專訪／互動光電裝置感受藝術的生命力！台灣聲光藝術家姚仲涵：「創新，在生活中彼此激盪。」

今年可謂台灣藝術大爆發的一年！開年全台因應過年與元宵，從北到南皆有無數或大或小的藝術燈節點亮台灣，每一場都能在夜晚或白天好好欣賞藝術家的作品。其中有位聲光藝術家的燈光系列作品同時被三場藝術燈節邀請展出，他是誰？正是2012年登上TED×Taipei、2018與韓國大勢獨立樂團HYUKOH合作金曲舞台的聲光藝術家姚仲涵。

台灣聲光藝術家最大勢！2019全台南北兩地皆可看到他的作品

姚仲涵的聲光藝術裝置分別於「2019新竹過好年」藝術燈節、台南鹽水的月津港燈節、台電2019高雄公共藝術節，展出3項《光電獸》系列作品。同一時期在不同地區展出心血，連本人都說「2019年真的有些特別。」

當《光電獸》系列作品自2017年問世之後，走向戶外，可以被風吹、被雨淋，更能接近自然環境與地景尺度是姚仲涵的心願，為此，他替各地區展出的《光電獸》系列作品分別取上不同自然元素的名字，強調作品的特色。例如新竹的光電獸因為是安置於護城河河面上，因此被取名為《光電獸#12-河》；台南月津港的光電獸則是以圍繞樹展示人與樹之間、光與影之間的關係，因而有了《光電獸#11-樹》的稱呼；而「奧拉之城 台電2019高雄公共藝術節」的光電獸，則呼應台電主題，以太陽能為題為其取名為《光電獸#7-太陽能》，當然這隻光電獸的啟動電力正來自太陽能。

新竹《光電獸#12-河》↓

台南《光電獸#11-樹》↓

高雄《光電獸#7-太陽能》↓

不只是裝置藝術！《光電獸》系列可透過接收聲響展現生命力

2019年《光電獸》三項藝術燈節作品看似迥異，但同時擁有共同機制，可透過聲音接收器與LED燈，連接四周環境聲音，產生互動與生命力，更會因應不同的地景環境與音響產生不同的反應。以被安置於近新竹市政府幸福廣場護城河段的《光電獸#12-河》為例，直長型的燈光藝術品在夜晚適逢節慶的鞭炮聲響，透過內建接收器將四周聲音轉換成觸動裝置的燈光開關，隨著環境聲音的音量大小，讓這隻臥躺於河面的光電獸，產生或明或暗的互動。

當耳邊聽著花火忽低忽高地「咻～砰！」炸裂聲，眼前的《光電獸#12-河》首先會跟著爆炸聲閃爍，當煙花炸裂聲達到長音顯現時，光電獸身上明亮的LED光，會突然像是一條火龍般，任光源流竄全身，讓應景的燈節裝置藝術不再僅是矗立於空地上的作品，而是一只彷彿擁有生命的物體。然而這不是姚仲涵最特別的作品，因為他將於2019年夏季在台南以《光電獸》系列作品結合個人創作演出個展，當看完元宵各地光電獸的作品，讓人更加期待今年夏天的全新創作！

三處光電獸與環境聲音的互動影片 (姚仲涵 提供)

創新，渾然天成！更讓元宵燈會變得更有看頭

身為台灣知名的聲光藝術家，姚仲涵自2005年開始參與全台各地的燈光藝術與新媒體藝術展，從他的作品不難看見「創新」似乎是安裝於作品中的基本配備。然而當創新與傳統的元宵燈會結合時，姚仲涵似乎又能於新舊之間碰撞出化學反應。他說：「我的作品對大眾而言一直具有『創新』成分，例如聲音的控制、或是燈光流動的發想等，這些元素攸關「現地製作」，意味在製作過程中需要面對許多選擇與思考，這項思考包括和場域的關係、與觀眾的關係，某種程度而言，這也順勢地成為一種互動啟發，更因而轉化成『讓創新在生活中產生激盪』。」

不同於兒時熟悉的元宵燈會裝置，或節慶時於公園樹木上掛滿LED燈的呆板景象，而是透過創新思考作品該如何與觀賞者互動，有點「不安於份」的叛逆，反而能讓姚仲涵的作品產生亮點。

對話與互動，從實驗過程中找出更好、更棒的作品！

若創新是姚仲涵與生俱來的叛逆，那麼「對話」就是他過去七年的創作生命中，為藝術做的最大改變。他認為「與越多人對話、越能從實驗測試出探索與挖掘出新火花。」因此他與藝術家葉廷皓組成「Audio-Visual雙人組HH」，將噪音帶入大家熟悉的電子舞曲，以樂團形式從中探索聲光變化的最大可能性。

