2020年12月25日由INCEPTION啟藝，帶進東京21_21 DESIGN SIGHT的「AUDIO ARCHITECTURE：聲音的建築展」在華山開展，開展至今即使沒有親臨現場，都不難從照片中看出展覽的樣貌：25公尺長的L型白牆，不斷投影各種形式的影像，但如果你以為它只是拍美照的地方，看照片就好，那可就錯了，主辦人梁浩軒說：「如果沒有真正走進來看展，是無法體驗到現場的震撼和好玩的地方，這也是聲音建築展高明之處，我會形容它是既簡單又高級、有力量的展覽。」

《聲音的建築展》台北華山12月登場！東京21_21 DESIGN SIGHT融合視覺、聽覺沉浸式展覽

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常有人說，看展不需要懂，看到什麼就是什麼，但每個人的眉角不同，我們特別請主辦人梁浩軒來分享，當初為什麼想要移展台灣？有哪些（他認為）走進來絕不能錯過的重點。

即日起至3/18，於La Vie LINE官方帳號正舉行贈票活動中！詳細參加辦法請見文章末尾。

視覺表現得簡單又高級

別以為看過很多展覽的人，光看海報就知道展覽有多精彩，2018年梁浩軒到東京21_21看展，在完全沒有預先安排行程的情況下就走進「聲音建築展」，「一開始『看』不懂，前面15~20分鐘，我都沒意識到，眼睛和耳朵聽到的是一樣的，直到大西景太的3D幾何圖形在牆面上出現，直接呼應音樂時，我才整個人像敲到頭一樣驚醒。它完全打破我『看』展的邏輯，原來視覺和聽覺是同步的。」當意會到這點時，才會真正體會到「原來這個展覽很甜，也才有辦法再往深處探究這個展覽重要的本質。」

他說自己看完展太興奮，立刻打電話給21_21窗口，告訴他一定要移展台灣，「聲音建築展是我近幾年，除了teamLab之外，用視覺表現得更簡單又高級的手法。」全亞洲各地充斥以teamLab手法，展示視覺藝術的展覽，但梁浩軒認為，「聲音建築展」完全跳脫這個框架的視覺藝術，也沒有高冷科技的包袱，而是走出自己的一條路「當下我覺得它肯定可以為台灣做視覺藝術、視覺設計或科技藝術的人，帶來另一種刺激，翻轉大家熟悉的事。」

大螢幕的聲音視覺化細節

如果以展覽形式來說，「聲音建築展」實在太簡單了，只有一個25公尺的L型舞台，從頭到尾只播放一首歌，並輪流投影8位藝術家作品。但為什麼舞台要設計成25公尺長、邀請8位藝術家、做一場長達40分鐘的展覽？

以時間長度來看梁浩軒說：「展覽總監中村勇吾是60年代的人，他從卡帶、CD一路聽到數位音樂，希望展覽可以回放過去聽卡帶或CD令人沈迷的感覺中。」意思是過去的類比播放器，音樂必須在脈絡裡一首接一首流動，多數人都是邊通勤或邊看書／做事、邊聽音樂，40~50分鐘的專輯，一下子就聽完了。「他覺得這件事情有趣，想重現在展覽中。而透過8位不同視覺效果的藝術家作品，還會讓人錯覺在聽8首不一樣的歌曲。」而舞台拉長至25米，則是因為中村想讓聲音視覺化的效果放大，「當螢幕夠大，聲音視覺化的細節才會被看得更清楚。」

每個人都成為環境角色的一部分

有意思的是，梁浩軒認為，當初中村勇吾在策展時並沒有為了搭上這波潮流而刻意做什麼，「他只覺得L型牆，大家可以走進去變成展品的一部分。」或許有人會認為，這不就是沈浸式地思考嗎？「大家都在談沈浸式的腳本、劇情，但我覺得沈浸式展覽更重要的是，讓觀展者帶著想法離開。」沈浸式展覽不是讓大家可以拍很多漂亮的照片、不是做出美感上的差異，而是「思想上」，甚至可以向迪士尼樂園沒有數位科技的鋪陳，卻能讓每個走進來的人變成整個環境角色的一部分。所以他才說：「這場展覽，看到、拍到的照片，都不會比你在現場體驗得更好。」

