北美館第三波開館行動迎來全新《揭相：馬格利特影像展》展覽！本展由長年鑽研超現實主義的學者、比利時夏勒華攝影博物館（Charleroi Museum of Photography）館長薩維耶凱能（Xavier Canonne）策劃，邀請您一探魔幻超現實主義大師雷內馬格利特（René Magritte）的生命奧秘！

馬格利特擅長以真實的日常物件，拼構出迥異於現實的畫面，寓深厚的哲學思維於其中。觀者在試圖領會畫作箇中奧妙的同時，總不禁揣想藝術家性格樣貌及其內心世界。本次展出攝於1914至1967年間的130張照片及7段影片，直至1970年代中期，藝術家逝世十多年後才被重新發現，大多己無留存底片。這份資料全然不同於文獻手稿或友人收藏的自傳性資料，揭露馬格利特於日常生活及創作過程中不為人知的面向；而隨著陸續而來的評論與研究，它提供另一道探究其創作動機及作品意涵的思考軸線，亦可作為比利時超現實流派相關發展的歷史參照。

超現實派藝術家廣泛採用攝影為創作媒材，如曼雷 (Man Ray) ，豪爾烏白克(Raoul Ubac) 和傑克-安德烈柏法 (Jacques- André Boiffard) 等。而對馬格利特來說，攝影應保留給特別場合或用途——譬如家庭照、比利時超現實派的聚會活動照片、畫作或廣告設計的模特兒照、或是和朋友即興表演的留影，或錄製輕鬆詼諧的影片。然而這批照片卻不僅止於喚起人事時地物的留念，我們可見比利時超現實派同好在森林、海邊、或馬格利特家中花園的聚會，如何以喬裝、背對鏡頭、或正背面交錯等別出心裁的場景佈局，留下顛覆傳統的合照；亦可見馬格利特及其妻喬婕特，善用日常物件即興拍攝出饒富興味的照片。

馬格利特經常以照片來輔助創作，在攝影中不僅屢見其創作元素，如被布幔裹覆的身體、煙斗等，更有數張照片十分近似其畫作構圖。他也常以攝影快照將自己或是親友們納入圖畫的宇宙當中，結合二維平面畫作和人物實體所營造出的新影像，不僅作為創作歷程的紀實攝影，更延展作品觀點並產生其他解讀的可能。除了相片拍攝之外，馬格利特於1950年代期間購置一台攝影機，製作了多部自編自導迷你影片，並邀請其好友一起粉墨登場，靈感來自於他在年少時代看過的默片和喜劇片。

在為數眾多的藝術家個人肖像中，馬格利特時而模仿默劇演員擠眉弄眼，或倚在窗邊全神貫注地作畫，或拿起女子畫像遮住自己的臉龐，又或緊閉雙眼、彷彿沈浸在自己的思維中，多變的自我樣貌，與其豐沛創作能量相映照。馬格利特從不以「攝影師」自居，對於拍攝的短片也僅以「家庭影片」稱之，未曾試圖展示其攝影及影片，或將其納入自己的作品集中。然而這些影像超越家居自娛的隨興之作，與其繪畫作品關係密切，以異曲同工的方式道出馬格利特的思想內涵，並揭開他探索生命奧秘所走過的軌跡。

展覽以六個主題逐一開展：家庭相簿、形同家人、像個畫家、增效攝影、向攝影看齊：馬格利特與電影(拍攝)、假面鏡子。觀者將如同翻閱一本馬格利特私人生活點滴的家庭相簿，循著線索，探究他如何以創作者、導演與模特兒的角度出發，牽引出這些作為閒暇消遣與創作素材的攝影及影片，與其充滿哲思的繪畫作品之對話關係。

註：由於展品為年代久遠之照片，十分脆弱且多數無留存底片，除302閱讀互動展間外，展場恕不開放拍照。

雷內馬格利特

馬格利特 (René Magritte) 近乎家喻戶曉，他的作品常常賦予平常熟悉的物體嶄新的寓意。屬於馬格利特的物件與符號：「這不是一支煙斗」的煙斗、圓頂禮帽、拐杖、蓬鬆的雲彩、蘋果、鴿子、鏡子、畫框…等深植人心，影響20世紀中葉至今普羅大眾文化。關於他的創作，他自認為最為核心的是「神祕感」－一種具有未知與距離感的存在。這是一支煙斗 / 這不是一支煙斗、這是馬格利特 / 這不是馬格利特、這是影像 / 這不是影像、看的見 / 看不見…..這些熟悉的戲碼，也許也可以是馬格利特和朋友玩的胡鬧劇，或是馬格利特將影像、文字與圖像裝進屬於馬格利特的「禮帽」密盒，等待看官我們解密的破關碼。

馬格利特的攝影及影片與他的繪畫關係密切，他去世十多年後，一批照片與影片於1970年代中期被發現，對於瞭解馬格利特的繪畫與攝影間的關係極為重要。「看的見－看不見：馬格利特與其他」系列講座將邀請專家學者關注馬格利特與圍繞在他創作周遭－包括與他同時期的歐洲的超現實主義，提供關於藝術史、符號學與影像脈絡等不同面相之精采剖析。

揭相：馬格利特影像展 

René Magritte, The Revealing Image: Photos and Films 

展期：2018/09/29-2018/11/25

地點：臺北市立美術館 3A、3B展覽室

via 臺北市立美術館

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

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想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group