讓光線來做設計！享譽國際的華裔建築大師貝聿銘，其擅於利用幾何線條、光線與玻璃折射的創作手法，讓原先方正冰冷的建築融合自然意象，使空間呈現萬千變化。如今這位被譽為「現代建築主義最後大師」，在5月17日與世長辭，享壽102歲，傳奇一生正式畫下句點。儘管巨擘殞落，然而其60載建築生涯也留下無數經典傑作，像是台中東海大學路思義教堂、法國羅浮宮玻璃金字塔、美國華盛頓國家博物館東館（(East Building of the National Gallery of Art)）、日本美秀美術館到蘇州博物館，作品足跡遍布全球的貝聿銘，其所寫下的建築詩篇，將永世讓人緬懷追憶。

「幾何學魔術師」轉捩點 美國國家大氣研究中心

貝聿銘早期建築風格受到以鋼和玻璃結構聞名的德國建築大師密斯凡德羅（Ludwig Mies van der Rohe）影響，然而他不像密斯以玻璃為主要建材，而是採用混凝土，並極為注重光影。談及其建築生涯的轉捩點，則要屬他為美國科羅拉多州博爾德市設計，由雕刻式幾何學構成的國家大氣研究中心(National Center for Atmospheric Research)。由於研究中心位處洛磯山脈，若刻意蓋一座摩登建築不免顯得滑稽詭異，為此他深入巖穴生活的印地安人遺址，發現以山岩砌築的塔形建物，在群山中不僅不顯渺小之感，更有融合一體的感受，因此激發了他打造國家大氣研究中心設計靈感。

法國羅浮宮玻璃金字塔

若談起貝聿銘建築創作的關鍵字，三角幾何絕對名列前茅，舉凡巴黎羅浮宮那明亮剔透的玻璃金字塔，或者依循三角形結構組合而成的香港中銀大廈，在貝聿銘眼中充滿動感態像的「三角形」，成了他最標誌的建築語言。

在1989年落成的法國巴黎羅浮宮玻璃金字塔（Musee du Louvre，Louvre pyramid）則可被視為貝式建築完美體現，透明的玻璃幕牆以及下方倒金字三角的中庭手法，為建築物贏得優良採光，同時讓光線在空間中穿梭，塑造詩意空間。走一趟羅浮宮，這些散落的三角通透金字體，居中心位置的大金字塔高21公尺，一旁則有三個5公尺的小金字塔相伴，再加上7個三角形水池，平面與立體造型交錯，營造出和諧又具韻律流動的美感，當陽光直射所反射而出的光芒，以理性與感性兼具姿態示人，抹去了現代主義建築給人一貫的單調和冷漠感。

「我愛光，就是喜愛光明﹐光使我充滿活力」

縱使今日羅浮宮已與這些玻璃金字塔畫上等話，然而一開始此項設計卻不得巴黎人的心，質疑「前衛」設計破壞羅浮宮古典之美，好在最終落成後解了巴黎人的疑慮，重新贏回評價。玻璃金字塔以全透明玻璃及鐵材建成，主要用作入口和前廳天窗，塔內有一個完全反轉的金字塔，將日光反射至地下，讓原先昏暗的地下室空間有了生機。

華盛頓國家美術館東館

位於美國華盛頓的國家美術館東館(East Building of the National Gallery of Art)，在1978年正式落成，貝聿銘在當時即採用三角形設計，而其廣場一系列高度從11.3英尺到6.3英尺不等的五座不對稱玻璃金字塔，也讓向來被視為白色方盒子的莊嚴美術館，增添一絲趣味，造型新穎獨特的三角狀建築，醒目卻又能完美融入周邊環境，被視為美國1970年代最成功的建築之一，當然，有好的迴響自然也有反面聲浪，有不少藝術家抱怨，走訪美術館的民眾最終目的不是看創作，而是要來體驗大師所構築的藝術殿堂空間，似乎有些本末倒置。

台中路思義教堂 雙手合一歷久彌新

除了羅浮宮玻璃金字塔外，台灣人最為熟悉的貝聿銘建築大作，則要屬台中東海大學路思義教堂。1953年時他受美國紐約中國基督教大學聯合董事會邀請，來台勘察東海大學校地及校園規劃，開啟了他與東方建築的關係。