最後由梁浩軒提點幾個身為主辦人，覺得來看展不能錯過的3個必看點：

1. 片山正通設計的空間

「這個展，讓我不覺得自己在華山，它的空間感很棒。」梁浩軒也曾多次在華山辦展，但他發現，每個策展人都會想盡辦法把空間用到最極致，會希望大家一來就能逛很久，「這裡不一樣，片山讓所有觀展者可以在寬闊的空間裡自由行走。就是要讓大家感覺到自己在400坪的寬闊環境裡，走到和展牆都做得比一般展覽更高、更寬。」

 ▲ 後台完整呈現8位創作者作品與創作理念

2. 站上舞台近距離感受展覽

梁浩軒發現，台灣觀眾都太害羞，不敢踏上L型牆，真的很可惜，「大家可以坐在展台上看展，近距離才能感受視覺轉換時，像坐在時光隧道或不同情境裡穿梭的迷離感。」無論想在台上跳舞、小孩在台上奔跑，全都歡迎不用客氣。

3. 連日本都買不到的周邊商品

聲音建築展在日本開展時，周邊商品非常少，現在在Shop內看到為每位藝術家做的明信片、衣服都是台灣另外發展的，梁浩軒都忍不住替自己宣傳，「真的很值得收藏。」

2020年延續至今，全球各大展覽都面臨停展的窘境，唯有台灣還能有各種精彩的展覽可以真的走進展館裡，用五感體驗展覽最真實的震撼，梁浩軒也語重心長的說：「所有移展成本一定都比自製展覽的成本更高，如果我們排除萬難做到，但大家還不願意買票看展，也意味著台灣市場沒辦法支持國外好的展覽來台，未來也會讓很多主辦方對移展卻步。」別再抱怨台灣的展覽不好看，當有人願意把國外的展覽原汁原味呈現，大家只需要坐捷運就能看展時，有沒有去買票支持就變得非常重要。

 ▲ 整場只有這個展演的紙片，是特別從日本來台灣，可以動手玩出影像裡的奇幻感

AUDIO ARCHITECTURE：聲音的建築展

地點｜華山 1914 文創園區 東 2 AB 館

期間｜2020年12月25日～2021年4月6日

主辦單位｜INCEPTION 啟藝

企劃單位｜21_21 DESIGN SIGHT

 ▲ 主視覺的黑和字體有點暈染的螢光感，都是和日方多次協調後的最佳結果，別忘了多看它兩眼

《AUDIO ARCHITECTURE：聲音的建築展》X La Vie 贈票活動

時間｜即日起至3/18 23:59

參加辦法｜

於La Vie LINE官方帳號聊天室輸入「聲音的建築展」，並按步驟完成小互動，就有機會抽中《AUDIO ARCHITECTURE：聲音的建築展》展覽票券1張！

現在就追蹤La Vie LINE官方帳號>> http://bit.ly/36lYqyM

※票券可使用至展期結束。

文、攝影｜Elif Chan

圖片提供｜INCEPTION 啟藝

每年冬季，「龍崎光節空山祭」以光點亮台南的夜，邀人們循著各具故事的燈光藝術，感受龍崎自然與人文風貌。

「2025龍崎光節空山祭」將於12/25聖誕夜揭幕，一路展至2026年3月。本屆以「山林呼喚」為主題，邀集國內外藝術家帶來14組藝術裝置，結合聲光、地景、AI科技互動體驗等，回應龍崎獨特的堊地地貌與山林生態。

聲光與地景交織的山林夜遊

「2025龍崎光節空山祭」像是一篇聲光與地景共譜的山林樂章，展覽動線沿著龍崎「虎形山」高低起伏的地勢鋪陳，14組作品散落於公園入口、河谷、步道、觀景台各處，沿途從微光開展至光之盛景，帶領觀眾從〈序曲：山林喚醒〉、〈進行曲：山林共鳴〉到〈奏鳴曲：山林禮讚〉等3大主題的策展編排，感受聲光與自然環境間的多元互動。

