專訪／莫子儀的最佳男主角人生之路「愛不是是非題，是可以思考一輩子的自省過程。」

本文選自La Vie雜誌2020/12月號《惜物的工藝》 

莫子儀拄著拐杖來到現場時，所有人都嚇傻了，只知道他已經進劇組拍戲，難不成在拍戲時受了傷？急忙向經紀人詢問，「噢，他在練習角色啦。」還沒和他打招呼，他就已經遞出一張無形卻精準的演員名片。

15歲開始演舞台劇，莫子儀踏入演員這一行就再也沒離開過，不到20歲就入圍金鐘獎，卻直到今年邁入40之際，才拿下人生第一座演技獎項，憑電影《親愛的房客》獲得2020台北電影獎影帝後，再獲得2020年第57屆金馬獎最佳男主角。過去曾6度在金鐘失利，遺珠之憾的心情應該都被問到煩了吧？「不會啊，每個人在不同的領域，都會有對另外一個領域的想像，我覺得這很正常。」

人跟人之間的確常常存在想像，眼前這位常說自己難搞、孤僻的演員，對記者的職業竟如此理解，就和一開始對他的想像不同。但根基於想像的誤解也能成為理解，「我覺得當演員最先決的條件，就是要有能力去理解每一個不同的人。我，莫子儀，一定會有自己的喜好、不喜歡的東西，但當我作為一個演員的時候，必須要更全面理解、觀察，感同身受社會上不同的人。」身體力行體會拄拐杖的生活也好，對他人職業的諒解也好，現實中的莫子儀，或許也在感同身受著那個演員莫子儀的思維情緒。

愛是可以思考一輩子的事情

他在《親愛的房客》飾演的林健一，在同志伴侶立維過世之後，代替對方照顧母親與小孩悠宇，為愛付出的舉動，背後卻有一段他因為不甘而導致的意料之外後果。莫子儀跟著健一深愛著立維，走過忌妒與愧疚，出於贖罪照顧立維家人的動機，最後沉澱為對親人無悔的愛。「在健一身上，我感覺到最複雜也最深刻的是對親人的愛。有一些人會覺得愛情應該是到死都不會放手，才是最深刻最濃烈的愛，但是對一個家庭來講，對一個小孩來講，這是真正的愛嗎？你只是永遠抓著他，永遠不想他受傷，這樣的保護是愛嗎？」他說愛不是一個是非題或道德至上的規範，更像是可以思考一輩子的自省過程。

劇中每個角色的出發點也都是愛，就像悠宇的叔叔立綱，懷疑同性戀身分的健一對小孩施以不當對待，帶悠宇到診療室接受諮詢，但悠宇沒有感受到叔叔的關愛，而是對大人藏匿秘密感到憤怒，最後奪門而出。不過這揪心的一幕，影迷熱議的不是愛在親情裡的錯綜複雜，而是當悠宇跑出診療室時，為什麼只有健一追上去，立綱卻留在原地？諸如此類對劇情超微觀的質疑，莫子儀笑說大家都可以有自己幽默的解讀，「我覺得電影本來就是娛樂的一部分，我們可以感受到覺得溫暖、覺得心疼的東西，同樣也可以用很娛樂的角度去看它，譬如說很多觀眾都說健一是小媳婦，哈哈，我就覺得很有趣。」

但莫子儀身為演員，這些細微的事件與角色的關係他早已想過。他理解的立綱和健一，兩人的不信任是建立在家人的基礎上，如果立綱真的完全把健一當成壞人或陌生人，大可直接帶走悠宇，「在診療室裡立綱對健一說的是，我沒有辦法讓孩子在一個不正常的環境下成長；他不是說，你王八蛋，你把孩子怎麼了？這兩者是有差別的，就算立綱沒有追出去，他也知道健一會把悠宇帶回家。」他樂見觀眾任何對劇情的疑問，因為對他而言，電影拍完就是屬於觀眾的，每個人都有各自解讀的空間，自己的答案不是正解，也只是眾多對角色想像中的其中一種。

