《兔嘲男孩》（Jojo Rabbit ）在二戰時代背景下，講述一位愛國的德國男孩Jojo，在閣樓發現被媽媽藏匿起來的猶太女孩Elsa，因而撼動他長期以來的價值觀。本片從Jojo的孩童視角出發，設計各個環節，並由導演Taika Waititi親自飾演他的幻想朋友希特勒，與其相映成趣。 電影依據故事背景，選在曾被納粹殖民的國家捷克，不僅復刻二戰時代下的建築，也透過顏色妝點，渲染Jojo樂觀明亮的人格特質，再搭配符合當代時尚又能反應心境的服裝設計與變奏配樂，將本片塑造成溫馨童話。  

導演飾演希特勒，改寫原著陰鬱故事

「我試圖以孩童眼光拍攝一部戰爭電影； 從他們的角度看待、解釋世界，找到其與世界打交道的方法。」—導演 Taika Waititi 

以怪誕奇趣的執導風格聞名，導演Taika Waititi在其作品《吸血鬼家庭屍篇》出演而爆紅，更因此衍生製作影集《威靈頓超自然檔案》，此外亦執導《雷神索爾3：諸神黃昏》、《神鬼嚎野人》等知名電影，當影迷期待他製作下部漫威電影時，他反而選擇拍攝小規模的電影《兔嘲男孩》。

事實上《兔嘲男孩》源自Waititi的母親講述的故事《Caging Skies》，其為小說家Christine Leunens筆下作品，他表示：「書本內容相當黑暗，延伸到戰爭議題。但我僅節錄具「電影感」的橋段，並添加我的創意，像是幻想中的Adolf Hitler（希特勒）與幽默情節。（並非書中內容）」 希特勒代表主角Jojo的愛國思想，同時也是一種青少年的認同歸屬感，Taika Waititi坦言：「這想法就像是高中人際結構，Jojo的想法就像是，試圖變得很酷的德國孩子，在他們眼中成為納粹份子。」

劇本其實早已在2011年完成，Waititi將它送至各個製作公司，期待有人給出適合演出希特勒的人選名單，結果後來Waititi忙於電視電影製作數年，待他回想起時：「電影製作發行公司Fox Searchlight（福斯探照燈影業）找上我，並說：『我們愛這劇本，真的想和你一起拍這部電影。但只有你扮演希特勒時，我們才真正對此有興趣。』」

取景納粹文化背景國家，以孩童觀點創造世界

「色版的選擇從劇本描述擴展到角色， 直到確認演員後，角色才真正成型。」 ——美術指導 Ra Vincent

有了Fox Searchlight注入資金與資源，《兔嘲男孩》得以飛往捷克共和國取景拍攝，如實呈現當代背景下的巴洛克式建築，美術指導Ra Vincent說明：「捷克共和國是這部電影製作的最佳位置，不只是因為他的歷史與納粹殖民息息相關，且與德國接壤，其建築、文化亦深受影響。」

此外，Vincent與當地團隊一手打造單親媽媽Rosie與Jojo的家：「我們將Rosie的屋子建造成1930年代、華麗裝飾藝術風格（Art Deco）的德國巴洛克式石屋。」此外亦考量攝影位置，設計一些隱藏空間或是可開闔的牆壁等。

場景色調轉換展現Jojo心境

「很難在孩子的臥房營造出樸素、堅硬的感覺，但Jojo具有這樣的特質。」Ra Vincent解釋，Jojo看到是不完整的現實，也沒有真正的認識希特勒，Jojo一直都樂觀面對自己的世界與虛構的朋友：「他住在溫暖而迷人的屋子，直到他發現猶太女孩Elsa，情緒有了憂鬱的轉變，我們因此用色彩來呈現。」

Elsa則是住在寒冷、塵土飛揚的黑暗角落。「這色調轉化有助於在情感上引導觀眾。」Vincent說明，Elsa帶領Jojo看到世界險惡的一面：「Jojo的理想世界逐步崩解，觀眾會處在沒有飽和色彩的戰爭場景中，這有助於引領觀眾進入他的觀點。」

