「我想到去日本買衣服的經驗，每次看衣服時都察覺不到店員的存在，但當你要問價格、正要轉頭時，他就會馬上出現在你面前，我想像的指標系統就是這樣，你需要它時，它可以讓你輕鬆辨識，但當你關注在其他事情時，它也不會干擾你。」這是角白設計負責人莊濟寰（Roger）對指標系統設計的期待。

車站2號出口往哪走？你知道洗手間在哪嗎？要回答這些方向性問題，往往得仰賴指標系統，舉凡車站、美術館、百貨公司、飯店，都可見其蹤跡；融入場域的同時，指標也肩負著資訊傳遞的重要任務。參與過許多指標系統設計案的Roger，近期新作為嘉義市立美術館的視覺識別系統（VIS），從logo開始，一步步形塑嘉美館的品牌形象；而其中的指標系統正是相對隱性的存在，「因為美術館真正的主角是展品，所以我希望指標可以退到最後，提供指引功能即可，不要再創造更多物件讓民眾心緒混亂。」為了與該場域相融，指標最後不另作量體，而直接以牆面絹印的方式呈現，icon顏色也使用深灰色，絲毫不搶展品風采。

要達到空氣一般的存在，其實並不容易，背後所付諸的時間心力不容小覷。操刀新竹火車站指標系統優化設計的Bohan Graphic負責人施博瀚表示，由於指標系統存放於真實場域，不像一般logo設計能在紙面上與客戶討論就好，場勘極其重要，「我都會想像自己是第一次到這個場域的人，對於動線的理解是什麼？然後用體驗的方式去感受這空間的布局，思考如何能夠更好。」

指標落點因地制宜

新竹火車站因為歷史悠久，且場域功能明確，指標的落點大都沿用原來的位置；嘉美館亦同，各樓層的平面配置相似，落點位置並不是一件太傷腦的事。反觀某些高複雜性空間，就會需要空間設計師介入，進行整體動線規畫，最明顯的例子就是台北車站。

Roger分析，要判別落點位置，通常有幾項參考，例如該處是否屬於動線樞紐位置、單一通道過長時會增設落點等。而依據場域功能的不同，落點位置也會有所調整，以商場為例，由於周年慶等活動會造成大量人流，設計師在規畫指標落點時，需事先了解百貨慣用的廣告訊息露出位置，若以頂掛式橫幅廣告為主，那指標就要避免設置在天花板附近，以防遭遮擋，導致周年慶期間大批民眾迷路的窘狀。

落點位置沒有絕對，視空間條件而定，好比電影院就不適用嘉美館的絹印手法，因為燈光過於昏暗；反觀美術館等擁有大面玻璃、任自然光傾瀉而下的空間，若設置電影院常見的燈箱式指標，反而會看不清楚；又或是地鐵站等交通樞紐，指標則以頂掛矩形量體為佳，因為這樣一來，將能顧及來自四面八方的民眾，以免大家一窩蜂擠至牆面前閱讀指標訊息，造成人潮堵塞。

icon 組合應用大哉問

icon設計重點在於風格的一致性，分成線條感，色塊感、幾何圖形圈限3種，例如手機app就屬第3種，「但新竹火車站icon都是混著用，空間會太跳，所以當我們用統一的架構去收整，即便看起來差不多，你還是會覺得整體變舒服很多。」施博瀚說道。正所謂魔鬼出在細節裡，原先計程車和公車logo的風格明顯不同、各種人像在內的icon也可見肩膀造型不一等，逐一修正後，不僅大力減輕視覺的凌亂感，也讓新竹火車站搖身變成一處清幽雅致的公共客廳。

 

 

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「如果畫茶水間，是要畫飲水機、茶壺、還是一個人在喝水的樣子？」icon繪製的首要考量即為易辨性，而在繪製完所有icon後，便是時候思考如何組合與應用。他表示，新竹火車站的問題在於，同一塊招牌內的指引混亂，進而影響導視效果，因此需要重新梳理，例如將同方向的指標icon置放同一區塊，增加資訊的閱讀效率；換言之，指標設計是一種資訊圖表（infographic）的呈現，「設計不只是靈感，還是一個整理的過程。」