從真實情感到抽象陪伴的表演

「我覺得有一些事情，沒有講得這麼明白，其實更貼近真實。」他覺得人跟人相處也是如此，有時候從自己的角度，會覺得某個人實在莫名其妙，但就對方而言，不過就是照自己的性格在行事。「我看電影也會有一些自己的喜好，故事講得太白，情感表述太直接的方式，有時我也不太喜歡。」私底下的莫子儀，看舞的時間比看戲還多，他表示相對於觀看電視電影是被動接受故事，舞蹈是更抽象的情感媒介，沒有語言，有時連故事、角色都沒有，在觀賞中更能激發自己的主動思考。他提到最喜歡的鋼琴家霍洛維茲，晚年演奏舒曼時背後飽滿而舉重若輕的生命歷練和情感，帶給他的感動已超越技藝本身。他覺得欣賞音樂、繪畫，甚或所有藝術，都是一種與自我的對話與省思。為什麼我會被這個畫面感動？為什麼畫家用這個顏色畫天空？答案和創作者異同都可以，他認為藝術本來就沒有絕對的對錯。

但現實中總有太多對錯好壞，高中時翹課抽菸喝酒，莫子儀曾被歸類為無可救藥的壞學生，因為加入戲劇社，在表演中看到自由，原來一個人存在這麼多不同的面向和價值，「你學業不好、品行不好，你就不是一個好人，不是這樣武斷的，戲劇讓我從那樣的價值觀中被救贖。」例如社會往往會用職業或收入來看待一個人，但戲劇可以呈現他為人父、為人子的面向，他可以同時是一個加害者又是一個好爸爸。

「我想用表演去接近每一個不同的人，說他們的故事，有一些人外表看起來光鮮亮麗，但他只是沒有把他的傷痛給你看；也有一些人過得很痛苦，但你只是沒有看到他做過的錯事。」他覺得表演有很多層面，一方面趨近真實，一方面也在創造角色面臨不同境遇的故事，「最後就是藝術性，也可以說是比較抽象、意象的形式，戲劇裡的故事、元素、角色，不一定在真實世界看得到，但我們是不是可以有這樣的想像？我們就是太真實地活著，很容易被現實壓垮，但表演可以從最真實的角色去找到他的情感，到最後轉化成更抽象的形式陪伴著你，這是我覺得表演很重要的事情。」

不同表演選擇同在這個世界

從15歲入行算起，莫子儀超過一半的人生和表演分不開，「最近這10年，我會刻意要自己放輕。」20幾歲的時候，他對於拍一部戲有很絕對的喜好，認為編劇應該要好好地把劇本寫好、演員應該要很認真地準備角色，「年紀增長會發現，正是這樣的態度讓你更狹隘。」但他依舊維持不軋戲的習慣，「你為了什麼去表演？這是個人的選擇，我純粹就是喜歡創作、喜歡自由，但我不會去否定其他人的選擇，我不覺得軋戲是不對的，也不會覺得一個演員想要紅到全世界是錯的。」而這才是他覺得世界該有的樣貌，有多少人就能同時存在著多少種選擇。

但在資本主義建構的社會，又身處與商業市場緊密相連的演藝圈，這樣的選擇倒有點矛盾，「就自討苦吃啊，哈哈。」他用創業比喻，他的目標只想在台北市的某一條街賣好某一樣商品，沒有人可以否定他、笑他怎麼這麼傻，而他也絕不能拿自己遇到的困難說嘴。或許就是這樣，讓大眾對莫子儀一直都有著非主流的印象，「所謂的主流、非主流，通常是觀眾或媒體決定的，對我來講不存在，它不會是我做事情的標準，我的選擇就是自由。」