此外，「聲音」也從往年的配角定位，躍升為本屆主角之一。今年策展團隊首次以「聲音」為主軸，鋪排光節全區動線，從入口到山谷皆以呼應山林的聲景串聯，為觀眾創造更流暢、舒適的觀展節奏。

沈浸感升級，強調科技與藝術、自然的互動關係

邁入第7屆，迎接AI時代來到，「龍崎光節空山祭」本屆特別著墨於科技融入藝術的實踐，也著眼於科技和自然間的互動關係。因此，展場可見多組結合AI生成、機械動態的多媒體創作，以科技強化光影與聲景的表現，帶來比往年更具沈浸感的觀展體驗。

年度主燈《山林呼喚》邀你與自然同行

以「山林靈氣的覺醒」為概念，年度主燈《山林呼喚》結合大型光影結構、沉浸式環境音場打造，彷彿一名與自然合一的山林守護者。光色脈動、影像與聲場交織，營造山谷甦醒的能量；周圍延伸的光影草地與河流意象，讓觀眾在步行間產生「與自然同行」的感受。

邀國際創作者駐村，打造「從土地長出的藝術」

為了深化藝術與地方的連結，今年特別邀請多位海外創作者進駐龍崎，與地方展開長時間且深入的互動，並將第一手的在地經驗，轉化成映現龍崎自然與人文風貌的藝術。從龍崎獨特的堊地環境，到地方生活紋理，皆可見於作品當中，與聲光織就「從土地長出的藝術」。

接駁服務首度加開關廟線

交通服務方面，今年除了延續既有的「文衡殿 ⇌ 虎形山展區」接駁路線，另首度加開「關廟線接駁車」，串連山西宮與關廟轉運站，並於5個週六提供3時段往返班次，讓更多民眾能以公共運輸方式輕鬆前往展區。

2026龍崎光節空山祭

展期｜2025.12.25－2026.03.01（除夕、每週一至三休展）

開放時間｜17:30－22:00（最後入場 21:00）

地點｜台南市龍崎區 虎形山公園及周邊

第八屆「ONE ART Taipei 2026 藝術台北」將於 2026 年 1 月 16 日至 18 日，在 JR 東日本大飯店台北登場。作為亞洲指標性的飯店型藝術博覽會，ONE ART Taipei 自創立以來以「藝術即生活」為核心精神，將作品置入貼近日常的飯店房間場景，讓觀展與收藏回歸直覺與親密感，也逐步成為串聯台灣與亞太藝術市場的重要節點。

 「ONE ART Taipei 2026 藝術台北」 本屆展會規模再度升級，集結來自台灣、日本、韓國、香港等地共 60 間畫廊，並延續三大策展主軸——「藝術無限（Unlimited）」、「發現藝術（Discovery）」與「媒體藝術（Media Art）」，從國際成熟藝術家到亞洲新銳創作者，從繪畫、雕塑到影像與多媒材實驗，勾勒出當代亞洲藝術的多層次樣貌。值得一提的是，今年新增「臺南新藝獎」展區，透過官方與民間合作，將地方青年藝術扶植機制直接導入國際藝博平台，深化跨城市藝術生態的連結。

「新賞獎」優選藝術家亮相

作為 ONE ART Taipei 長期推動青年藝術的重要指標，「新賞獎（ONE ART Award）」今年再度成為展前焦點。該獎項鎖定 35 歲以下、創作語彙成熟且具市場潛力的青年藝術家，評選標準涵蓋藝術性、潛力與市場性三大面向。

本屆優選獎由朝井颯志（Soshi Asai）以作品《彩虹門 Rainbow Gate》獲得肯定。作品以神話寓言般的敘事結構，描繪文明與自然失衡後的世界景觀，透過強烈而詩性的視覺語言，展現新世代藝術家對當代處境的深層思考。