深入時代的服裝考究，服飾反應角色內在衝突

「整部電影，Rosie的服裝都保持色彩鮮豔大膽， 因為一切都基於Jojo的回憶，這是他看待她的方式。」 —服裝設計師 Mayes Rubeo 

不只是場景設計呼應主角的轉變， 服裝設計師Mayes Rubeo亦依據其心境，分成三類服裝。第一類時期為Jojo完全崇拜德意志國，而希特勒則是他最好的幻想朋友；第二類則是，發現Elsa，開始質疑自己的信仰；最後一類為，當他放棄自己偏執相信的愛與仁慈。

Jojo的虛構朋友希特勒，其服裝呈現出嶄新、明亮、色彩鮮豔的年輕活力特質，如同Jojo眼下的世界。直到Jojo在閣樓上發現Elsa，心境產生變化，他身著制服，宛如軍人般監視入侵者，但同時也對幻想朋友存疑，乃至最後Jojo不再迷戀希特勒：「他對希特勒的失望反映在服裝上，Jojo歷經痛苦的覺醒，電影前段的色彩褪去，整體視覺轉成寒冬色調。」 

參考當代設計師——Rosie時尚服飾

本片除了Jojo的服飾轉變，Rosie的時尚服裝也值得細細考究，其深受30年代柏林最時尚女性的啟發，特別以義大利設計師Elsa Schiaparelli、前衛織品設計師Sonia Delaunay的作品為參考，為Rosie設計多彩、多幾何圖形的外套與連衣裙等，尤其前衛藝術家Delaunay，被當時的納粹德國視為墮落的藝術。 

「Delaunay擁有最大膽的設計，非常現代化與立體主義，我希望Rosie的服裝有那時代的藝術感。」Mayes Rubeo說明：「另外當時的德國女性熱衷於走在時代尖端，實際上就有一種叫作『納粹時尚』（Nazi chic）的流行文化，當第三帝國德意志壯大，他們會派遣德國官員前往巴黎，而留在德國的妻子，則會要求丈夫帶回巴黎設計師的最新紡織品、布料、時裝與配件。」 

此外，Mayes Rubeo特別為Rosie設計雙色拼接低跟牛津鞋（spectator shoes）：「這雙鞋講述一位非常有藝術背景的人，記住30年代、40年代初最受歡迎的電影是音樂劇，皆是關於爵士樂與舞蹈，於是我們選用舞鞋（spectator shoes）的外形與設計，其鮮豔顏色也宛如Rosie的勇敢特質。」

童話氛圍的行軍旋律，變奏創不同情感音樂

「這些可怕的事件在歷史重演過許多次； 我希望每個中學生都能觀看這部電影， 因為我認為這將是關於愛與恨的重要對話起點。」 —配樂師 Michael Giacchino 

即使故事背景設定於二戰期間，但整體氛圍卻宛如童話，在各方面設計都以孩童視角出發，《兔嘲男孩》配樂亦是如此，導演Taika Waititi與配樂師Michael Giacchino進行多次討論，Waititi特別強調音樂要有Giacchino製作過的《天外奇蹟》、《料理鼠王》配樂，那樣簡單的旋律及童話般的氛圍。

「最初，Jojo的主題曲實質上是納粹行軍，如果你翻譯孩子們唱的歌詞，會發現他們似乎都在讚頌希特勒青年團的模範與法西斯主義的好處。」Giacchino表示，他稱讚作曲家Elyssa Samsel譜寫的歌詞，巧妙創造不同面向含義：「我希望當電影結束時，你會對這首歌有完全不同的詮釋。」