於1963年落成的路思義教堂，由貝聿銘與建築師陳其寬共同參與設計，是他在亞洲首個建築大作。他以現代主義風格作為主要的設計概念，取東方「雙手合十」之祈禱意像來詮釋西方宗教建築，掌部略張開所形成的三角形，運用當時流行的雙曲面薄殼結構，來表現教堂外觀。為了增加室內採光，教堂四片曲面完全分離，以類似倒置船底的概念來規劃；屋脊的部分則是採分開設計，抬頭望向屋頂時，光線從天窗透下，具有「一線天」意涵。

東海大學路思義教堂是貝聿銘在台唯一親自設計之作，其餘八里焚化廠、新竹市焚化廠與淡水天境360，皆為其建築事務所團隊所設計。

蘇州博物館

無論走了多遠，究會回到故鄉，如果這句話適用於中國的現代建築上，那麼也就能解釋建築大師貝聿銘在家鄉最後之作，獻給最鍾愛、那暱稱為「小女兒」的蘇州博物館。置於院落之間，屬於東方思維的慢空間正在建築裡蘊釀。結合蘇州建築風格的蘇州博物館，由貝聿銘設計的新館「中而新、蘇而新」，打造出非常蘇州且國際式的建築風貌，將蘇州的獨特性與唯一性做了完美註解。

「不高、不大、不突出」，抹去現代建築的霸氣，貝聿銘以幾何結構、硬朗而明快的線條，沖淡了蘇州的婉約，借用白牆灰邊的經典印象、石與水、竹林等意境堆疊、移步自然的庭園之景，打造出與周遭環境一起呼吸，簡單雋永的美境。另外，在外圍沙地上所放置的諸多三角形岩石，則像極了金字塔的自然形態版。它們既可以被看作是對「假山」的重新演繹，也可以解釋為「真山」的象徵，它們和館中種植的酷似盆景的真樹一樣，表演了一幕亦真亦幻、融現代主義設計和傳統繪畫意境為一體的精彩戲劇。

日本滋賀MIHO美秀美術館

「我深深相信，光線正是一座建築成功與否的關鍵。」就像是詩人陶淵明筆下所形容的桃花源，位於日本滋賀縣甲賀市的美秀美術館（MIHO Musuem），是貝聿銘晚年的代表作，80%建築部分都埋藏在地下，而地面上的建物外貌與周邊保護區自然景色融為一體，使整個建築呈現出壯闊山脈般的氣勢。

他運用精緻洗鍊的幾何造型、借景造園，將博物館打造成了一座名副其實的「地上桃花源」。穿過呈美麗弧線的枝櫻隧道後，美術館入口同樣由許多大小不同的正方形和三角形交替構成，隨後踏入館內，即被三角菱形玻璃窗頂灑落的光線與米白色石灰岩牆壁所包圍，詩情畫意氛圍的確讓人有置身仙境般的感受。

回顧大師建築生涯，締造多幢經典公共文化建築外，更在1983年獲頒建築界最高榮譽普立茲克獎（Pritzker Architecture Prize），是20世紀最偉大的建築師之一。他在1960年成立貝聿銘夥伴建築事務所（I.M. Pei ＆ Associates），1965年更名為貝聿銘合夥建築事務所（I.M. Pei ＆ Partners），2008完工的卡達伊斯蘭藝術博物館（Museum of Islamic Art）是其封山之作。

 

「沒有人能永遠風光﹐但建築是悠久的。 任何名份都會隨時間流逝﹐真正留下來的只是好建築的本。」貝聿銘。

via Wikipedia、蘇州美術館、美秀美術館、東海大學

4月13日大阪世博對外開放前一日，在主場館「EXPO Hall」舉行了開幕式。這座白金兩色的環形建築，外型簡約內斂卻存在感強烈，還因形似「天空破了一個大洞」的觀看角度在社群上造成話題。一手操刀這座主場館的，正是曾獲普立茲克建築獎的伊東豊雄。透過專訪，他分享了參與2025、1970年兩屆大阪世博的故事，以及對AI、木構、永續議題的看法，引人思索什麼才是能開拓未來、且有必要建蓋的建築？

