La Vie全新Logo設計秘辛！洋蔥設計親解藏於5個字母的創意巧思

若要賦予媒體產業一個身分的話，它很像社會觀察家，製作的議題不僅要反應當下，也要能帶有對未來的想像。La Vie從雜誌出發，如今無論在紙本或數位平台，都能閱讀到La Vie在生活風格、設計文化、國際趨勢的豐富內容。在迎向第16個年頭之際，我們決定從Logo設計開始，賦予La Vie更當代的品牌風格與形象。

Logo是一種身分與性格的表徵，透過字型的樣態可以傳達品牌的價值，不論是新Logo中，霸氣充滿絕對的V、對於事物充滿感知與好奇的i，以及友善、充滿包容性的e，都代表著La Vie的個性：有觀點、有態度、挖掘議題的渴望、希望將好內容帶給所有人！

▶La Vie全新改版！Logo、雜誌版面設計通通重新定位 

新生後的La Vie，將呈現更迷人的閱讀節奏與視覺空間；此外，在La Vie不變的核心價值上，「觀點」會變得更重要，將宏觀的國際視野、也更細緻地貼近本地文化，無論在紙本或是數位，閱讀的體驗感與議題思考，都將滾動式打開你的思維。

經歷8個月的獨一無二新Logo

負責操刀新Logo的洋蔥設計，如何在短短5個字母中，藏入豐沛的訊息與彩蛋？洋蔥設計創辦人黃家賢（Andrew Wong）談起過程，彷彿經歷了一場大冒險般激動：「這個過程真的可以當作一個教材來介紹啊！」

洋蔥團隊特別針對La Vie品牌的屬性量身訂製而成，字體稍具厚度與份量，展現La Vie多年來對內容品質的堅持，設計團隊從La Vie編輯們每一次發想議題時的那股好奇心，以及採訪撰稿過程中的創意與知識為設想，打造出具有獨特細膩巧思與細節的5個字母：字型中無論是垂直、水平與曲線，都經過設計團隊縝密思考，「不要問我這是什麼字體，純手工打造。」黃家賢幽默地說。

字體會說話，舊款La Vie Logo源自Bodoni Roman，而新款則是獨一無二的tailor made，源自「人文主義無襯線體」，新Logo以黑體為基底，降低了大小寫字母的高度對比，藉此縮小L與a之間的負空間，使整體看來更加穩重飽滿。在La Vie這個單字中，L、V、i相對冷靜，而a與e則較有個性，容易成為視覺焦點。a的開頭和e的收尾也經過精密計算，微微傾斜的e，展現玩心不滅的特質，為新的La Vie Logo留下一個帶有俏皮與自信的收尾。

雖說a與e容易成為視覺焦點，但在新Logo中，達到畫龍點睛的主角其實是i──源自Gill Sans Ultra Bold的啟發，這套字體為Eric Gill所設計，在當時盛行權威感字型的風氣下可說是異類，但它的出現就像是新觀點的提出，而洋蔥不僅將i的圓點縮小了，還順勢滑上右邊，柱體上緣做了下凹處理。這樣的設計展現猶如品牌的視野，靈動、具思考性，與La Vie的精神不謀而合。

Logo最終目的是耐看 

Logo存在的意義就是被認得，品牌的Logo設計又有什麼準則？

「作為設計媒體的Logo，必須乘載多元的內容，所以它不該只是醒目，更得耐得起玩味，保有相當程度的包容性與穩定性。此外，Logo也是品牌代表，必須兼具識別性以及品牌價值。為了符合這些特質，新La Vie Logo乍看之下不會有太明顯的個性，性格上趨於中性，唯有仔細賞玩時，才能發現其中源源不絕的彩蛋。」洋蔥團隊為了這些元素，內部也歷經了理性導向與感性導向的掙扎，簡單／不簡單、當代／人文、獨特／低調、友善／有自信有態度，這些看似兩面的定義，其實都存在於La Vie的品牌特質中，而這也是洋蔥設計坦言最讓他們感到挑戰十足的原因。

