「聲音的建築展」3個看展心法！主辦人梁浩軒提點3大看展重點

2020年12月25日由INCEPTION啟藝，帶進東京21_21 DESIGN SIGHT的「AUDIO ARCHITECTURE：聲音的建築展」在華山開展，開展至今即使沒有親臨現場，都不難從照片中看出展覽的樣貌：25公尺長的L型白牆，不斷投影各種形式的影像，但如果你以為它只是拍美照的地方，看照片就好，那可就錯了，主辦人梁浩軒說：「如果沒有真正走進來看展，是無法體驗到現場的震撼和好玩的地方，這也是聲音建築展高明之處，我會形容它是既簡單又高級、有力量的展覽。」

《聲音的建築展》台北華山12月登場！東京21_21 DESIGN SIGHT融合視覺、聽覺沉浸式展覽

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常有人說，看展不需要懂，看到什麼就是什麼，但每個人的眉角不同，我們特別請主辦人梁浩軒來分享，當初為什麼想要移展台灣？有哪些（他認為）走進來絕不能錯過的重點。

即日起至3/18，於La Vie LINE官方帳號正舉行贈票活動中！詳細參加辦法請見文章末尾。

視覺表現得簡單又高級

別以為看過很多展覽的人，光看海報就知道展覽有多精彩，2018年梁浩軒到東京21_21看展，在完全沒有預先安排行程的情況下就走進「聲音建築展」，「一開始『看』不懂，前面15~20分鐘，我都沒意識到，眼睛和耳朵聽到的是一樣的，直到大西景太的3D幾何圖形在牆面上出現，直接呼應音樂時，我才整個人像敲到頭一樣驚醒。它完全打破我『看』展的邏輯，原來視覺和聽覺是同步的。」當意會到這點時，才會真正體會到「原來這個展覽很甜，也才有辦法再往深處探究這個展覽重要的本質。」

他說自己看完展太興奮，立刻打電話給21_21窗口，告訴他一定要移展台灣，「聲音建築展是我近幾年，除了teamLab之外，用視覺表現得更簡單又高級的手法。」全亞洲各地充斥以teamLab手法，展示視覺藝術的展覽，但梁浩軒認為，「聲音建築展」完全跳脫這個框架的視覺藝術，也沒有高冷科技的包袱，而是走出自己的一條路「當下我覺得它肯定可以為台灣做視覺藝術、視覺設計或科技藝術的人，帶來另一種刺激，翻轉大家熟悉的事。」

大螢幕的聲音視覺化細節

如果以展覽形式來說，「聲音建築展」實在太簡單了，只有一個25公尺的L型舞台，從頭到尾只播放一首歌，並輪流投影8位藝術家作品。但為什麼舞台要設計成25公尺長、邀請8位藝術家、做一場長達40分鐘的展覽？

以時間長度來看梁浩軒說：「展覽總監中村勇吾是60年代的人，他從卡帶、CD一路聽到數位音樂，希望展覽可以回放過去聽卡帶或CD令人沈迷的感覺中。」意思是過去的類比播放器，音樂必須在脈絡裡一首接一首流動，多數人都是邊通勤或邊看書／做事、邊聽音樂，40~50分鐘的專輯，一下子就聽完了。「他覺得這件事情有趣，想重現在展覽中。而透過8位不同視覺效果的藝術家作品，還會讓人錯覺在聽8首不一樣的歌曲。」而舞台拉長至25米，則是因為中村想讓聲音視覺化的效果放大，「當螢幕夠大，聲音視覺化的細節才會被看得更清楚。」

每個人都成為環境角色的一部分

有意思的是，梁浩軒認為，當初中村勇吾在策展時並沒有為了搭上這波潮流而刻意做什麼，「他只覺得L型牆，大家可以走進去變成展品的一部分。」或許有人會認為，這不就是沈浸式地思考嗎？「大家都在談沈浸式的腳本、劇情，但我覺得沈浸式展覽更重要的是，讓觀展者帶著想法離開。」沈浸式展覽不是讓大家可以拍很多漂亮的照片、不是做出美感上的差異，而是「思想上」，甚至可以向迪士尼樂園沒有數位科技的鋪陳，卻能讓每個走進來的人變成整個環境角色的一部分。所以他才說：「這場展覽，看到、拍到的照片，都不會比你在現場體驗得更好。」

