今年可謂台灣藝術大爆發的一年！開年全台因應過年與元宵，從北到南皆有無數或大或小的藝術燈節點亮台灣，每一場都能在夜晚或白天好好欣賞藝術家的作品。其中有位聲光藝術家的燈光系列作品同時被三場藝術燈節邀請展出，他是誰？正是2012年登上TED×Taipei、2018與韓國大勢獨立樂團HYUKOH合作金曲舞台的聲光藝術家姚仲涵。

台灣聲光藝術家最大勢！2019全台南北兩地皆可看到他的作品

姚仲涵的聲光藝術裝置分別於「2019新竹過好年」藝術燈節、台南鹽水的月津港燈節、台電2019高雄公共藝術節，展出3項《光電獸》系列作品。同一時期在不同地區展出心血，連本人都說「2019年真的有些特別。」

當《光電獸》系列作品自2017年問世之後，走向戶外，可以被風吹、被雨淋，更能接近自然環境與地景尺度是姚仲涵的心願，為此，他替各地區展出的《光電獸》系列作品分別取上不同自然元素的名字，強調作品的特色。例如新竹的光電獸因為是安置於護城河河面上，因此被取名為《光電獸#12-河》；台南月津港的光電獸則是以圍繞樹展示人與樹之間、光與影之間的關係，因而有了《光電獸#11-樹》的稱呼；而「奧拉之城 台電2019高雄公共藝術節」的光電獸，則呼應台電主題，以太陽能為題為其取名為《光電獸#7-太陽能》，當然這隻光電獸的啟動電力正來自太陽能。

新竹《光電獸#12-河》↓

台南《光電獸#11-樹》↓

高雄《光電獸#7-太陽能》↓

不只是裝置藝術！《光電獸》系列可透過接收聲響展現生命力

2019年《光電獸》三項藝術燈節作品看似迥異，但同時擁有共同機制，可透過聲音接收器與LED燈，連接四周環境聲音，產生互動與生命力，更會因應不同的地景環境與音響產生不同的反應。以被安置於近新竹市政府幸福廣場護城河段的《光電獸#12-河》為例，直長型的燈光藝術品在夜晚適逢節慶的鞭炮聲響，透過內建接收器將四周聲音轉換成觸動裝置的燈光開關，隨著環境聲音的音量大小，讓這隻臥躺於河面的光電獸，產生或明或暗的互動。

當耳邊聽著花火忽低忽高地「咻～砰！」炸裂聲，眼前的《光電獸#12-河》首先會跟著爆炸聲閃爍，當煙花炸裂聲達到長音顯現時，光電獸身上明亮的LED光，會突然像是一條火龍般，任光源流竄全身，讓應景的燈節裝置藝術不再僅是矗立於空地上的作品，而是一只彷彿擁有生命的物體。然而這不是姚仲涵最特別的作品，因為他將於2019年夏季在台南以《光電獸》系列作品結合個人創作演出個展，當看完元宵各地光電獸的作品，讓人更加期待今年夏天的全新創作！

三處光電獸與環境聲音的互動影片 (姚仲涵 提供)

創新，渾然天成！更讓元宵燈會變得更有看頭

身為台灣知名的聲光藝術家，姚仲涵自2005年開始參與全台各地的燈光藝術與新媒體藝術展，從他的作品不難看見「創新」似乎是安裝於作品中的基本配備。然而當創新與傳統的元宵燈會結合時，姚仲涵似乎又能於新舊之間碰撞出化學反應。他說：「我的作品對大眾而言一直具有『創新』成分，例如聲音的控制、或是燈光流動的發想等，這些元素攸關「現地製作」，意味在製作過程中需要面對許多選擇與思考，這項思考包括和場域的關係、與觀眾的關係，某種程度而言，這也順勢地成為一種互動啟發，更因而轉化成『讓創新在生活中產生激盪』。」

不同於兒時熟悉的元宵燈會裝置，或節慶時於公園樹木上掛滿LED燈的呆板景象，而是透過創新思考作品該如何與觀賞者互動，有點「不安於份」的叛逆，反而能讓姚仲涵的作品產生亮點。