「EXPO Hall」的設計發想可回溯至2021年。當時大阪世博會主場館公開招標，而彼時的伊東豊雄正思索著「賦予人們生命能量的建築」此一命題，對於本屆世博會的主題「設計一個讓生命閃耀的未來社會」頗有共鳴，因此決定參與競圖，最終順利獲選。

在「仙台媒體中心」、「台中國家歌劇院」等伊東豊雄的代表性建築中，常見先進的建築結構、簡潔有力的曲線設計，但「EXPO Hall」卻和至今的作品又呈現出不同的觀感。「EXPO Hall」的別名為「SHINE HAT」，圓錐體的建築造型單純，最上方覆蓋了一座金色屋頂，在陽光的照射下，金屬材質發出耀眼光芒，散發一種神祕又莊嚴的氛圍。場館的白色立面則採用了顆粒粗糙的噴塗材料，和屋頂的光滑質感形成鮮明對比。

靈感取自1970大阪世博的「太陽之塔」

金色屋頂的造型意象取自於衛星碟型天線，象徵大阪世博接收、傳送世界各國情報之意。此外，也呼應了1970大阪世博地標「太陽之塔」最上方的「黃金之臉」。對此一發想，伊東豊雄說明：「1970年的大阪世博開幕時，我無法理解為何太陽之塔如此受到人們的喜愛。但如今回想，或許是因為即便對現代建築毫無興趣，人們也會被太陽之塔自身的強大能量所深深吸引吧。」也因此，在面對世博主題「設計一個讓生命閃耀的未來社會」時，他選擇將重點放在「生命」2字之上，不打造強調技術革新的建築或展示，而是希望設計出一座能夠觸動人心深處的建築。

伊東豊雄補充，此次的世博依舊以AI和光雕投影的展示占大多數，但他認為那些體驗會在轉瞬間消失。這也是為什麼他想透過「EXPO Hall」的設計，向世人展示實體建築所保有的強大能量和魅力。「在過往的百餘年間，日本人一味地追求技術的進步至今。但我認為在內心深處，人們其實渴求著一種更為強大的『生命』力量吧。」他說。至於有關AI與建築的關係，伊東豊雄也認為雖然AI可以拓展建築設計的可能性，但AI絕對無法取代人類豐富的感性，他更提及：「如果AI能夠設計建築，那將意味著我也可以被AI所取代。」

以布料作為內裝的純白劇場

「EXPO Hall」整體占地約8,200平方公尺，內部挑高15公尺，館內設有近1,900個觀眾席及直徑18公尺的圓形主舞台。在大阪世博期間，除了開閉幕式之外，包含能樂、歌舞伎、和太鼓等日本傳統技藝，以及世界各國的活動、現場音樂演出，將在此上演近100場的表演。

從牆壁、地面到座椅，內裝整體採純白色調。壁面並非塗裝設計，而是鋪上了一塊塊白色的布料，替內部空間帶來柔和的印象。伊東豊雄提到，最初其實希望覆蓋上和「太陽之塔」內部一樣的深紅色布料，以象徵人類的血液與生命脈動。但因為光雕投影的需求，使得紅布的規劃受到質疑，才不得不將空間變更為白色調。但他也說：「即使是白色，我們不只是單純地掛上白布，而是追求一個富有厚實感、層次感，並刺激感官的空間，我認為最終實現了這個目標。」

值得一提的是，內部空間中唯有天花板染上了閃耀的金色。同樣為了符合光雕投影的需求，內部天花板的金色並非來自金屬，而是採用了紙張，藉此克服金屬反射光線的問題，讓空間整體都能完美呈現出光雕投影的效果。伊東豊雄也補充，純白色調的劇場十分罕見，「EXPO Hall」將如何發揮其作為展演館場的機能，在接下來的6個月內值得持續驗證。

