專訪／台灣插畫家包大山的生存之道！以輕鬆療癒的插畫托起世界之重

「包大山」是插畫家陳奕陵的筆名，結合了她在學生時期的綽號「包子Baozi」，和本名「奕陵」的山陵元素所組成，簡單豪邁又好記的三個字，和臉上掛著兩個深深酒窩、渾身散發濃厚文藝氣息的漂亮本尊根本對不起來。從取筆名這件事，不難看出包大山性格中，勇於打破框架、不給自己設限的那一面。

從未接受過正規美術訓練的包大山，考大學時東拼西湊了平時的日記塗鴉和社團文宣設計作為「美術作品集」，申請上了台藝大圖文傳播系，之後憑著自學，加上聰明的行銷頭腦，漸漸把興趣變成了事業。2009年，包大山主動出擊，寄信向文具公司毛遂自薦設計卡片插圖，她最受到歡迎的系列插畫作品《熊超人》順勢溫柔登場，就此踏上專業插畫家的發展之路。

包大山筆下的《熊超人》，鼻子大大、眼睛小小、長手長腳、一臉憨厚認真，可愛又有力的發散著包大山賦予它的爽朗與堅定，當年悄悄出現在文具店時，很快就成了療癒系代表，佔領許多人書包的一隅。

十年來，包大山帶著熊超人，從卡片、系列文具一路躍上各種書籍雜誌、展覽與裝置舞台，2018年更鑽進小巨蛋，出現在萬芳《時間仍繼續在走》演唱會的舞台視覺。

負笈英國  義無反顧舉步向前

「世界上居然有一個工作，是將文字轉換為圖像，並且出現在大家日常的生活中。」包大山回憶當年剛進大學，得知有「插畫家」這個工作時，那種難以言喻的興奮和迫不及待，讓她至今難以忘懷，「我到現在都還是覺得，真的很想做這件事。」

趁著那些年市場掀起的插畫熱潮，她將《熊超人》系列經營的風風火火，一邊接案維生、一邊想著畢業後可以進出版社工作、畫繪本。然而畢業後的她，工作接踵而來，不知不覺就以自由插畫藝術家的身份存活下來，繪本計畫也暫時被擱置，不過畫繪本的念頭始終在她腦中盤旋不去。

從學校開始出道，出社會之後也一直有機會上門，包大山的職業生涯發展可以說是順遂的，但2014年她還是毅然決定放下一切，前往英國攻讀插畫系碩士，這也意味著她將面臨花光積蓄、同時一整年幾乎沒有收入的壓力。但對當年25歲的包大山而言，這些顧慮都遠不及內心「想要試試看」的渴望，包大山再一次打破了自己的框架。也因為這次出走，她終於有時間放空、沉澱，實現了擱置許久的繪本夢想。

一個拚命奔跑的女孩

我常覺得像我這樣在幸福家庭中長大無憂無慮的人，也許對很多事的理解都太淺，想法上也會有許多欠缺，所以一直都不太敢畫或發表自己的創作。」自嘲想很多的她，回顧早年心理的狀態，雖然積極的經營插畫事業，卻總是在阻止自己創作。直到出國後開始接觸大量繪本，才發現多數的故事都是簡單卻動人，才漸漸卸下心防，「我應該要珍惜不用把事情想那麼複雜的狀態。」她體會到，插畫家並不是記者，無需把事情複雜化，「我應該是幫助大家抽離現實、提供能量的人，怎麼可以自己跟著進去呢？」轉念後的她，用一年的時間掏出心肺，交出了第一本繪本《Run》。

《Run》是敘述一個小女孩一輩子忙碌奔跑的故事，「她一直都在拼命的跑，但有很多時候，她其實不知道自己要去哪裡」；這也是包大山第一次透過作品反映自己內心的創作，她用一貫溫暖的手寫文字和插畫，記錄下那個時期、那個階段對人生的體會與感受，「這是一個很貪心但卻又很誠實的作品。這個作品就是我。」在某次媒體訪談中，包大山為《Run》這本繪本下了如此的註腳。

保持創作彈性  一人公司分飾多角

「我是極度務實的人，會評估不同的酬勞適合花多少時間去做。」包大山笑說，從高中塗塗寫寫開始，就非常嚮往有一天，自己的作品能被運用到各種事物上；大學時期真正接觸到「插畫家」這份工作後，她開始熱衷參與校內大小展覽，自己印製週邊商品不說，還到便利商店門口擺攤賣聖誕卡，甚至大膽地開放商品預購，到最後主動寄信給文具公司，表達合作意願。

在創作以外，包大山盡量維持著簡單純粹。儘管如今的《熊超人》已不同往日而語，但依舊保持著她和文具公司最出的合作關係，只為了守護當年因為「想跟別人傳達想法」而開始創作插圖的初衷。

「我一直都在存故事。」包大山坦言自己花很多時間思考，一天之中，畫畫跟思考的時間甚至各佔一半，換句話說，她從未停止記錄、醞釀下一本繪本的腳步。包大山認為，相較於平常的插畫接案工作著重於思考觀眾與市場喜好，繪本創作讓她能更完整的保留腦中的想法與自我。

對多數創作者最執著、在乎的藝術體現形式，包大山也有不同的觀點，從傳播與行銷的角度來看，她認為在這資訊爆炸的時代，圖像的訊息傳遞不僅直接，而且十分關鍵，「我會思考一張圖出現時，別人會花多少時間看。當觀眾看過去時決定停下來多看一眼，這張圖就值得了。」包大山笑說，如果還能讓人願意分享給朋友，那就太棒了！而這些決定性的瞬間，與對行銷、包裝的重視，都是她筆下各個插畫角色能深入人心的重要關鍵。

包大山還有不為人知的古靈精怪的一面，「我把自己當成一間公司，一人分飾不同員工。」每接下新的案子，她都會思考適合哪個「員工」來做，「我會去跟『這個人』溝通一下，再把工作交給他處理。」她邊說邊對著空氣指指點點，模擬交付工作給員工的模樣，一邊得意的笑出聲來。這看似孩子氣的多重人格遊戲，也是讓一人工作室的她得以成功處理不同類型案子、客戶，還能兼顧創作的秘訣。

擁有一顆結合商業、行銷概念，還兼具藝術天賦的腦袋，包大山認為自己最大的優點，就是風格很多元。她將品牌想成朋友，揣摩對方說的話、做的事，適度調整內容深淺、變換多元畫風，從善如流的彈性讓她打開了插畫的發展可能。從單一商品到品牌視覺、大型裝置、演唱會，今年也即將迎來歌劇院與電影節的跨領域合作。究竟『插畫』能帶著包大山走多遠？連她自己都很期待。

文／Stella Tsai

※本文由臺北文創天空創意節授權刊載，未經同意禁止轉載。

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23