除此之外，Rosie也有自己的主題曲，其中〈Beyond Questions〉以豎琴輕柔音色演奏憂鬱旋律，作為Rosie與Elsa不見光日的獨處襯底音樂，這與Jojo的音樂成鮮明對比，Giacchino解釋：「Jojo有一主旋律，再以直接、變相或簡化的版本呈現，比如〈The Kids Are All Reich〉，是以一人獨唱，伴隨教堂風琴音樂，表現出他看著崇拜對象周圍的暴力當下。這首主題緩慢、黑暗，如同輓歌。」

「《兔嘲男孩》成為一種提醒，尤其是現在，我們要教育我們的孩子們寬容， 同時持續警醒自己，這世界沒有為仇恨而存在的地方， 孩子們不是生來就會仇恨，而是受過訓練。」Taika Waititi說道。不管劇本寫得多完整，他仍然習慣將其放置一旁，與演員們即興發揮，剪輯師Tom Eagles舉例，當Rosie與Jojo在餐桌上辯論，再到Rosie扮演父親，最後換到他們一起跳爵士舞的片段，讓他不禁讚嘆：「我們擁有如此龐大的素材，而這一切都是為了將感情沸騰到共鳴。」這樣的過程，也讓故事角色更加立體，讓人更能深陷於故事魅力之中。

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《與惡2》結局即將在本週六7月5日揭曉，在台灣這些年拍攝相對大量的社會寫實題材劇集中，《我們與惡的距離》大概堪稱最為成功的案例。而對比首季，經過6年時間洗禮，本季作品又更「不戲劇」了一些，反倒像一只紀錄膠卷般，緩緩將褐色影格鋪展於觀眾眼前；其顯影並不甚清晰，還待世界上所有的「我們」，共為這只載滿生命殘跡的社會膠卷，覆上該有的顏色。

2019年，《我們與惡的距離》轟動一時，台灣乃至亞洲地區觀眾無不共情，隨角色之間立場的拉鋸而動盪價值判斷。然而這6年間，我們身邊又發生了很多事，卻見得社會議題所具備的和平對話空間，似乎仍顯得稀缺、尖銳而決絕。

2025年，《我們與惡的距離2》全新故事線由隨機縱火、思覺失調症患者殺警兩件重大事故展開，描繪6個家庭中眾多角色之間長達20年、錯綜交疊的人生軌跡。第一季編劇呂蒔媛、導演林君陽及原班團隊紛紛回歸第二季創作，除了領銜主演周渝民、薛仕凌、謝欣穎、楊貴媚、于子育5位外，更集結劉子銓、詹子萱、張軒睿、朱芷瑩、蔡振南、黃迪揚、朱宏章、陸弈靜等老中青實力派演員共同塑造劇中世界觀，帶領觀眾觸摸那些幾乎掉在「社會」這張所謂的安全網邊緣粗糙斷裂地帶，不斷摩擦出的淚水和血漬。

善惡不絕對嗎？

「善惡」這個詞彙的構成，本身即體現其二元性。無論第一、第二季，要說《我們與惡的距離》試圖做到打破或消弭二元對立性，就戲劇作品有限的影響力而言或許太過宏大，更多的是讓觀眾真正看見這些難解的對立——通過將「符號」般的人物、事件和催化因子（包括創傷、疾病、經濟困窘等）組合成為一幀密密麻麻的社會寫實影像，某種程度迫觀眾直視和反思對立。簡而言之，善惡或許絕對，但我們不是非得用善惡來為每件事情立論。

▍劇情架構簡析

跳躍式時間線，多角度交錯敘事

相較第一季，《我們與惡的距離》第二季整體架構更為繁複，在「每兩集一個年代」的跳躍式時間設定上，採多人物、多角度敘事：1、2集落在案件發生的2022年，3、4集倒回各角色生命線逐漸交會的2001年，5、6集邁入10年後的2011年，7、8集又再推進10年，來到2021年新冠疫情籠罩全球的「陰鬱時代」（本篇在此不著墨太多，不過疫情時代「集體禁閉把人逼瘋」這個論點相當有意思）。同時，各集數以不同角色題名，一面揭露該角色身世、一面由其視角觀看世界並側寫劇中他者。

