近年拍賣界吹起「趙無極熱潮」，只要是他的畫作，幾乎無一不創天價售出。雖擅長油畫，但版畫從來就不是趙無極藝術創作的附屬品，早在1953年趙無極就曾於瑞士Berne的Galerie Klipstein 舉辦過「版畫創作」個展，往後的近30年期間多次在美國、南斯拉夫、法國、義大利佛、比利時、盧森堡、德國等地舉辦過獨立版畫展。1980年2月，趙無極在台北版畫家畫廊舉行版畫個展，那是他首度在台灣舉辦的個展。

時至今日，趙無極的版畫作品早已獲得世界各地藏家肯定，每年不時在倫敦、紐約、東京、巴黎、北京、香港等地的博覽會或拍賣會交易，成為另類流通廣泛的「藝術貨幣」。而趙氏早年的「克利時期」、「甲骨文時期」、「狂草時期」三個時期的版畫作品也橫掃國際間各大拍賣場，創下許多佳績。像是其甲骨文時期經典之作《銀河-09.11.1956》，則預計在佳士得（Christie’s） 2019上海秋季拍賣亮相，展現東方哲學中時間與空間為一體的宇宙觀，也被看好可望以上看新台幣3億的價值拍出。

趙無極的版畫到底有何特別之處？也許大家對版畫的印象就是個輸出的複製品，不同於大多數已成名的畫家，趙無極堅持每張版畫都是一個新的創作，而不是草草拿張油畫複製輸出大量販售。或許是家境富裕使然，讓這位及天才與努力於一身的公子哥可以無後顧之憂的用料，並掌握每張版畫的質量，不管是紙質還是顏料，過了一甲子的作品雖然多了點歲月感，卻還是能明顯看見那清晰的紋理與飽和的色澤！

2019年9月13日至10月20日，台南飛石樓的《趙無極早期版畫作品展》將展出趙無極「克利時期」、「甲骨文時期」、「狂草時期」三個堪稱趙氏巔峰時期的版畫作品，帶領民眾進入趙無極無邊無際的版畫世界。

展出作品亮點

「 我覺得他的油畫和石版畫十分迷人，使我同時想起克利繪畫的神秘和倪瓚山水的簡練，我可以毫不誇張地說，趙無極是歐洲畫壇當今最偉大的藝術家之一。」—貝聿銘，寫在1980年紐約Pierre Matisse畫廊，第一次舉辦趙無極個展圖錄上序言。

看完這張1951年「克利時期」的版畫作品《山與日》，完全可以理解為何貝律銘對老友趙無極給出了如此之高的評價！

《Vol d’oiseaux》（飛鳥）這幅版畫創作於1954年，取材自遠古金文的符號，畫面中群鳥漫飛，神秘而深邃，充滿浪漫情調與詩意，猶如一篇紀年記事的章節，只是箇中故事已化成抽象語言，難以詮釋。這一年趙無極真正踏出了抽象藝術的第一步，已不再單純以肉眼看世界，遠離了具象實物的描繪，迎來了「甲骨文時期」的開端。

1954年至1958年間，一系列以中國的甲骨文字為靈感的創作，得到最多國際市場的青睞，博物館收藏最愛的也是這個時期的作品。只可惜創作時間很短，留下的來作品並不多。

藝術史上最浪漫的傑作都是由愛情所構成的！趙無極與第一任妻子謝景蘭於1948年共赴法國學習與發展，兩人在巴黎過了一段如漁得水的幸福日子，但學舞蹈的夫人於1957年轉投法籍音樂老師的懷抱，婚姻觸礁後讓他失去了創作的動能。

隔年前往香港散心，才遇上了美麗聰穎的電影明星陳美琴，兩人閃電結婚後返回巴黎重拾畫筆，不過好景不常，因為家族遺傳性精神病的關係，陳美琴於1972年服藥過量病逝，這次趙無極傷得更深，又一度停止了創作。直至數年後他迎娶了比他小廿五歲的藝術館實習生梵思娃·馬凱，不但擔任他的經理人，亦陪伴他走完最後36年的人生。戲劇性的三段婚姻，讓他藉由她們的愛情與靈魂，解構成了一幅幅不同風格的符碼...

這張1967年的《無題》作品時值「狂草時期」，也就是他與第二任妻子陳美琴的熱戀時期，狂放的筆觸與充滿激情的飽滿色澤，可說是他生涯創作的巔峰。

《趙無極早期版畫作品展》

展覽期間：2019年9月13日(五)至2019年10月20日(日)

展覽地點：飛石樓(台南市中西區永福路二段83號)

聯絡電話：0983213777

飛石樓

2015由台南在地企業家王慶祥發起「藝術森林」計畫，台南市區由老宅改建的藝文空間、藝術工作室等如雨後春筍般出現在府城巷弄間。這之中，卻沒有一間像「飛石樓」一樣，利用了舊大廈裡的閒置空間。

之所以取名為飛石樓，是汲取自台灣現代最重要的畫家之一的席德進，其工作室堂號就叫「飛石樓」，源自於思念家鄉後山那顆神奇的巨石乾爹「飛來石」。飛石樓主理人Patrick是國內非常低調的收藏家，他最喜愛的藝術家就是對台灣畫壇影響甚鉅的席德進。輾轉收藏到席德進大師親筆真跡的「飛石樓」牌匾，因而決定將此與席德進工作室取而同名。神奇的是，這塊堂號尺寸就那麼剛剛好，ㄧ公分不多不少的崁入「飛石樓」大廳兩柱之間，並非裝潢時刻意留下的。

別人的老屋新用，都是整棟老宅，為什麼飛石樓卻偏偏選址30年的舊大廈內，而且還是在8樓？同樣是閒置空間再利用，老房子修繕或砍掉重練很容易，但大樓呢？老舊大樓裡的閒置樓層空間越來越多，可是修繕不易，要拆掉更是有一堆產權問題要先解決。所以，陳舊的辦公大樓才是城市空間價值重塑最難的地方。

via 飛石樓

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」