對話與互動，從實驗過程中找出更好、更棒的作品！

若創新是姚仲涵與生俱來的叛逆，那麼「對話」就是他過去七年的創作生命中，為藝術做的最大改變。他認為「與越多人對話、越能從實驗測試出探索與挖掘出新火花。」因此他與藝術家葉廷皓組成「Audio-Visual雙人組HH」，將噪音帶入大家熟悉的電子舞曲，以樂團形式從中探索聲光變化的最大可能性。

然而面對姚仲涵個人音樂與燈光的組合，印象最深的是他於2018年與韓國大勢獨立樂團HYUKOH共同演出的《聲‧光》舞台。在科技與音樂互相襯托下，姚仲涵理性地檢視〈萬里〉這件作品的編曲、氣質與樂器安排。「我無時無刻都在重覆聆聽，走路聽、開車聽、在不同的心情下聽，同時也是在尋找還有什麼空間是我可以賦予的。」準備期間如同一件大工程，利用程式編寫控制系統、建立舞台上600多個燈光序號，一步一步地微調與模擬，過程還必須不停的debug讓程式運行得更順暢。

金曲獎控台的興奮感反應出對作品的滿意

「當表演節目開始時，我坐在控台，當時的心情很興奮。」當時姚仲涵坐在舞台後方控台區，看著演出所需的訊號線、鋼索、控制系統，透過螢幕畫面與耳邊傳來現場的歡呼聲，覺得一切都好神奇，「回想一開始慢慢發想的畫面，到中間設計的細節，全在這短短一首歌的時間裡呈現，一旦將音樂當中的空間性找了出來，在畫面上有抽象、有紛亂、有秩序..在音樂的節奏之間進退，大家就會有感覺，這是現場最迷人的部分。」而姚仲涵回想起2018金曲合作舞台的那一刻，他說：「我還記得當離開時小巨蛋外面人很少、街道很空，但知道自己做了很滿意的作品，心裡卻很輕、很快樂。」。

Text / Zoe Chen

圖片提供 / 姚仲涵

圖片攝影 / 王淳俐

2026年巴塞爾藝術展香港展會（Art Basel Hong Kong）將於3月27日至29日展開。La Vie精選3位穩步邁入中堅世代的焦點藝術家，展現他們如何以更成熟語彙解構我們習以為常的生活。現居洛杉磯的藝術家Tala Madani，以她筆下最具代表性的角色「Shit Mom」銳利地譏諷社會對女性與母職的荒謬想像，在怪誕且幽默的視覺語彙中，精準勾勒出當代女性那份充滿張力且疲憊的生存群像。

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身兼女性與母親雙重身分，藝術家Tala Madani近年深有感悟。拿起畫筆，她戲謔且銳利，撕開了當代生活中關於女性、科技與社會期待的層層假面。針對Madani何以在當前藝壇備受矚目，Pilar Corrias藝廊（Pilar Corrias）團隊精準指出：「她質疑了那些我們視為理所當然的事物，將觀眾從舒適圈中拉了出來。她的作品透過怪誕、幽默且犀利的視覺語言，挑戰了性別、權力與表現形式的傳統規範。」

以「Shit Mom」撕開聖母畫作的純潔光環

近年，Madani筆下最具代表性的角色「Shit Mom」——一個完全由糞便構成、形態流動且汙穢的人物，誕生於極其私密的肉身經驗。2019年，在第2個孩子出生後，她發現自己難以在藝術史上那些神聖純潔、充滿母愛光輝的傳統母嬰畫作中尋得共鳴。對她而言，母職的現實並非總是潔白無瑕，而是充滿了疲憊、汙穢與失控。

她轉而以棕色油彩繪出「Shit Mom」，直接投射了母職現實中的混亂，藉此反擊社會對女性身體與母職必須保持潔淨、受控且道德完好的期盼。Pilar Corrias藝廊團隊補充：「Shit Mom反覆出現在Madani的作品中；這個角色挑戰了社會對女性那種難以企及的期待。我們能從她在攀爬時的掙扎、崩潰的瞬間，甚至是帶著快意從樓梯扶手溜下來的模樣中看見這點。」