而對Roger來說，指標系統設計更是和業主共同邏輯推演的過程。例如他曾和館方來回討論「館長室」指引資訊的實際需求，「嘉美館分為展館和行政中心兩個建築體，而展館主要是以觀展民眾為主，並非洽公人士，所以在展館中使用『行政區』來取代『館長室』更為洽當，而『館長室』的字樣則是標示在館長室的門口處。」以來訪者屬性做為判斷依據，是十分有效的策略，另外，針對與民眾觀展較無相關的空間，好比機房、電氣室、典藏室等，標示「禁止進入」即可。

不是在欣賞字的美感

綜觀近期公共設計選用字體，會發現嘉美館、新竹火車站、甚至北花線回遊號車體外觀都運用同一套字體「文鼎晶熙黑」。施博瀚分享字型選擇的眉角，一般情況下，方方正正、筆畫布局相對飽滿、近似圖像化的漢字較為適合，例如文鼎晶熙黑，原因在於這樣的字體少有視覺斷差，「如果字的下緣有一段凹進去的落差，遠看就會比較難辨識，但我們不是在欣賞字的律動美感，而是要夠醒目、夠容易判讀為佳。」

中文之外，歐文和標點符號也要納入考量，例如i、l、1三者相像，能明確辨識三者差異的字體就有機會成為設計師的首選。此外，讓指標能否「順眼」的關鍵還有一項：中英文長度差。當英文長度過長時，一般會直接壓縮處理，導致字體扭曲變形，比如火車站哺乳室的英文長度是中文的好幾倍，有鑑於此，施博瀚也特別追加一款窄版字型（Arial Narrow）供交替使用；公共設計要細膩，才會深得人心。

公共VS商業空間

公共指標一般不能輕易改動人們對icon的既有認知，反觀私人企業的指標系統案，畢竟屬於個人資產，把玩品牌風格之餘，也能從中進行更多創意發想。例如施博瀚曾經參與的西門町「路徒行旅」視覺識別設計，在登山越野風、英倫復古風交融，且藏有懷舊氣息的旅館空間裡，可見車牌廠商客製的房間門牌、老式鐵件製成的指示牌等，處處是巧思，與空間氛圍相得益彰，「配角要演得好其實不容易，就像演路人也要演得自然，否則搶掉主角的戲，整體就會很突兀。」

比起商業空間，公共場所的指標系統對可辨識資訊的要求更高，更趨近通用設計，而Roger認為，能否擁有高容錯率最為重要。「如果今天是上坡，結果icon讓我誤認為是下坡，進而造成身體上的危險；或是這個設備『我要你不要去碰』，因為它有電，結果你畫了一個icon，看來像是『歡迎大家去摸』，這都是很可怕的事。」依據視覺經驗不同，人們對符號的解讀也會有所不同，因此設計指標時要盡量符合多數人的符號想像，才能將意外傷害降至最低。

究竟，公共設計如何才能滿足大眾？施博瀚回答：「假設台灣人平均身高是165公分，但門框不可能就只做165公分，你一定要做到連最高的人也可以過得去的高度。」看待公共設計，就像數學的集合概念，光交集（A∩B）不夠，得聯集（A∪B）才行。

莊濟寰（Roger）

角白設計負責人暨創意總監。專長視覺設計、品牌規畫、跨領域策略制定、活動識別等，作品曾獲德國紅點設計獎（Red Dot）、TID大獎、金鼎獎、金點設計獎等殊榮。近期作品有：嘉義市立美術館視覺識別系統、2020蔡英文總統連任競選主視覺、台電企業形象旗艦館《電幻1號所 D/S ONE》等。

施博瀚

Bohan Graphi© 設計工作室負責人，擅長識別系統、品牌企劃、標準字設計。作品曾獲金點概念設計獎年度最佳設計、SDA BEST100、DFA亞洲最具影響力設計獎、ADAA決選、新一代設計銀獎等，並相繼收錄於多本設計刊物中；亦為繁體中文字型「凝書體」的創作者。

