夢幻的極光美景、野性的非洲動物、與鯨魚一同航行、原始生態的島嶼……，台灣攝影師馬賽kyo的照片都讓感覺到一股衝動，勾起你的內心想要去旅行的衝動，親身去追逐那片美景。

為何馬賽kyo的照片會有這樣的魅力？透過深度訪問，理解攝影大師馬賽Kyo的攝影思維。

Q：我要有高級的器材才能拍出好照片嗎？

A：當大家看到一張照片的時候，第一直覺應該會注意到畫面帶來的感覺，是悲傷的？快樂的？衝擊性的？或是唯美的，若是這張照片描述的故事能感動人心，我想沒有人會在乎是不是用高級裝備拍攝的。在十年前國外攝影圈就有許多文章，在反思這件事。在現代拍照技術越來越進步，使用高階精密的器材拍照固然很酷，但照片本身傳達的內容才是最重要的。

過去幾年我參加了許多國際大型攝影比賽，深刻體悟到器材絕對不是決勝的關鍵，我使用傻瓜相機、甚至手機拍攝的照片，同樣也得到了國際評審們的認同，因為一張好照片應該取決於畫面構成以及畫面傳達的故事與情感。

Q：如果要成為一位攝影師有什麼條件？

A：每個人的屬性都不相同，從喜好、人生閱歷到看事情的角度都不一樣，每個人都能有不同風格的創作，攝影也是一樣。所以成為攝影師沒有什麼條件，重要的是拍攝者是否有足夠的熱情，足夠的熱情可以幫助每個人拍出屬於自己獨一無二的照片。

目前台灣的攝影界，其實很少是美術系、視傳或廣告系等專科背景出身的，大部分是其他學系跨轉過來當攝影師。與其設條件來限制什麼人適合當攝影師，不如思考為什麼想要學攝影？

如果是拍攝商業廣告，有時較為需要高解析、高畫數與細膩的細節處理技術；若是拍攝時事、紀錄照片，則較為需要觀察動態的敏銳度與行動力，畫質或器材就不是重要關鍵了。而現代數位媒體不斷更新，照片的載體更多是在數位平台上，更重視即時傳播與分享。於是攝影的界線會變得越加模糊，每個人都能用透過攝影來訴說自己的故事，來感動觀看的人。

Q：旅行攝影在拍什麼？（風景、生態、人文、回憶？我適合學旅行攝影嗎？）

A：曾經有人問過我，數位攝影和網路這麼發達，世界上幾乎每個地方、每塊角落都有照片，你為何還要親自前往？你拍或他拍到底有什麼不同嗎？但假使你親身去踏過沙漠、冰川、極地、火山或荒原，這些過程看到的每一段路、體驗過的每一場冒險都會是屬於你自己獨一無二的視角養份。

對我來說，攝影是推動我前進世界的各個角落的力量，攝影不單只是技術或美感藝術的表現，更是一種直接傳達、說故事的能力。

如果下一刻你就會坐上飛機，去日本捕捉櫻花初綻的那一刻、在阿拉斯加與極光共舞、到南極聽冰層滑落的巨響，而你若是沒有辦法紀錄那一刻的感動瞬間，不會覺得可惜嗎？有人用筆來記下自己的心情與故事，而我更想用相機紀錄我的旅行與生命過程。

Q：這次與LaVie合作的攝影課，想帶給學員什麼不一樣東西？

A：從前在學校時，其實我最害怕的就是攝影課，真的。當時老師在一開頭便會嚴格要求大家掌握各種器材使用的數據，需要反覆練習並計算數值，但這一開頭就充滿壓力的訓練卻讓我更加害怕與討厭著攝影……相比之下，我更喜歡可以自由發揮創意的平面設計課。直到後來，因為旅行拿起相機，才意外往攝影師的路走去。

於是對我來說，攝影不是在攝影棚裡不斷練習出來的，甚至一開始我根本不懂光圈、快門、測光值這類外星語，但事實告訴我們這並不會妨礙我完成一件好作品。因為照片的感染力不是在器材與技術，而是它傳達了什麼內容。

所以在第一堂課，我會將平面設計方法運用到攝影當中，運用適當的構圖、把握敘事的角度，讓畫面變得具有感染力。這樣的能力並不需要苦練十年功，就可以讓一般人快速掌握用畫面說故事的能力，建立起自信心、真正享受攝影。

學攝影最重要的就是不斷地實際拍攝， 動態的、夜拍的、黃昏的、自然的、人文的、街拍的、壯觀的、動人的、技術的、情緒的、故事的、創作的。專屬你的攝影旅途才正要啟航，跟著馬賽Kyo一起拍下屬於你的故事吧！