不斷在回答中講到自由，不禁好奇他所謂的自由到底是什麼？「有些人會覺得，我可以做任何想做的事情叫自由。對我來講，我可以持續否定我自己，跟持續否定這個世界，就是我的自由。譬如說什麼樣子是一個好演員？如果莫子儀被定義為一個好演員，而成為某些標準或條件，那我就會否定它。這件事情對我來說是重要的。如果我今天變成一個只是讓人盲目追從的icon或是idol，我就會覺得我是有罪的，我要去否定這個idol的存在，我覺得每一個人都要有自己的信念跟信仰，而不被他人約束或壓迫。」

莫子儀可以否定自己變成偶像，但其他人也可以成為他的粉絲，兩者並不違背。「我都會跟他們講，我不是最重要的，他們要過好自己的生活。」很難想像他真的聊起了偶像的話題，「我自己的信念也不代表我否定其他形式的存在，像我自己非常非常佩服劉德華，他在我眼裡就是十分令我敬佩的藝人。現在有很多偶像團體，我就很佩服防彈少年團，我也很喜歡青峰啊。很多人生活當中有一個偶像可以去追尋，讓他們有正面的希望跟能量，我都很佩服不同的藝人對社會不同的貢獻。」等等，莫子儀剛剛是說了防彈少年團嗎？實在有夠違和。但就在他脫口而出的那一瞬間，真的如他所說，自我否定了外界加諸在他身上的形象與想像。

莫子儀

台北藝術大學戲劇系畢業，表演領域橫跨舞台劇、電影、電視劇、短片等。以《濁水溪的契約》、《瓦旦的酒瓶》、《艾草》入圍金鐘獎男配角，《罪美麗》、《台北歌手》、《追兇500天》入圍金鐘獎男主角，以《台北歌手》獲第53屆金鐘獎戲劇節目編劇獎。2020年主演電影《親愛的房客》，拿下第22屆台北電影獎最佳男主角，第57屆金馬獎最佳男主角。著有文字創作集《失眠的人》。

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文／張以潔

攝影／KRIS KANG

圖片提供／牽猴子整合行銷

妝髮／簡偉文（美少女工作室）

造型／Paul Chen

服裝提供／AllSaints、Peter Wu、Sandro

場地協力／空總臺灣當代文化實驗場C-LAB

更多精彩內容皆在La Vie雜誌2020/12月號《惜物的工藝》

一代君王當居萬人之上，可他的一輩子，卻滿是被踩於時代之下的黑暗與淒滄。將迎上映40週年，1987年問世的跨國合製傳奇電影《末代皇帝》，通過全新4K數位修復技術，極致重繪百年前紫禁城中的孤寂色彩；在歷史持續遠去的今日，引領觀眾回望滿清最後政權殞落之時，溥儀既僅僅是個體、又承載著群體，空前絕後的悲涼際遇。隨本篇揭開神祕面紗，如若走一回末代皇帝的跌宕人生。

「溥儀的一生是遊走在黑暗與光明的旅程，你也可以說他從一隻蟋蟀變成了蝴蝶。」——《末代皇帝》導演柏納多貝托魯奇

作為終結中國數千年朝代更迭的君王，歷史如何定位宣統帝？作為被時代巨輪碾壓、被命運榮辱玩弄的芸芸眾生之一，後世又如何看待愛新覺羅溥儀？第79屆坎城影展評審團主席朴贊郁，開幕便就世界影壇始終存在不同聲音的藝術與政治關聯性議題，闡明「兩者並非對立、不應分開」，再掀兩派論述；然其中端看「是否足具藝術性」這一評判準線，依的確實可謂觀眾立場的最大公約數。換言之，一部富有完整藝術表達的作品，許能讓哪怕各懷觀點的你我，同場為之傾情——《末代皇帝》的重映時點，似巧妙與此說遙相呼應。

