《來自臺灣》 一期一會 日本巡迴演出 光耀東瀛

睽違7年，國家交響樂團NSO將於4月30日至5月6日赴日巡迴，延續美巡主題「來自台灣」，一鼓作氣地將台灣的名聲打響於國際間。本次巡迴為NSO第四度赴日巡演，預計前往東京文化會館(Tokyo Bunka Kaikan)、大阪交響廳(Osaka Symphony Hall)兩大國際重量級城市演出，將演奏芥川也寸志《為交響曲所寫的音樂》、孟德爾頌《e小調小提琴協奏曲》、江文也《台灣舞曲》及西貝流士《第二號交響曲》四首曲目，期間內也將參加由金澤市主辦的「風と緑の楽都音楽祭」(譯:風和綠的樂城音樂祭)。

本次日本巡迴NSO精選出兩首分別代表台、日的大師作品—芥川也寸志的《為交響曲所寫的音樂》及江文也的《臺灣舞曲》。由日本巨匠作家芥川龍之介之子芥川也寸志所創作的《為交響曲所寫的音樂》，曲風有著細膩、悵然的情感，利用各樂部的相互呼應，使得樂曲終章後的餘音迴響、韻味十足，此作也在發表後贏得當時著名的指揮近衛秀麿的青睞，也因此打開芥川也寸志的作曲之路。《臺灣舞曲》作曲家江文也，生於台灣，深受19世紀歐洲印象樂派的影響，以作曲家自己本身對台灣和台北城的印象寫作，非採取台語歌謠的風格，反而以原住民節奏元素為骨幹，充分表現出肥沃富足且扎根土地般生動的意象，創作手法突破傳統窠臼，以新穎又不失嚴謹的方式，呈現出令當時樂壇眼睛為之一亮的前瞻鉅作，此作更代表日本在柏林第 11 屆奧林匹克國際音樂比賽中獲獎。透過兩首鉅作的時代魅力，也讓樂迷們一窺台、日大師曲目間的震撼交鋒，也為此次巡迴賦予不凡的人文價值。

NSO巡演也將為日本樂迷帶來經典曲目: 孟德爾頌《e小調小提琴協奏曲》及西貝流士的《第二號交響曲》。孟德爾頌《e小調小提琴協奏曲》是被譽為十九世紀最偉大的作品之一，風格優美浪漫，作曲家兼小提琴家好友、萊比錫布商大廈管絃樂團首席費迪南．大衛，耗時六年的時間為孟德爾頌量身打造，進而成就了一首與貝多芬、布拉姆斯、柴可夫斯基並列在音樂史上演出次數最多的小提琴協奏曲之一。壓軸曲目則是西貝流士的《第二號交響曲》，芬蘭樂壇將這首交響曲定位為愛國交響曲，經常在國家慶典演奏。曲風以壯闊的芬蘭風景為底蘊，有著充滿湖光山色的音畫寫照，樂曲風格中象徵著一種冷峻但堅拔的北國精神、淬鍊且率真的內在品格，是一首擲地有聲叩問芬蘭人的國族情操與認同的作品。本自精選曲目風格上各擅勝場，NSO蓄勢待發、精銳盡出，將為此次巡迴帶來最耀眼的演出及詮釋，也使本次日本巡迴演出更添色彩、綻放光芒。

國家交響樂團以「臺灣愛樂」（Taiwan Philharmonic）之名揚名內外，自1986創團以來立足本土、放眼國際，同時肩負著台灣表演藝術界「龍頭」及「國家形象」的角色。歷年來臺灣愛樂專注於追求藝術專業，企圖接軌國際與歐美主流同步，漸漸地茁壯成為亞洲區域不可忽視的指標團隊；近年來更銳意求變，大步朝頂尖、開放、勇於創新的職業樂團發展，挾著宏大的格局與氣勢，多次挑戰遠赴歐陸及美洲、日本等城市之國際級殿堂巡迴，屢屢獲得國外樂迷的讚譽及熱烈回響，更使台灣樂音之美迴響於國際樂壇間。