馬賽kyo

廣告人、插畫工作者、旅行攝影作家。全球唯一擁有英國倫敦國際獎(London International Awards)、紐約國際廣告獎(The New York Festivals)以及美國莫比斯國際廣告獎(The Mobius Advertising Awards)三大國際廣告獎廣告插畫類金獎的華人獲獎者。曾獲三百多項平面設計、廣告插畫與攝影跨領域獎項。持續挑戰自己，五年累積國際攝影大賽14金、21銀 、18銅 、163件榮譽獎豐盛收穫。

跟著大師學攝影課程 （已結束）

馬賽kyo的《往地球出發吧！成為旅行攝影大師的第一堂課》

講座時間：10/23(三) 19:00-22:00

講座地點：城邦4樓商周書房 (台北市民生東路二段141號4樓)

報名點此：https://www.accupass.com/event/1909161239391459486679

往地球出發吧！旅行攝影大師的進階課《場景應用》

講座時間：10/26(六) 14:00-17:00

講座地點：城邦4樓商周書房 (台北市民生東路二段141號4樓)

報名點此：https://www.accupass.com/event/1909161303171135140819

2025大阪世博於4月13日～10月13日登場，為期半年的展期，無疑是今年極具規模與吸睛度的國際盛事。而大家前往世博勢必會拍照留念，但在人潮眾多、天氣不可控等狀況下，該怎麼克服？面對各個場館，又要如何找到自己的獨特視角？這次攝影師蔡耀徴親自前往現場取材，不藏私分享拍攝經驗與技巧！

若問2025大阪世博是否「好拍」？答案為是，但也不完全是。以設計「大屋根」的藤本壯介為首，到獲普立茲克建築獎的伊東豊雄、坂茂、SANAA，再到隈研吾、平田晃久、Foster + Partners、Lina Ghotmeh等一線建築師，每一座場館映寫在相機裡都獨具特色。

但世博現場人潮眾多，天氣亦不可控，實則考驗拍攝者的現場應變與取景技巧。加上根據世博官方規定，會場不得攜帶大型行李（以600mm×400mm×900mm為限），且有輪子的行李箱、相機腳架皆被禁止。然而現場值得拍攝的畫面非常多，舉凡場館、表演、世博大景等等，白天與夜晚亦有不同景致，因此在能帶入的攝影器材有限的狀況下，設備的選擇就得非常精準。

世博拍攝的行前準備

此次蔡耀徴選擇以Sony α7R V作為主力機身，其具備雙卡槽、高畫素等特點，能給予專業攝影師穩定支援；加上AI對焦、防手震、四軸多角度翻轉螢幕等多元功能，亦讓取景更靈活。鏡頭則以3種不同焦段搭配使用：16-25mm的廣角鏡頭，可以同時容納展館和人潮，呈現世博各場館的氣勢與張力；中長焦選擇70-200mm，能壓縮景物作為畫面的前景或點綴；而針對現場的多變狀況，40mm的定焦鏡機動性高，且定焦鏡的特性能凸顯被攝主體，成為拍攝細節的好幫手。

拍攝展館前，先觀察建築特性

來到世博，每個人首先想拍攝的莫過於「場館」。蔡耀徴觀察，本屆世博許多場館色系都偏白、灰，甚至選用鏡面材質，這類顏色與材質的建築會反映天空色調，善加運用則能拍出不單調的場館照。例如「泰國館」就有一面偌大鏡面，彷彿建築與天空融合在一起，就算遇到陰雨，也能在不同的天空顏色映照下，形成晴天拍不出的氛圍。他也補充，這張照片拍攝於傍晚，快門非常慢，此時相機的防手震功能就很重要。

而在拍攝「韓國館」時，為呈現外牆上裸視3D的震撼效果，他選用16-25mm的廣角鏡頭，且蹲在地上拍攝，運用翻轉螢幕得以輕鬆取景。

在展館拍攝上，蔡耀徴也建議，「視線不要只放在單一場館，可以試著將周圍元素放入構圖。」同樣以「泰國館」為例，他在拍攝途中發現鏡面在某個角度下，可以反射出旁邊的「西班牙館」，因此有了這張「看似後製、其實是實拍」的兩館合影。

靜態展覽與動態表演的不同技巧

進到展館室內，展覽又是另一項拍攝重點。蔡耀徴此次在展場內多搭配40mm的定焦鏡，他解釋，介於廣角與中長焦之間的40mm焦距，很適合在有限的室內空間裡發揮，且不會容納太多不必要的資訊。「定焦鏡的特性還能使物件的邊緣更為銳利，使主體更容易地被聚焦、凸顯。」他說，拍攝「瑞士館」展覽時，裝置藝術的光線就在定焦鏡下粒子分明。