海內外名作接連回歸，新生代影迷實感銀幕震撼

隨當代數位修復技術日新月異，海內外名導過去使用底片拍成的代表作，近年陸續挾高清畫面再現世人眼前。乘此經典朝聖浪潮，1988年橫掃奧斯卡9項大獎、締造台灣首起破億電影神話的《末代皇帝（The Last Emperor）》，定檔2026年5月22日回歸大銀幕。由義大利導演柏納多貝托魯奇（Bernardo Bertolucci）執導，匯聚華裔國際影星尊龍、陳冲、鄔君梅及英國演員彼得奧圖（Peter O'Toole）等黃金主演陣容，且鋪墊「新音樂教父」坂本龍一的哀戚旋律，此片不僅面世近40年始終占居神作地位，更被眾多影迷奉為一生必看的藝術巔峰。以下拆分5大亮點帶你深入幕後，文末揭曉首波特典設計。

▼ 精彩預告

《末代皇帝》重映亮點#01：影史地位

西洋鏡頭捕捉「美中悲涼」，至今唯一太和殿取景電影

自1964年作品《革命前夕》打開知名度，2018年辭世前集坎城、威尼斯終身成就獎於一身的柏納多貝托魯奇，曾為在《末代皇帝》中最大程度還原溥儀多舛一生，費時兩年與中國當局商談，終得其全力支援；從而以首位踏足紫禁城實地拍攝的西洋導演之姿，打造出影史第一部（現在看來也會是最後一部）獲准取景於「中國古代建築之首」太和殿內的史詩鉅作。彼時劇組成員無不受莊嚴宏偉的世界文化遺產震懾，柏納多貝托魯奇坦言，「紫禁城是好萊塢不敢建造的場景。」演員陳沖則表示，「那是我第一次、也是最後一次，在一個沒有遊客的故宮裡，能聽到自己咚咚的腳步聲踏在石板上。」

兼任電影配樂和演員的坂本龍一甚回憶，「看著紫禁城華美無比的建築、庭院和宮牆大殿，彷佛還有皇帝生活在裡面；我仍然深深記得風的聲音，感覺很悲涼孤獨。」

再論及叫好叫座的市場回饋，《末代皇帝》除在獎壇強勢奪下第60屆奧斯卡金像獎最佳影片、最佳導演、最佳攝影、最佳改編劇本、最佳原創配樂、最佳服裝設計等9項大獎，和金球獎4項大獎、英國電影學院獎（BAFTAs）3項大獎殊榮，亦於坊間收穫權威媒體《Variety》盛讚「故事與畫面無與倫比，從未見過的輝煌與滄桑」，以及《時代》雜誌高度評價「達到同時代其他導演夢寐以求的水準」。全球現象級口碑毋需贅言，登台即一連熱映6個月、坐擁新台幣1.1億元的年度冠軍票房，粗估帶動超過百萬人次進場觀影。

《末代皇帝》重映亮點#02：劇情大綱

溥儀自傳為本、溥儀胞弟任顧問，重新轉動時代巨輪

電影劇本奠基溥儀自傳《我的前半生》，佐以劇組長期調研、專家核實資料，並參考包含溥儀胞弟溥傑在內的真實人物建議，力求完整刻畫歷史細節。

故事起始於1908年溥儀依慈禧太后懿旨登基，年僅3歲的他雖貴為九五之尊，卻是紫禁城紅牆內最孤獨的孩子。隨國勢衰頹，宣統帝號名存實亡，青年溥儀（尊龍飾）歷經退位與放逐，偕皇后婉容（陳沖飾）和淑妃文繡（鄔君梅飾）在天津度過西化的浮華歲月。1930年間更因復辟夢碎，淪為日本扶持下的滿洲國傀儡皇帝。從君王到囚徒、囚徒到平民，戰敗勞改10年後，終以「遊客」身分買票重回昔日的家，心中自有萬千感慨⋯⋯。

