「聲音的建築展」3個看展心法！主辦人梁浩軒提點3大看展重點

2020年12月25日由INCEPTION啟藝，帶進東京21_21 DESIGN SIGHT的「AUDIO ARCHITECTURE：聲音的建築展」在華山開展，開展至今即使沒有親臨現場，都不難從照片中看出展覽的樣貌：25公尺長的L型白牆，不斷投影各種形式的影像，但如果你以為它只是拍美照的地方，看照片就好，那可就錯了，主辦人梁浩軒說：「如果沒有真正走進來看展，是無法體驗到現場的震撼和好玩的地方，這也是聲音建築展高明之處，我會形容它是既簡單又高級、有力量的展覽。」

《聲音的建築展》台北華山12月登場！東京21_21 DESIGN SIGHT融合視覺、聽覺沉浸式展覽

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常有人說，看展不需要懂，看到什麼就是什麼，但每個人的眉角不同，我們特別請主辦人梁浩軒來分享，當初為什麼想要移展台灣？有哪些（他認為）走進來絕不能錯過的重點。

即日起至3/18，於La Vie LINE官方帳號正舉行贈票活動中！詳細參加辦法請見文章末尾。

視覺表現得簡單又高級

別以為看過很多展覽的人，光看海報就知道展覽有多精彩，2018年梁浩軒到東京21_21看展，在完全沒有預先安排行程的情況下就走進「聲音建築展」，「一開始『看』不懂，前面15~20分鐘，我都沒意識到，眼睛和耳朵聽到的是一樣的，直到大西景太的3D幾何圖形在牆面上出現，直接呼應音樂時，我才整個人像敲到頭一樣驚醒。它完全打破我『看』展的邏輯，原來視覺和聽覺是同步的。」當意會到這點時，才會真正體會到「原來這個展覽很甜，也才有辦法再往深處探究這個展覽重要的本質。」

他說自己看完展太興奮，立刻打電話給21_21窗口，告訴他一定要移展台灣，「聲音建築展是我近幾年，除了teamLab之外，用視覺表現得更簡單又高級的手法。」全亞洲各地充斥以teamLab手法，展示視覺藝術的展覽，但梁浩軒認為，「聲音建築展」完全跳脫這個框架的視覺藝術，也沒有高冷科技的包袱，而是走出自己的一條路「當下我覺得它肯定可以為台灣做視覺藝術、視覺設計或科技藝術的人，帶來另一種刺激，翻轉大家熟悉的事。」

大螢幕的聲音視覺化細節

如果以展覽形式來說，「聲音建築展」實在太簡單了，只有一個25公尺的L型舞台，從頭到尾只播放一首歌，並輪流投影8位藝術家作品。但為什麼舞台要設計成25公尺長、邀請8位藝術家、做一場長達40分鐘的展覽？

以時間長度來看梁浩軒說：「展覽總監中村勇吾是60年代的人，他從卡帶、CD一路聽到數位音樂，希望展覽可以回放過去聽卡帶或CD令人沈迷的感覺中。」意思是過去的類比播放器，音樂必須在脈絡裡一首接一首流動，多數人都是邊通勤或邊看書／做事、邊聽音樂，40~50分鐘的專輯，一下子就聽完了。「他覺得這件事情有趣，想重現在展覽中。而透過8位不同視覺效果的藝術家作品，還會讓人錯覺在聽8首不一樣的歌曲。」而舞台拉長至25米，則是因為中村想讓聲音視覺化的效果放大，「當螢幕夠大，聲音視覺化的細節才會被看得更清楚。」

每個人都成為環境角色的一部分

有意思的是，梁浩軒認為，當初中村勇吾在策展時並沒有為了搭上這波潮流而刻意做什麼，「他只覺得L型牆，大家可以走進去變成展品的一部分。」或許有人會認為，這不就是沈浸式地思考嗎？「大家都在談沈浸式的腳本、劇情，但我覺得沈浸式展覽更重要的是，讓觀展者帶著想法離開。」沈浸式展覽不是讓大家可以拍很多漂亮的照片、不是做出美感上的差異，而是「思想上」，甚至可以向迪士尼樂園沒有數位科技的鋪陳，卻能讓每個走進來的人變成整個環境角色的一部分。所以他才說：「這場展覽，看到、拍到的照片，都不會比你在現場體驗得更好。」