簡單卻又不簡單

「簡單卻又不簡單」（Simple yet Sophisticated），這句話解釋了La Vie多面向的特質，每篇看似俐落深入的報導，背後都得透過縝密的規畫，就像編輯們每個從早上開到下班時間的編輯會議，其中的細節與內涵，都是得花功夫才能維持的品質。身為貼近人們生活的媒體，La Vie既友善又有態度，提供的內容不僅多元、有趣，更呈現出獨特的觀點，就如同呼應La Vie的法文原意「生活」，人生總不會是容易的，透過一步步摸索前進，才會得到最好的結果，這一點甚至在新Logo設計過程中，也有異曲同工之妙。

邁入16歲之際，透過觀察、摸索、永遠地與時俱進，La Vie換上嶄新面貌，懷抱著對一切事物的好奇心，持續以柔軟靈活的姿態，邀請每位讀者一起在創意的世界遨遊探險，一起用輕鬆的心情閱讀，讓更多簡單又不簡單的議題走進你的日常！

洋蔥設計

成立於1999年，作品橫跨多個領域， 喜歡設計、字體、貓、搖滾樂。曾獲第30屆金曲獎「最佳專輯裝幀設計」獎、德國紅點、香港環球設計大獎、亞洲最具影響力設計大獎、台灣金點設計等獎項。也曾入圍葛萊美獎最佳唱片包裝。

https://www.oniondesign.com.tw/

 https://www.facebook.com/oniondesign/

欲知更多改版後的La Vie，可關注新出刊的 2020年4月號192期

欲購買可點此 https://reurl.cc/g70AmX 

恆成紙業旗下內容品牌「野点nodate」出版《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》，以10則刺青師深度專訪，描摹40年台灣刺青生態演變 。操刀裝幀設計的HOUTH，分享如何以設計過程中的各種巧思呼應刺青文化，及其中的次文化與反叛精神。

延續2024年推出的卡帶專輯《調皮》（The Skin Surfing）和刺青認領圖小書《刺花Tshiah-hue》，恆成紙業旗下內容品牌「野点nodate」持續關注刺青藝術社群，推出最新作《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》，是台灣第一本梳理刺青生態演變的深度觀察與圖冊。

作者張玉音長年書寫藝文領域，年少時期曾親身見證刺青文化背負的污名，步入不惑之年後，毅然決定讓各色刺青佔據肌膚。她深入田野，透過本書帶領讀者一窺台灣刺青在世代輪轉之下，所發展出的不同技藝與風格，以及諸多產業重要議題，包含師徒制的轉型、國際展會的功能更迭、比賽評選機制的變化、社群媒體對整個生態的重塑，甚至包括盜圖與人才外流等現象。

全書採11冊分冊設計，包含1冊序言，以及10冊跨世代刺青師的專訪與反思，依序記錄其師、富哥、Kubrick、House、York、Ray、Upa、阿弘、柯廷、張先生的創作世界。從中，可見橫越40年來的刺青風格演變，從轉化自令人畏懼的江湖印記的細膩台式工藝，一路到當代 Gen Z 的 Y2K 邪典氣質，以及這一文化在不同時代面臨的挑戰，和刺青師們各自持續創作、開拓的路徑。

閱讀體驗的定調

本書裝幀由何婉君與黃紀滕（Hans）組成的的HOUTH團隊操刀。在月初舉辦的裝幀座談會中，張玉音與 HOUTH 進一步分享設計幕後。

設計初期，團隊曾發展出另一套視覺方向，閱讀體驗偏向「沉靜」。最終擇定的方向，則是希望打破傳統文史書「厚重、精裝、大部頭」的既定印象，留下刺青文化原有的次文化氣質與自由度，同時吸引圈層之外的讀者產生好奇與閱讀興趣。採用11本輕薄短冊的分冊設計，也是呼應每一冊皆代表不同世代的歷史切片與文化精神，讓讀者可以自由抽取閱讀，依照自己的節奏與偏好的順序，進入不同年代與刺青師的故事。