此次日巡NSO將由出身台灣、享譽國際樂壇的知名指揮家呂紹嘉音樂總監領軍。有「臺灣指揮國際樂壇第一人」美稱的呂紹嘉，早期在贏得法國貝桑頌、義大利佩卓地和荷蘭孔德拉辛三大國際指揮大賽首獎後，展開了他在歐洲的指揮生涯。旅居德國期間先後擔任柏林喜歌劇院首席駐團指揮、德國柯布倫茲市立歌劇院音樂總監、德國國家萊茵愛樂交響樂團音樂總監、德國漢諾威國家歌劇院音樂總監，並於2004 年5 月獲文化部長頒贈象徵該省文化最高榮譽的Peter Cornelius獎章。近年來合作的主要交響樂團有柏林、西南德、中德、巴伐利亞廣播、法國國家、里昂、杜魯士、史特拉斯堡、維也納廣播、英國利物浦愛樂、奧斯陸愛樂、貝爾根愛樂、赫爾辛基愛樂、瑞典廣播、挪威廣播、哥特堡、羅馬聖西西里亞、及荷蘭皇家音樂大會堂管絃樂團等。

小提琴家林品任在台灣成長、受教育，四歲開始學習小提琴，十六歲赴美深造後，最終在茱莉亞音樂院(The Juilliard School)名教授路易斯．卡普蘭(Lewis Kaplan)門下取得碩士學位。近年因多次於國際舞台獲獎，被視為國際樂壇最受矚目的小提琴新星之一，去年參加2018印第安那波利斯國際小提琴大賽(International Violin Competition of Indianapolis)，在高手雲集的競賽中殺出重圍，奪下冠軍之殊榮，使台灣之名聲光耀國際。過去也曾赴日參賽贏得日本「仙台國際小提琴大賽冠軍」和「觀眾票選獎」及眾多海外競賽大獎，並於日本Fontec 唱片發行比賽實況演出。

NSO 2019年日本巡迴，將於 4/30(二) 於東京文化會館(Tokyo Bunka Kaikan)及 5/6 (一) 大阪交響廳(Osaka Symphony Hall)輪番上陣，穿插於兩檔演出期間，仍會赴金澤市參加5/3(五)-5/5(一)的《風と緑の楽都音楽祭》(譯: 風和綠的樂城音樂祭)，多首膾炙人口的曲目將躍上舞台，透過豐富多元、層次鮮明的曲目詮釋，NSO將再次代表台灣，把扎根於本土厚實的文化水準綻放於國際間，也將與日本愛樂者展開一期一會的優雅交流。

音樂祭官網連結: https://www.gargan.jp/

via NSO

近年來，另一種「異界」逐漸出現在K-Pop MV中。閾限空間（liminal Space）、夢核（dreamcore）與怪核（weirdcore）等視覺美學，以熟悉而陌生的空間、失真的日常物件，構築出屬於數位世代的超現實景觀。ILLIT、aespa、ITZY MV中的異世界究竟如何被創造？專訪幕後推手Bee Park與ahryandchung，一探這股新視覺語言背後的創作思維！

➣本文選自La Vie 2026／8月號《通往異界》，更多精彩內容請點此

✯ Bee Park ✯ 設計一個超現實世界

「我並不認為現實與想像之間真的存在一條明確的界線。一直以來，我都不斷思考一件事：現實本身或許就是一場夢，而夢，也可能揭示了現實的另一個層次。」身為韓國創意工作室「KALABIKA」的創意總監，Bee Park曾參與BLACKPINK、aespa、ITZY、Hearts2Hearts等多組K-Pop團體的MV創意指導，並曾主導XG專輯《NEW DNA》的創意方向，負責其視覺世界觀，MV與線上宣傳。對她而言，現實與想像並非彼此對立，而是同一段連續經驗中的不同面向；音樂亦是如此，每一首歌都承載著人們生命中的情感、疑問與真實。