最後由梁浩軒提點幾個身為主辦人，覺得來看展不能錯過的3個必看點：

1. 片山正通設計的空間

「這個展，讓我不覺得自己在華山，它的空間感很棒。」梁浩軒也曾多次在華山辦展，但他發現，每個策展人都會想盡辦法把空間用到最極致，會希望大家一來就能逛很久，「這裡不一樣，片山讓所有觀展者可以在寬闊的空間裡自由行走。就是要讓大家感覺到自己在400坪的寬闊環境裡，走到和展牆都做得比一般展覽更高、更寬。」

 ▲ 後台完整呈現8位創作者作品與創作理念

2. 站上舞台近距離感受展覽

梁浩軒發現，台灣觀眾都太害羞，不敢踏上L型牆，真的很可惜，「大家可以坐在展台上看展，近距離才能感受視覺轉換時，像坐在時光隧道或不同情境裡穿梭的迷離感。」無論想在台上跳舞、小孩在台上奔跑，全都歡迎不用客氣。

3. 連日本都買不到的周邊商品

聲音建築展在日本開展時，周邊商品非常少，現在在Shop內看到為每位藝術家做的明信片、衣服都是台灣另外發展的，梁浩軒都忍不住替自己宣傳，「真的很值得收藏。」

2020年延續至今，全球各大展覽都面臨停展的窘境，唯有台灣還能有各種精彩的展覽可以真的走進展館裡，用五感體驗展覽最真實的震撼，梁浩軒也語重心長的說：「所有移展成本一定都比自製展覽的成本更高，如果我們排除萬難做到，但大家還不願意買票看展，也意味著台灣市場沒辦法支持國外好的展覽來台，未來也會讓很多主辦方對移展卻步。」別再抱怨台灣的展覽不好看，當有人願意把國外的展覽原汁原味呈現，大家只需要坐捷運就能看展時，有沒有去買票支持就變得非常重要。

 ▲ 整場只有這個展演的紙片，是特別從日本來台灣，可以動手玩出影像裡的奇幻感

AUDIO ARCHITECTURE：聲音的建築展

地點｜華山 1914 文創園區 東 2 AB 館

期間｜2020年12月25日～2021年4月6日

主辦單位｜INCEPTION 啟藝

企劃單位｜21_21 DESIGN SIGHT

 ▲ 主視覺的黑和字體有點暈染的螢光感，都是和日方多次協調後的最佳結果，別忘了多看它兩眼

《AUDIO ARCHITECTURE：聲音的建築展》X La Vie 贈票活動

時間｜即日起至3/18 23:59

參加辦法｜

於La Vie LINE官方帳號聊天室輸入「聲音的建築展」，並按步驟完成小互動，就有機會抽中《AUDIO ARCHITECTURE：聲音的建築展》展覽票券1張！

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※票券可使用至展期結束。

文、攝影｜Elif Chan

圖片提供｜INCEPTION 啟藝

廚房那瓶清透的橄欖油，或墜入鍋裡與義大利麵交融、或淋在沙拉和麵包上注入一抹清香，理所當然地陪伴著我們的餐食日常。那你是否曾好奇，這我們習慣從超市貨架取下的食品，在抵達日常之前，經歷過怎樣的土地淬鍊與生產系統的運轉？

藝術家黃麗音走進西班牙第一線生產現場，蹲點尋找答案，並將收穫集結為個展《丘之粼粼》，其現正於台北藝廊TKG+展出。踏入展場，枝葉婆娑的採收聲響與落果影像鋪展開來，將分散於自然、勞動與資本之間的片段，重新組構成身體化的觀看經驗。在看似平靜的場景中，一場關於制度和價值的反思，正靜靜展開。