文｜曾智怡

圖片提供｜莊濟寰、施博瀚、台灣設計研究院

更多設計新知與美感話題皆在La Vie 2021/1月號《拆解一家餐廳》

說到披頭四（Beatles），你腦中最先浮現什麼畫面？許多人的答案想必是4位團員走在斑馬線上的場景，那是1969年問世的《Abbey Road》專輯封面。從這張英搖經典，到2024年爆紅的Charli XCX專輯《Brat》，用一記直球「Brat Green」單色封面對決大眾視覺，掀起全球熱潮，兩者時隔55年，卻不約而同印證了專輯封面對一張唱片的藝術表達、大眾傳播度，影響有多深刻。

創立68年，葛萊美首度頒發「最佳專輯封面獎」

肯定封面視覺之於音樂專輯的必要性，及其所象徵的文化意義，2026年第68屆葛萊美獎（Grammy Awards）將首度頒發「最佳專輯封面獎（Best Album Cover）」，表彰藝術指導（art director）在專輯製作中的貢獻，這將與「最佳唱片包裝設計獎（Best Recording Package）」相映，成為葛萊美頒獎台上最具代表性的設計美學獎項。2026葛萊美頒獎典禮將於2/1舉行，本篇帶你預習史上首屆「最佳專輯封面獎」入圍名單，帶你看懂5張封面呼應音樂詞曲的視覺巧思！

入圍專輯01｜Tyler, The Creator《CHROMAKOPIA》

藝術指導：Shaun Llewellyn & Luis "Panch" Perez

歷年專輯封面總帶濃烈色彩、極具視覺張力，饒舌界的藝術家Tyler, The Creator第8張錄音室專輯《CHROMAKOPIA》也不例外。由攝影家Luis Perez擔任藝術指導，專輯封面以濃烈的褐色調呈現，畫面中Tyler, The Creator戴上一副刻有自身面容的陶瓷面具，向掌鏡人伸出右手，彷彿在渴求著什麼。這張面具乘載多重意義：藉外在形象，向樂迷介紹這位饒舌歌手的新分身「St. Chroma」；往內層意義探，則呼應收錄詞曲中對身份認同、真實性的探討，同時隱喻名人在公眾形象、內在自我之間的掙扎。

構思封面時，Tyler, The Creator以1940年代好萊塢流行的「黑色電影（film noir）」為範本，嘗試將其陰鬱視覺、悲觀敘事、對道德及人性黑暗面的探討……種種特質，融入《CHROMAKOPIA》專輯視覺，企圖透過詭譎、甚至令人看了感到不安的畫面，迫使觀者留意畫面中的主角（也就是Tyler, The Creator本人）想表達些什麼？以此入門聆聽詞曲中暗藏的故事。

入圍專輯02｜Djo《The Crux》

藝術指導：William Wesley II

在《怪奇物語》中飾演Steve一角的Joe Keery，不只是名演員，也是才華洋溢的音樂人。2025年4月，他以藝名Djo發表《The Crux》專輯，其核心概念圍繞著「人生的十字路口」展開，全輯故事以一座虛構的旅館為背景，房客們都正處在人生的關鍵轉折點（Cruxes）或岔路口，藉此設定引出專輯所要探討的主題——人在面對改變、抉擇時，所感受到的混亂與迷茫。在這張專輯中，Joe Keery展現自身更真實、脆弱的一面，唱出孤獨、自我反省及面對社會期待的焦慮。

《The Crux》封面由設計師William Wesley II擔綱藝術指導，在洛杉磯派拉蒙影業（Paramount Pictures）片場搭景實拍，將Joe Keery想像中的「Crux旅館」帶到現實世界。相對前張專輯《Decide》的洗練視覺，Joe Keery這次想走「極繁」路數：畫面中可見大家各做各事，有人對著鏡頭打鬧、有人仰天大笑、有人靠在敞篷車上發呆，而Joe Keery本人不知為何掛在飯店2樓的窗外。失序到令人不明所以的場景，呼應《The Crux》歌曲中唱的迷茫、失落與混亂，這些站在人生岔路上的旅人們，看似聚在一地，卻各自面對著生活的混沌，彷彿暗示著：我們都只是偌大世界中，萬千紛擾下的眾多之一。