以黑色幽默翻轉女性的生存張力

在近期個展《Daughter B.W.A.S.M.》（意為Born Without A Shit Mom）中，Madani進一步將這份母職觀察延伸至科技語境。她參考了Francis Picabia在1916年將機器女性化的經典畫作，將追求極致精準的AI機器女兒與「Shit Mom」並置。這種對比揭示了當代社會的一個弔詭現象：我們對AI機器人那種「後人類式完美軀殼」的期盼，竟與父母投射在孩子身上的完美期望如出一轍。在追求精密算法的數位時代裡，母職中那份不可控的脆弱顯得如此格格不入，卻又無比真實。

此次來到巴塞爾藝術展香港展會（Art Basel Hong Kong）的畫作〈Shit Mom Ascending a Staircase (Motion Study)〉，展現了她對藝術史脈絡的熟稔與翻轉。作品向攝影先驅Eadweard Muybridge的動態研究致敬，讓Shit Mom笨拙地模仿女性優雅姿態，卻在移動中不斷失足崩解。而動畫作品《S.M. Ascends》則反轉了藝術史中「裸女下樓」的經典軌跡，讓角色在無止境的樓梯中，進行薛西弗斯式且徒勞的攀爬。

Pilar Corrias藝廊團隊分析：「反覆出現的樓梯符號致敬了藝術史的脈絡——從Marcel Duchamp、Gerhard Richter到Eadweard Muybridge的動態研究；同時，這也反映了一種當代焦慮，隱喻著對抱負、進步與不斷攀升之壓力的追求。然而，在Madani手中，連這種『向上攀升』都變得不穩定且充滿不安，甚至帶有一種黑色幽默。」透過這些作品，Madani精確勾勒出當代女性在追求社會理想與回歸肉身本能之間，那種充滿張力、疲憊且略帶荒謬的生存樣貌。

Tala Madani

1981年生於伊朗德黑蘭，現居美國洛杉磯。擁有耶魯大學藝術學院繪畫與版畫碩士學位。其創作以繪畫與動畫為主，常以充滿黑色幽默與怪誕感的筆觸，解構權力結構、男性特質及當代社會的集體行為。作品風格遊走於具象與抽象之間，展現出高度的敘事張力。曾於洛杉磯當代藝術博物館（MOCA）、倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）及斯德哥爾摩現代美術館舉辦個展。作品亦被紐約現代藝術博物館（MoMA）、古根漢美術館及泰特現代藝術館等重要機構收藏。

2026《Art Basel Hong Kong》

地點｜香港會議展覽中心（香港灣仔博覽道1號）

時間｜
貴賓預展（憑邀出席）
3月25日（三）12:00-20:00
3月26日（四）12:00-20:00
3月27日（五）12:00-14:00
3月28日（六）12:00-14:00
3月29日（日）11:00-12:00

開幕之夜
3月26日（四）16:00-20:00

公眾開放日
3月27日（五）14:00-20:00
3月28日（六）14:00-20:00
3月29日（日）12:00-18:00

＊參展藝術家及藝廊的完整名單：artbasel.com/hongkong/encounters

_{文｜吳哲夫　圖片提供｜各單位}

_{＊ 編按：本文原載於《La Vie》2026年3月號，網路版經編輯部重新整編與擴充}

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／3月號《平衡的設計哲思》

2026年巴塞爾藝術展香港展會（Art Basel Hong Kong）將於3月27日至29日展開。La Vie精選3位穩步邁入中堅世代的焦點藝術家，展現他們如何以更成熟語彙解構我們習以為常的生活。入圍2025年M+希克獎（Sigg Prize）的藝術家畢蓉蓉（Bi Rongrong），將山水畫採風精神轉向對都市肌理的採集，透過織品縫合起城市的皮膚，喚起人類與自然規律的內在連結。

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主攻織品媒材的畢蓉蓉（Bi Rongrong），總在尋找人造紋樣的深意。她分享：「紋樣是一種人類將觀察到的、感知到的世界進行語言轉換的表達方式 。這是一種很偶然、很直覺的感受。」曾修習山水畫的她，習慣將「外師造化，中得心源」與「搜盡奇峰打草稿」的採風精神作為創作起點。這份從山川鄉野培養出的觀察力，在2014年英國曼徹斯特（Manchester）的駐留經驗中迎來轉折 。在這座英倫搖滾與獨立音樂重鎮，街頭巷尾鋪天蓋地的音樂海報與塗鴉，讓她意會到城市紋理其實與自然規律一樣，處於無窮盡的裂變與生長之中。