圍繞在身體的「物理性」

刺青的載體是人體皮膚，本書裝幀也以身體的「物理性」作為核心概念。書盒上那隻乾淨、沒有刺青的鮮明手臂，其實正是 Hans 親自拍攝的自身手臂。空白手臂象徵刺青的載體，也像一塊等待被書寫的皮膚，串接台灣能量蓬勃卻曾經缺乏完整脈絡的40年刺青史。

作為對比，書盒內部則印製滿版刺青作品，來自本次最資深的兩位受訪人物——其師與富哥。當讀者將書冊從盒中抽出時，如同刺青逐漸覆上身體，也隱喻台灣刺青文化在40年間，從地下次文化逐步走向自我認同與個人表述的過程。

紙材選擇上，同樣延續「物理性」的概念。封面選用「新浪潮」紙材，保留類似皮膚表面的霧面粗糙質地；外盒則以瓦楞紙搭配半斷工法製作，利用偏街頭、工業感的材質，營造看似精裝、實則平裝的視覺狀態，呈現介於粗糙與精緻之間的氣質，也隱隱呼應「野点」作為內容品牌，長期穿梭於不同文化圈層之間的姿態。

為了呼應刺青文化相對銳利的調性，HOUTH 在內頁選擇帶有亮面質感的「雜誌紙」，影像與文字會微微透出下一頁，產生近似皮膚透度與色料滲透的視覺感受。過程中，張玉音還特地前往舊書攤，找來八〇、九〇年代的《Times》雜誌進行比對，確認印樣既具有足夠遮蔽性、不干擾閱讀，同時也保留與當年雜誌紙張相近的物質感，讓本書內容觸及的時間跨度，也被精準收束在紙頁的選材。

以刺青風格轉化的編排巧思

字型的選用，同樣呼應次文化語境。封面使用由黑體改造的實驗字體「獅尾尖刺黑體」，帶有地下刊物與小誌文化中的野性與銳利感；拉丁字體也選用帶有尖角細節的字型相互呼應。內文則以蘋方繁編排，搭配較大的字級與方正結構，保留長篇閱讀的舒適性。每冊的封面編號與頁碼，則依據受訪刺青師的個人風格重新轉化設計，例如以美式傳統刺青風格聞名的 HOUSE，其數字「4」便加入裝飾風格語彙。

此外，許多裝幀細節也隱含對刺青工藝的轉譯。書盒上的書名與 ISBN 燙印，模擬刺青留在皮膚上的痕跡，並加入微微暈染效果，重現色料隨時間沉入皮膚後的自然擴散。每冊開頭與結尾的紙頁，則模擬刺青工序中的描圖紙；其中特別使用到紅色，是向台灣資深刺青師「其師」的 freehand 技法致敬——他習慣以紅色油墨直接在人體上繪製，再進行刺青。

細看內容，會發現各冊也藏有呼應每位刺青師背景與特色的小巧思。例如在富哥的篇章，刺青工具被編排成形似一支手槍，幽默呼應他早年「八成客源是社會人士」的經歷；而刺青師 Upa 長期以刺針模擬繪畫筆觸，在肌膚上留下如詩般的抽象痕跡與氣泡質感，因此 HOUTH 也在編排中刻意保留更多留白與空氣感，讓圖文之間形成更自由的節奏。

《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》以紮實的訪談書寫，織就一部由刺針、墨水和圖像構成的時代群像錄；也透過裝幀設計，承載台灣刺青文化這40年來層層堆疊、多元而鮮活的歷史。

關於野点nodate｜

恆成紙業旗下內容品牌，將紙的物質性與承載文化抽象意涵，透過議題企劃與活動串聯交織出版、視覺設計、次文化、聲音藝術等多元創作領域，以紙張、媒介作為文化實驗場，並擴充傳統的用紙受眾。於2024年底有正式的出版產品，著力實踐內容生產的主動權，打破傳統出版與媒體界限，並且以紙業背景為紮實基底，對媒體型態、製作方式進行再思考。

資料提供｜野点nodate

文字整理、文｜李尤

JIL SANDER攜手西班牙室內設計雜誌《Apartamento》，於2026米蘭設計週期間共同呈現《Reference Library》展覽。匯聚來自世界各地具獨特視角的作家、設計師、藝術家、建築師、電影人、思想家與創作家等精心挑選的60本書籍，組成一個啟發思考、陪伴人生各個時刻的閱讀書單。