圍繞著「食物」展開的藝術實踐

從裝置、攝影到多媒材雕塑，黃麗音的作品多圍繞著生活中不可或缺的「食物」展開，她關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費，從市場、貿易、產業、生產勞動，延伸至消費、包裝與剩餘物，探索著跨文化、也跨時代的物質流通系統。2025年，黃麗音曾在北美館打造一間「小吃店」，那是她的個展《Lili Deli 麗麗食品》——展場內堆砌出日常飲食消費的微景觀，反思現代人追求廉價和效率，方便與實用至上的生活方式。

2026年來到TKG+呈現個展《丘之粼粼》，她將視線推向食品生產鏈的上游，進一步回到食品生產的源頭，從橄欖園到工業流水線，追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中，成為我們熟悉的形式。

到西班牙橄欖園實地踏查

黃麗音走進西班牙南部的橄欖園，追溯橄欖成為日常食物之前，所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實，諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構，讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場，使觀者得以從橄欖油出發，看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品，橄欖並未發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

變的不是橄欖，而是⋯⋯？

橄欖在大地中歷經熟成與採收，進入以效率、速度、產量與標準化為核心的生產系統；來到TKG+台北生產階段中，也被賦予了不同的價值與意義。然而，有趣的是，從果實到成品，橄欖其實沒有發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

走進橄欖油的一生

走入《丘之粼粼》展場，先能隱約聽見橄欖採收時枝葉間接觸的婆娑聲響，像是從土地深處滲出。雙眼所見是黃麗音在田野調查時所拍攝的影像，被轉化為覆蓋展牆的壁紙。此外，掉落在地上的橄欖、散落的枝葉……這些作物生長的尋常痕跡，經歷從植物、攝影對象到空間表面的身分轉換，在展場中成為了身體化的觀看空間，重新連結了生產現場與展覽。那些原本不會出現在商品最終樣貌中的滿地橄欖與枝葉，經由藝術家的選擇，成為展覽中的視覺主體，使被生產過程排除在外的痕跡，重新進入觀看。

對現實的「重新組構」

自20世紀初「現成物」進入藝術實踐以來，物件的藝術身份便不再僅由其自身決定，展示場域、藝術制度與觀看關係也逐漸成為作品意義的一部分。黃麗音延續並轉化這項實踐，將屬於日常的橄欖油及其生產過程中帶入作品，讓它脫離原有的使用脈絡，同時保留材質、功能、價格，以及生產、消費與丟棄等社會痕跡，成為承載勞動與資本關係的具體物件。

對黃麗音而言，現成物的創作並非單純的拼湊，也不是對既存現實的再現，而是一種「組構」：藝術家透過選擇與配置，將分散於不同社會位置的生產、消費與勞動關係帶入同一觀看空間，使隱藏於日常物件背後的社會關係得以浮現。

《丘之粼粼》呈現了對「習以為常」發出的遲疑，當物件從原有的使用脈絡中被抽離，生產現場的聲音、影像與痕跡也隨之進入展場，使那些我們熟悉的日常物產生陌生感。在離開展場後，貨架上的瓶罐或許仍維持原來的模樣，但我們觀看它們的方式，已經有所不同。

《丘之粼粼》黃麗音個展

展期｜2026.09.19－11.14

地點｜TKG+ （台北市內湖區瑞光路548巷15號B1）

在台北，秋季是屬於藝術的季節。「2026台北藝術週」將於10月24日至11月2日登場，這段期間，各家美術館、畫廊等藝文機構將祭出特展響應，從北到南、由東至西，在城市間編織出一張得以映射內心、療癒精神的藝術之網。本篇編輯精選10場展覽，不妨趁此親訪觀展。

《露水幻夢》Benjamin Spiers X 曾建穎雙人展

📍TAO ART

《露水幻夢》由來自英國的Benjamin Spiers（班傑明．斯皮爾斯）與台灣藝術家曾建穎，攜手策展人陳若盈一同呈獻。兩位藝術家的創作根植於截然不同的繪畫傳統，卻同樣著迷於身體作為「蛻變」場域的可能性。展覽由此出發，探索「可見之物」和「內在感受」之間持續流變的感知狀態，讓不安的美與張揚的怪誕彼此交織，形成一場矛盾又超現實的視覺對話。

