「台中光山行」賴信佑的金繼漆器工藝！透過修復讓故事永遠留存

彷彿是個隱喻，光山行漆器工藝第三代傳人賴信佑，重組祖父賴高山在1980年代解散的公司，企圖結合傳統漆工藝與現代元素，重新打回市場。然而，他卻是透過金繼修繕法的推廣與教學，讓原本走向廢棄命運的破碎器皿得到新生，也重新串起漆器與人之間的連結。

對多數人來說，陶瓷器摔破了怎麼辦？既然破鏡難重圓，破碗大概也沒有重補的價值，只有用報紙包起丟棄的命運。然而我們不知道的是，古時因為器皿製造不易，基於愛物的心態，便衍生出修繕工藝。「修繕傳統共有兩大類別，來自中國的鋦瓷，將釘子打在陶瓷上予以修補；另一個是來自日本的金繼（Kintsugi），利用漆器裡的基礎作法，將麵粉與漆調製成補土，重新黏合破碎的陶瓷器。」光山行漆器工藝第三代傳人賴信佑說。而光山行既是以漆器起家，在修復工法上，自然走的是金繼路線。

金繼修復法的特別之處，就是用樹漆混和麵粉，調製出毫無化學添加物的「純天然強力膠」，不僅黏合力更強，因為金繼修復多數用在食器上，二度使用起來也較安全。碎器黏合後，再於裂紋處塗上金、銀漆（此手法稱為「蒔繪」）作為裝飾，也形成一種禪意美感。不過賴信佑說，經金繼修復的器皿等待乾燥時很長，有時可能長達三週，才能獲得堅固如新的舊物。

從日本到台灣的演變

日治時代，日本人在台中成立了「台中工藝專修學校」，藉由正式的教學體系，把蒔繪、變塗（填漆技法的一種）等各種漆器技法流傳下來。「不過早期當個『補破碗』的工匠，地位並不是很高。是這幾年台灣審美觀、價值觀的改變，開始蒐集與修復舊物，才讓金繼技法重新浮上檯面。」賴信佑過往也常去日本香川、京都、金澤等地走訪金繼研究所，精進其中的藝術。

雖然金繼修復的核心關鍵是漆與麵粉，但卻可能因為工匠手藝或所在地區的不同，而在修復過程中長出各自新的生命樣貌。賴信佑就說，日本東北的輪島因為靠海，就採用很多碎貝殼、矽藻土、珊瑚碎片作為材料；香川地區則運用大量木頭。而在台灣，賴信佑試著從在地素材變出花樣，例如把蚵殼磨成粉混進漆料，塗上去後再拿砂紙磨表面，會露出特殊光點。

不管日本或台灣，雖然原料、手法和修復器物類型稍有不同，「台灣泡茶的人多，送修的茶道具是大宗。日本是茶碗和盤子為多數。」賴信佑說，但本著都是相同愛物惜物的心。賴信佑看著客人送修的破碎物品，開始好奇背後的故事。為什麼打破了？打破的當下心情又是如何？透過修復得到第二生命的物品，又會對物主的生命起什麼樣的漣漪？

他回想起生平第一個修復的物件，是阿祖的聖母瑪利亞雕像。「我那時剛回光山行重新經營品牌，我爸把聖母像放在冰箱門旁的櫃子，我把冰箱門一開，撞到聖母，摔到地上碎到不行。想到這是已故阿祖的遺物，無論如何都要拼起來。」他拼了一個多月終於完成，但放回櫃子沒多久，聖母又「跳樓」，這次摔得更碎了。「這件物品很坎坷，好像冥冥中註定要離開。」說起此事，賴信佑仍會不斷重播當下的畫面，手肘撞上聖母的感覺、雕像墜地成碎片的瞬間，每次都會把他的心擊成碎片。

蒐集物件背後的故事

今年秋天落幕的《Sorry kintsugi感性修復展覽》，便是集結了來自不同物主的修復物件故事。其中有些物品初看並不特別，可能只是尋常馬克杯，或老舊煙灰缸，但對物主來說卻有著滿滿回憶，透過修復得以延續感情。「辦完展覽後我開始去想，難道只有高價物品才有修復價值嗎？一個東西的價值，應該由物主自己決定。很多人不知道東西壞了可以修復，因此被迫丟掉很多珍貴回憶。」