最後由梁浩軒提點幾個身為主辦人，覺得來看展不能錯過的3個必看點：

1. 片山正通設計的空間

「這個展，讓我不覺得自己在華山，它的空間感很棒。」梁浩軒也曾多次在華山辦展，但他發現，每個策展人都會想盡辦法把空間用到最極致，會希望大家一來就能逛很久，「這裡不一樣，片山讓所有觀展者可以在寬闊的空間裡自由行走。就是要讓大家感覺到自己在400坪的寬闊環境裡，走到和展牆都做得比一般展覽更高、更寬。」

 ▲ 後台完整呈現8位創作者作品與創作理念

2. 站上舞台近距離感受展覽

梁浩軒發現，台灣觀眾都太害羞，不敢踏上L型牆，真的很可惜，「大家可以坐在展台上看展，近距離才能感受視覺轉換時，像坐在時光隧道或不同情境裡穿梭的迷離感。」無論想在台上跳舞、小孩在台上奔跑，全都歡迎不用客氣。

3. 連日本都買不到的周邊商品

聲音建築展在日本開展時，周邊商品非常少，現在在Shop內看到為每位藝術家做的明信片、衣服都是台灣另外發展的，梁浩軒都忍不住替自己宣傳，「真的很值得收藏。」

2020年延續至今，全球各大展覽都面臨停展的窘境，唯有台灣還能有各種精彩的展覽可以真的走進展館裡，用五感體驗展覽最真實的震撼，梁浩軒也語重心長的說：「所有移展成本一定都比自製展覽的成本更高，如果我們排除萬難做到，但大家還不願意買票看展，也意味著台灣市場沒辦法支持國外好的展覽來台，未來也會讓很多主辦方對移展卻步。」別再抱怨台灣的展覽不好看，當有人願意把國外的展覽原汁原味呈現，大家只需要坐捷運就能看展時，有沒有去買票支持就變得非常重要。

 ▲ 整場只有這個展演的紙片，是特別從日本來台灣，可以動手玩出影像裡的奇幻感

AUDIO ARCHITECTURE：聲音的建築展

地點｜華山 1914 文創園區 東 2 AB 館

期間｜2020年12月25日～2021年4月6日

主辦單位｜INCEPTION 啟藝

企劃單位｜21_21 DESIGN SIGHT

 ▲ 主視覺的黑和字體有點暈染的螢光感，都是和日方多次協調後的最佳結果，別忘了多看它兩眼

《AUDIO ARCHITECTURE：聲音的建築展》X La Vie 贈票活動

時間｜即日起至3/18 23:59

參加辦法｜

於La Vie LINE官方帳號聊天室輸入「聲音的建築展」，並按步驟完成小互動，就有機會抽中《AUDIO ARCHITECTURE：聲音的建築展》展覽票券1張！

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※票券可使用至展期結束。

文、攝影｜Elif Chan

圖片提供｜INCEPTION 啟藝

迎接新北市美術館開館週年及三鶯線通車，《海山夜行－新北市美術館建築光雕暨聲光環境劇場》將於2026年6月20日至7月12日於新北市美術館登場。本次展演以建築光雕結合聲光環境劇場形式，打造長達10分鐘的沉浸式夜間體驗，邀請觀眾進入一場穿越歷史與未來的感知旅程。

「海山夜行」以「海山」古地名出發，從清代「海山庄」到日治時期「海山郡」，包含現在的三峽、鶯歌、樹林、土城、板橋、中和、永和，以及新莊、桃園大溪等部分區域。而此次《海山夜行》以藝術總監陳怡潔與音樂總監王希文為主創，集結表演藝術、音樂、影像科技與光學藝術等跨領域創作者，打造長達10分鐘的沉浸式聲光體驗。