其他入選藝術家同樣展現高度完成度與多元視角，包括王莉瑩以樹木意象建構人際關係的詩性宇宙、盧芛透過文化符號與陰性書寫探問身體與母性、川平遼佑以童年記憶與潛意識鋪陳內在敘事，以及廖昭豪以材質轉譯重新詮釋台灣廟宇視覺文化。整體呈現出新世代創作者在媒材運用與議題深度上的高度自由與成熟。

「TOP 10 十大亮點作品」搶先看

同步揭曉的「TOP 10 十大亮點作品」，可視為本屆 ONE ART Taipei 的創作縮影。入選作品橫跨繪畫、雕塑、影像與裝置，從媒材創新、概念深度到跨文化視野，勾勒出亞洲當代藝術在世代轉換中的多元語彙。

COLLAST ｜兪忠穆（YOO Choong-mok）《Formation – Alteration 9-1》
兪忠穆以「水滴」作為象徵生命循環的核心意象，重新詮釋韓國傳統造形語言。作品底層保留黃麻纖維的原始質地，如同時間沉積的痕跡，其上層疊五方色、金箔與玻璃水滴，建構出介於歷史與當代之間的視覺場域。垂直與水平的結構源自丹靑建築彩繪，被轉化為抽象秩序；玻璃材質則捕捉光線，投射變化陰影，使平面產生流動的空間感。作品如一座循環場域，凝聚文化、時間與情感的交會。

伊日後樂園｜謝榕蔚《昨日與蜜蜂 Yesterday and the Bees》
謝榕蔚以原子筆與清水為媒材，讓線條在控制與生成之間游移。墨跡經水滲透後逐漸模糊，形成如光暈般的邊界，畫面節奏宛如植物生長般緩慢展開。藝術家不預設圖像，而是讓材料自行發展，留下時間與物質交會的痕跡。作品關注感知、氣韻與細節，在凝視中引導觀者進入一種靜謐而內省的觀看狀態，使「昨日」不再是回憶，而是一段仍在生成的感受。

日帝藝術｜霍凱盛《卜彌格之書 The Book of Michal Boym》
作品以 17 世紀波蘭傳教士卜彌格的跨洲旅程為線索，重構歐亞文化、知識與信仰流動的歷史軌跡。幻想般的城市群與海上航道，象徵他在帝國興衰之際穿梭於宗教、外交與學術之間的人生。卜彌格既是外來者，也是明朝遺民，其書寫與行動成為中醫與歐洲之間的重要橋樑。霍凱盛透過細密線描，將歷史轉化為視覺敘事，映照個人信念與文明交流的複雜交織。

觀止堂｜國本泰英（Kunimoto Yasuhide）《相撲 Sumo》
國本泰英以「無法準確再現的觀看」為創作核心，探問視覺與記憶的不可靠性。畫面中的相撲選手既熟悉又模糊，彷彿來自電視影像或遙遠回憶。藝術家意識到，我們對世界的理解多半是概括且搖擺的，而非精確再現。作品以顏料層疊與不穩定的形象呈現這種狀態，使人物介於清晰與失真之間，邀請觀者重新思考：我們究竟如何記住人、事與自身所處的世界。

gallery UG｜板谷麗（Rei ITAYA）《甜菜沙拉 Beet Salad》
板谷麗以「食材肖像」為創作方法，將甜菜視為一個來自土地的生命個體。作品不僅是影像紀錄，更是經過觀察、拍攝與品嚐後的文化回應。藝術家以料理名稱作為作品標題，讓飲食成為連結土地、族群與記憶的媒介。畫面冷靜而精準，卻蘊含對地域差異與生命生成的尊重，使食物不只是被消費的對象，而成為承載文化與感知的視覺主體。

晴山藝術中心｜高一心《愛情毒 Toxic Lovers》
《愛情毒》源自藝術家親密關係中的真實經驗，以「毒」隱喻愛情中甜蜜與腐蝕並存的狀態。畫面呈現自我意識、情感依附與衝突交織的心理張力，坦率揭露在關係中看見自身自私與他者脆弱的過程。透過多重媒材的層疊，高一心將情感轉化為視覺語言，使作品成為一段關於成長、對話與重新理解愛的紀錄，也指向在傷害中尋找共生與療癒的可能。