儘管故事量體龐雜，周渝民飾演的主角馬亦森一句「我們以為我們接得住所有人，但其實我們什麼都接不住」便已道盡全劇核心思維；從「接住」一念出發，整部劇集深究小至個人、大至社會，我們擁有何等強度的「網」，能夠涵容受傷的人、受傷後去傷人的人、被受傷的人傷的人⋯⋯，並進一步通過加害與被害的換位思考，叩問這之中是否存在修復與理解的一線生機。

▍背後寓意探討

從政治與社會大題，將微光照進渺小個人的傷痛中

題材上《我們與惡的距離2》既延續首季針對社會議題的辯證，亦愈加著重心理及精神層面的探討。特別的是，多處描繪精神疾病患者發病的場景，導演選擇讓第三人稱（社會共識上的客觀）鏡頭，和藉以魔幻寫實手法詮釋的主觀鏡頭交織出現，盡可能呈現罹病者本人同樣深受折磨、而非全然蓄意攻擊的兩面狀態——心理及精神疾病作為一種「看不見」的病，不發病時甚至可能比感冒還不外顯，也因此自始至終未能被社會完全正視——總有聲音認為是藉口、是軟弱的遁逃。

比起更宏觀的社會議題，本季劇集所聚焦社會中渺小個人的精神撕裂，著實是編劇深厚觀察和描繪功力展現最淋漓盡致之處。關注劇情進展的同時，傾聽個別角色的娓娓道來、拾起角色之間對話流露的種種細緻的悲傷，縱使他們所遭遇的「情境」不見得那麼普世，「情感」上卻皆為旁觀的我們完全能夠映照自身的。或多或少地，大家也不免將劇情與當代社會問題連結，下意識完成了這部劇集冥冥之中交予觀眾來進行的「思辨」最後一環。以下收錄第7段編輯精選台詞，在迎向結局之前，一同回顧《我們與惡的距離2》劇情承載的重要意涵。

※以下內容涉及劇情，請斟酌閱讀※

從7段經典台詞回顧看議題

1.

其實我們人生就是不斷地探索自己需要什麼、搞不清楚自己需要什麼，這些東西都很正常。重點是，不要討厭你自己。

——馬亦森（周渝民飾）

2.

我只是想跟那兩個孩子說，世界會變好。可是我不知道我可以陪多久，誰可以保證世界會變好。

——簡齊蕙（詹子萱飾）

3.

馬：嘿，你很棒，真的。能夠同時安慰兩個受傷的孩子，一般人很難做到。

簡：我身兼被害人跟加害人的家屬，才可以辦到。

馬：哇你這有點地獄梗。

——馬亦森 x 簡齊蕙

以上3段台詞皆出自因童年創傷而深陷憂鬱的簡齊蕙，至精神科與醫師馬亦森會談時所言。在療癒內部和完善外部並進下，社會安全網才可能增生、擴大，簡齊蕙這個角色正同時承載了這兩部分意義。幼時父親殺了母親和弟弟，唯她逃過一劫獨自存活下來，背負憤怒、悲傷和難言的愧疚，她長得多大便療傷多久，最後成為了一名學校輔導老師，以「被害人暨加害人家屬」微妙的第三種立場，嘗試治癒他人和自己。劇中她與醫師的對話尤有深意，台詞調性雖悲，卻也在絕望的黑暗中點起微小的希望之光。

4.