場館裡面可不只有展覽，在世博主場館「EXPO Hall」亦有表演可以預約欣賞，各國家館也會不時在戶外空間展演，成為走逛世博的驚喜。若想捕捉表演者的畫面與動作，蔡耀徴建議可以開啟相機的AI對焦功能。此次他就在「EXPO Hall」欣賞演出時，就在台上眾多舞者中，快速對焦到主角。

巧妙運用人潮與前景，創造氛圍大景

除了將眼光放在各個場館，來到這個5年一度的國際展會，勢必會想拍下屬於世博現場氛圍的照片。蔡耀徴說，世博現場免不了人群眾多，若想拍出熱鬧但又不雜亂的大景，建議在會場尋找制高點，並使用70-200mm的中長焦鏡頭容納整體視野。

蔡耀徴也強調，不需要一味地把人潮當作「需要避開」的劣勢，善加利用反而能為畫面加分。其中，讓人群變成「剪影」就是個好方法。例如他運用「電力館」的純白外觀，與黑色人群剪影形成對比，以廣角鏡頭呈現人潮走逛世博的有趣畫面。

而最能代表本屆世博的建築「大屋根」，除了單純拍攝其木構之美，蔡耀徴此次使用中長焦鏡頭壓縮景物，讓大屋根通透的木頭結構成為前景，造就獨特視角。

夜晚拍攝要注意什麼？

最後不可錯過的是夜晚，開放到晚上10點的世博，幾乎每個場館都有針對夜晚設計燈光，且戶外空間也固定會有水舞秀演出。蔡耀徴說，拍攝夜景時，機身的對焦需要精準，且拉高ISO後畫面品質也要維持水準；加上夜拍經常需要透過後製調整，因此相機的性能十分重要。善用器材加上現場觀察，就能讓世博迷人且多樣的夜晚姿態，以照片的形式定格留存。

_{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徴}

「Vero」是義大利語中的「真實」，攝影師Vero Chen以此為名，透過攝影重新對焦並思考自己與眼前世界的距離。Vero時常透過街頭物件創造獨特的「框景」和「濾鏡」，鏡子、窗框、欄杆扶手、小販的防塵塑膠膜……遇上按下快門的瞬間，定格一幅又一幅模糊攝影師與被攝者之間的曖昧畫面——注視的目光被中間物件稀釋，兩者存於一地，卻像是兩個世界。

從「若凡」到「Vero」，探索名字與符號的意義

台灣人多有數個「名字」：出生時家人取的，可能源自家族傳統、算命或父母對孩子的想像和期許；上學後有了朋友們取的綽號、老師取的英文名，或自己依喜好為自己取的小名。每個名字，各有意涵和象徵，悄悄影響我們看待自己與他人的方式。

台灣出身的Vero本名陳若凡，若凡二字乘載祖父的期許，深植於其文化與家庭的根脈之中；赴歐美求學之際，他想為自己取個新名，偶遇義大利文中代表真實的「Vero」一詞，被其中蘊含的真誠和力量深深吸引，便以此為名，作為新生活象徵性的起點。

Vero早年在電機與機械領域建立理性思維，卻在異地求學的過程中，因質疑體制與所學方向，轉而以攝影作為探索世界的方式。從台灣到加拿大，再到英國Kingston University攻讀攝影，Vero的旅程在技術與感性之間穿梭，逐步尋找屬於自己的影像語言。

以光影製造邊界，用街頭物件創造框景

在攝影集《Another Name》及同名個展中，Vero進行一場對名字的拆解、一次身份的置換實驗，亦是一段從「陳若凡」到「Vero Chen」的視覺轉譯。Vero流連於倫敦、羅馬、羅馬等歐洲城市，拿著底片相機拍建築、街景也拍人物，相較於工整構圖，他更常利用建築、街頭物件、光影製造「邊界」，創造近乎破碎的畫面。

畫面殘缺的輪廓，彷彿影像中人與物的「名字」變形後的痕跡，也為攝影視角賦予了種「窺視」的意味——相機的兩側，分別是專注卻疏離的注視，和不被叨擾仍自顧自的生活步調，正如城市與生活其中的人們內在總承載著矛盾，美麗絢爛與破敗混亂共存。

Vero在城市中觀察、融入、對抗，透過非常態構圖，挑戰觀者對於日常的認知；也在無數次的凝視與反射之間，重新思考名字與符號的意義，過程中「Vero」成了他在陌生世界中觀看、認識自己與他者的新方式，正如哲學家John Berge於《觀看的方式》中所說：「我們注視的從來不只是事物本身，我們注視的永遠是事物與我們之間的關係。」

Vero Chen攝影個展《Another Name》

展期｜即日起至2025.05.14（三）13:00－20:00

地點｜Stairs Space（台北市松山區八德路三段74巷96號）