台灣美學大師蔣勳的光印象：「所謂光鮮亮麗，在很亮的光裡，人都是偽裝的」

每次蔣勳去行天宮附近的錄音室錄音前，總習慣繞去大龍峒廟口吃碗米粉湯，「還是老店熬的湯底好。」從小成長於保安宮後方巷弄，蔣勳懷念的不只是慢火細燉的滋味，還有高度工商業化前，看得見星空月光的光環境。

50年代的台灣，還是節儉的農村社會。蔣勳說，現在的年輕朋友恐怕很難想像，小時候家家戶戶最普遍的光源是蠟燭和油燈，儘管家裡也有電燈，但幾乎得隨時關燈，否則就會被父母責罵。就連當時比較有照明設備的廟宇神龕，光線也都是壓低不刺眼的。

遠離人造光 重回自然光環境 

正因當時對物資的珍惜，日常環境中反而可以感受到多種自然光。小時候蔣勳從家往西北邊走就是淡水河，往東就是基隆河，沿路上一直能感覺到河水的光，「記憶中河裡有黎明、夕陽，還有月光。」

「我很懷念那個年代，大家曾經擁有光的美好記憶。」在七巧節的晚上，蔣勳的母親會在院子裡講牛郎和織女的故事，母親指著天上的銀河，帶著孩子們辨認織女和牛郎星，一邊讀著唐詩，「天階夜色涼如水，臥看牽牛織女星。」文學跟自然環境竟也能完全的融合在一起，那是他童年裡最感謝的一件事。

而元宵節，蔣勳一定到保安宮排隊領燈籠，提在手中的紙燈籠，風一吹就燒起來，一下子成了一團火光。「原來人生中有一種光是這麼幽微又燦爛，卻不能永恆。」這變成了蔣勳生命裡，最強烈的美學記憶。

也許從另外一個角度，在那樣的環境長大似乎很窮，卻是拜沒有過度的人工照明所賜。然而不過數十年，看得見自然光的光環境已經徹底消失了，蔣勳心裡覺得很遺憾。現代人的情緒處於焦慮和亢奮之中，或許跟不當的光環境有關。

蔣勳相信成長於不同的光環境，對光的感受不一樣，在美學上所要傳達的東西肯定也不同。蔣勳曾經在月圓的晚上，帶美術系的學生到太魯閣玩，立霧溪的水被月光照亮，整個峽谷亮起來，美得驚人，所有的學生都呆住，有的甚至都哭了。

「夜店如果要讓人High起來，一定先閃動光，刺激人的感官。」蔣勳一直覺得台灣的人心浮動，跟長期對光害無感，沒有意識這是心靈之害有關。尤其一到選舉，高達10層樓的候選人巨幅看板，光打得亮通通的，加上宣傳噪音，非常可怕。

反觀法國、日本，連海報的尺寸都有所限制。他相信，如果有一天台灣的候選人贏得選票，不會是因為聲光壓過別人，反而是由於懂得有所節制，那意味著台灣整體的文化美學環境提升了。

減光新美學 讓奪目、絢麗退場 

「醜，其實也是有慣性的。」節制對感官漫無邊際的刺激，是台灣一定要走的一條路。尤其光與聲音無遠弗屆，不是自己做好就可以，也會受到周遭環境的影響，蔣勳覺得政府應該要起來帶頭，或許在中秋的晚上不是烤肉，而是集體減光一小時，讓大家重新有機會感受月光盈滿之美。

「整合同一個區域的公共建築和街區照明，避免各事其主也是可以努力的方向。」像是新修復的國定古蹟台灣總督府鐵道部與鄰近北門照明的協調性；以及整個博愛特區的照明系統，包括總統府、外交部台北賓館、立法院、行政院、台大醫院，甚至二二八公園等，將來如果規畫好。做出示範，城市的照明從奪目退回到幽微，一定會慢慢的呼喚出很多記憶出來。

在地社區有共識也很重要，像池上的天堂路本因應觀光的需要設了路燈，但當地農民說，稻穀被24小時的路燈照射，無法休息，這已經不是池上米，最後集合一百多位農民之力反映，終於拆掉路燈。蔣勳跟龍應台曾在這裡看到非常漂亮的銀河，由此可見台灣有些地方的民間力量已經展現。