也因此，每當開始一個新計畫，Bee總會先花大量時間與唱片公司或藝人訪談，理解音樂真正想傳達的核心，再逐步建立一套屬於作品的創作邏輯。這個世界遵循著什麼樣的法則？角色為什麼會有這樣的行為？空間為什麼會呈現現在的樣貌？甚至每一件道具，又承載著什麼樣的意義？唯有當這些問題都有了答案，才會進一步發展場景、服裝、道具等視覺元素。她常把自己的創作方式比喻為電影製作，每一個空間、角色與物件，都應該訴說著同一個故事。「歸根究柢，我並不認為自己只是設計一個世界的人。我更像是在設計一套能夠讓那個世界誕生的條件。」

在aespa〈Armageddon〉MV企劃初期，唱片公司提供了「反烏托邦」（dystopia）、「宇宙恐怖」（cosmic horror）與「超人」（Übermensch）3個關鍵字。Bee說，當時自己正經歷人生中一段充滿恐懼的時期，因此，她從自身經驗出發，重新思考這些概念背後真正想探討的命題，並逐漸發展出整支MV的哲學核心：「超人，就是我自己。」她意識到，人終究必須面對的並非外在的怪物，而是自己。也因此，她與導演反覆討論，究竟什麼樣的空間與視覺方向，最能承載這套哲學。地下通道、室内游泳池等熟悉的日常場所，也在這樣的思考下，被重新詮釋為帶有反烏托邦氛圍的空間，成為角色内心世界的延伸。

而在ITZY的〈Motto〉（座右銘）MV中，飄浮的梯子、巨大的水母、堆疊的露營車、童話般的城堡等超現物件，其實共同指向同一個命題：人們如何在一次次選擇與反覆驗證中，逐漸找到屬於自己的信念。例如飄浮在空中的梯子，便象徵著人們在人生的旅程中不斷尋找平衡，而那座巨大的城堡，則是人們替自己築起的恐懼與限制。「小時候，我們總覺得世界像一座巨大的堡壘，可是當我們長大回頭再看，才發現它更像是童年時親手搭起的小帳篷。」當角色一步步跨越那些看似龐大的障礙，真正超越的，其實始終是自己。「我並不想刻意區分現實與幻想，而是希望創造一个世界，以最清晰、也最美的方式傳達出同一個訊息。」

有趣的是，當外界開始用閾限空間、夢核或怪核等詞彙來形容這些作品時，Bee卻認為，那些名稱只是作品完成後，人們用來理解它的語言，而非創作真正的起點。「我的創作永遠都從同一個問題開始：這個世界，為什麼有存在的必要？」找到答案之後，她才逐步建構出屬於作品的世界觀。至於最後人們將它稱作任何風格，對她而言其實沒有那麼重要；她更希望自己的作品，能讓人們以一種略帶陌生的視角，重新觀看自己所認為的「現實」。

Bee觀察，近年愈來愈多人被這些超現實的視覺語言吸引，背後反映的其實是人們感知現實的方式正在改變。「這些夢境與現實之間的界線、既熟悉又陌生的空間、不安與懷舊的情緒，我並不認為它們是網路文化的產物。我相信，這一直都是人之所以為人的一部分。」當生活不斷穿梭於實體與數位、記憶與演算法之間，現實本身已經比過去更加多層次，也更加複雜。因此，人們逐漸從追尋「再現現實」的影像，轉向能夠表達「現實感受」的視覺語言。在Bee看來，超現實並不是為了逃離現實，而是透過另一種觀看方式，重新理解現實，也成為這個世代表達自身經驗的一種新語言。

Bee Park
韓國創意指導、設計師，現為創意工作室 KALABIKA 創辦人暨創意總監。長期投入品牌識別、 視覺設計與創意統籌，曾參與 BLACKPINK〈GO〉、aespa、 ITZY、Hearts2Hearts、XG、 MEOVV 等團體的 MV 製作。@paak.bee