高：那不管怎麼說，現在總是第一步嘛，之後再慢慢來啊。

馬：你花15年才走一步要修法？真是快得可以啦大哥！

——馬亦森 x 高政光（薛仕凌飾）

馬亦森和高政光作為一對無話不談的「靈魂兄弟」，亦在彼此面對人生關卡時安靜陪伴。表面互嘴，實為激勵對方奮起至關重要的存在。高政光原效力於NGO組織，後進入體制、希望改變體制，卻逐步走進一人之力難有所為的窘境。因此，高政光有許多發牢騷或被發牢騷的你一言我一語都令人發笑，有意無意地撩撥著那本早被翻得邊角捲曲、卻始終未付諸實行的「社會停擺」項目書。稍微有別於敘寫精神疾病議題的慎重和嚴謹，編劇和導演在本劇另一大政治議題上，多以幽默中帶軟刺的台詞安排，以及微誇大的鏡頭語言「復刻」各種社會亂象，既直指現實，又不至於真拆現實的台。

5.

政治是管理眾人之事，而不是一昧地做自己想做的事。

——吳遠海（朱宏章飾）

吳遠海為劇中高政光在校攻讀法律時相當敬重的老師，後成為立法院長並邀請高政光入黨參選立委。兩人在政治之路上因「實現理念的手段」不同而心理上漸行漸遠，此話即出自高政光對老師所下的指導棋表示不理解，老師以大局說服他時所言。吳遠海這個角色以不多的戲份帶出一種「柔和的強烈象徵性」，他行事溫文爾雅，開口有條有理、頭頭是道，讓人不由地想像其人格之崇高，久而久之卻發現一切理想如空談。

6.

改革這種事情沒有辦法一步到位，你得有權力，你才能夠慢慢改變。

——吳遠海

追求權力的路上，是否就已經是一種對體制的妥協？而，真正擁有權力後的改變，又還能是原來所念想的那個改變嗎？《我們與惡的距離2》也透過以高政光和其母高張玉敏（楊貴媚飾）為軸心的政治敘事，對堅持信念抑或屈從現實、孤作清流抑或與眾合汙等抉擇，不斷來回辯證。然而雞生蛋蛋生雞，雖藉政治人物之口，劇中所談的「妥協」這件事遠不止政治。

7.

馬：你覺得政光真的有變嗎？

牛：換位置總是要換腦袋吧，但我覺得政光是一個有理念的人，要變也不會變到哪吧。

——馬亦森 x 牛祐荷（孟耿如飾）

馬亦森與少年保護官牛祐荷因案件相識並結為夫妻（牛祐荷於首集的2022年時空已因縱火案喪命，以上為兩人在2021年時空的對話）。牛祐荷一角是劇中眾多「沒被接住」的例外，也正因曾被至親接住而獲得再去接住他人的力量，角色性格具彈性和面對悲觀事物的正向態度。若將全劇比作物件，有光面和暗面的話，牛祐荷在戲劇結構上可屬光面角色。

戲劇可以是娛樂，可以是軟教育，更可以是某個人的一面鏡子或一個出口。無論大家從《我們與惡的距離2》得到最多的是什麼，製作人林昱伶所言極是：「戲裡的某個角色，某條故事線觸動了你，那可能就是一顆小小的種子，在未來的某個時間點改變了某些事，這樣就夠了。」

以廣告成名的日本攝影師奥山由之，跨足成為電影導演的首部長片作品《長椅小情歌》日前於2025台北電影節首映，並將於7月18日正式在台上映。廣瀨鈴、仲野太賀、草彅剛、吉岡里帆等10位日本實力派演員全來助陣，共同演繹5首交織城市光景、圍繞著河畔長椅而生的日常詩篇。一系列氛圍感拉滿的絕美劇照已盡顯「攝影師」功力，那麼奥山由之「導演」做得如何？本文為大家詳解全片看點。

日本知名攝影師、廣告導演奥山由之，6月28至30日攜首度執導的劇情長片《長椅小情歌（アット・ザ・ベンチ）》來台宣傳，並登上2025台北電影節進行全台首映，現場座無虛席自不在話下，誠品電影院安可場特別舉辦的「奥山兄弟檔對談」映後活動，更讓奥山由之與其弟、《我心裡的太陽》導演奥山大史，將兩人首次海外電影活動合體獻給台灣粉絲。而奥山由之於29日媒體茶敘中針對此次新片創作過程的娓娓道來，再度引得萬千期待。