入圍專輯03｜Wet Leg《moisturizer》

藝術指導：Matt de Jong, Joshua Mobaraki & Wet Leg

來自英國的獨立搖滾樂團Wet Leg，2022年以雙人編制發表首張同名專輯《Wet Leg》，就憑新人之姿拿下葛萊美「最佳另類音樂專輯獎」，其曲風遊走於後龐克、迷幻搖滾之間，配上無厘頭又貼近生活的歌詞、夾雜歌唱與碎念般的獨特表演方式，有點俏皮、有點搞怪，又幽默得讓人會心一笑，迅速在獨立樂壇圈下一席之地。時隔3年，Wet Leg擴展為5人組，並於2025年夏天帶來全新專輯《moisturizer》，樂曲融入更多後龐克與瞪鞋元素，同時以更成熟的音樂編制，昇華初代團員的表演魅力，讓Wet Leg頑皮、張狂、怪誕的迷人風格更加銷魂。

《moisturizer》專輯封面由5位團員與平面設計師Matt de Jong、攝影師Jamie-James Medina共同構思，創造野性十足的怪誕視覺。只見主唱Teasdale如獸般四肢著地，面帶挑釁笑容；吉他手Chambers則背對鏡頭環抱自身，刻意露出尖銳美甲。盯著這畫面看，你心裡有什麼感覺？是感受到詭異的性感，或覺得有點不舒服甚至噁心？Teasdale希望兩種感受能同時闖進你的心：「將對比強烈的概念並置，一直是我們在玩的東西，這種衝突感非常有趣。」Wet Leg本就不是乖乖牌，不走尋常路，因為他們相信無論是音樂或視覺，「創作能量」就該是一種顛覆性的存在。

入圍專輯04｜Perfume Genius《Glory》

藝術指導：Cody Critcheloe & Andrew J.S.

歷經3年沈澱，Perfume Genius於2025年3月釋出新專《Glory》，他曾坦言這是一張「有毒」的專輯，詞曲中裝滿焦慮，赤裸呈現他近年生活中的失重時刻，吟唱著關於死亡、慾望、自我厭煩的憂慮。對他而言，《Glory》也像是一回自我揭露——在沈潛多年後，選擇直面混亂，將自己脆弱而私密的一面化為樂音，企圖在混沌中找到突破的窗口。

在《Glory》專輯封面中，Perfume Genius再次以「雕塑」般的姿態出現，過去他曾在《Too Bright》封面頂著希臘雕像般的精緻面容亮相；為《Set My Heart on Fire Immediately》裸上身入鏡，臉部輪廓與身體線條在黑白畫面定格下，顯得更加鮮明而鋒利，明明鏡頭拍的是真人，卻讓觀者有種盯著蠟像看的錯覺。

話說回《Glory》，這次Perfume Genius倒臥在鄉間木屋的地毯上，雙腿歪斜、衣衫不整、身上還纏著延長線，詭譎畫面讓人看了心裡發毛，不禁好奇到底發生什麼事？對此他答：「這像是電影中的一幀定格畫面，我看起來像生病了、也像在跳舞……它可以被解讀成任何狀態。」也許可以把它想成一張不小心用手機截到的圖，因為隨機，所以令人摸不著頭緒。因隨機而生的混亂，正是Perfume Genius所求：「我喜歡它呈現出來的樣子，真誠而私密，夾雜著荒謬、戲劇性與表演性。」正如《Glory》歌詞、旋律、節拍與唱腔交織出的一切。

入圍專輯05｜Bad Bunny《Debí Tirar Más Fotos》

藝術指導：Benito Antonio Martinez Ocasio aka Bad Bunny

來自波多黎各的饒舌歌手Bad Bunny，2025年初透過專輯《Debí Tirar Más Fotos》，表達濃烈的家鄉愛。專輯以西班牙文中的「我應該多拍點照片」為名，表達對流逝生活的感慨和反思；曲目則藉深植波多黎各文化的雷鬼凍（Reguetón）曲風，交織奔放的拉丁舞曲節奏，提醒人們在忙碌生活中，停下腳步捕捉轉瞬即逝的回憶，別讓未來徒留遺憾。