《末代皇帝》重映亮點#03：製作陣容

拍攝期間全面關閉紫禁城，尊龍「臉上故事」瞬間即永恆

聯合美國、英國、中國、日本、義大利等多國影視菁英共同製作，全片共計動員1.9萬名臨演、集結9,000套自世界城市而來的服裝，造就幀幀規模宏大的場面；光幼年溥儀的登基大典，就經6個月籌備、由2,000名群眾演員（全員剃頭）完成。且遵循文物保護規定，太和殿內部無法架設任何照明及軌道設備，全靠攝影師從殿外打光，再扛手提攝影機入內。一天原能容納5萬名遊客的紫禁城也配合拍攝檔期全面關閉，連恰巧訪華的英國女王伊麗莎白二世都無緣遊覽。

主演陣容方面，擁有「亞洲第一美男」稱號、卻斂深沉演技於盛世容顏之下的尊龍，以雕刻般的精緻五官和隱約流露的憂鬱氣息，完美詮釋溥儀從天子的傲然到平民的淡然，均勻調配18歲到60歲極大年齡跨度的角色弧光，時至今日仍被視為教科書級演出。1988年，他憑此角入圍金球獎戲劇類最佳男主角，成影史目前為止唯一一位兩度提名金球獎的華裔演員；隔年因在國際影壇的傑出成就獲頒金馬獎特別獎，立下無以撼動的至高標竿。陳沖描述其魅力源自「看起來充滿祕密」，同時「他的快樂、熱情和感染力可以讓你明顯感受得到，會讓你想一看再看。他可能自己也不知道，他是天生就有故事的長相。」

《末代皇帝》重映亮點#04：修復成果

煥發紅牆金瓦新生，從建築到人物升級感官盛宴

「我用光來表達溥儀人生的不同階段。」身為攝影指導，義大利攝影師、3屆奧斯卡得主維托里奧斯托拉羅（Vittorio Storaro）親解片中的色彩語言：開場數分鐘內渲染銀幕的鮮紅血色代表閃回的開端，隨城門開啟而切入故事；其他又如綠色寓意知識、黃色象徵皇帝身分、橙色鋪陳家庭與紫禁城曾經的溫暖基底等運用，各富巧思。

攝製團隊精心構築的視覺美學，無疑在全新修復版中「覺醒」。從紫禁城建築的紅牆金瓦，到溥儀身上的明黃龍袍，所有畫面清晰度和色彩飽和度皆顯著提升，盡展尊龍舉手投足間的儒雅貴氣，以及飽受命運摧折後逐漸蛻變的細微神情。此外，適逢坂本龍一逝世3週年，《末代皇帝》憑更佳質感重返院線，亦是對他當年用音符為作品注入悲壯靈魂的致敬。

▼ 全新4K修復版畫質相比過去一般數位修復版（上）色澤差異甚大

延伸閱讀：打造《末代皇帝》、《神鬼獵人》經典配樂的日本音樂教父！《坂本龍一：終章》看見大師不凡音樂歷程

《末代皇帝》重映亮點#05：紀念活動

另為回饋廣大影迷，片商攜手戲院規劃一系列40週年紀念活動，包括5月24日光點華山電影館、5月30日西門國賓大戲院、6月7日大巨蛋秀泰影城3場大師講堂；首場《從布拉格廣場到北京紫禁城：1980年代的電影往事》特邀資深影評人聞天祥，帶領影迷爬梳電影脈絡。秀泰影城則預定5月27日、6月3日在北中南分別舉行特別放映，相關場次及購票資訊詳見片商或影城官方。

同場加映：首波特典收藏方式＆設計細節

凡購買2026年5月22日至28日電影票即可兌換經典原文版A3海報。紙材選用300磅進口象牙卡，以白墨襯底後，採全UV墨搭配四色印刷工藝打造，具防褪色、防潑水與防潮效果，並保留原木紙漿的細緻手感與溫潤質地。