然而面對姚仲涵個人音樂與燈光的組合，印象最深的是他於2018年與韓國大勢獨立樂團HYUKOH共同演出的《聲‧光》舞台。在科技與音樂互相襯托下，姚仲涵理性地檢視〈萬里〉這件作品的編曲、氣質與樂器安排。「我無時無刻都在重覆聆聽，走路聽、開車聽、在不同的心情下聽，同時也是在尋找還有什麼空間是我可以賦予的。」準備期間如同一件大工程，利用程式編寫控制系統、建立舞台上600多個燈光序號，一步一步地微調與模擬，過程還必須不停的debug讓程式運行得更順暢。

金曲獎控台的興奮感反應出對作品的滿意

「當表演節目開始時，我坐在控台，當時的心情很興奮。」當時姚仲涵坐在舞台後方控台區，看著演出所需的訊號線、鋼索、控制系統，透過螢幕畫面與耳邊傳來現場的歡呼聲，覺得一切都好神奇，「回想一開始慢慢發想的畫面，到中間設計的細節，全在這短短一首歌的時間裡呈現，一旦將音樂當中的空間性找了出來，在畫面上有抽象、有紛亂、有秩序..在音樂的節奏之間進退，大家就會有感覺，這是現場最迷人的部分。」而姚仲涵回想起2018金曲合作舞台的那一刻，他說：「我還記得當離開時小巨蛋外面人很少、街道很空，但知道自己做了很滿意的作品，心裡卻很輕、很快樂。」。

Text / Zoe Chen

圖片提供 / 姚仲涵

圖片攝影 / 王淳俐

現正於台北展出的「波特羅特展」，為拉丁美洲藝術家費爾南多・波特羅（Fernando Botero）首度在台舉辦的大型展覽。而本次展覽由波特羅基金會代表，同時也是波特羅的女兒Lina Botero策劃，她也親自與我們分享波特羅的藝術生涯故事，以及那些關於父親的回憶。

對「體積」充滿迷戀

1932年出生於哥倫比亞麥德林的波特羅，直到2023年離世前4天，仍持續在創作，一生對藝術充滿了熱愛。而貫穿波特羅作品核心的，是他對「體積（volume）」的迷戀，但他總說，自己對體積的著迷是與生俱來，且他從未真正理解這份執著究竟從何而來。

1952年，是波特羅人生中的重要轉折，當時他憑藉著獎金來到歐洲，進入皇家聖費爾南多美術學院學習繪畫。然而波特羅很快意識到，與其坐在教室裡，不如把時間花在臨摹大師的作品上。此後，他幾乎每天都前往普拉多美術館（Museo del Prado）臨摹Velázquez、Tintoretto、Titian等大師的畫作，這段經歷也對他的藝術養成至關重要。

某天，波特羅偶然看到書上有著Piero della Francesca的壁畫作品，那一刻，他深深意識到，藝術遠比自己想像的更加崇高。而這也促使波特羅前往佛羅倫斯，深入研究義大利文藝復興時期的作品。

藝術必先深植於本土

在歐洲待了兩三年，由於旅費耗盡，23歲的波特羅回到哥倫比亞，與妻子結婚後，兩人隨即前往墨西哥生活。Lina提到，當時的墨西哥是拉丁美洲藝術發展的重鎮，也是許多年輕藝術家心中的「朝聖之地」。彼時，多數拉丁美洲藝術家仍描繪與歐洲印象派畫家相似的風景，但墨西哥藝術家率先將目光轉向自己的文化根源，開始描繪這片土地的事物。這也讓年僅24歲的波特羅重新思考創作方向，並奠定了他一生遵循的信念——「藝術若要真正具有普世性，首先必須根植於在地（For art to be truly universal, it must first be local.）」。

在那之後，波特羅的創作核心便建立在自己童年與青少年時期的回憶之上。Lina說明，「在本次展覽中的『拉丁美洲』展區，可以看到那些存在於我父親記憶中的人物，後來都成了他作品中的主角；街道景象與日常生活的場景，也被他以個人風格轉化為屬於自己的世界。」

形塑獨特的「波特羅風格」

Lina補充，每一位藝術家在創作初期，都會受到許多不同事物的影響，也會不斷嘗試各種可能、直到找到真正屬於自己的藝術語言。而在墨西哥時期，也發生了一件對波特羅極為重要的事。某天深夜，他獨自在工作室畫一把曼陀林（mandolin），他先是畫出非常飽滿的外輪廓，接著畫了一個非常小的音孔。在那瞬間，他發覺曼陀林彷彿被放大許多，同時意識到，自己似乎發現了某種對未來創作極為重要的方向。而這是過去的藝術養分與創作經驗累積下來的結果，並逐漸形塑出我們今日所認識的波特羅風格。

