本文選自La Vie雜誌2020/8月號《島嶼的想像》

陳時中部長坐鎮中央疫情指揮中心身穿的背心、樂天桃猿代替真人進場「10號隊友」人形看板、宮廟暫停公事的大紅海報，這些防疫日常物件，通通是國立臺灣歷史博物館朝思暮想希望收藏到的夢幻逸品。與平常博物館典藏總是年代久遠的印象大不相同，針對當代社會重要事件而生的「快速回應收藏」（Rapid Response Collecting），儼然成為國際博物館間的新趨勢。

今天眼前的新聞，就是明日重要的歷史。想到博物館典藏的物件，總會有種年代久遠、與我們每日生活沒有直接關聯的感覺；但近10多年來，快速回應收藏成為國際博物館間的新趨勢。所謂的快速回應收藏，就是透過蒐集當代重要事件的相關物件，對於當前議題或事件做出記錄和處理。這樣的方式，和過往博物館收古物的印象大不同，更能夠即時回應發生在眼前的國際大事件。

國際指標V&A 　以設計物件為當代史畫座標

談到國際間這股趨勢的興起，英國倫敦維多利亞和亞伯特博物館（後簡稱V&A）可以說是最指標性的代表案例。從2014年起，V&A就開始導入快速回應收藏機制，並將這類物件歸於館內的「當代建築、設計及數位」部門所管轄。首先被蒐為館藏的物件，包括：一把開源的3D列印手槍、一隻曾被擲向前香港特首的IKEA狼玩偶、剝削廉價勞工製造的樂壇天后凱蒂佩芮（Katy Perry）個人品牌假睫毛等等。

根據V&A的準則指出，每一件館方收藏的物件，「都回應了設計與製造之於當代史的重要時刻。不只因為它們推進了設計所能做到的，更因為它們也揭露了我們如何生活的真相。」而在國際上也有許多重要博物館或研究單位都已經導入快速回應收藏制度，像是紐約歷史協會（New-York Historical Society）就曾在911期間進行物件蒐集行動。

而近期肆虐全球COVID-19則又掀起另一次的博物館行動，不僅英國博物館協會（the Museums Association）特別提供疫情特殊情況下的當代收藏道德指南；像是芬蘭國家博物館（National Museum of Finland）更已經指派策展人及研究員針對疫情現況做影像記錄，以便日後推出展覽；V&A展開的「全球大流行疫情物件」（Pandemic Objects）編輯計畫，一方面挑選既有相關館藏重新詮釋，另一方面也公開徵集家庭自製的加油標語，V&A博物館策展人Brendan Cormier在接受《衛報》專訪時特別提到，「我們的任務在於，記錄下屬於我們的時代。」

318公民運動起　當代蒐藏行動Action！

這股快速回應收藏的概念，近幾年在台灣也開始發展。國立臺灣歷史博物館（後簡稱臺史博）基於這樣的理念，今年5月初在官方臉書公告「COVID-19（武漢肺炎）防疫物件蒐集計畫」，不到一個月就募集到各式防疫公告、防疫手冊、口罩套超過百件，可以見得民眾的迴響之熱烈！

而這項計畫就是屬於臺史博的「當代蒐藏」行動系列之一，「嚴格來說，臺史博有類似於V&A快速回應收藏的概念導入，是從318公民運動開始」，主導防疫物件蒐集計畫的臺史博研究組研究助理曾婉琳表示。回顧318之際，這項行動是由中研院史語所黃銘崇研究員發起，非常驚人地廣蒐了現場7,000多樣物件，將其數位化典藏於「三一八公民運動文物典藏庫」（public.318.i）之後，這批實體物件自2016年起就轉交於臺史博保存。

而為什麼會有一個事件會有如此大量的收藏件數？這也與臺史博本身的「歷史」取向有直接關連。像是以設計為導向的V&A，通常面對重要議題只精選一件或少數關鍵物件，例如2017年華盛頓及全球各地在抗議川普歧視女性言論的遊行，V&A只收藏群眾們集體配戴的那一款「開源設計」粉紅色小野貓帽（pussy hat）就是一例，對V&A來說，選件重點在於—呈現重大事件中具代表性的設計概念。「但從臺史博建立當代史的角度來說，可能很難只用一頂帽子來代表，如何去建立『事件完整性』是我們比較在意的。」曾婉琳分析了不同博物館主軸下，進行當代快速回應收藏的切入角度差異。

連儂牆、選舉、罷韓　如何建立客觀中立的物件蒐藏制度？

在臺史博已著手逐步規畫當代收藏制度的同時，隨著社會各類型事件的不斷發生，目前也已經有許多類型物件在陸續蒐集中。「之前台南中國城拆除時，我們做音聲研究的同事，就有去蒐裡面音樂城與文夏相關的宣傳招牌，和郭一男印製歌仔冊的相關資料；去年我們也有去台大公館地下道蒐集連儂牆的便利貼。」曾婉琳細數近幾年來，因為研究趨向和社會議題而啟動的幾次蒐集行動，「選舉史料也是我們蒐集的重點之一，從館成立以來每屆選舉都有，再加上從國史館轉過來的5,000多件史料物件；包括之前罷韓時，我們也有去現場蒐集。」