由Bad Bunny親自操刀的專輯封面，是今年「最佳專輯封面獎」入圍名單中，唯一不見人影的作品。洋溢熱帶氣息的香蕉樹，捕捉了波多黎各的自然氣息，前年Bad Bunny回鄉度過夏天與秋季，在聖胡安（San Juan）連辦好幾場演唱會，場場滿座。然而在演出的喧騰背後，香蕉樹下的2張空椅，卻流露出一絲惆悵與失落，彷彿乘載著思念。這引起不少歌迷猜測，Bad Bunny藉此表達對已逝戀情的感受，但他本人從未證實這說法。或許並非關於「愛情」，但《Debí Tirar Más Fotos》絕對是一張關於「愛」的專輯，這是一封Bad Bunny獻給家鄉的情書，而他也在專輯背面親筆寫下：「此作獻給世界各地的所有波多黎各人。」

2026年，台北當代藝術館（當代館）迎來開館25週年，並宣佈營運至今年末，2027年起將閉館整修。為慶生也為紀念，當代館推出一系列25週年創意周邊，以「時間」為題，結合場館古蹟建築特色、撞色設計，及隱喻暫別的停止鍵符號，推出帆布袋、保溫瓶、繪本等紀念商品。本篇帶你從當代館建築有趣的身世看起，讀完後入手周邊會更懂其收藏價值所在！

當代館建築的複雜身世：從小學、市政府到美術館

坐落於長安西路的當代館，是台灣首座以當代藝術為主軸的美術館，也是全台少見以市定古蹟為據點的藝文機構。當代館所在建築的身世非常有趣，最初在日治時期為建成小學校，循當時日本流行的「和洋折衷」風格建造，紅磚牆、黑瓦屋頂、塔樓、木構、雙邊對稱的古典學院派樣式……皆可見日本與西洋建築樣貌融合的影子。

二戰後，台灣政權轉移，建成小學校轉作為市政府；到了20世紀末因市政府遷址，且此處被列為台北市定古蹟，場館後續用途引發多方論戰，最終決定將建物主樓改建為美術館，東西兩翼則改作為建成國中校舍，成了全世界罕見美術館與學校共用建物的案例。

當代館建築的多舛身世，深刻影響了場館如今的策展走向，因建築為古蹟，且早期作為學校、政府使用，並沒有館藏空間，限制頗多；然而也正是因為受限，當代館在展覽的議題定調、編排上更具實驗性，並將策展場域延伸至廣場和社區，逐步成長為台北指標性的藝文場域。

紅磚古蹟意象 X 自由變形框，構成2024年嶄新識別

2024年，當代館換上全新的識別系統，由顏伯駿率領的三頁文團隊操刀，以大家熟悉的紅磚古蹟外觀為基礎，將長廊、鐘塔等建築特色，簡化為俐落線條，並融入動態設計思維，為識別加入「自由變形的對話框」，呼應當代館建築自1920年代以來包容教育、政府、藝術等不同功能的靈活轉變，也回應了館方自由、富實驗性的策展精神。

25週年創意周邊登場！以「時間」為題設計

來到2026年，當代館迎接開館25週年，趁此推出紀念創意周邊，全系列設計圍繞著「時間」展開，圖樣自場館建築的「圓拱」元素汲取靈感，透過多重圓弧的疊加與交會，將靜態的建築曲線，轉化為具流動感的視覺符號，象徵25年來多元藝術在此匯聚、交流的軌跡，也在閉館整修前，為營運25年的歷程畫上深刻而美好的逗點。

帆布袋、原子筆採撞色設計，象徵多元藝術視角和創造力的交會，細節處融入「暫停鍵」與「播放鍵」符號，隱喻當代館將與觀眾暫別，調整步伐，3年後以嶄新姿態再次啟動。

保溫瓶身則覆以連續的拱門圖形，搭配呼應日、夜的亮與深色，象徵當代館陪伴城市走過的25年光陰。

「古蹟繪本」濃縮當代館25年精彩故事

下半年隨9月「全國古蹟月」來到，當代館將特別出版「古蹟繪本」，邀藝術家王春子擔任作者與繪者、吳孟寰擔綱美術設計，並委由典藏藝術家庭（小典藏）出版發行。像是一顆「記憶膠囊」，繪本將呈現當代館的歷史沿革、建築特色與展演精神，透過可親、易讀的敘事，引導讀者認識這座由古蹟轉化而成的美術館，如何在不同時代背景下，乘載藝術實踐與公共文化的角色，也藉此讓當代館25年來為藝術投注的的心力，得以留存紙上被珍視、收藏。