Benjamin Spiers的作品充滿原始生命力，亦可見幻想交疊的幻象。他擅長運用油彩，以驚人的寫實感刻畫出奇幻的形體，細膩的肌膚質感彷彿觸手可及，令人難以抗拒。

曾建穎則以墨、膠彩與礦物顏料於細緻的紙材上創作，從宗教圖像中汲取靈感，將繪畫視為精神性的容器，創造出新的人體圖式，並與既有文化脈絡對話。比如在桃形屏風〈仙果〉作品中，他在屏風正面描繪一顆熟桃，切開的缺口微微露出桃的內部，下方的舌狀葉片則暗示感官慾望和生命無常；另一面則是近距離重疊的後腦勺與臉龐，既可能是鏡子前的自我凝視，也可能是兩個人物之間的親密舉動——自我與他者之間的界線因而模糊。

《喜悅與棲所：捷克當代攝影聯展》

📍圓山別邸 MAISON ACME

一百年前的巴黎，曾是捷克前衛藝術家追尋自由與實驗精神的中心。如今，策展人Štěpánka Stein集結14位捷克當代攝影師，回應前人追尋藝術的精神，展開一場跨世紀的對話。展覽中，攝影師們透過鏡頭，在動盪而撕裂的數位世代，藉影像追問著喜悅從何來？哪裡才是讓我們安心的棲所？影像作品擺盪在虛與實、紀錄和擺拍之間，邀請觀者在其中找尋自己的答案。

《C-GRAPHIC/TAIPEI——2020年代台北平面設計展》

📍NOKE忠泰樂生活

由香港平面設計師毛灼然、日本編輯暨設計師後藤哲也共同策展。展覽源自後藤哲也主編的《C-GRAPHIC INDEX》一書，其中「C」代表「Chinese」，從漢字文化圈出發觀察當代華語平面設計；進入策展環節後，則進一步聚焦於使用繁體中文的城市「台北」，並選擇1980至1990年代出生的設計世代作為主要觀察對象。

展覽除了呈現海報、出版物、品牌識別與影像等作品，也試圖理解設計師如何學習、生活、受到什麼影響，以及這些創作如何與城市文化及社會脈絡相互交織。

《小日夢》寺倉京古個展

📍白石畫廊

以陶土為材，日本新銳藝術家寺倉京古常以「孩童」為創作主題，用陶捏塑出圓潤形體，重現孩子樸稚姿態，藉此捕捉日常生活中微小卻珍貴的希望，以及近乎被遺忘的純真。《小日夢》集結各式姿態的孩童雕塑，他們或靜靜沈睡、或乘著雲朵眺望，乘載著存於人們心中的細膩情感，也象徵著每個人「曾經擁有的自己」。

《銀河脈輪》

📍Bluerider ART 台北・微風廣場

在百貨公司也能看展！Bluerider ART位於微風廣場的據點，推出《銀河脈輪》藝術家群展，集結美國藝術家Carol Prusa、德國藝術家Eberhard Ross、捷克藝術家Jan Kaláb等多位國際藝術家之作，共同叩問一個古老而雋永的命題——宇宙秩序如何映照於身體與心靈之中。

展覽以卷軸雙面畫《奇異吸引子》為亮點，9米長的巨大尺度令人路過櫥窗很難不多看一眼。卷軸一面描繪人體脈輪、能量向外流動的軌跡，另一面則以詩句與物理方程式，描述宇宙均勻與空間擴展，使「內在」的脈輪能量線與「外在」的宇宙演化在兩面對望。

《丘之粼粼》黃麗音個展

📍TKG+

2025年曾於北美館推出個展《Lili Deli 麗麗食品》的黃麗音，長期關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費，創作從市場、貿易、產業到生產勞動，延伸至消費、包裝與剩餘物的重新組構。這次她在TKG+呈現的《丘之粼粼》，將視線推向食品生產鏈的上游，進一步回到食品生產的源頭，從橄欖園到工業流水線，追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中，成為我們熟悉的形式。

