2021森川里海濕地藝術季以「好野人——慢慢走比較快」為題，即日起至9月30日於花蓮豐濱5個部落「Kaluluan磯崎部落」、「Dipit復興部落」、「pateRungan新社部落」、「Fakong貓公部落」與「Makotaay港口部落」展開。策展單位「節點共創」攜手花蓮林區管理處、林務局與10組藝術家，拋開觀光導向的煙火式展演、突破機構型白盒子展覽方式，轉而體現深植部落的力與美，並以在地背景為敘事空間，讓藝術季不僅是「對外」與觀者溝通的渠道，更「對內」產生意義，透過居民實際參與，讓部落理解藝術季為何發生？這件事又與自身的日常生活有何連結？這麼做能為選擇生活在此的人們，帶來什麼樣的機會？讓居民在和參展藝術家、藝術物件、觀展者的互動關係中，探尋部落未來可能的線索。

初識「森川里海」：不只談論生態，也帶有對部落生活的關懷

在觀看作品之前，先來了解一下森川里海濕地藝術季是什麼？其實「森川里海」是花蓮林區管理處這10幾年來，在東部致力建構的概念，其中「森」、「川」、「海」字顧名思義意指當地生態環境，並盼能以「公共參與」的方式讓居民自主守護山林，而「里」字則象徵有人生活的地方便成里，顯示出藝術季亦帶有對居住環境的關懷。因此，在兩天的導覽過程中，我們看見的不只是藝術作品與在地連結的視覺呈現、聽見的不僅止創作理念，也有部落導覽員親身敘述的生活日常、串起跨世代族人的傳說，還到部落聚會熱點串門子，也在石梯坪享用海味澎湃、人情滿載的「好野人」式午餐。構築森川里濕地藝術季的不僅是創作者的才思、策展單位對5個部落的深刻洞見，還有這些看似平凡、卻真摯得讓你憶起自身生命經驗的在地情節。

以「好野人」為題，探尋富足的不同面貌

今年策展主題以「好野人」概念開展，這時常被用來形容資本物質豐裕的詞彙，在藝術季的刻畫下，將衍生出截然不同的註解。部落擁有的環境資源，以及生活智慧形塑的文化、生態豐富性所形成的「原始富足」，和外面世界經濟體系所建構的「現代富足」有所不同，跟著森川里海走訪花蓮豐濱5個部落、細賞10件藝術品，也許可以在細膩觀察與體會異同之間，悟出對「好野」更開闊的見解。

 一、新社部落 

每個聚落都有屬於當地人的聚會熱點，對新社部落來說，由「小島友米」老闆經營的檳榔攤正是如此，人們聚集在這舉杯談天、互換日常。而由蔡佳吟與黃啟軒創作的「海景第一排」，便位在檳榔攤對面的田地中，選址於此不僅帶有藝術家對「好野人」看法的反思，也蘊含著部落期盼破除田地私有的想望。

藝術作品1｜芃芓藝術 蔡佳吟＆黃啟軒「海景第一排」

小時候的我們，總以為自然元素的價值無法靠金錢衡量，但在租屋、買房後，才意識到透進家裡的陽光，得靠每月多五百一千的租金交換，高樓層窗外一覽無遺的美景，是憑一坪多上幾個萬堆疊出來的，當景致在現代社會被視為「能被擁有的物件」，相對長居於部落、與自然共生的人們，想法上便有了極大的反差。仔細端詳純白床單，上頭的刺繡記錄著新社部落居民的生活故事——啤酒、海洋、檳榔攤老闆與妻子一見鐘情的浪漫情史⋯⋯等，試圖向觀者訴說，豐饒的生命體驗，並非僅靠擁有「海景第一排」的高級宅子就能成就。