影史乃至歷史的磅礴再現，朝聖經典更待何時？

1988年4月，《末代皇帝》於西門國賓大戲院首映，人龍綿延至武昌街、黃牛票價格瘋漲的盛況蔚為奇觀。闊別數十年，全新4K數位修復版再度躍上同一影院銀幕，堪稱重溫影史乃至歷史經典的不二時機。2026年5月，《末代皇帝：4K經典數位修復》邀你共赴跨世紀之旅，見證一代君王、或言一介平民，最輝煌也最哀傷的生命歷程。

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^{文｜Ning Chi          電影資訊、劇照提供｜甲上娛樂}

繼宮崎駿《神隱少女》、新海誠《鈴芽之旅》後，四宮義俊以首部動畫長片《花綠青綻放之時》入圍2026柏林影展主競賽，成為躋身柏林殿堂的第3位日本動畫導演。曾以畫師身分參與《你的名字》、《言葉之庭》的他，為什麼決定當起導演？又如何結合日本畫專長，用色彩創造出有別以往的動畫美學？四宮義俊在金馬奇幻影展訪台之際接受La Vie專訪，道出在AI時代下，手繪的樂趣與意義。

2016年《你的名字》上映，在票房與美學雙雙寫下日本動畫新里程碑，其中回憶場景的影像演出、作畫與攝影，均由四宮義俊負責。也正是在這年，他開始思索要創作自己的動畫長片。

「要說和《你的名字》有關也不是那麼有關，但要說無關也不是完全沒有影響。」四宮義俊說，原本是收到背景美術製作邀約，但當時自己希望能專注在創作上，對於「只做背景」這件事有所保留。後來在溝通下，對方再次詢問他是否有興趣統籌回憶段落的影像，這樣近似「單元導演」的工作令他決心嘗試。後來《你的名字》締造了極大佳績，也激勵他萌生「或許自己也能做到」的想法。

一片「太陽能板」的新生海洋

他談起故事創作原點，是在一次開車載著家人的途中，女兒指著太陽能板問道：「那是海嗎？」令他聯想到小時候家裡附近有一片海，自己還常常去游泳，後來因填海造陸而消失。已經消失的海和眼前「新誕生的海」，在女兒眼裡竟是「同一片海」，「這件事本身就很有戲劇性，如果能在此概念之上承載故事，應該會很有魅力。」

《花綠青綻放之時》以創業330年的老字號煙火工廠「帶刀煙火店」為背景，在被迫拆遷的時限內，意外重逢的兒時玩伴試圖完成傳說中的夢幻煙火，帶出都市開發、傳統文化、環境意識、世代差異等議題。海洋與太陽能板之間的關係，也成為推進故事的關鍵。

從日本畫到動畫，從畫師到導演

以動畫廣為人知的四宮義俊，其實是日本畫出身，一路在東京藝術大學讀到27歲，拿到日本畫博士學位。「在這段過程中，心中一直想嘗試動畫。」四宮義俊說，因為大學時專注平面繪畫，自然沒有機會學習動畫，便在畢業之後，主動向動畫公司自薦，從背景美術做起，也自此踏入動畫業界。

他認為，日本畫和動畫在技法上最大的差異在於，動畫是高度數位化的媒材，但日本畫至今仍維持親手調顏料、以筆上色。「既然我要創作動畫的話，我希望將那些能感受到人手痕跡的表現，或是能讓人感知到材質本身的元素，積極地運用到動畫中。」

之後四宮義俊參與了多部動畫電影製作，更多次和新海誠合作，除了《你的名字》，也負責《言葉之庭》海報插畫與劇中美術，片渆須直《謝謝你，在世界的角落找到我》中的水彩畫部分也由他擔綱。然而在高度分工的動畫產業裡，「我開始感到某種程度上的不滿足，或者說有些無趣，逐漸想要從事統籌整體的創作工作。」於是他從廣告、MV等相對小規模的專案，逐步累積導演經驗，繳出眉村ちあき〈冒険隊～森の勇者～〉動畫MV、寶礦力水得2019年於印尼播放的廣告等作品。