身處於這個「速讀」時代，我們的視線在電子螢幕上游離，閱讀變得碎片化。演算法在我們尚未消化內容前，已為我們決定下一步。為獲得快樂而閱讀的想法大幅減少，書本反而成為一種值得被珍視的媒介，一件需要被握在手中、邀請你放慢節奏、停留片刻的物件，更是讀者與故事之間自由選擇的私人時刻。

書本承載著記憶，甚至帶給你驚喜

而《Reference Library》正是在這樣的背景下誕生，肯定了這些物件與行為的價值，也為「全神貫注於值得關注的事」賦予意義。

書本承載著記憶，將把書交到你手中的那個人、初次翻閱時的場景，以及當下的珍貴片刻一併保存。它在人與人之間悄然流轉，也會在不經意間喚起你對某個人的想念。在適當的時候，它會帶給你意想不到的驚喜，比如促使你與某人聯絡、重新思考某些事情、前往某個地方或重新開始。而生活中鮮有其他事物能做到這一切。

【2026米蘭設計週】7大亮點設計裝置整理！ARKET打造水果蔬菜旋轉木馬、Moncler讓巨大章魚盤踞建築

以鏡面構築的閱讀空間

此次展覽由米蘭建築事務所studioutte設計，在米蘭市中心的JIL SANDER展示廳舉行。其由多個鉻合金展示台一字排開，在閱讀燈的映照下，其倒影被鏡面牆反射，構成一個讓人細細品味、沉浸於閱讀的完美空間；人們能隨心所欲地從一本書移到另一本書，自由遊走於書中世界。

戴起白手套、翻閱現場書籍

展覽每小時限額60名，每位參觀者登記後會獲邀進入圖書館，並獲贈一對白手套，這個小儀式將改變人們對待事物的方式及對事物的呵護程度。參觀者可拿起、翻開及閱讀現場的書籍，結束時白手套將作為禮物贈予讀者，作為一份靜謐、紀念這段美好時光的紀念品。

探索60位創意人士書單

此次精選的60本書單中，涵蓋了多部影響深遠的思想與文學作品，比如法國思想家加斯東·巴舍拉《空間詩學》(The Poetics of Space)、谷崎潤一郎《陰翳禮讚》(In Praise of Shadows)，以及尚·布希亞《物體系統》(The System of Objects) 等，從空間、光影到人與物件之間的關係，延伸出對感知與日常經驗的重新理解。

另外，維吉尼亞·伍爾夫《海浪》(The Waves)與萊納·馬利亞·里爾克《給青年詩人的信》(Letters to a Young Poet)則以細膩的內在書寫，回應閱讀作為一種內在且延續的體驗。這些書籍不僅構成一份閱讀清單，更引導觀者在觀看與閱讀之間，建立更深層的連結。

JIL SANDER 創意總監Simone Bellotti表示：「我為這段即興而短暫、僅存在數日的計畫，特別挑選了一本童年時讀過的書，作為贈予米蘭圖書館的禮物——由Italo Calvino撰寫的《樹上的男爵》。主角 Cosimo 選擇棲身樹上，從高處觀看世界，反而比地面上的人看得更清晰。Calvino在此構建了一種優雅的理論：主角的性格古怪、被孤立、誤解，卻正因其非典型的視角，影響了周遭的一切。這幾乎可被視為創作中狀態最純粹的隱喻。」

Apartamento聯合創辦人Marco Velardi說道：「Apartamento與JIL SANDER的合作是自然契合的成果。我們雙方深知我們身邊的事物從不單只是裝飾，更是個人經歷的延伸，關於對事物的專注、珍視及對一次性消費的反抗。猶如一件精心製作的服裝一樣，書本同樣是一種經過深思熟慮、為流芳百世而存在的創作。」

Reference Library
日期： 2026年4月20日（星期一）至4月24日（星期五）
地址： Via Luca Beltrami 5, Milan
開放時間： 上午11時至下午5時
預約連結請點此
預覽地點：JIL SANDER 專門店（Via Verri 5, Milan）