藝術作品2｜許家維「岩棺是不是棺？」

「岩棺」是台灣東部史前文化所遺留的器物，僅見於花東海岸，藝術家許家維便以新社岩棺為主軸，連結起考古學、地質學與部落文化的關聯。岩棺上方懸掛的QR code旗幟，是由噶瑪蘭傳統工藝「香蕉絲編織」製成，製程繁瑣複雜、約耗時20日才完成；而掃描後的影片，則呈現3D掃描岩棺合成於新社梯田出土地的畫面，並以彈丸擊中銅片所產生的聲響、饒舌歌曲為樂音，唱出岩棺與噶瑪蘭文化的種種描述。

 二、復興部落 

循新社部落旁的小路向上行駛一會兒，便會來到復興部落，再往上則是經居民復耕、狀似台灣島的梯田。部落裡最顯眼的建築就是當地人稱「工坊」的處所，這裡聚集了出外工作後決定返鄉的年輕人，他們將部落人親自栽種的農作製成天然花茶、冰淇淋，讓進村的旅客們享有酷暑中的一抹清涼；櫥架上貼滿紀錄部落阿公阿嬤笑容的可愛相片，下方擺著他們自產的白米、刺蔥籽、福菜，一旁還有老人家親手編織的手工藝品。工坊是復興部落美好事物的濃縮，也是旅客初識此地的起點。

藝術作品3｜陳豪毅 Akac Orat「蓆地」

「蓆地」外形宛如從印表機緩緩輸出的紙張，而這意象也呼應了作品背後，暗示阿美族原鄉地區生活質地自傳統過渡到現代的意涵。這件作品由3種材質構成，上方「Fasulan」是族人傳統上用來曬榖的籐編蓆子，下方「塑膠」則是現代生活追求快速便捷的象徵，將兩者區隔開的「水泥」階梯則指示著習慣轉變的分水嶺，藝術家藉此訴說當代原鄉生存的不同選擇。

有趣的是，導覽員提到經過陽光曝曬，Fasulan仍維持原貌、塑膠部分卻褪色褪得厲害，也許觀者可藉由這顯著差異，重新思考傳統之所以存在的脈絡與原因。

 三、貓公部落 

走進貓公部落，各式不同的工坊映入眼簾——糯米釀酒、輪傘草和苧麻編織，這是部落投注心力打造的「工藝一條街」。再往前一段，一旁是集結部落特色的塗鴉岩牆，上頭有象徵阿美族的紅黑白色彩、家戶間都養著的植物「文殊蘭」，以及靈感取自文殊蘭發音的部落名稱「Fakong」貓公字樣，而與之遙遙相望的，則是阿美族聖山——奇拉雅山。

藝術作品4｜陳建北「父親」 

藝術家邀請來自4個部落、跨族群、年齡涵蓋20至90歲的多位受訪者，透過訪談描述他們記憶中的父親。之所以將年齡層拉廣，是希望以此記錄部落變遷，也交疊出原住民與台灣歷史互動的脈絡。

節點共創負責人、亦是策展人之一的蘇素敏在講解時提到，由於生活型態上的差別，要部落族人講述與自己切身相關的故事，並非一件易事，絕不是「我要一面白牆、幾點拍、幾時訪」就可達成，而這支前後歷時半年才完成的影像作品，也讓蘇素敏看見陳建北老師創作時的態度：「阿北老師在過程中，慢慢瞭解到部落生活是如何運作，他把自己放在一個『重新開始』的位置在做這件事。」或許這正呼應了藝術季盼能達到多向交流的意涵。

藝術作品5｜邱承宏「過剩的風景」

來到八里灣溪河床邊，若不仔細端詳，或許會覺得這對有綠植點綴的巨石，只是個美麗的「意外」。事實上，這是由擅長裝置、雕塑創作的邱承宏，在貓公部落所創作的藝術品。藝術家運用混凝土及礦物製成兩顆人造巨石，並在上方栽種從河流採集而來的植物，盼以這外表樸素、看似與當地共存的作品，重新審視自然與人造物件的關係，並引領觀者思考現行藝術節流行創造「人工風景」的運作模式。

 四、港口部落 

走訪港口部落時，策展人蘇素敏提到藝術家在駐村期間，也會在當地開辦工作坊，與部落進行更進一步的互動，現在孩子們正在學著用竹製作漁竿、捲線器，之後會帶著親手做的器具展開一場釣魚比賽，藉此讓孩子在感受手作趣味、競賽刺激感的同時，學習源自自身文化的傳統技藝。