陶華灼藝廊｜郭舒凡《花開時－一簇花 When Flowers Bloom - A Bunch of Flowers》
郭舒凡以白日夢般的敘事方式，將生活片段、角色與情緒轉化為陶瓷造形。作品如插畫般構築看似荒謬卻真實的日常劇場，一簇花既是風景，也是心境的投射。藝術家透過幽默而細膩的形象，重新理解記憶、期待與人生角色的流動，使觀者在童話般的表層之下，看見關於成長、遷移與內在感受的多重層次。

暮拉多元藝術空間｜蕭珮宜《禮物 VI Gift》
蕭珮宜以包裝材料為靈感，將鳳梨花與緞帶轉化為抽象植物語彙。金屬箔如同包裝紙，層層包覆畫面，使作品成為一份被精心準備的「禮物」。在裝飾性的外觀之下，隱含祝福與希望的雙重象徵。藝術家透過植物與裝飾物的對話，重新詮釋贈與、期待與情感傳遞，使作品在視覺愉悅中，蘊含溫柔而深層的情緒指向。

丹之寶｜丹增・葛美・多吉（Tenzin Gyurmey Dorjee）《夏安居 3 Yarney 3》
作品取材自藝術家在印度寄宿學校的經驗，描繪佛教「夏安居」期間生命共存的日常景象。操場上，牛與犢牛悠然跨越欄架，與賽道規則形成幽默對比。這些看似意外的干擾，反而提醒人類生活並非全然可控，而是與其他生命共同編織。藝術家以溫潤筆觸呈現混亂中的秩序，讓慈悲、包容與幽默在畫面中自然流動。

琢璞藝術中心｜李益成《失焦－紙袋系列003-3 Loss of focus--paper bag series 003-3》
李益成延續「失焦．解構」概念，將使用過的紙袋轉化為立體造形。紙袋痕跡如記憶殘影，喚起味道與經驗的「存在感」，卻又無法被清楚指認。作品介於抽象與具象之間，邀請觀者以想像重新建構意義。這場失焦的對話沒有答案，卻指向一種內在的靜謐狀態，使觀看本身成為與記憶和感知共處的過程。

從科技創新到未來，AI 導入藝博現場

在內容與策展之外，ONE ART Taipei 2026 也持續推進藝博會的數位轉型。今年首度導入 XRSPACE 旗下 Perxona 技術，推出全台藝博會首位「AI Avatar 智慧助理」Artie。Artie 將於展前與展期間於官網上線，支援中、英、日、韓四語，提供 24 小時互動式導覽，協助觀眾快速掌握展會資訊與作品亮點。

AI 不再只是資訊工具，而被賦予角色感與互動性，成為陪伴觀眾的「數位導覽員」，也象徵藝博會從單向展示走向沉浸式體驗的轉變。結合 ArtSticker 線上平台的跨國合作，ONE ART Taipei 正逐步建構線上線下整合的觀展與收藏模式，回應新世代觀眾的觀看習慣與市場變化。

從飯店房間中的藝術相遇，到 AI 角色引導的數位體驗，ONE ART Taipei 2026 不僅是一場藝博會，更是一個持續實驗藝術、科技與城市文化關係的平台。隨著青年藝術扶植、跨城市合作與數位創新並進，ONE ART Taipei 也正為台灣在亞太藝術版圖中，描繪出更清晰而前瞻的位置。

「ONE ART Taipei 2026 藝術台北」

貴賓預展 VIP Preview｜2026年01月16日（五）14:00 - 19:00

公眾展覽 Public Days｜2026年01月17日（六）～ 01月18日（日）11:00 - 19:00

活動地點 Venue｜JR 東日本大飯店 台北 Hotel Metropolitan Premier Taipei（台北市中山區南京東路三段133號）10-12F