「如果說城市是我們在混沌之中尋找並構建的一些有規律的序列，那麼這種序列也同時在發生無窮盡的裂變，它本身也是大自然的一部分。」

發現建築的皮膚連結世間

自此，建築皮膚、唱片封面，乃至於旅途中在博物館內擷取的古代紋樣，皆成為畢蓉蓉解讀城市的對象，並藉此感受自身與世界的連結。在觀察過程中，她發現許多空間中冷硬石牆常代以柔軟門簾，地毯亦可被轉譯為堅硬石毯。

她敏銳察覺到材質間流動、代換的可能性。當她將擷取的織品紋樣轉向繪畫之中時，不禁開始思考：為什麼不把繪畫也轉為織物呢？她解釋：「如果說一塊地毯與一套金屬器皿可以成為游牧民族某一時刻的臨時之家，石牆與電腦也可以成為我們某一時刻的臨時之家，那麼織物既是家的一部分，也是我的作品的一部分 。它是一種媒介，更是一種思考方式。」

編織一場跨越時空的城市採風

此次展出的〈縫合的城市皮膚〉（Stitched Urban Skin）是2022年勞斯萊斯藝術計畫「繆斯」（Rolls-Royce Muse）首屆飛翔女神挑戰賽的獲獎之作 。畢蓉蓉遊走在不同文化語境間，發現整趟與紋樣相遇的旅程充斥著偶然性 。她形容，這就像在森林裡採集樹葉標本，原先並不做任何設定。「但有意思的是，我時常發現我所採集的，無論是中國紋樣、歐洲紋樣，或兩河流域的紋樣等等，它們都存在某些共性。」她將具備共性的紋樣梳理出來，透過傳統鉤針編織與LED、金屬、壓克力等硬質材料，交織成為這件作品。

「城市的皮膚就像我們生物體的皮膚一樣，越到表面毛細血管越為豐富與複雜。城市皮膚的材質與肌理，由無數有序與無序的細胞交織與層疊在一起，相互穿插、相互作用，形成一重又一重的合奏。」

近期，她更以作品〈去連接、去鑿洞、去抽紗〉入圍2025年香港M+博物館希克獎（Sigg Prize）。這件源自她在瑞士TaDA駐地期間發展的作品，進一步融入了當時對蕾絲背後精神的體悟 。對畢蓉蓉而言，織品的「縫合」動作，是連接、抽離與再連接萬物的往復循環 。「人類一直在尋找、調整自己在自然之中的一個恰當位置，我相信這個過程同樣是一個不斷往復的過程。」

畢蓉蓉Bi Rongrong

1982年生於中國寧波，現居上海。畢業於南京藝術學院與荷蘭聖尤斯特藝術學院。其作品強調藝術與空間的對話，創作起源於對城市建築與自然景觀的素描蒐集，透過將採集到的紋理與色彩進行轉化，跨越素描、織物、動畫與空間裝置等多種媒介，重組出具備節奏感的視覺景觀。2022年獲得勞斯萊斯「繆斯」藝術項目首屆「飛翔女神挑戰賽」大獎，並入圍2025年香港M+博物館「希克獎」（Sigg Prize）。

2026《Art Basel Hong Kong》

地點｜香港會議展覽中心（香港灣仔博覽道1號）

時間｜
貴賓預展（憑邀出席）
3月25日（三）12:00-20:00
3月26日（四）12:00-20:00
3月27日（五）12:00-14:00
3月28日（六）12:00-14:00
3月29日（日）11:00-12:00

開幕之夜
3月26日（四）16:00-20:00

公眾開放日
3月27日（五）14:00-20:00
3月28日（六）14:00-20:00
3月29日（日）12:00-18:00

＊參展藝術家及藝廊的完整名單：artbasel.com/hongkong/encounters