「＃你看到的只是最後古物發亮的樣子」這是來自台南鳥飛古物店臉書粉專貼文的一個Hashtag，確實如此，要恢復老件原始狀並不容易，甚至比創作新品還費時，葉家宏如此說。

葉家宏的寶寶剛出生，好奇地問他是否為新手爸爸時，他笑說，「對啊，跟第一個妻子的第一個小孩，如果是第二個妻子的話⋯⋯，我會蠻期待的，哈哈。」如果說幽默是葉家宏個性最外顯的部分，那鳥飛古物店就是更內在的他，言談間所流露的赤子之心，和充滿歲月刻痕的老件形成奇妙的平衡，就像採訪當天，一走進位於台南巷弄的店面，隨即被原木色調的沉穩氛圍給包覆，但待久一點，會發現無釐頭的氣息也飄散其中。

「很多人會問我，最喜歡這個空間的哪裡，其實我說不太出來，因為全部都是我，無論是我挑選的物件、擺設或動線，每個角落都是我的樣子。」一如每件老物都是世上絕無僅有，每一雙挑選老件的眼睛，也都映射著無法複製的生活哲理。而那些被葉家宏選中的老物真的很幸運，因為它們的生命旅程，會在修復之後，繼續綿延下去，與更多人產生羈絆。

每個傷痕都是故事　

「要讓老物回到現代人的生活中，它一定要符合我們某種需求和期待。」如同使用櫃子時，總希望它堅固、抽屜好拉，老件也是，它們之所以面臨淘汰命運，多是因為老舊導致使用不便，但只要善加修理，比如改善卡榫鬆脫等結構問題，再用個數十年都不成問題，因此老件修復意識十分重要。至於究竟要如何修繕，對老物才是最大的呵護？葉家宏說，滿足實用性功能即可，「不是要創造出一個零瑕疵、表面光滑的『新東西』，而是透過『以舊修舊』的觀念，還原物件的真實樣貌，因為每個傷痕都是故事，你要讓它維持原來的樣子。」若抹去老件的各項「生命經歷」，也等於失了保存初衷。

「願意做修復的人其實更值得被尊敬。」這些人就是所謂匠師，負責修補前人所留下的各項殘缺，先觀察物件現況、推敲解讀前人的施作法，再找出最適合物件的修復方式，讓物件得以傳承下去；但即便工程重大，卻也不像藝術家、設計師那樣容易留名，因此並非人人都願意埋首付出。「我在修這些東西時都會自己想像，如果現在是我要用，我會接受到什麼程度。」修復是一種將心比心，以使用者為出發點，注入耐心與貼心，看似微小的心意，有緣人都會接收到的，葉家宏說道。

修復比創新更花時間

自學木工、金工、鐵工、皮革製作、甚至電知識的他表示，小至抽屜的把手、大至櫃體結構，或是老檯燈的接電技術、焊接工作、板料鬆脫需重新榫接等，修復極其繁複瑣碎，核心在於細膩，有時也需找來專業的木工等各領域專業師傅協力修復，彼此的磨合期甚至長達兩三年。因為對師傅而言，一般工程講求效率在先，「慢工出細活」的工作模式非他們所慣用，更不大可能以單純修繕維生，且雙方在修復程度的拿捏、古物美感的認知也不盡相同，例如要固定抽屜時，使用釘槍速度較快，但葉家宏則會希望用鐵釘一個一個慢慢釘上去，「修復也要顧及美感，不只是做勇而已。」

走到店後方，像是落地窗般的8扇老門板一樣打破常規的製作流程：一般都是將門邊固定後，找尋合適尺寸的新門框就好，工序相對簡單；但由於蒐集而來的老門尺寸不一，必須請師傅用其他木板收邊，才能與牆壁緊密貼合。要讓古物能自然地融於空間，著實不容易，與師傅的有效溝通十足關鍵，再加上能否遇上命中注定的那扇門，也是未知數，「就像愛情一樣，你在路上會遇到很多寶石，確定了就把它撿起來，然後走完這段路；看到喜歡的東西時，一但握了就不能再放，有些人因為怕在路上又遇到更好的，走完才發現什麼都沒有留下。」以愛情比喻古物蒐集的心境，葉家宏把握每次的不期而遇，看對眼的古物總是「先收下再說」，市場價值擱一邊，因為愛最大。

越日常的物件越值得拯救

仔細逛一輪鳥飛古物店，會發現擺放的全是日常物件，「這些東西比較有趣，因為你可以直接拿去使用。」葉家宏說，自己對古董搜集沒有太大的興趣，挑選的都是基於生活需求而生產的老雜貨，且不追求物件來源為名家所有，只希望透過一己之力，讓修復後的老件能與現代人的生活接軌，同時傳達古物的美感意識。

 

 

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由於時代變化，有些物件難以回到最初的用途，「但如果我們可以從中看到附加想像，它就能變成大家喜歡的樣子。」例如店內的喇叭檯燈，首次看到是在京都古物店，但在成為檯燈之前，它是真正的樂器，從歐洲進口的喇叭、法國號，經過日本職人精準的改造，「那樣的美感姿態是獨特、是加分的，當我們逐漸習慣老件的美，那就是一種思維的轉變；有時候我覺得自己不是在販賣商品，而是在進行思想的傳播，一種思想改造，或稱作思想的修復。」

店內的喇叭檯燈，來自日本職人改造法國號而成，藏有一股混搭的獨特美感。

現代人總習慣電器、家具壞了就去賣場購入新的，但葉家宏認為，東西壞了，腦中應該啟動修復思維才對，而非一直快速汰換。「老料新作」的道理也很重要，一如市面上許多建材銀行，鳥飛古物店也會收取檜木等材料、或即將淘汰的家具，例如一張壞掉的藤椅，將藤材取下後，它就有機會改造成一座新沙發，獲得重生的機會；修復背後的永續概念，與物件的存在意義不謀而合，物件皆伴隨你我度過人生某一段歲月，接著會繼續往下個旅程走，無論以何種形式。

 

 

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葉家宏最後分享自己的人生座右銘：「人生不能無趣，要做一些感動人的事情。」從收藏者到古物店主理人，他用修復之眼看待世界，搖擺於感性和趣味之間，不僅靠自己的眼光維生，也陪伴每一件老物找到更好的歸宿。

印象深刻的修復古物：曲面玻璃大櫃 

一件家具的修復並不簡單，需要經過多位師傅、或廠商的通力合作才能完成，更何況是高難度的曲面大櫃，通常只要曲面玻璃破損嚴重，就很難再將其恢復原貌，再加上要覓得熟知玻璃古法、又能依照曲面尺寸進行修復的師傅並不容易，「所以師傅在現場拿出三、四十年歷史的手動式鑽孔機時，其實蠻震撼的，可以想像他以前就是靠這樣的手藝，慢慢修理每樣東西。」老師傅只靠單手不斷轉圈、帶動鑽頭鑽洞，而鑽洞之前，還要抹上具潤滑作用的有機溶劑，步驟之繁複，讓第一次見識到的葉家宏著實開了眼界。

葉家宏

鳥飛古物店主理人。商學院畢業後，曾短暫進入家中工廠學習焊接相關知識，並自學皮革、木工等，培養古物修復技術，讓老物能在新的時空裡延續生命。從單純收藏到經營古物店，也曾擔任大學業師，盼將自己的經歷分享給年輕學子。

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文｜曾智怡 

攝影｜PJ Wang

本文選自La Vie 2020/12月號《修復的工藝》

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/10月號《韓國設計特搜》

想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group