用色彩設計畫面的創作方法

這次在《花綠青綻放之時》，四宮義俊更一人擔綱導演、編劇、分鏡、角色設計、作畫監督、美術監督、色彩設計多職。他說，過去在廣告、MV等短篇動畫，其實就已能由自己駕馭全局。「面對長篇電影，我確實曾對於是否要由自己一人完成感到不安。」但他提到，即便創作者們能各自交出很棒的角色和背景，當兩者結合在一個畫面時，經常會出現不協調的狀況，連帶破壞了原本創作者的心血。

「在製作過程中我重新意識到，終究還是得要有一個人去統合，那也只能由我來做。」他接著說，「我其實也有私心，因為這是我第一部作品，希望能盡情把自己表現出去，告訴大家：我就是這樣的創作者、我是這樣運用色彩的人。」

色彩，是四宮義俊代表性的特色，也是貫穿全片的重要元素。片名的「花綠青」是舊時用於煙火的綠色顏料，燃燒後會轉為藍色，因含有毒性而漸漸消失，由此象徵時代變遷下逐漸消失卻仍重要的記憶。全片也出現大量不同層次的綠色，「綠色在日本畫的顏料中，本身就是非常特別的色彩，甚至可以說，是界定日本畫這種表現形式的重要顏色之一。」四宮義俊補充，植物也是日本畫重要的主題之一，因此他有自信能運用綠色和植物的色彩表現，創造嶄新的動畫視覺。

除了綠色，「螢光色」在片中也相當搶眼，亦是以螢幕為媒介的影像，較少看到的色彩表現。「大家或許會覺得這是一部色彩豔麗的電影，但實際上，這部作品的整體彩度相當低。」四宮義俊解釋，日本畫本身並沒有螢光色，在動畫裡也不太常見。他在這部片的作法是，刻意壓低整體彩度，只在某一個局部使用彩度特別高的顏色，例如女主角的衣服，由此引導觀眾視線看向特定位置。但一般動畫較常見的是，不論背景或角色都充滿顏色，導致觀眾一時不知道該看向何處。「可以說，我是透過色彩來設計畫面。」他說，能以這樣的方式創作，也是因為整部片是自己掌握全局才能做到。

用雙手親自賦予畫面動態

片中在自然景色上的描繪，細膩到雨滴落在葉片上、陽光穿透樹葉間隙等動態，都有著獨特質感。四宮義俊說，過往動畫在草木搖曳、微風吹拂等動態，都是運用手繪表現，如今卻逐漸被CG取代，令他感到「有些寂寞」。因此這次除了角色的動態，他也希望能以手工的方式，親手賦予自然景物律動。

一幕從煙火店樓上往下看的景色，樹林整片葉子被風吹拂，樹葉動態並非晃動，而是用如同顏料被層層暈染的方式表現。四宮義俊解釋，這個技法早在數位化前就已出現，先在背景美術畫上幾層帶有朦朧感的畫面，層層疊起後再反覆切換、消除、疊加，可謂相當類比的手法。「因為它太舊了，現在反而很少有人這樣做。」

《花綠青綻放之時》除了手繪動畫和CG，一段在施放煙火前的「作戰會議」，更與法國動畫公司Miyu Productions合作逐格動畫。四宮義俊說，自己一直以來都很喜歡在動畫裡，加入真人等帶有「違和感」的元素；再加上這畢竟是部娛樂作品，還是希望能在不同場景中，放入各種趣味性。

不過有趣的是，鏡頭並非單純從動畫切換到逐格動畫，許多場景是「動畫和逐格動畫合成」，甚至還有「真人」的手出現在畫面中。四宮義俊笑說，自己一開始就決定要這麼拍，「那隻手其實是法國人的手，主角設定是20幾歲，但仔細看會發現，法國人的手很大又有點年紀（笑）。」