✯ ahryandchung ✯ 用物件重新發明現實

近年來，從新生代韓國女團ILLIT的〈Magnetis〉，到HYUKOH與落日飛車合作的〈YoungMan〉、Silica Gel等獨立樂團的音樂錄影帶，都能看見一種介於現實與夢境之間的視覺語言：熟悉卻陌生的空間、失真的日常物件，以及淡淡的懷舊感。身兼物件創作雙人組與美術指導，ahryandchung長期投入裝置藝術與展覽計畫，也活躍於音樂錄影帶創作，擅長透過重新組裝日常物件、改變空間秩序，讓現實世界悄悄裂開一道縫。

不過，當愈來愈多人開始用閾限空間、夢核或怪核來形容這股風潮，ahryandchung卻認為，與其說它是一股短暫的流行趨勢，倒不如說是一整個世代共同的網路記憶，正逐漸浮現為新的視覺語言。「我們正好是站在類比與數位交界的一代。」兩人回憶，小時候正值撥接網路開始普及，他們在論壇裡用ASCII Art和特殊符號表達自己，也透過早期的Flash動畫、3D圖像與虛擬遊戲世界建立自己的美感，在低解析度的畫面中，憑著直覺學會自己與畫面中央那個粗糙準星之間的關係。「當時的數位影像因為媒介本身的技術限制，自然形成了一種現實與非現實並存的獨特氛圍。那樣的感受一直留存在我們心中，也持續影響著我們今天觀看世界的方式。」

也因此，比起創造一個全新的幻想世界，ahryandchung更感興趣的，是透過輕輕扭轉日常物件與空間，讓現實與夢境、實體與數位、記憶與當下的界線慢慢變得模糊。這樣的想法，也延伸到ILLIT出道曲〈Magnetic〉的美術設計：未完成的獨角獸拼圖、逐漸變窄的走廊、改變方向的重力，以及沿著牆面奔跑的女孩們，彷彿夢境正悄悄滲入日常生活。兩人透露，整支MV的核心，其實是關於「女孩們留下的痕跡」。看似隨意散落的茶壺、方糖、火柴、玩偶、骰子、厚底鞋等物件，實際上都是她們穿梭於旅館時遺留下的線索。然而，隨著痕跡一次次被覆蓋、抹去，最終連女孩們自己也分不清哪些原本就存在、哪些是自己留下的，現實原有的秩序也隨之瓦解。

對ahryandchung而言，物件本身就承載著敘事的力量。如HYUKOH與落日飛車的合作曲〈Young Man〉中，那座貫穿整支MV的虛構樂器裝置「Synthesizer 🅉」，便是兩人創作方法最好的縮影。「我們研究了許多早期的合成器、電子樂器，以及各種揚聲器的造型。同時，我們也希望它看起來具有當代感，卻又讓人無法判斷它究竟屬於哪個年代。」為了打造這件作品，兩人經常往返二手市場、古物市集，尋找各種用途不明卻充滿魅力的零件，再重新拼組起來。原本毫無關聯的物件，最後竟像樂高積木般自然契合，成為一件既像雕塑、又像樂器的存在。

「如今，智慧型手機早已成為日常不可分割的一部分，我們似乎也自然而然地開始回想，在它們尚未進入生活之前，那個世界究竟是什麼模樣。」在ahryandchung眼裡，當所有資訊都彼此連結、隨手可搜尋、立即被驗證，那些充滿不確定性的瞬間與留白的空間反而變得更加珍貴。「直到今天，每當我們創作時，仍試著透過物件與空間，重新找回當年在網路世界裡感受到的那種心情——那份對未知的好奇與陌生感，以及現實和虛擬能夠自然交融的狀態。」

ahryandchung

由Ahry與Chung組成的韓國藝術雙人組，以拆解、組裝現成物件與各種材料為創作方法，探索物件之間偶然生成的關係。近年活躍於K-Pop MV美術指導、場景設計，並持續跨足裝置藝術與空間創作。@ahryblue、 @antcfk