在幽微光里 找到真正的自我 

「光太亮時不能談心事。」所謂光鮮亮麗，在很亮的光裡，人都是偽裝的，不太容易有真實的自己出來。

白天的光是職場、公眾的光，只有在夜晚幽微的光裡，人們才會比較靠近一些些。蔣勳說，所以如果朋友來家裡談心，燈開得太亮的話，兩個人都會處在焦躁狀態中；他也跟朋友說，「如果想跟孩子談心，餐桌的光不妨可以調低一點」，至少不要讓光直接照到眼睛，一定會有幫助。

相對於希臘神話描寫的多是太陽的光，蔣勳說東方特別喜歡的是月光，唐詩裡很多的光都是夜晚的光，所以李白說，「花間一壺酒，獨酌無相親；舉杯邀明月，對影成三人。」詩裡頭透出的是可以跟月亮、跟自己影子對話的光，唐詩宋詞經常保留了人在夜晚做自己的難得和喜悅，所有的光都是幽微的。

「海上生明月，天涯共此時。情人怨遙夜，竟夕起相思。滅燭憐光滿，披衣覺露滋。不堪盈手贈，還寢夢佳期。」〈望月懷遠〉，張九齡

適切的光亮 剛好即是最好

25歲的蔣勳前往克里特島的時候，在愛琴海夜航的渡船上頭，看到海面上遍灑的月光，想起兒時所讀過的〈望月懷遠〉，撼動不已。現在再看這首唐詩，幾乎就是一種對於光的呼喚，一種減光的呼籲。「滅燭憐光滿，不堪盈手贈」，當一個人能夠感受、憐惜月光的好，將燭火滅去，這是多麼了不起的一件事。蔣勳相信，有一天我們能感覺得到月光，甚至想用雙手捧起來送給遠方的朋友，那是人的心安靜下來，美學又回來了。

「童年有一個好的記憶，人的一生會受用無窮。」蔣勳一直覺得，兒時的記憶幫助他很大，如果說小時候讀過的唐詩，是美的庫存，可以一生提領不盡，那麼找回台灣適切的光環境，是同樣重要的。

或許那時，所有曾經被忘卻的感受性，會像他曾經看過河上的幽微月光，再度回到生活，和生活者的意識中，蔣勳對此不禁有一絲期待。

小檔案 蔣勳

作家、美學家，長期創作論述生活、文學與藝術，引領人們進入美的殿堂。今年擔任第一屆台灣光環境獎評審，出版最新著作《雲淡風輕：談東方美學》。

撰文者：駱亭伶

※本文由 商業週刊 提供，未經授權，請勿轉載

【關於光影的更多資訊，請見《La Vie》2018年12月號：光與影的生活時刻 】

每年10月的諾貝爾獎得主揭曉時，總會迅速佔據全球媒體版面。不過你是否也想過，這些得主的手繪肖像究竟是出自誰手？

諾貝爾獎得主手繪肖像源自一個無心之舉？

2012年時，視覺藝術家Niklas Elmehed受邀擔任Nobel Media的藝術總監，負責諾貝爾獎公布期間的所有視覺內容。那一年，他因為找不到部分得主照片、無法將照片發布於諾貝爾獎的官方數位平台，索性拿起黑色麥克筆，快速勾勒出人物肖像。隔年，他也採用了相同的做法，後來有幾張肖像被新聞媒體採用，之後，Niklas Elmehed接下了為官方肖像建立視覺風格的工作，並構思出以黑色輪廓線搭配藍色與黃色陰影的呈現方式。

從藍黃配色到金色主色調

後來，諾貝爾獎官方決定以金色作為諾貝爾獎公布視覺設計的主色調，並希望能呈現出金色的質感，因此，Niklas Elmehed調整了2014年至2017年採用的藍黃配色，改為新的金色風格。他嘗試了許多不同的金色顏料，最後選擇了一種極薄的金屬箔，它可透過特殊膠水貼附在畫作，再搭配白色背景上的黑色輪廓線，形塑出鮮明且獨具辨識度的肖像風格。

粗黑線條營造強烈視覺印象

而之所以使用粗黑線條來繪製諾貝爾獎得主，也是因Niklas Elmehed考量到得獎名單公布後，會迅速發布於全球網站上，如此既能營造出突發新聞般的即時感，也能帶出強烈且獨特的視覺印象。