相信大家對這位攝影師並不陌生，要不熟悉也無妨，以下將從他轉戰電影的簡歷說起，接續揭露即將在台上映的《長椅小情歌》導演、編劇、攝影及演員表演各方面必知訊息和片場趣聞。

首度跨足電影領域，執導作品《長椅小情歌》、《秒速五公分》兩年連發

1991年生的奥山由之，過去活躍於攝影、廣告與影像創作領域，曾獲「寫真新世紀」優秀賞與講談社攝影賞，憑藉寶礦力水得廣告、米津玄師〈感電〉及星野源〈創造〉等人氣MV為大眾所記憶。始終持以從日常細節中提煉詩意影像的長項，奥山由之至2024年首推劇情長片《長椅小情歌》，延續一貫清透溫潤的視覺風格，更邀音樂人安部勇磨操刀配樂，音畫相得益彰。其整體作品風格在真摯與怪誕之間取得獨特平衡，闢出一條有別於鬼才宮藤官九郎、大師濱口龍介等資深電影人的詩意蹊徑。2025年，亦再因接棒執導新海誠知名動畫《秒速五公分》真人版而備受矚目。

>> 《La Vie》雜誌曾專訪奥山由之，有興趣的讀者歡迎點此閱讀〈奧山由之的魔幻視覺之外！不停解構自我風格的攝影歷程〉全文。

《長椅小情歌》導演、編劇、攝影解析

▍導演觀點：從一張「長椅」展開的溫柔群像電影

《長椅小情歌》集結10位日本當代一線演員，卻罕見地以「物件」為敘事主視角。電影聚焦東京某條河河岸草地上一張不起眼的長椅，並由此開展多人多篇故事——它雖沉默，卻彷彿城市潛意識的收納器，靜靜見證來來去去的人們，承載著未被說出口的牽掛與記憶。

對此奥山由之親揭，其靈感來源於自家附近的一張長椅，「我常常經過那張椅子，幾年來它都默默佇立在那。不是靠近水邊，也不是巴士站，只是突兀地存在於草地中央。沒有人坐，但也沒有人討厭它。像是對城市變遷的一種固執抵抗，它讓我意識到，若不將它留下，或許哪天它就會不見。」早已超越公共設施的存在，這張椅子成為了導演童年記憶與城市記憶的交匯點，也進一步成為他想說故事的起點。

▍劇本架構：全片切分5個篇章，由不同編劇共同創作

為了傳達上述情感，全片由〈那些被剩下的〉、〈不旋轉的壽司〉、〈看守的責任〉、〈最後一場戲〉、〈寂寞會延續〉5段交錯的故事鋪陳，且為不限縮於自身觀點，奥山由之找來不同編劇共同創作，展現長椅作為「城市記憶載體」的多種樣貌；希望透過不同角色與情境，讓觀眾能變換角度重新觀看與理解這張靜默的椅子。從久別重逢的青梅竹馬、為瑣事爭執的情侶、嘗試勸回離家姊姊的妹妹、意圖拆除長椅的神祕公務員，乃至以外星語演繹的奇幻片段，《長椅小情歌》從一個個圍繞這張椅子的瞬間出發，勾畫出一幅幅記憶拼圖。

▍拍攝手法：「隱身式」攝影機一鏡到底

各約15分鐘的5段故事皆一鏡到底拍攝，營造如舞台劇般一氣呵成的觀賞體驗。攝影機全程固定不動，宛如場邊一位默默觀察的第三者，捕捉長椅周遭的人物互動與情感流動。奥山由之也特別舉其中一場廣瀨鈴的戲為例：拍攝當下演員因不小心掉了東西而短暫離開畫面，然劇組選擇保留原構圖，並未追拍補位——這些偶發的錯落與停頓，他認為反是演出中最真實動人的部分，亦讓角色與場景的關係更加自然、更加立體。