然而，當代蒐藏處理的議題和社會事件，一方面選擇的主題本來就需要具有代表性和重要度，另一方面也意味著這些議題可能都有一定的敏感度，在蒐集物件時，館方應該如何拿捏並力求中立呢？「相較於318期間的大環境，近年因為我們導入了快速回應收藏機制，有足夠的中立度、不受政黨輪替影響來進行蒐藏」，曾婉琳進一步說明，「因為是從歷史角度切入，我們希望正反意見的物件都收到。像318期間，就很遺憾沒有收到白狼在國會場外示威的物件。如果不收，會失去某程度上自我辯解的機會；如果中立且正反都收，不管面對誰都站得住腳。」

文 方敘潔 、攝影 張藝霖 

圖片提供 臺灣歷史博物館、樂天桃猿、V&A

完整內容以及欲知更多新博物館思維，請見La Vie2020年8月號《島嶼的想像》

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」

高橋一生和小朋友玩在一起的畫面會不會太美好！東京國立新美術館即日起呈獻為期11天的「學展」，其中將夾帶兩件從今年首登場的藝術計畫《想像他者的四天》中生成的多人共創畫作，本屆頒獎典禮更將放映導演二宮健於4天工作坊期間所記錄孩子們揮灑創意的珍貴影像。從培養共感力與想像力的角度出發，此項目所回應並試圖溫柔改變的社會現況發人深省。

第75屆學展（Gakuten）推出實驗性影像製作企劃《想像他者的四天（他者を想像する四日間）》，邀來演員高橋一生，協同7名從本屆參展者中選出的國中小學生完成兩幅大型畫布作品，並隨學展其他作品於2025年8月7日至17日在東京國立新美術館公開展出。而由電影導演二宮健同步拍下創作全過程的特別影像，則將於8月9日舉行的得獎者表彰典禮上限定放映，供得獎者及相關人員觀賞，循作品本身和紀錄片兩種途徑見證其中軌跡。

學展是什麼？

藝術教育人士西田信一（Nishida Shinichi）在1950年創立的「學展」，是日本第一個全國性學生油畫比賽；70餘年來由日本學生油畫會興辦，無參賽資格限制，亦接受來自海外的國際作品，現正於全球範圍內致力發掘年輕世代的藝術才能。評選項目涵蓋繪畫、插圖、工藝、攝影、數位創作等多元領域，且從幼稚園到大學的不同年齡層創作者都能報名。比賽核心自歷史案例中承襲而來，堅信「優秀的藝術不受年齡、國籍或名聲所限制」的精神，至今持續將才華橫溢的作品推向世界舞台；近年不僅廣邀各界知名人士擔任評審，大獎作品亦得機會於巴黎展出。

▼ 每屆學展於東京國立新美術館進行公開展出

實驗企劃《想像他者的四天》首登場

高橋一生主導、二宮健側拍，「即興」培養共感力與想像力

作為今年學展首次實施的藝術計畫，《想像他者的四天》旨在培養孩子「想像他者的能力」（意近中文「共感能力」所指涉，可能包括從他人視角看待事物，抑或經由共創形式對他人的表達有所共鳴等）。此理念發想自當代社會中人們「想像他者」能力普遍稀缺的現況，讓參與者透過肢體表達、即興演出、交流對話和揮灑作畫等環節，反覆加深「設想眼前的人、甚至於某個不存在對象」這樣的共感經驗。

在為期四天的工作坊中，高橋一生並非以導演或演出指導的角色參與，而是單純扮演從旁陪伴、覺察和承接孩子內心轉折變化的「伴行者」角色，構建出一個自由且深刻的創作空間，最終引導他們繪出兩幅「想像的藝術」作品。而將此場景具象化的正為導演二宮健，他詳實記錄7位小朋友4日體驗的側拍影片，將打開交織現實和創意的敏銳視角，靜靜喚起觀眾的想像力。

台灣觀眾對高橋一生肯定都不陌生，其別具感染力的演技與親切形象，為此類藝術教育項目盡心力自在想像之中。而擔任共同企劃兼導演的二宮健，早被認為是風格辨識度極高的日本新生代創作者。10多歲開始影像創作，就讀於大阪藝術大學期間即獲得京都國際學生影視節（KISFVF）大獎肯定，現年僅33歲已憑《裸睡美人》、《吉娃娃羅曼死》、《午夜少女戰爭》等多部代表作為觀眾所認識，亦曾在2017年作品中與高橋一生合作。此次他充分發揮個人尤擅長的實驗性手法，大膽而細緻地捕捉了孩子們朝氣蓬勃、充滿生命力的表情和創作歷程。

《想像他者的四天》紀錄片雖不開放一般觀眾觀賞，不過未來10天人正好在東京的讀者們，走過路過國立新美術館倒可逛進展廳，一覽高橋一生和小藝術家們帶來的兩大件畫作及第75屆學展的完整展出。

第75屆學展特別影像企劃《想像他者的四天》

【作品展覽】

• 時間：2025年8月7日至17日
• 地點：國立新美術館2D學展展示室

【影像放映】

• 時間：2025年8月9日
• 地點：國立新美術館講堂（僅限得獎者及相關人員入場）

資料來源：學展