當然，你一定也會好奇Niklas Elmehed究竟會在得獎名單公布前多久收到名單，以便提前繪製肖像。對此，他表示，這是他最常被問到的問題，但由於諾貝爾獎的公布流程涉及保密規定，相關細節無法對外公開。

另外，除了繪製諾貝爾獎得主肖像，Niklas Elmehed大部分時間會投入多個不同的藝術創作項目。其餘時間，則會為諾貝爾獎以外的其他客戶創作視覺內容，有興趣者也可關注Niklas Elmehed的IG。

如果有一天，AI 能替我們做完所有事，人的創造還剩下什麼意義？這是真鍋大度近來反覆思索的問題，趁著臺中市立美術館個展《關係時態－超越模擬的生命形式》開展，他聊起這些年與 AI 一起創作的經驗與思考。

➣本文選自La Vie 2026／10月號《2026島嶼麵包風景》，更多精彩內容請點此

走在新媒體藝術前沿，很難避開最新的科技趨勢—幾乎等同當今「AI」一詞的大型語言模型（Large Language Model，LLM）。真鍋大度回憶，他真正大量將 AI 應用於創作中，跟大多數人一樣，是 2022 年前後 ChatGPT 以 GPT-3.5 面向大眾的時間點。但他其實起步得更早：手勢辨識、表情辨識大約從 2009 年就開始使用；如今常說的神經網路、深度學習，則是 2015 年左右接觸；到了 GPT-2 問世時，他也嘗試過把文字生成放進作品裡。

這次的個展《關係時態》，出發點之一正是他對近來熱議的「AI 代理蜂群」（Agent Swarm）概念的想像。他觀察到：「現在的 AI 大多還是透過一對多或一對數十的 AI 代理（Agent）運作，但我認為往後會走向一對一百，最終演變成 AI 代理獨立自主、不需人類介入就能創作各種東西的時代。」他假設，如果集合 10,000 個 AI 代理，這個群體會擁有什麼樣的智能？讓 10,000 個代理協力完成一首曲子，又會是什麼模樣？而當事情都交給了 AI 代理，人又在經歷什麼？

他對這層關係感到好奇，逐漸察覺：人下達指令、等待回應的同時，AI 正以另一種速度運算、累積，某種特殊的關係，便在彼此不同步的時間裡慢慢生成。「時間其實有好幾種尺度。最基本的，是人類本來就有的時間；再來是 AI 帶來的時間—像我自己要做什麼事，也越來越常拜託 AI 幫我想、幫我做；更微觀的，還有神經細胞、大腦裡運作的時間。我希望能做出一件作品，以空間與音樂橫跨這些不同的時間軸。」

真鍋大度

身兼藝術家、程式設計師與作曲家，2006 年創立 Rhizomatiks，跨足程式、音樂、視覺藝術與表演。早期作品以肌電訊號等生理數據轉化為聲音與影像，探索身體與科技的回饋關係；近年研究延伸至神經網絡、腦類器官等生物系統，並進一步拓展至由人類、人工生命與 AI 代理構成的社會系統，探討適應、突變、湧現等生物過程如何成為生成音樂與影像的原理。他曾參與 2016 里約奧運閉幕式東京接旗儀式的技術與視覺設計，並與坂本龍一、Björk、Perfume 等藝術家合作，作品發表於 Ars Electronica、MUTEK 等國際藝術節。現主持 Studio Daito Manabe，探索生命、AI 與社會互動下的音樂與視聽展演未來。

當關係在不同的時間尺度交織

臺中綠美圖 3 個空曠的展間裡，真鍋大度只各放入 1 件作品。他原本也考慮過分割使用，但轉念一想，能在如此規模的場地舉辦個展的機會實在難得。他解釋：「平常我們看展時透過喇叭或耳機聽到的，大多是雙聲道輸出，這次每個房間各自都成為了一件樂器，那是只有親臨現場才能感受到的聲音體驗。」