全片高潮的煙火戲亦採手工製作，四宮義俊說，針對最後煙火逐漸消失的畫面，是由約50人的工作坊成員共同完成。一張一張畫好煙火後，用細針在紙上打洞，從下方打光以攝影機拍攝。

而不同於常見煙火的美麗炫爛，四宮義俊呈現的煙火帶有「暴力感」。他說，製作前曾去拜訪煙火師，也實際前往煙火施放現場，在放煙火的瞬間，因為聲音太過可怕，他甚至完全動不了。「遠處看到的煙火確實非常美麗，但如果靠近觀看，其實就像戰爭中的砲擊。我希望能夠把這種恐懼感，稍微放進作品中。」為凸顯煙火，他也刻意讓施放瞬間近乎無聲，透過減低聲音元素，集中觀眾注意力。

動畫是在彼此不斷打磨間完整

現今，四宮義俊以核心團隊僅4人的動畫工作室高速運轉中。不禁好奇這樣每個細節都親力親為的導演，在工作狀態下是什麼樣的人？他說，現在人才難尋，能一起工作的夥伴都是極其珍貴的存在，因此不太會用上對下的命令語氣說話。「最重要的還是工作內容有沒有被確實傳達，至於要用比較強烈或溫和的方式，終究只是方法上的差異。與其說我本身是什麼樣性格的人，不如說，為了讓作品完成，我應該採取什麼樣的態度。」

他說，確實經常發生自己覺得已經交代清楚，收到的稿件卻完全不如預期的狀況。除了年齡、用字遣詞、文化等差，他認為動畫本來就伴隨著修改，「那些沒有成功傳達成功的想法，我會抱持著『下一次再試著好好表達吧』的心態。」每一個畫面也正是在反覆修改中，被打磨地更完整。

重要的是誠實面對自己的想法

從日本畫到動畫，四宮義俊不變的是對手繪的堅持。面對AI浪潮的襲來，他坦言其實在電影製作途中，一度因為來不及畫完，和一家AI背景繪圖公司開過會。也正是在那個時候，他第一次強烈感受到，「那些和我一起花費大量時間、經歷無數掙扎的畫師所繪製的畫，當然也包括我畫的畫，一旦和AI的畫混在一起後，人們便再也無法分辨，這究竟是AI，還是人親手繪製。最後可能會聽到：反正這都是AI做的吧？一想到這件事，心裡就非常難受。」

在此之前，他一直告訴自己，不要對AI抱持負面情緒，但這卻是他第一次感受到創作被奪走的不甘。「如果一開始就是以『和AI一起創作』為前提來企劃，也許我的想法又會不一樣。」最終他並沒有使用AI，而《花綠青綻放之時》正是以傳統職人為主題，他也為自己的選擇感到慶幸。

四宮義俊說，目前自己並沒有直接使用AI繪圖，但許多軟體都已經導入AI功能，著實難以完全和AI切割；就連在找資料時，比起上網搜尋，也都會先去「問」一下AI，「我們已經身處在這樣的時代了。」因此他認為，與其執著「哪裡算AI、哪裡不算AI」，更應該把心力放在作品的概念與體驗。

他曾設想，如果未來終究將走到「AI能在1分鐘生成幾萬部電影」的時代，那麼人們之所以還要拍電影，即是因為它是由人類親手完成、能創造人與人連結的媒介。「到頭來，比起思考該怎麼看待AI，更重要的還是，我們如何誠實地面對自己想表達的事情。」

四宮義俊
1980年出生於神奈川縣。畢業於東京藝術大學研究所美術研究科博士後期課程，主修日本畫，並取得博士學位。擅長將日本畫技法融入動畫創作。曾參與新海誠《追逐繁星的孩子》、《你的名字》、《言葉之庭》，以及片渆須直《謝謝你，在世界的角落找到我》等動畫電影製作。2026年推出首部動畫長片《花綠青綻放之時》，入圍第76屆柏林國際影展主競賽。

_{文｜張以潔　口譯｜magholic
圖片提供｜華映娛樂}