文｜葉欣昀　圖片提供｜ahryandchung、KALABIKA　圖片協力｜KALABIKA

有別於大多電影展會聚焦於新作，每年10月於法國里昂登場的盧米埃電影節（Festival Lumière）著重經典電影修復、歷史影片回顧與致敬電影先驅，場邊舉辦的「經典電影市場展（Marché International du Film Classique，MIFC）」更是全球唯一專注於經典電影發行、修復與策展合作的影視展會。而2026年，台灣獲選為MIFC主題國，以《桂花巷》為首的經典電影將於法國重映！

經典電影重映潮，你也有跟上嗎？

近年，台灣掀起一陣經典電影修復重映潮，從黑幫青春悲歌《少年吔，安啦！》、侯孝賢獲威尼斯金獅獎的鉅作《悲情城市》（1989）、刻畫一代台灣女性命運的《油麻菜籽》（1984），到入選2026「坎城經典」的《魯冰花》（1989），皆令影迷得以藉電影穿越時空，一窺昔日台灣社會面貌。如今存於許多影迷心中、但片源難尋的《桂花巷》（1987），也將以4K修復版形式於2026盧米埃電影節MIFC重映。

台灣新電影重要人物：陳坤厚

1987年上映的《桂花巷》，是台灣導演陳坤厚的代表作之一。陳坤厚的電影之路從攝影起步，他在年少時就跟著舅父賴成英學習攝影。這位舅父的來頭可不小，影壇人稱「賴桑」的賴成英，是台灣電影重要的攝影師與導演，從影40年間曾拿下3座金馬獎最佳攝影獎，2022年更獲金馬59終身成就獎殊榮。

隨舅父習藝多年，陳坤厚在1971年正式升任攝影師，並以《汪洋中的一條船》獲頒金馬獎最佳攝影獎；其後攝而優則導，1979年開始與侯孝賢合作，一人攝影、一人編劇、兩人輪流擔任導演，孵化出以《小畢的故事》（1983）為代表的一系列作品，為台灣新電影共同書寫重要一頁。兩人結束合作關係、踏上尋找自身風格之路後，陳坤厚於1987年推出的《桂花巷》堪稱許多影迷心中難忘的經典。

《桂花巷》拍出傳統父權社會下的女性堅韌和宿命

《桂花巷》以「斷掌即緣薄」此傳統說法為引，串起了漁村之女剔紅（陸小芬飾演）的多舛一生。在傳統父權社會裡，斷掌的女人有著注定一世人孤寡的命，可剔紅不甘被掌紋定義一生，靠著一雙刺繡巧手和三寸金蓮的纏足，如願嫁入桂花巷豪門。然而，她的生活並未從此順遂，反倒遇上丈夫病故、骨肉疏遠重重打擊，獨守深閨的她也面臨著道德的考驗……。

全片於澎湖閩南舊宅取景，配以考究精細的古著，重現日治初期台灣上流社會的生活面貌。演員演技更是電影靈魂，陸小芬從清純少女演到歷經滄桑的孤寂貴婦，用演技將70年時光濃縮於114分鐘片長，道出在封建傳統中成長的女性故事。

此次《桂花巷》於MIFC重映，尤值得一提的是，影片將以台語原版配音放映，原汁原味展現編劇吳念真以道地台語情韻撰寫、典雅中藏機鋒的精彩對白，亦如實還原導演陳坤厚最真實的創作意圖。

從國際論壇、原版海報展看台灣經典電影

在今年的MIFC展會上，官方也與台灣國家影視聽中心攜手合作，展現台灣經典電影長年以來保存、修復與國際推廣工作的成果。其中，「台灣電影原版海報展」將展現台灣影史豐富的視覺識別與美學樣貌；電影工作者齊聚的論壇，則探討電影修復策略、典藏與國際合作實務，領聽眾了解賦予老電影新生命時，所會面臨的技術、歷史、文化等多層面的挑戰。

資料來源｜國家電影及視聽文化中心、台北金馬影展