其中，展覽室 A 是預先大量運算、完全不需觀眾輸入的「人工生命」與代理蜂群互動紀錄，這些人工生命如細胞一樣，依規則移動、攝取資源、增殖與死亡，衍生出不同系譜，而上層則有負責分配資源的 AI 代理蜂群彼此提案，在相互批評中擬定分配策略，牽動這些生命接下來的演變；展覽室 B 讓觀眾走入其中，人們的走動與駐足會擾動場內的人工生命，上層的代理蜂群同樣持續觀察，並調整、優化這些生命的行為；展覽室 C 則讀取觀眾的動態，將其化為刺激，輸入一套以雄性果蠅完整中樞神經系統的連結圖譜所改造的合成神經系統，訊號沿神經元傳遞後化為聲音與光，觀眾聽見、看見之後的下一個動作，又成為這套系統新的輸入，人與神經系統之間的循環，就這樣在展場中反覆進行。

乍看之下，《關係時態》與他 2024 年在 Grand Green 大阪文化空間 VS. 的個展《Continuum Resonance》機制相近，背後的運作方式卻截然不同。「大阪展覽是由人用演算法設定規則；這次則是用代理蜂群來判斷當下的狀況。」判斷在展覽室 B 每秒進行一次，在展覽室 A 則是事先完成。他補充，過去所謂的互動，多半是寫好的軟體固定不變，感測器偵測到動作便觸發聲音，人一動聲音就明顯跟著變；許多展覽標榜不會聽到重複的聲音，其實也只是輸入不同而已。「我這次想做到的是，連系統本身也持續在變化。」有了代理蜂群居中判斷，觀眾的一舉一動不再立即換來回應，而是讓聲音一點一點改變。

不過，他也坦言演算、反應的過程需要時間。「簡單的問題現在已經能即時給出答案，但要代理推敲複雜問題的答案時，處理速度還沒快到稱得上即時。」這段延遲，反倒讓人意識到時間的存在。「人也一樣，白天發生的事睡一晚再想，結論可能就不同了。有些事不用思考，最快的反應像是石頭飛過來時眼睛反射性閉上，那幾乎是在極短時間內就被處理掉的反應；有些需要時間判斷，有些甚至得花上一整晚，存在著各種不同的時間尺度。」於是他將運算拆成兩部分：能即時完成的在開館時進行，需要更長時間的運算，則延續到閉館後的深夜。

展覽室 A 的虛擬世界在開館前與夜間也持續運算，從累積的成果生成隔天的影像與聲音；展覽室 B 與 C 也會將累積的狀態延續到隔天。觀眾每次走進展間，看見的都是由不同歷程隨時間推展所形塑的世界，也能感受不同的時間維度在此交織。

從身體電流到尋找生命的演算法

談到創作，真鍋大度笑著說：「我覺得自己創作時，其實滿憑直覺的。」就像他做 DJ 的經驗，得先確立自己偏好的音樂類型，才有辦法從茫茫音海裡選出要的曲子，「我大概比較喜歡聽得出實驗性，或是能感受到『跟別人做法不一樣』的那種用心的曲子，這或許也是我『作家性』（藝術家個人風格）的一部分吧。」這也像他長年走在新媒體藝術前線的心態，他說：「每個時代能用的工具不一樣，我的興趣也跟著改變，會盡量挑戰完全不同的東西。」

回顧真鍋大度的創作生涯，是音樂、數學與科技 3 條軸線的交會。成長於東京，他自小便展現數學與電腦程式的天份，家裡沒買紅白機，他就用個人電腦自己寫小遊戲玩；國中家裡裝了有線電視後，他意外接觸到音樂頻道 MTV，從此一頭栽進音樂，練習取樣（sampling）、做自己的 DJ track。

考進東京理科大學數學系後，他漸漸察覺自己不適合投入數學研究，反倒是讀到希臘裔作曲家暨建築師 Iannis Xenakis 的著作《音樂與建築》時，驚覺早有前人以數學理論作曲，這才將數位工程與音樂創作結合的念頭放進心裡。畢業後做了一陣子電腦工程師與網路新創工作，經歷一段空窗期，他更確定自己想走音樂相關創作，卻不是典型職業音樂人的路線。為了理解新媒體藝術，他到岐阜縣情報科學藝術大學院大學（IAMAS）進修，也是在這裡，他才意識到藝術創作不必被常規綁住。

