「包大山」是插畫家陳奕陵的筆名，結合了她在學生時期的綽號「包子Baozi」，和本名「奕陵」的山陵元素所組成，簡單豪邁又好記的三個字，和臉上掛著兩個深深酒窩、渾身散發濃厚文藝氣息的漂亮本尊根本對不起來。從取筆名這件事，不難看出包大山性格中，勇於打破框架、不給自己設限的那一面。

從未接受過正規美術訓練的包大山，考大學時東拼西湊了平時的日記塗鴉和社團文宣設計作為「美術作品集」，申請上了台藝大圖文傳播系，之後憑著自學，加上聰明的行銷頭腦，漸漸把興趣變成了事業。2009年，包大山主動出擊，寄信向文具公司毛遂自薦設計卡片插圖，她最受到歡迎的系列插畫作品《熊超人》順勢溫柔登場，就此踏上專業插畫家的發展之路。

包大山筆下的《熊超人》，鼻子大大、眼睛小小、長手長腳、一臉憨厚認真，可愛又有力的發散著包大山賦予它的爽朗與堅定，當年悄悄出現在文具店時，很快就成了療癒系代表，佔領許多人書包的一隅。

十年來，包大山帶著熊超人，從卡片、系列文具一路躍上各種書籍雜誌、展覽與裝置舞台，2018年更鑽進小巨蛋，出現在萬芳《時間仍繼續在走》演唱會的舞台視覺。

負笈英國  義無反顧舉步向前

「世界上居然有一個工作，是將文字轉換為圖像，並且出現在大家日常的生活中。」包大山回憶當年剛進大學，得知有「插畫家」這個工作時，那種難以言喻的興奮和迫不及待，讓她至今難以忘懷，「我到現在都還是覺得，真的很想做這件事。」

趁著那些年市場掀起的插畫熱潮，她將《熊超人》系列經營的風風火火，一邊接案維生、一邊想著畢業後可以進出版社工作、畫繪本。然而畢業後的她，工作接踵而來，不知不覺就以自由插畫藝術家的身份存活下來，繪本計畫也暫時被擱置，不過畫繪本的念頭始終在她腦中盤旋不去。

從學校開始出道，出社會之後也一直有機會上門，包大山的職業生涯發展可以說是順遂的，但2014年她還是毅然決定放下一切，前往英國攻讀插畫系碩士，這也意味著她將面臨花光積蓄、同時一整年幾乎沒有收入的壓力。但對當年25歲的包大山而言，這些顧慮都遠不及內心「想要試試看」的渴望，包大山再一次打破了自己的框架。也因為這次出走，她終於有時間放空、沉澱，實現了擱置許久的繪本夢想。

一個拚命奔跑的女孩

我常覺得像我這樣在幸福家庭中長大無憂無慮的人，也許對很多事的理解都太淺，想法上也會有許多欠缺，所以一直都不太敢畫或發表自己的創作。」自嘲想很多的她，回顧早年心理的狀態，雖然積極的經營插畫事業，卻總是在阻止自己創作。直到出國後開始接觸大量繪本，才發現多數的故事都是簡單卻動人，才漸漸卸下心防，「我應該要珍惜不用把事情想那麼複雜的狀態。」她體會到，插畫家並不是記者，無需把事情複雜化，「我應該是幫助大家抽離現實、提供能量的人，怎麼可以自己跟著進去呢？」轉念後的她，用一年的時間掏出心肺，交出了第一本繪本《Run》。

《Run》是敘述一個小女孩一輩子忙碌奔跑的故事，「她一直都在拼命的跑，但有很多時候，她其實不知道自己要去哪裡」；這也是包大山第一次透過作品反映自己內心的創作，她用一貫溫暖的手寫文字和插畫，記錄下那個時期、那個階段對人生的體會與感受，「這是一個很貪心但卻又很誠實的作品。這個作品就是我。」在某次媒體訪談中，包大山為《Run》這本繪本下了如此的註腳。

保持創作彈性  一人公司分飾多角

「我是極度務實的人，會評估不同的酬勞適合花多少時間去做。」包大山笑說，從高中塗塗寫寫開始，就非常嚮往有一天，自己的作品能被運用到各種事物上；大學時期真正接觸到「插畫家」這份工作後，她開始熱衷參與校內大小展覽，自己印製週邊商品不說，還到便利商店門口擺攤賣聖誕卡，甚至大膽地開放商品預購，到最後主動寄信給文具公司，表達合作意願。

在創作以外，包大山盡量維持著簡單純粹。儘管如今的《熊超人》已不同往日而語，但依舊保持著她和文具公司最出的合作關係，只為了守護當年因為「想跟別人傳達想法」而開始創作插圖的初衷。

「我一直都在存故事。」包大山坦言自己花很多時間思考，一天之中，畫畫跟思考的時間甚至各佔一半，換句話說，她從未停止記錄、醞釀下一本繪本的腳步。包大山認為，相較於平常的插畫接案工作著重於思考觀眾與市場喜好，繪本創作讓她能更完整的保留腦中的想法與自我。

對多數創作者最執著、在乎的藝術體現形式，包大山也有不同的觀點，從傳播與行銷的角度來看，她認為在這資訊爆炸的時代，圖像的訊息傳遞不僅直接，而且十分關鍵，「我會思考一張圖出現時，別人會花多少時間看。當觀眾看過去時決定停下來多看一眼，這張圖就值得了。」包大山笑說，如果還能讓人願意分享給朋友，那就太棒了！而這些決定性的瞬間，與對行銷、包裝的重視，都是她筆下各個插畫角色能深入人心的重要關鍵。

包大山還有不為人知的古靈精怪的一面，「我把自己當成一間公司，一人分飾不同員工。」每接下新的案子，她都會思考適合哪個「員工」來做，「我會去跟『這個人』溝通一下，再把工作交給他處理。」她邊說邊對著空氣指指點點，模擬交付工作給員工的模樣，一邊得意的笑出聲來。這看似孩子氣的多重人格遊戲，也是讓一人工作室的她得以成功處理不同類型案子、客戶，還能兼顧創作的秘訣。

擁有一顆結合商業、行銷概念，還兼具藝術天賦的腦袋，包大山認為自己最大的優點，就是風格很多元。她將品牌想成朋友，揣摩對方說的話、做的事，適度調整內容深淺、變換多元畫風，從善如流的彈性讓她打開了插畫的發展可能。從單一商品到品牌視覺、大型裝置、演唱會，今年也即將迎來歌劇院與電影節的跨領域合作。究竟『插畫』能帶著包大山走多遠？連她自己都很期待。

文／Stella Tsai

※本文由臺北文創天空創意節授權刊載，未經同意禁止轉載。

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

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想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group