連結的方式。在脆弱的處境裡，建築必須謹慎，甚至近乎靜默，卻又不能置身事外。」她認為，住宅不該是私密、孤立的存在，空間有責任與周遭公共環境對話，訴說自身的歷史與存在，並成為城市的一份子。

慢下來，由手工材質重探萬物的聯繫

在這個追求速成的時代，Lina Ghotmeh反而注重勞力密集的手工藝。她不諱言自己對材質的迷戀，「我深受那些承載著場所、時間與自然的材質吸引，那些會老化、會呼吸、會記錄下人手觸摸過的痕跡的材質。」如同她的事務所參考諾曼第地區的製磚傳統，培訓當地匠人以50萬塊手工磚親手砌起愛馬仕皮革工坊「Precise Acts」（2019～2023）。「當我們花時間去建造，同時也在培養對環境的自覺、關懷與情感。這些，在今日都是我們迫切需要的。」這不僅讓作品深深紮根於地方文史之上，整個建造過程也訴說著建築最根本的精神：協力製造，一起把東西蓋起來。

在永續建築的浪潮下，低碳的木構已成為當代顯學。愛馬仕皮革工坊便採用磚木混合結構，Lina Ghotmeh也在蛇形藝廊（Serpentine Gallery）《À table》（2022～2023）及2025大阪世界博覽會巴林館，嘗試了輕量化的混合結構，提出可重複組裝的模組化設計。尤其是巴林館，結合了柳杉原木框架與輕量化外層，所有構件如今正被重新利用於在日本推行的另一個計畫。原木榫接的應用本是日本的強項，LG－A 特別回應當地傳統並發起挑戰，與在地承包商攜手突破工法。一如在Stone Garden中，他們與工匠並肩從抹灰工藝中共同研發出新工法，為立面妝點紋飾，讓匠人真正進入建築的設計過程。

「在一個痴迷於速度的時代，工藝成了一種人文的行動，是對生命的讚歌。慢下來，才能讓關懷、精準與意義真正滲入其中。」

當今，愈來愈多建築師從根植在地歷史與傳統的風土智慧中尋找突破口。對此，Lina Ghotmeh表示：「風土的智慧往往是低科技的，懂得因應氣候、善用有限的資源，卻為我們的未來提供了珍貴的啟示，但這並不代表要拒絕科技。」她補充，有意識地運用AI等科技工具，能使設計思考更為敏銳、能力更加精進。實際上，近年她也投入全新低碳、生質材料（bio- sourced materials）的開發之中。「這同時來自道德關懷與對詩意的追求。永續不是一種限制，而是發明的泉源。生質材料帶來了新的美學、新的構築方式，以及建築與自然之間重新建立的關係。」

從歷史的斷層之中，想像建築的未來

2025年，LG—A贏得備受矚目的大英博物館西側展廳群（2025～）翻新計畫，幅度涵蓋全館展廳空間1/3。這是自1820年代以來規模最大的改建，引入自然光、創造「呼吸空間」，並強化節能手段。此外，她長年研究石材，發現30～40%的石材因不夠完美而淪為廢料；貝魯特大爆炸後滿目的瓦礫與破壞痕跡，更促使她思索如何將碎石重新織入城市景觀。她結合木模組結構，將施工產生的廢石重新加工為博物館展廳新牆面，既減輕歷史建築的承重負擔、貫徹她對材料循環的一貫堅持，更隱喻博物館歷史疊層的拆解與重組。「這個空間揭示了世界的緊密相連，讓館藏彼此對話，讓故事跨越時間與地理緩緩展開。我們希望創造能夠鼓勵對話的環境，讓展覽空間激發交流，讓材質喚醒感官。」

近年，她與阿拉伯世界的合作日益深厚。她正為卡達操刀威尼斯雙年展卡達館的永久建築（2025～），延續她對石材的關注，並結合手工玻璃的運用，構築在綠園城堡展區（Giardini）的基地上如石造瀑布般從地面升起，與威尼斯從水面浮現的姿態相互映照，也象徵數千年前自海中誕生的卡達。她分享：「在整段觀展旅程中，建築將不斷轉換人的視角、開啟新的視野，最終在一座開闊的屋頂露台達到高潮。站在那裡，人們俯瞰周遭環境，與地景建立起全新的關係。」

透過「未來考古學」，Lina Ghotmeh逐層溯源歷史斷層，以此構想未來。問道她最渴望創造的建築是什麼模樣，她說：「一種開放而多元的建築，能夠包容所有的生命，帶來喜悅、促進對話，在形式與材料上富有表現力，既能引人沉思，也能讓人相互靠近。空間應當是友善的、慷慨的，讓人自由穿流其中。」她相信，那會是一座充滿生命力的建築。

Lina Ghotmeh

黎巴嫩建築師，現居巴黎。畢業於貝魯特美國大學與巴黎École Spéciale d'Architecture（ESA）。2016年創立同名事務所Lina Ghotmeh — Architecture，提倡「未來考古學 」，主張建築應是土地記憶與未來永續的深度縫合。重要作品包括愛沙尼亞國家博物館（2016）、貝魯特Stone Garden（2020）、諾曼第Hermès Workshops（2023）、倫敦蛇形藝廊《À table》（2023）、2025大阪世界博覽會巴林館（2025）等；進行中包括大英博物館（Western Range galleries）翻新計畫、威尼斯雙年展卡達館等。

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_{文｜吳哲夫
攝影｜David Levene、Iwan Baan、Takuji Shimmura　圖片提供｜Lina Ghotmeh — Architecture}