2006 年，他與同學們共同成立日後知名的 Rhizomatiks。他開始捕捉人體資訊轉化為聲音與影像，例如 2008 年，他感測自己臉部肌肉的電流，再將音樂節奏訊號轉換成電流反過來刺激臉部、牽動表情，並把過程紀錄上傳 YouTube，其中一支〈electric stimulus to face〉意外爆紅，當時吸引 160 萬次觀看，打開他的國際知名度，也讓他受邀參與林茲電子藝術中心重新開幕的活動。

同一時期，他與擅長硬體的石橋素（日後加入 Rhizomatiks）合作〈particles〉（2011），把資料轉換成視覺與空間裝置；2010 年起，他與電音女團 Perfume 展開長達十餘年的技術合作，持續累積技術與表演者身體之間的默契；2014 年，他與坂本龍一首次合作，為札幌國際藝術祭製作〈Sensing Streams - invisible, inaudible〉，用感測器偵測人類無法直接感知、來自大自然的電磁波，將資料分別轉換成影像與聲音。

到了 2015 年，他與舞台設計暨編舞家 MIKIKO、舞團 ELEVENPLAY 合作的《border》系列，真人舞者與無人機、機械裝置在舞台上彼此牽動，模糊了人機的邊界；單純的資訊轉譯之外，他開始尋找起雙向的回饋與共同調節（co-regulation），而 2018 年的《discrete figures》正是一例，他與媒體藝術家 Kyle McDonald 合作，讓機器學習演算法捕捉舞者的動作即時生成虛擬舞蹈形體，在台上與舞者共舞；2023 年，與雲門舞集藝術總監鄭宗龍合作《波》，經 AI 運算收集的舞者身體資訊後反過來生成編舞素材，又回頭形塑舞者的身體。

2019 年，他與腦資訊科學家神谷之康合作〈dissonant imaginary〉，一腳踏入腦科學領域，更在 2025 年與軟銀、東京大學池內研究室合作發表《Brain Processing Unit》，叩問意識從何而來、人類又為何會對節奏與音樂產生反應。他也與歐洲核子研究組織（CERN）、卓瑞爾河岸天文台、搜尋地外文明計劃（SETI）等機構展開科研合作。在他的作品裡，生命本身開始被視作自行運算、演化的系統。

在歷史轉折點上，望向 AI 之後

這次是真鍋大度以個人名義發表的首個海外個展。問起這與他在 Rhizomatiks 和其他藝術家的共同創作有何差異，他卻表示其實沒什麼不同。在 Rhizomatiks 時，他會期待作品帶有團隊的風格，也會盡量為不同領域專長的優秀成員打造能發揮所長的舞台，「但最關鍵的還是概念，這些必須由我自己去構思。做藝術計畫如果只照別人說的去做，或許還更輕鬆；真正困難的是，在這個時代應該創作什麼？又該對哪個領域抱持什麼樣的問題意識？」

面對當今 AI 的發展，真鍋大度觀察到：「與其說是一股熱潮，我覺得更像是人類歷史正站在一個非常巨大的轉折點上。」他以自己為例，會寫程式、以前懂一點數學，這些才能與技術多少是運氣好才能擁有，「但幾乎所有事情都能由 AI 做到的時代已經近在眼前，這些能力可能不再有意義，所有人都會變回普通人。人類還能享受這種知性樂趣的時間，或許所剩不多了。」當人們討論的多半是要讓 AI 做什麼、怎麼下指令，他在意的是更根本的問題：在 AI 之後，生命到底是什麼？人存在的意義又是什麼？

這也回到了《關係時態》展覽的起點。他想探問的是 AI 代理集結成群的可能性，與這背後「人工生命」這個由來已久的概念——就像蜂群或鳥群，單一個體的行為或許簡單，聚集成群時卻會展現出超乎個體的智慧。「我想把人工生命作為群體所展現的智慧放進作品裡，看看能做出些什麼。」或許在他看來，關鍵在於人類與 AI 能否真正地共同創造。

真鍋大度個展《關係時態—超越模擬的生命形式》

展期｜2026.10.03－2027.01.03

展場｜臺中市立美術館 展覽室 A、B、C

售票資訊｜一般全票100元／臺中市民50元／65歲以上及未滿6歲免費

_{文｜吳哲夫　口譯｜雷依蓁　圖片提供｜各單位}

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