回首1967蒙特婁世博與1970大阪世博

其實伊東豊雄和世博會頗有淵源，身為觀眾，他說自己對於1967年蒙特婁世博的「美國館」（現今的「蒙特婁生物圈」）留下深刻印象。在建築師巴克敏斯特．富勒（Buckminster Fuller）設計的球體建築中搭建著小型鐵道，「小火車直接駛入球體內部的入場體驗，讓人不禁聯想起未來都市的模樣。還有上方的百葉窗也可以透過電腦控制開合，當時覺得非常地先進。」他說。

身為建築師，早在1970年大阪第一次舉行世界博覽會時，剛從大學畢業的伊東豊雄任職於菊竹清訓建築設計事務所，就加入了由日本建築巨匠丹下健三所率領的世博整體規劃團隊，也參與由菊竹清訓操刀的「EXPO TOWER」設計，接受「代謝派」思潮薰陶，在第一線建築師身旁一同摸索未來都市的樣貌。但在「EXPO TOWER」設計案的過程中，由於建設費用高漲，迫使團隊中途不得不大幅更動設計，對此感到灰心的伊東豊雄便中途離開了此一計畫案，亦辭去建築師事務所的工作，甚至沒有踏入當年的世博園區一步。

什麼才是能開拓未來、有必要建蓋的建築？

時隔25年思考世博會的建築，對於本屆由藤本壯介設計、世界上最大的木造建築「大屋根」受到的矚目，伊東豊雄提到，確實國內外正對大型木造建築重新產生關注。而木構也是伊東豊雄經常運用的建築媒材之一，舉凡「新加坡南洋理工大學」、「水戶市民會館」，或311東日本大地震的重建計畫「大眾之家」等等。他說，在處理大型木造建築計畫時，會特別留心不要讓木材暴露在外部環境中，以保護整體結構，延續建築生命。但對於大型木造建築能否成為未來都市的主流，他則抱持著否定態度。他也提醒，在審視未來都市的建築時，「比起媒材，思考哪一種建築可以開拓未來、具有更大的可能性，這才是更重要的問題。」

而面對建築界已成顯學的永續發展議題，伊東豊雄認為，從根本上而言，任何建築行為都無法完全避免資源消耗，也因此，不要無謂地建造建築才是重點。他也敲響警鐘說道：「在開口談論永續性之前，應該先思考是否真正有必要蓋建築。當今的都市再開發儼然已淪為資本工具，這才是最大的問題。」

伊東豊雄
1941年出生於首爾。東京大學工學部建築學科畢業，曾任職於菊竹清訓建築設計事務所，1971年獨立創立URBOT，1979年更名為「伊東豊雄建築設計事務所」。曾獲威尼斯雙年展金獅獎、皇家英國建築師學院建築師金牌獎、日本建築學會賞大賞等。2013年獲得普立茲克建築獎。其在台灣的建築作品包括：台中國家歌劇院、台北文創大樓、高雄世運主場館、台灣大學社會科學院等。

_{企劃｜張以潔　文｜廖怡鈞
攝影｜蔡耀徴、ITO Toru、Kai Nakamura、FUJITSUKA Mitsumasa
圖片提供｜伊東豊雄建築設計事務所}

繼2020杜拜世博「日本館」後，建築師永山祐子再度接下挑戰，在2025大阪世博中擔綱了「Women's Pavilion」及「Panasonic Group Pavilion」兩座展館的設計。前者由日本內閣府、經濟產業省、世博會與卡地亞攜手打造，聚焦於女性活躍與性別平等議題；後者以α世代為對象，期許孩子們在這個展館內可以自由地解放想像力。身為育有2子的母親，永山祐子說：「這兩個展館和我自身息息相關，我很幸運能夠親身參與其設計。」

「Women's Pavilion」緊鄰由佐藤大策劃的「日本館」，以白色鐵架構成幾何圖形的立面，靈感源自於日本的「組子（Kumiko）」，指的是不使用釘子，僅靠榫接、裁切拼接出幾何圖樣的傳統木工技術。展館腹地狹長，和日本的町屋有異曲同工之妙，隨處可見的綠意則是來自於大阪近郊的山林，為建築空間帶來輕巧印象。