在展出物中，賴信佑印象最深的是一個煙灰缸，上面黏著一層黃色焦油，有著滿滿使用痕跡。那是物主搬去台北工作時每天壓力大，晚上都會點根菸紓壓，療癒一天的疲勞。她後來搬回台中過新生活，結了婚、也養了貓，不料貓把煙灰缸打破了。她感覺必須跟過去告別，卻又捨不得那時期獨自去台北闖蕩打拼，以更好的面貌返家的自己。「透過修復，我得到很多故事，這些故事一旦說出來，就永遠被記住了。我不僅修復物件，也保存了某段珍貴記憶。」賴信佑說。

因為想籌備展覽，賴信佑發起「募集碎物」行動，意外換得許多人生故事，那人與人之間的奇異連結，也讓他興起開班授課的念頭，沒想到反應相當踴躍。在學員中，有的常接觸陶器或茶具，上課帶著目的性；卻也有很多人本業與此完全無關，純粹喜歡這課程，就有一名廚師，因為餐廳有太多破盤子，特地來拜師學藝，以後打算用修復過的破盤子給客人上菜，「這麼特別的裝盤，只有我的餐廳才有！」大廚說。來自不同領域的人，聚在課堂的方桌上學習彌補碎片，也分享了不同人生經歷，也有情侶課上著上著，就分手了。「我發現修復器皿比修復關係簡單，卻有些共同之處，兩者都需要時間。當它碎得簡單，修復時間就短，而就算它碎得再複雜，只要你肯動手開始修復，而不是擺著不理，時間久了它自然會好，雖然你仍無可避免看得到裂痕，但它會有新的面貌呈現出來。」賴信佑說。

賴信佑也說，修復得越多，開始學著珍惜眼前所有，不再瘋狂買新物件。「以前也曾失心瘋，追求蒐集這個製造手法，那個漂亮外型，可是買完一輪以後，發現每天固定用的還是那幾個。我開始自問，真的需要這麼多東西嗎？」從修復物件的過程，賴信佑體會到所謂「價值」不全然來自標價，更多時候，是建立在物件背後的情感與記憶上，不論是北漂打工的辛酸，或是故人的遺物，都有其無可取代的珍貴。東西破了不要緊，只要你願意動手修復，破鏡也有重圓的一天，像極了愛情。

金繼技法眉角

製作漆料時很需要經驗，必須以刮刀不斷來回融合高筋麵糊與生漆，把麵粉的筋揉掉，直到粘性出來，「像恐怖情人一樣黏，怎樣都甩不掉才行。」賴信佑打比喻說。而漆的調製也會因為當下溫濕度有不同結果，要用手和眼去感受，不能死守固定比例。雖然成分天然，但生漆裡的「漆酚」卻很容易引起皮膚過敏，要特別注意。賴信佑說，把物品碎片重新接回不難，但要接得漂亮需要耐心。因為漆有粘性，拿筆塗描裂縫時很容易塗歪斜，或沾得到處都是，所以製作前必須讓心情沉澱下來，內心不能忙亂。就有學員畫到最後發脾氣，所以也考驗心境。黏合後的物品放置時需要注意重心，以免再度碎裂，乾燥的空間最好溫濕度保持恆定，濕度在70∼80度，溫度在25∼30度為最佳晾乾條件。 

延伸閱讀 ▶ 閃著金光的籃球場！波士頓藝術家用日本「金繼」修補工藝成就球場缺陷美

光山行漆器工藝

1946年由賴高山先生創立，以千層堆漆飾品成功打入日本外銷市場，後在1980年代不敵時代變遷而解散。第三代傳人賴信佑於2016年重返經營品牌，以民藝角度推廣漆工藝，並推出飾品品牌ANOUKS，讓漆器更貼近日常。光山行亦有金繼修復課程，並推出可自學修復材料組。 

文｜李郁淳 

攝影｜林祐任

完整內容與更多老件修復皆在La Vie雜誌2020/12月號《惜物的工藝》

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23