台灣美學大師蔣勳的光印象：「所謂光鮮亮麗，在很亮的光裡，人都是偽裝的」

每次蔣勳去行天宮附近的錄音室錄音前，總習慣繞去大龍峒廟口吃碗米粉湯，「還是老店熬的湯底好。」從小成長於保安宮後方巷弄，蔣勳懷念的不只是慢火細燉的滋味，還有高度工商業化前，看得見星空月光的光環境。

50年代的台灣，還是節儉的農村社會。蔣勳說，現在的年輕朋友恐怕很難想像，小時候家家戶戶最普遍的光源是蠟燭和油燈，儘管家裡也有電燈，但幾乎得隨時關燈，否則就會被父母責罵。就連當時比較有照明設備的廟宇神龕，光線也都是壓低不刺眼的。

遠離人造光 重回自然光環境 

正因當時對物資的珍惜，日常環境中反而可以感受到多種自然光。小時候蔣勳從家往西北邊走就是淡水河，往東就是基隆河，沿路上一直能感覺到河水的光，「記憶中河裡有黎明、夕陽，還有月光。」

「我很懷念那個年代，大家曾經擁有光的美好記憶。」在七巧節的晚上，蔣勳的母親會在院子裡講牛郎和織女的故事，母親指著天上的銀河，帶著孩子們辨認織女和牛郎星，一邊讀著唐詩，「天階夜色涼如水，臥看牽牛織女星。」文學跟自然環境竟也能完全的融合在一起，那是他童年裡最感謝的一件事。

而元宵節，蔣勳一定到保安宮排隊領燈籠，提在手中的紙燈籠，風一吹就燒起來，一下子成了一團火光。「原來人生中有一種光是這麼幽微又燦爛，卻不能永恆。」這變成了蔣勳生命裡，最強烈的美學記憶。

也許從另外一個角度，在那樣的環境長大似乎很窮，卻是拜沒有過度的人工照明所賜。然而不過數十年，看得見自然光的光環境已經徹底消失了，蔣勳心裡覺得很遺憾。現代人的情緒處於焦慮和亢奮之中，或許跟不當的光環境有關。

蔣勳相信成長於不同的光環境，對光的感受不一樣，在美學上所要傳達的東西肯定也不同。蔣勳曾經在月圓的晚上，帶美術系的學生到太魯閣玩，立霧溪的水被月光照亮，整個峽谷亮起來，美得驚人，所有的學生都呆住，有的甚至都哭了。

「夜店如果要讓人High起來，一定先閃動光，刺激人的感官。」蔣勳一直覺得台灣的人心浮動，跟長期對光害無感，沒有意識這是心靈之害有關。尤其一到選舉，高達10層樓的候選人巨幅看板，光打得亮通通的，加上宣傳噪音，非常可怕。

反觀法國、日本，連海報的尺寸都有所限制。他相信，如果有一天台灣的候選人贏得選票，不會是因為聲光壓過別人，反而是由於懂得有所節制，那意味著台灣整體的文化美學環境提升了。

減光新美學 讓奪目、絢麗退場 

「醜，其實也是有慣性的。」節制對感官漫無邊際的刺激，是台灣一定要走的一條路。尤其光與聲音無遠弗屆，不是自己做好就可以，也會受到周遭環境的影響，蔣勳覺得政府應該要起來帶頭，或許在中秋的晚上不是烤肉，而是集體減光一小時，讓大家重新有機會感受月光盈滿之美。

「整合同一個區域的公共建築和街區照明，避免各事其主也是可以努力的方向。」像是新修復的國定古蹟台灣總督府鐵道部與鄰近北門照明的協調性；以及整個博愛特區的照明系統，包括總統府、外交部台北賓館、立法院、行政院、台大醫院，甚至二二八公園等，將來如果規畫好。做出示範，城市的照明從奪目退回到幽微，一定會慢慢的呼喚出很多記憶出來。

在地社區有共識也很重要，像池上的天堂路本因應觀光的需要設了路燈，但當地農民說，稻穀被24小時的路燈照射，無法休息，這已經不是池上米，最後集合一百多位農民之力反映，終於拆掉路燈。蔣勳跟龍應台曾在這裡看到非常漂亮的銀河，由此可見台灣有些地方的民間力量已經展現。

在幽微光里 找到真正的自我 

「光太亮時不能談心事。」所謂光鮮亮麗，在很亮的光裡，人都是偽裝的，不太容易有真實的自己出來。

白天的光是職場、公眾的光，只有在夜晚幽微的光裡，人們才會比較靠近一些些。蔣勳說，所以如果朋友來家裡談心，燈開得太亮的話，兩個人都會處在焦躁狀態中；他也跟朋友說，「如果想跟孩子談心，餐桌的光不妨可以調低一點」，至少不要讓光直接照到眼睛，一定會有幫助。

相對於希臘神話描寫的多是太陽的光，蔣勳說東方特別喜歡的是月光，唐詩裡很多的光都是夜晚的光，所以李白說，「花間一壺酒，獨酌無相親；舉杯邀明月，對影成三人。」詩裡頭透出的是可以跟月亮、跟自己影子對話的光，唐詩宋詞經常保留了人在夜晚做自己的難得和喜悅，所有的光都是幽微的。

「海上生明月，天涯共此時。情人怨遙夜，竟夕起相思。滅燭憐光滿，披衣覺露滋。不堪盈手贈，還寢夢佳期。」〈望月懷遠〉，張九齡

適切的光亮 剛好即是最好

25歲的蔣勳前往克里特島的時候，在愛琴海夜航的渡船上頭，看到海面上遍灑的月光，想起兒時所讀過的〈望月懷遠〉，撼動不已。現在再看這首唐詩，幾乎就是一種對於光的呼喚，一種減光的呼籲。「滅燭憐光滿，不堪盈手贈」，當一個人能夠感受、憐惜月光的好，將燭火滅去，這是多麼了不起的一件事。蔣勳相信，有一天我們能感覺得到月光，甚至想用雙手捧起來送給遠方的朋友，那是人的心安靜下來，美學又回來了。

「童年有一個好的記憶，人的一生會受用無窮。」蔣勳一直覺得，兒時的記憶幫助他很大，如果說小時候讀過的唐詩，是美的庫存，可以一生提領不盡，那麼找回台灣適切的光環境，是同樣重要的。

或許那時，所有曾經被忘卻的感受性，會像他曾經看過河上的幽微月光，再度回到生活，和生活者的意識中，蔣勳對此不禁有一絲期待。

小檔案 蔣勳

作家、美學家，長期創作論述生活、文學與藝術，引領人們進入美的殿堂。今年擔任第一屆台灣光環境獎評審，出版最新著作《雲淡風輕：談東方美學》。

撰文者：駱亭伶

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【關於光影的更多資訊，請見《La Vie》2018年12月號：光與影的生活時刻 】

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23