克服搬運、組裝重重難題　在大阪重生的展館

「Women's Pavilion」最大的亮點在於延續了杜拜世博會「日本館」的設計概念，更重複利用了當時使用的立面建材。這是世博史上罕見「沿用舊材」的案例，永山祐子坦承吃了不少閉門羹。「日本的法規基本上不允許鐵架結構材料的重複利用。儘管在杜拜世博『日本館』的建設過程中就有了重複利用的想法，但當時無法預知能否實現，也曾被說過『這絕對不可能』。」

在建設公司「大林組」、「山九」的協助下，順利克服了在杜拜拆解、運送回國及保管等棘手問題，但在大阪世博會場重組的過程中，依舊面臨重重困難。永山祐子說，杜拜世博「日本館」的零件規格極為細緻，總數超過一萬個，加上和杜拜的梯形腹地不同，大阪世博的「Women's Pavilion」呈現狹長狀，要如何要將這些構件重新拼裝，並契合不同形狀的場地，遠比原先想像的還要繁複。她解釋，「奧雅納工程顧問公司（ARUP）特別開發了一套軟體，將既有構件逐一重組後，再重建建築整體的結構。每組裝一次，都會再進行結構分析以確認安全性。整個重組作業歷時長達3個月。」

以建築共譜女性賦權議題

除了建築構造的難關，杜拜世博「日本館」的立面能在大阪世博重生，也得慶幸於一場機緣。珠寶品牌卡地亞在杜拜世博第一次以「Women's Pavilion」參展，永山祐子說，在和歷峰集團（卡地亞母公司）日本總裁兼首席執行長宮地純的一場談話中，宮地純提及了希望延續「Women's Pavilion」的理念，而不只是作為一次性的臨時建築。這和永山祐子再利用展館的想法一拍即合，最終，既促成了大阪世博「Women's Pavilion」的誕生，也象徵了建築與「女性賦權」理念的傳承。她也提到，在參與設計的過程中，更深刻體認到自己也應在未來持續關注、投入於性別平等議題之中。

「Women's Pavilion」的建築空間設計也配合了英國藝術家Es Devlin所策劃的展覽內容。永山祐子透過充滿綠意的動線設計，讓參訪觀眾在進入展館前，能夠打開五感享受展示內容。她也提到，名為「MA（中場休息）」的展區透過天窗與2樓的花園相連，接收自然光線的照射，使展覽與建築之間實現完美融合。

從潦草塗鴉中誕生出的兒童夢幻國度

而永山祐子操刀的另一個展館「Panasonic Group Pavilion」，則是以「ノモの国（The Land of NOMO）」為主題，「ノモ（NOMO）」反轉了日文「もの（MONO，事物)」一詞，象徵「眼中所見的世界，來自內心的投射」之意，向肩負未來的孩子們傳遞「Unlock（解放潛能）」理念。Panasonic社內負責推動世博業務的小川理子顧問年幼時曾造訪1970年大阪世博會，也因為當時難忘的經驗，讓她決意未來要成為一名科學家。這成為「Panasonic Group Pavilion」展館以兒童為主題的契機，而對此一理念深感認同的永山祐子參與了競圖，最終獲選為建築的設計者。

「Panasonic Group Pavilion」的建築外觀彷彿一團肥皂泡泡，拱形立面由1,400個狀似蝴蝶的立體彎曲鋼管所組合而成。部分蝴蝶構件內則懸掛上經過濺鍍處理的蝶翼紗，在世博會場夢洲的海風吹拂下讓建築體充滿動感，隨著天色、光影變化，時刻展現不同面貌。此外，建築外牆採用不銹鋼鏡面材質，立面倒映其中時，會產生水面波光粼粼的錯覺，使展館的表情顯得更為柔和。永山祐子也強調鏡面材質還有另一個效果，「能夠讓立面在空間中產生擴張與放大的感覺。」

永山祐子提到，設計過程中團隊特別留意，如何在結構上分散海風帶來的阻力，不僅在薄紗的懸掛方式上加入巧思，實際上也進行了耐風的測試。根據數據結果，再進一步分析各部位鋼管所需的直徑，並確認承受風載重時的變形狀況。此外，團隊也從多個角度反覆檢討，像是作為結構體時鋼管的直徑大小、連接節點應該如何設計才恰當等細節問題。