亮點1：打造360度環景聲光劇場

《海山夜行》以新北市美術館與周邊地景為整體舞台，打造一座結合建築、地形與文化脈絡的360度環景聲光劇場。展演長約10分鐘，觀眾不再只是定點觀看，而是在行走之中進入光影敘事，沉浸於一個隨空間展開的感官場域。本次演出特別邀請國際當代舞蹈家劉奕伶參與創作。她將海山地區的文史記憶內化為豐富的肢體語彙，將美術館轉化為一座「超現實的表演舞台」，不僅用肢體娓娓道來海山意象，更以舞蹈演繹三鶯地區「四金一陶」的歷史新貌。

亮點2：美術館化為感官實驗場

音樂團隊由王希文領軍，攜手電子聲音藝術家 Sophie Lu、笙演奏家李俐錦，展開融合電子合成器、即興流動與空間節奏的電聲實驗，並將國際知名獨立樂團大象體操〈遊戲〉、以及落日飛車與 HYUKOH 共創曲〈Antenna〉等聲音文本，重組編織進入整體光雕敘事，在聲音、光影與身體之間，構築一場遊走於科技與感知邊界的現場共演。

亮點3：週末限定，表演藝術接力登場

除了建築光雕聲光劇場，《海山夜行》展演期間，由表演策劃陳映慈規劃多場表演藝術節目，串連舞蹈、劇場與當代表演形式，延伸夜間文化能量，讓觀眾在光影之外，持續感受城市文化的流動。包含：無獨有偶工作室劇團《山與海》、優尼克當代馬戲團《臨界點》、布拉瑞揚舞團《漂亮漂亮》以及身聲跨劇場《希望之翼》，透過偶戲、當代馬戲、舞蹈與跨域劇場等多元形式，在同一場域中展開交會。

亮點4：孩童筆下的想像躍上建築外牆

而《海山夜行》更是一全民共創的藝術實驗場，此次透過新北市立美術館「N・T・C・A・M 變奏曲 × 海山夜行工作坊」，邀請大眾深入參與創作過程，以實踐全民美術館之理念。同時，透過校園扎根與工作坊的串聯，邀請了龍埔國小、桃子腳國小、鶯歌國小、成福國小及海山國小等在地學子共同參與彩繪創作，將孩童筆下對於海山地區動物與文化意象的想像，轉化為流動於建築上的光雕影像。

亮點5：讓地方歷史在光影中甦醒

另外，《海山夜行》的藝術敘事，植根於扎實的田野調查，為深度挖掘海山地區的地理文史，製作團隊特別拜訪國立臺北大學海山學研究中心，並邀請主任洪健榮、在地文化專家林炯任擔任顧問；團隊也透過走訪李梅樹紀念館與三峽祖師廟，汲取創作核心靈感，而這些珍貴的地方記憶都將轉譯為生動的光影素材，在夜色中重新甦醒。

海山夜行－新北市美術館建築光雕暨聲光環境劇場
展演日期｜2026年6月20日－7月12日
展演地點｜新北市美術館（新北市鶯歌區館前路300號）

光雕展演時間
▶ 6/20 - 6/21 夏至音樂節 一分鐘精華版搶先看
▶ 6/23 - 7/10 平日展演時間：每晚19:00、19:30、20:00、20:30
▶ 6/27 - 6/28、7/4 - 7/5 假日展演時間：每晚19:00、20:00、21:00
▶ 7/11 - 7/12 假日展演時間：每晚19:00、19:30、20:00、20:30、21:00

_{資料提供｜新美館、文字整理｜Adela Cheng}

四川與墨西哥城，兩座相隔萬里的城市，因藝術而有了交集，因兩位藝術家對「光」的共同追求，而產生跨越地域限制的共振。

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊（Galerie Marguo）攜手推出《餘光》展覽，帶來中國藝術家謝帆、墨西哥藝術家Dennis Miranda Zamorano新作。儘管在尺幅、創作過程與文化語境上有所不同，兩人的作品皆訴說著某種「衝動」，也都試圖捕捉「光」所觸及的事物，並共享「信任材料得以表達自身」的創作哲學，讓圖像在「有機狀態」中生成。

