今年4月設計師方序中，與游智維、林凱洛一起在大稻埕開了一間聲音咖啡店「Sidoli Radio小島裡」，在疫情衝擊下，08/25 (三) ～10/24 (日)終於展開第一波聲音體驗展《擬聲現場 in 大稻埕 Sound Scene In Dadaocheng》採線上預約制，無低消、免費免費入場，歡迎大家用「五感」重新認識大稻埕。

這次聲音體驗展，方序中邀請引體向上陳澍宇共同策展，將咖啡店，用錄音帶15分鐘（一刻鐘）聲音、故事、家具、以及故事支線的「神秘小人」區分成5種不同場景、5種放大感官體驗、5種不同的故事軸線。負責家具策展的陳澍宇説：「大稻埕，有很多時間和文化上的對話，我想用家具，跟大家來這裡聽到街坊的故事，產生新的連結，創造大家對大稻埕和歷史的想像，」方序中期待大家「透過聽覺視覺的組合，讓想像立體化。」

場景1：櫥窗區（視覺），Local Tunes 地方調

家具設計：陳澍宇在這裡放了一面50年代眼鏡造型的鏡子、70年代可調整角度有不同表情的桌燈、角落裡有小人、以及座位旁的掛畫，「這裡是以視覺為主，設計成讓大家有各種觀察樂趣的角落。」

場景2：站立區（嗅覺），New Wave 新浪潮

家具設計：2盞圖書館燈、30-40年代荷蘭植物草藥罐（罐內有錄音帶）、牆上則是70年代超現實主義藝術家達利的作品，這是當初達利位法國香水品牌所做的香水瓶造型，而這個擺飾，只是當時的店內陳列品而非量產物件，全台灣也只有這一件，「它是一種放大感官的意向，呼應這一區對嗅覺的概念。」方序中也說「過去它陪伴很多人在百貨公司的畫面，現在則是象徵閱讀的畫面。」這種時序與意圖的轉變，格外有趣。

此區的小人，也是整個故事的男主角，在這個角落登場。

場景3：小客廳（觸覺），Old Fashion 老靈魂

家具設計：這個空間以觸覺為出發點，選擇塑料桌、絨布沙發、雕花玻璃立燈、地毯等不同材質的物件，加上60年代圖樣，把大家拉回那個時空，方序中解釋：「這個空間很小，卻要打造成客廳的形式。」當你走進很多位子的空間，卻只有一個人時，反而會感到更寂寞，但方序中強調「小島裡的空間不大，但我們用了很多空間的想法和故事的線索，讓大家來仔細聆聽，享受孤獨寂寞的感覺，情緒才會被放大。」

場景4：個人餐桌（味覺），Sound Menu 聽味道

家具設計：營造吃飯的個人餐桌情境，這裡有義大利設計的70年代拋燈、廚房用帶有計時器的的掛鐘，餐桌上有「聲音菜單」卻沒有刀叉，因為這裡的美食是用聽的。方序中説：「疫情時代的生活，變成以個人為單位，吃東西變得安靜，但更吃得到食物的味道。耳機裡能聽到食物料力的聲音，有小吃和甜點，各種聽到令人流口水的聲音。」結束後，可以到大稻埕，找到這些美味的聲音，「讓小島裡（內），和正在發生的事情（外）產生連結。」

場景5：台北最小唱片行（聽覺），Record Store 唱片行

家具設計：地下室原本是老建築狹長的防空洞，由台中感傷唱片行進駐，這次則與大稻埕第一唱片行合作，他們選擇父執輩的老音樂，與感傷唱片行的卡帶，形成一種時空交錯的趣味，家具則使用60年代一體成型、充滿熱情活力的橘色立燈，也挪用太空時代，對未來想像的宇宙太空，象徵音樂的無限可能。

小人故事軸線的女主角，也在最後場景登場。

這是一場非常細緻的五感體驗展，方序中説：「整個空間希望帶給大家新的感受，我們沒有使用高科技的技術，也沒有3D投影，但所有東西有溫度的。」

聲音體驗展的6大使用步驟：

1. 場景：選一個喜歡的場景

2. 故事：選擇場景裡的聲音

3. 觀察：邊聽聲音時，眼睛觀察四周的家具與環境的關係、手觸摸每一件家具的質地

ps. 別忘了尋找小人故事線

4. 咖啡：點一杯「小島裡咖啡」，咖啡豆是方序中千挑萬選的滋味

5. 海報：把方序中設計的「聲音海報」帶走，回家折出自己喜歡的樣子

「聲音必須有空間感，來產生情緒和節奏，還有很多起伏，所以我設計摺痕，讓大家摺成自己喜歡的樣子，親手體驗『用聲音傳遞畫面，用結構傳遞節奏』的海報設計。」

6. 遊逛大稻埕：結束體驗後，回到大稻埕實景，讓剛剛聽到的大稻埕聲音「實體化」

最後，小島裡限定活動，還有不能錯過的小重點：

1. 物外設計的防疫隔板

來到小島裡，一定會發現這裡的隔板不一樣，方序中說：疫情下餐廳被要求加裝的「那片隔板好像一直提醒，有細菌存在。」他很喜歡黃銅材質，而思考「為什麼不利用這個材質，變成每個地方都需要的可怕提醒。」小島裡用的隔板，「重點不是隔板的形狀，而是底下的黃銅零件，這只是1號作品，未來還會結合燭台、花器或文具，當它變得更手感親切的陪伴感時，它就不是隔板，而是一扇窗，」面向對面你期待的那個人。

2. 展覽的老家具

如果喜歡這裡的家具，10/24展覽後，都可以到引體向上把他們帶回家。

3. 隱藏在各區的第二故事線主角

預告：11月將與大稻埕在地音樂人柯智豪，攜手展開第二波聲音體驗展。

SIDOLI RADIO 小島裡 聲音體驗展觀展資訊：

• 展覽日期｜2021/08/25 (三) - 2021/10/24 (日)

• 展覽時間｜每週三～每週日 11:00-18:00，每日分五個場次

• 展覽地點｜SIDOLI RADIO小島裡 （台北市長安西路245號1F）

• 時段說明｜每場次70分鐘，開放入場上限為十人

預約流程 ，場次預約請見粉絲專頁

Sidoli Radio小島裡「擬聲現場 in 大稻埕」限定海報：

圖片提供｜小島裡文化

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）