永山祐子說，最初她在深夜裡想著「若是要送給孩子們的禮物的話，或許是這種感覺吧⋯⋯」邊畫下了彷彿孩子塗鴉般的草圖。為了讓紙上的塗鴉成為真正的建築，經歷了無數次失敗，但幸運的是，「Panasonic Group Pavilion」的最終面貌與最初的草圖十分相近。「在業界裡，建築能夠忠實呈現初稿的樣貌，是非常罕見的事。一群大人們聚集起來，為了實現我這張潦草的塗鴉而全心全意地投入各種難題，這正是這個建築誕生的故事。」

活用自然元素　在有限的資源裡創造循環

正如大阪世博的兩座展館所示，永山祐子經手的建築經常融合自然元素，如「東急歌舞伎町塔」、「JINS PARK前橋」或「豊島横尾館」等作品中，均可見其在空間中巧妙帶入流水、植栽與自然光等細膩之處。永山祐子說：「若覺得水面的反射很美，我就會開始思考如何用建築再現。當然不可能用水蓋一座建築，但或許可將其替換成玻璃。雖然玻璃是固體，但藉由再現的過程，往往可以探索出建築的新呈現方式。」

代表作之一「東急歌舞伎町塔」的設計靈感來自於腹地前身的沼澤地形，加上為了傳遞當地戰後復興的歷史背景，她選擇將建築形塑為向上噴水的形狀。永山祐子補充，「東急歌舞伎町塔」是少數沒有企業辦公室進駐的高層複合設施，「也因此，比起陽剛的設計，我選擇了較為搖擺、柔和的呈現。」

這也是永山祐子團隊經手的第一座摩天大樓設計。她提到，大規模案件中有時就算取得了建築團隊的理解，但大樓的營運團隊也會有其立場，如何讓所有人抱持相同的共識，是她特別重視的部分。這和她作為女性建築師的經驗或許也有所相關聯，她提到，日本的建築業界及施工現場仍以男性占多數，年輕時的她確實時常受到施壓。她也在經驗中學到如何保持冷靜，並在不傷害對方尊嚴的前提下持續說服、溝通。

設計持續受到人們喜愛的建築

「永續」、「再利用」亦是永山祐子作品中不可或缺的關鍵字，她坦承，這幾年越來越常被問到：「何謂永續的建築？」面對建築與永續性之間的二元對立，永山祐子給的答案簡單，卻十分明瞭。「使用疏伐木、建材的再利用、建立高功效的循環系統等，確實有許多可以著手的方式。但最重要的是，得設計出持續受到人們喜愛的建築。受人喜愛的建築指的是在合適的場所、能夠對應將來的變動性、想留給下一個世代的建築。每每設計永久性建築時，我都會特別著力於此。」

而面對為期僅有短短半年的世博會，建築師又該以什麼樣的立場看待，並參與其中呢？永山祐子說，世博會是理想與現實交會的場域。她以自身作品為例，之所以能夠延續杜拜世博「日本館」的立面建材，正是因為展館屬於臨時性建築之故。她說明，因為只有短短半年，才能夠挑戰既有法規中難以實踐的事。作為建築師，若能以實驗的心態嘗試一些嶄新的、尚未普及的理念或技術，將其轉化為對社會的正面訊息，總有一天或許就能夠真正實現。她說，「建築能夠跨越時空與場所的限制移動，依據所處的位置而催生變化。思考下一步會在哪裡？又能延續到什麼程度？希望我們所邁向的未來裡，『在有限的資源裡推動循環』這件事能夠變得更理所當然。」

永山祐子
1975年出生於東京。昭和女子大學生活美學科畢業。師承青木淳，2002年獨立創立「永山祐子建築設計」。自2020年起擔任武藏野美術大學客座教授。代表建築作品包括「豐島橫尾館」、「東急歌舞伎町塔」、「LOUIS VUITTON大丸京都店」等。

_{企劃｜張以潔　文｜廖怡鈞
攝影、圖片提供｜各單位}