橫跨四座城市的策展計畫

《餘光》作為TAO ART首次製作的雙人展，籌備過程涉及複雜的跨國合作——2位藝術家各來自四川、墨西哥城，主辦藝廊則分別位在台北、巴黎。對此TAO ART創辦人Vicky Chen表示，不同文化與創作形式之間的交流和火化，一直是TAO ART所關注的核心，而此次《餘光》在2位風格看似迥異、文化養成背景極其不同的藝術家之間，捕捉到了有趣的共鳴，傳遞了藝術和思想跨越國界的內在力量。

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo則補充，《餘光》的起點源自一個簡單的觀察：儘管謝帆與Dennis Miranda Zamorano之間存在許多差異，卻都試圖透過藝術作品，將某種「光亮」凝止於當下，「或許這因2人皆來自嗜辛之地——四川與墨西哥城，共享著貫穿文化、地景與感官經驗的強烈能量。一位將這種能量轉化為耐心與大地的質感，另一位則化為迫切的表達與偶然的力量。」

謝帆｜交織感官、視覺、材料、生態的藝術創作

謝帆的藝術創作，體現了他對「物質」及其所蘊含的力量的深度探索。製作陶板繪畫是他日常生活的一部分，他親自準備泥土、燒製陶板，以細膩筆觸在陶板上作畫，這些作品未經矯飾，以貼近土地的質樸氣息和面貌，映現創作者的生活經驗，及對世界萬物的觀察。此次展覽亮點之作——「天象」系列陶板繪畫，描繪日月運行的軌跡，表達人類與宇宙之間的感知關係，捕捉了人類對光的深刻渴望。

除了陶板繪畫之外，謝帆也在絹上悉心作畫，並使用中片幅相機攝影。他在成都的工作室不僅是繪畫創作的空間，也像一座實驗室，他在那採集野外食材嘗試料理，培養微生物的小型生態系，長時間觀察其變化與行為。他對世界常保敏銳感受與好奇心，由此開展出交織感官、視覺、材料、生態的藝術宇宙。

謝帆的作品流動著靜謐能量，讓觀者得以進一步意識並感受身體周遭、從大地延展至天空的廣闊空間。Dennis Miranda Zamorano的藝術創作，則透露了創作者和媒材之間原始、強烈的能量交流，彷彿將某種世界神秘的初始力量引入畫布之上。

Dennis Miranda Zamorano｜探索「超越人類存在」的藝術能量

Dennis運用噴漆、刀具、砂紙、化學材料等媒材創作，並將成長經驗轉譯於畫布，他自小的生活節奏隨著墨西哥露天市集（El Tianguis）流動，這份經歷讓他對各種「偶遇」擁有相當敏銳的感受，這也影響他適時放手、任作品「有機生成」的創作手法。舉例來說，Dennis部分作品與「雨水」共創，任自然元素參與作品的成形，在畫布上激盪出豐富層次與意想不到的效果，呈現一種「超越人類存在」的獨特感染力。

《餘光》展覽中尺幅最大的作品〈獻給美洲的花園〉，是一片瀰漫憂鬱氣息的遼闊藍色場域，其上覆蓋著複雜、細膩的各種形狀，如植物的枝葉根莖，夾雜著宛若斑駁光影灑落牆面的幽微印痕。

另一件作品〈黑暗中的光之樹〉則如神話場景，描繪著在黑暗森林中閃爍的微光，色彩波紋在水面與倒影之間蕩漾，透過豐富的筆觸、滴落的顏料、大膽的色彩與空間構成，營造出引人遐想的夢幻畫面。

Dennis曾說，他與謝帆的共鳴來自兩人都理解「信任材料會表達自身」的重要性。當兩人的作品置於同一空間，不僅是作為圖像而彼此對話，也開展了繪畫作為一種語言的可能性。身為觀眾的我們，也得以透過兩位藝術家的創意激盪，窺見繪畫顯現內在感知世界的能量。

《餘光》

展期｜2026.05.23－07.18

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00