希望作品能像「有靠背的椅子」般給人力量

談到是否偏好特定的椅子類型，奥山由之笑說自己特別喜歡有靠背的椅子，「那種被支撐的感覺讓人安心。」並補充表示，自己從小就會觀察家具的「表情」，對物品有深厚情感，這也影響他對創作的想像。他比喻，與其拍出會「推你一把」的作品，他更希望自己的電影像一張有靠背的椅子，能讓人在疲憊時感受到那股默默支持的力量，彷彿輕聲說著：「你已經很努力了。」

坐上電影這張椅子的，無非是各擁不同狀態的觀眾，可能有滿心歡喜的，有悲從中來的，有自信篤定的，也有惴惴不安的——然而當電影的光亮起，該作品在那絕無僅有的一刻、之於椅子裡的觀眾而言，無論是長久的現實映照，抑或短暫的美好遁逃，若真能有股從後背隱隱而來、默默相撐的力量，其重要性之大必將難以計量。導演這看似樸實的話語，所含實為最難能可貴的創作真諦。

堅強演員陣容現身說法

將城市裡的日常光景交織成詩，讓每一個細微的故事得以延續

本片出演者廣瀨鈴、仲野太賀（第一篇及第五篇）、岸井雪乃、岡山天音、荒川良良（第二篇）、今田美櫻、森七菜（第三篇）、草彅剛、吉岡里帆、神木隆之介（第四篇）等一眾實力派演員，紛紛表達了對這次拍攝經歷的感動。主演廣瀨鈴表示，「這是我第一次在拍攝中沒有明顯的『在演戲』的感覺，就像泡在溫熱的澡水中，時光充滿怦然心動。」並大讚拍攝現場幾乎看不到攝影機的自由氛圍。與她搭檔的仲野太賀亦回憶，「奥山導演曾說過，總有一天要在這張椅子上拍電影。當這願望真的實現，且邀請我一同參與，實在太開心了。」

作為第二篇〈不旋轉的壽司〉的演員，岸井雪乃對劇本給出高評價，「蓮見翔老師寫的劇本，看似無關緊要卻又極為深刻，讓我演起來非常過癮。」岡山天音則說，「這是我第一次對導演產生創作上的嫉妒心，完成品讓我對那張椅子產生了深厚的情感。」

由今田美櫻、森七菜詮釋的第三篇〈看守的責任〉，主要描繪姊妹之間的愛恨錯綜。今田美櫻分享，「情緒像風暴一樣傾瀉而出，卻讓人感受到強烈的愛。」森七菜有感而發道，「我開始思考，每一張椅子、每一個球，可能都連結著某個故事與某個人，這部電影讓我想成為那些故事的延續。」

第四篇〈最後一場戲〉由草彅剛、吉岡里帆、神木隆之介共演，草彅剛表達，「這次的拍攝手法，讓我感受到影像創作全新的可能性。」吉岡里帆笑稱，「沒想到會跟草彅先生一起講外星語！這樣的荒唐，可能一輩子就這一次。」神木隆之介感性地說，「能成為導演鏡頭下世界的一部分，是很幸福的事。」

承導演之言：「這是一部集結個人願望與友情的作品。每位工作人員都像球隊隊員一樣，抱著純粹創作的熱情聚集到這張椅子旁，一起完成了這部小小的、卻真誠的電影。」2025年7月18日，《長椅小情歌》上映在即——獨自一人也很好、找到總和你在一起編織日常之詩的夥伴那更好，讓我們走進電影院，欣賞奥山由之攜手10位重量級演員呈獻的東京詩篇。

《長椅小情歌》中文版電影預告

＊更多《長椅小情歌》相關消息可至光年映畫官方臉書、官方IG了解。

＊2025台北電影節現正於台北市中山堂、信義威秀影城、光點華山電影館進行中，頒獎典禮則於7月5日登場，電影迷們務必鎖定。