「風格」是藝術家信念的總和

對波特羅而言，「風格」是一位藝術家能夠為自己所處時代做出的最大貢獻，因為「風格」正是藝術家信念的總和。Lina說明，真正的風格應該在最簡單的題材中也能夠被辨認出來，比如畢卡索和塞尚或波特羅畫的橘子，是完全不一樣的。因此在這次的「靜物」展區中，更能讓人一眼辨識出波特羅的風格。事實上，很多人都會問：「波特羅為什麼總是畫胖子？」但他總回答這輩子沒畫過任何胖子。因為他的創作，其實是將感官上的感受傳遞到形式上，是對飽滿、圓潤形體所展開的探索，且不只是人物，不論是物件、水果或動物，他都以相同的手法賦予它們雕塑般的分量感。

忠於自己的核心價值

Lina分享，1960年代波特羅在紐約時，當時的主流是抽象畫與普普藝術，他卻與趨勢背道而馳，結果沒有人注意他的作品，藝評也對他也非常嚴厲。然而，波特羅始終忠於自己的藝術信念、不盲從追求當時的潮流。直到MoMA的一位策展人看到他畫的《12歲的蒙娜麗莎》，決定讓這幅畫在MoMA展出後，才開始有人與他接觸，也讓波特羅迎來了職業生涯的轉捩點。

藝術應該是屬於每一個人

身為策展人的Lina表示，「這是我們第一次來台灣，我希望可以選擇最為顯著、最可以代表我父親70年創作歷程的主題，因此作為他的根源的『拉丁美洲』展區格外重要。」而像是「靜物」、「鬥牛」等主題，也都是構成波特羅創作的不同面向。她也提到，先前在韓國展出時，突破了近25萬的觀展人數紀錄，這也證明了不同的畫作能直接與觀者對話，同時呼應波特羅的想法「藝術應該是屬於每個人，不是只有少數菁英份子可以欣賞的。」

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幽默是走進藝術的一扇門

Lina補充，父親是個非常幽默的人。「他認為，幽默就像是一扇為觀者打開的門，讓人們得以走進藝術作品之中。他同時也把幽默當成一種工具，因為在1930到40年代的拉丁美洲有非常多獨裁者，而他會利用藝術去批判這些獨裁者、政治家或諷刺教會。」對Lina而言，看見這麼多人喜愛父親的作品，令她感到十分欣慰，也讓她更加確信，將這些作品帶給下一代是他們肩負的重大責任。「我也曾和畢卡索的後裔討論到這點，我們都認為，持續與新世代展開對話非常重要。」

不只是藝術創作，談起父親，Lina分享了許多回憶。她說，「我從小和兩個兄弟一起長大，但父親從來沒有把我當作『只是個女孩子而已』，他對我們所有人都是一視同仁的，他讓我覺得自己是個強大的女性。」

為父親策劃80歲回顧展

Lina過去曾在電視廣播界工作，之後投入室內設計領域。2012年，她受邀於墨西哥為波特羅策劃80歲生日回顧展。「和我父親共事是一件非常美妙的事，因為我們有非常緊密的關係，同時也互相信任。他相信我能把他作品所要展現出來的樣子，以及著重的重點表現出來。」

波特羅非常喜歡獨自作畫，Lina成為少數被允許進去他工作室的人。「在我父親生命的最後一年，我每天都陪他去工作室。看他作畫是一件非常神奇的事，只要待在工作室，他就像突然變回了年輕人，甚至不再需要拐杖。」

用想像力灌溉童年回憶

最後，Lina笑著說，對父親印象最深刻的，還是那些童年回憶。「我們成長過程中有著許多關於父親的美好記憶，因為當時我父親完全沒有錢，但他會用他的想像力來彌補資源上的匱乏。」她回憶，當時父母離婚後，每到星期五都會和父親共進晚餐，父親總會買最普通的罐頭番茄湯，但會特地去買玻璃眼球放進湯裡，並告訴孩子：「今天喝的是眼球湯。」年幼的他們當然深信不疑，「小時候，你會相信你父親對你說的每一件事。那真的是一段非常不可思議的時光。我的父親有說不完的精彩故事，而我最珍貴的童年回憶，也正是來自他為我們編織的那些奇妙故事。我父親留給我最好的禮物就是這些回憶。」