她走進西班牙南部的橄欖園，追溯橄欖成為日常食物之前，所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實，諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構，讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場，使觀者得以從橄欖油出發，看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品，橄欖並未發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

《無筆之繪》Dirk Salz個展

📍Bluerider ART台北・敦南

拋開傳統形式，不以畫布和畫筆作畫，德國藝術家Dirk Salz（迪爾克．薩爾茲）用油漆滾筒創作，並借助樹脂潑灑時的重力流動，讓作品跳脫傳統極簡主義的框架，持續展現並探索透明度、色彩張力，以及光線與空間之間的關係。

展名《無筆之繪》指向Salz不使用畫筆的創作方式。他將顏料調入樹脂，以油漆滾筒鋪展色層，再順應重力讓樹脂自然流淌、趨於平整；每一層須待固化後，方能覆上下一層，作品在反覆堆疊與等待中逐步成形。薄如玻璃的色層彼此交疊，光線在其間穿透、折射、反射，色彩不再停留於表面，而是從深處緩緩浮現。沒有筆觸，也沒有手繪痕跡，畫面由材料、重力與時間共同完成，模糊了真實與虛幻的邊界，正如他所言：「我想要創造的，是一個不能被詮釋的情境，一個觀者與作品之間無法言說的感受，姑且稱之為『魔法』的地方。」

《夜的日光》

📍Taipei Lumitree 敦南之森

「光」是藝術家謝鎮璘DAMONXART的靈感泉源。在敦南林蔭大道下的藝術光廊Taipei Lumitree，他結合錯視、光柵材質及風力驅動裝置，將你我熟悉的日月意象轉化為持續變動的視覺經驗，讓觀者在夜色中看見日光，閱讀太陽與月亮之間的對話，深刻感受光是如何改變雙眼所見的景象。

多年來，謝鎮璘持續從旅行與日常觀察中提取色彩，將天空、海洋與地平線的印象轉化為創作語言。在《夜的日光》中，他將這份觀察聚焦於日與月的關係——光如何從一個地方抵達另一個地方，又如何在反射、材質與觀看位置的變化之中，被感知為不同的形態。

《溫柔災變》女性藝術家聯展

📍T Space

作為首場公開展覽，T Space邀請亞紀畫廊負責人黃亞紀策展此檔女性抽象藝術家群展，《溫柔災變》集13位女性藝術家，她們各來自不同時代、地域和文化背景，作品在此展相遇交會，共同呈現女性力量如何探問持續變動的世界，以及藝術能為我們帶來什麼療癒與啟示。

展名所提的「溫柔」，並非脆弱或被動承受，而是藝術家讓感知和直覺保持開放，持續面對無法完全掌控的變化，容許自己進入流動、矛盾與未知，並反覆思辨的狀態。展覽在女性的敘事下，呈現出生命經驗的不同面貌——當女性經驗不再只由疼痛、承受與犧牲所定義，人們能否看見女性作為獨立的認知主體，如何理解自然、身體以及自己所處的世界？

《代理之窗》張書瑋個展

📍洪建全基金會

洪建全基金會自2015年起舉辦的「問問題計畫」，每年都會提出一道問題，探討社會、文化與生命內涵，並妥託藝術家透過創作對答。今年度計畫探討的是什麼？在科技以親切形象滲透日常的今天，人與機器早已互為義肢。只要算力足夠，AI就能化身成為密友、戀人、心靈導師，甚至是神明——這種「不需要對等，不需要協商，也不會有拒絕」的新關係，正在悄悄改變我們對情感的認知。

展覽由此切入，由藝術家張書瑋擔綱答題者，藉影像裝置、互動雕塑和錄像，探討AI與人類之間的「親密關係」。

展覽將「你＋我＋AI」共同建構的世界封裝成一個情感景觀，一段「親密關係」的模擬現場，一場由裝置、介面、系統、使用者自身的投射共同鋪設而成的遊戲。動線如同一道逐步深入的程序，映照出人與機器緊密互動之間，所產生的肉體或情感上的關係變化。看展過程中，親近與不適的感受並存，觀眾將能感覺到身體與意識逐漸被切片、解構，隨後迷失於遊戲之中。