《圓潤的魔法 波特羅特展》
日期：2026.6.19-10.11
地點：國立中正紀念堂1展廳

曾任Marimekko專屬織品設計師，並長年與SOU・SOU合作的脇阪克二，以鮮明而溫柔的圖案風格，成為日本最具代表性的圖案設計師之一。而脇阪克二最初只帶著5幅畫、滿腔熱情，獨自踏上前往芬蘭的列車。他相信，只要能踏進Marimekko，就有機會證明自己的設計。這趟冒險旅程，最終讓他成為Marimekko第一位日本籍專屬織品設計師。

Marimekko在一九五一年創立於芬蘭，以獨創的織品設計與繽紛的色彩風格而聞名。至六〇年代初期，Marimekko已吸引了全球設計師的目光，如今創立超過七十五年，更是躍升為廣受各世代喜愛的經典生活風格品牌。

脇阪克二與Marimekko的邂逅始於高三那年。當時的Marimekko雖然在設計界頗有名氣，但尚未進軍日本，因此只有內行人才知道這個品牌。某天，脇阪克二拜訪了一位設計師朋友的工作室，對方向他分享了在芬蘭買到的Marimekko商品。那是一件由織品設計師安妮卡．里瑪拉（Annika Rimala）打造的印花洋裝，洋裝造型極為簡約，只用一絲線條劃分雙色來營造對比，俐落無比的設計令脇阪克二震撼得說不出話來。

儘管造型非常簡單，色彩與設計卻大膽得令人驚豔。如此美麗而新穎的織品設計，在日本前所未見。相較之下，日本市面上那些圖案繁複、令人眼花撩亂的織品，簡直就像騙錢的玩意兒……！

從此，「Marimekko」的品牌名稱就如同一道咒語，在脇阪克二的腦海中縈繞不去。他開始遍覽織品雜誌，依靠零星資訊得知創辦人是一位叫做阿爾米．拉蒂亞（Armi Ratia）的女士，且公司裡擁有多位專業設計師。他的興趣因此愈來愈濃厚。

他下定決心──如果要出國磨練，我只去Marimekko。

在心中立誓後，脇阪克二再也按捺不住了。他迅速收拾行李，將自己繪製的五幅畫裝進旅行箱，隻身搭乘西伯利亞鐵路前往芬蘭。這是他第一次出國，不僅沒錢、語言不通，在當地也沒有任何親友，僅憑著滿腔「自我挑戰」的熱情，便登門早訪了於赫爾辛基的Marimekko總公司。

然而，面對這位突如其來的亞洲青年，總公司的工作人員實在難掩困惑。儘管脇阪克二努力透過肢體語言與生澀的英語表達自己的想法，仍然吃了一頓閉門羹。但他此次造訪原本就是抱著姑且一試的心態，假設行不通，也打算先找個地方洗碗打工再思索下一步。就在脇阪克二做好心裡準備時，隔天阿爾米．拉蒂亞居然通知他進公司，還說了令他意想不到的話。原來，她看過了他呈交的畫作。

「你的畫很有趣。我想試用你一個月，你可以隨心所欲地創作。」

於是，脇阪克二展開了為期一個月的試用期。儘管他對芬蘭語一竅不通，試用期也沒有薪水可領，但他心中卻洋溢著能在夢寐以求的Marimekko從事設計的喜悅與希望。

我要放手一搏，徹底發揮畢生所學。

對創作根深蒂固的渴望，以及在日本被長期壓抑的強烈表現欲一口氣爆發，令脇阪克二在短短一個月內創作出多達二十種設計。那些自由奔放、充滿生命力的織品，讓阿爾米．拉蒂亞讚不絕口。她決定將其中幾款納入Marimekko的產線，並且正式聘請脇阪克二為Marimekko的專屬設計師。那一年，脇阪克二二十四歲，日本第一位Marimekko專屬織品設計師就此誕生。

脇阪克二在試用期創作的織品皆以日文命名，例如「YUME」（夢境）、「HANA」（花朵）、「OKA」（山丘）。儘管距今已過五十年，它們仍是廣受大眾喜愛的Marimekko代表作。

本文內容節錄自La Vie出版書籍《創作就是做自己：脇阪克二從Marimekko到SOU・SOU的設計思考》

出版日期｜2026/07/02

作者｜脇阪克二

曾在Marimekko擔任設計師，長年與 SOU・SOU 合作，脇阪克二以鮮明且溫柔的圖案風格，成為日本最具代表性的圖案設計師之一。

對脇阪克二而言，圖案不只是設計，更是與生活對話的方式。從京都的街景、四季變化，到旅行途中遇見的風景與人們，他將那些日常裡微小卻深刻的感受，轉化成一塊布、一個紋樣、一種陪伴生活的設計。

本書收錄其多年創作與代表作品，並完整分享他的創作思考、圖案哲學，以及對「設計與生活」的理解。

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