藝術作品6｜葉海地 Heidi Yip「風之片語」

座落於海稻田休耕區，「風之片語」以漂流木和陶片構成，陶片碰撞的聲音象徵著稻田在不同季節所呈現的生命力，講述即使處於休耕時期，土地並未真正休息，而是用不同的方式與你我對話。

串連成線的陶片由3種不同土壤窯燒製成，當來自花蓮在地、美國與日本的土壤相遇，除了讓作品色彩更具層次，也象徵了文化匯流。而之所以選擇陶，是因藝術家有意重現逐漸式微的「阿美陶」文化，製陶在部落中是女性參與社會的實質表現，一如男性出海狩獵，葉海地盼能藉作品結合當代藝術與部落傳統，讓更多民眾得以接觸並認識阿美陶。

藝術作品7｜陳昭興 Apo’＆王亭婷「我對生活很滿意」

「勞動」是部落生活極為重要的一部分，親自動手做而獲得的物件與成就感，都是富足感的豐沛來源。此作集結了部落職人們日常工作所著衣物，在稻田中央建構起一道「衣浪」，它們有些來自潛水、釣魚高手，有些滿載獵人、農夫的生活印記，共同點是當中都蘊含著靈和好運，也是部落居民好野過日子的證明。

藝術作品8｜瑪籟‧瑪卡卡如萬 MALAY MAKAKAZUWAN「移動中的部落」

此作可分為兩大部分，其中「筏簍覓」是以部落族人經常使用的藤製背簍為藍本，所創作出的大型雕塑裝置，其帶有對居住之處的記憶與反思，也談論部落（主體）跟觀光（外來想像）的關係：在移動的過程中，什麼留在族人之間？又有哪些東西流失了？

另一組成作品則為「圖騰住」，相對於「筏簍覓」具移動特性，「圖騰住」是靜止的。藝術家將駐村時期所觀察到的生活物件轉化為圖騰，呈現出這段時間所感受、學習到的是什麼：由下而上從「土地」——雨鞋內種植蔬菜開展，過渡到在典型部落塑膠椅上休息的「人」，再至最上面三角網上用繡紋視覺化的「靈」，體現出原住民無論在身體、心靈層次上，在這片土地所展現的能動性。

藝術作品9｜康雅筑「紡仿那有無形的」

此作位於前臺灣省政府糧食局稻穀倉庫，擅長編織、自然材質應用的藝術家康雅筑，引用港口遺址出土的陶製紡輪，並以紡錘捻纖成線為概念，運用陶象徵人與土地的連結、線作為穿越時間的媒介，將考古學、民族學、人類學、地理學揉入一件作品中，向消逝與存在之間的界線與價值提出深刻叩問。

 五、磯崎部落 

藝術作品10｜陳勇昌 Kaling Diway「共生」 

三座竹片編織的船型，分別代表善於利用海洋資源的阿美族、噶瑪蘭族及撒奇萊雅族，箭則指示善於狩獵的布農族人。雖各族群聚居地存有微妙疆界，但實際生活裡，因求學、通婚、物資交換，已然形成共同生活經驗，藝術家藉作品中物件各自獨立又相互聯繫的意象，比擬文化邊界有別的群體，因共存的地理界線而形成的緊密關係。

同場加映：石梯坪榕樹下野炊，領會部落生活的精神與智慧

石梯坪的繁盛榕樹下，是港口部落居民的聚會之所，導覽第二天我們在此享受最道地的部落午餐，更具意義的是，竹簍與葉片上的豐盛海鮮，都是位處部落青年之父（mama-no-kapah）與伙食（ifiracay）階級的族人們，剛從太平洋捕獲的新鮮海味。自漁撈、烹煮到用膳，談天的話語聲此起彼落，我們過上了一下午的好野人生活。

當天的捕魚行動由船長阿杰（陳杰敏）帶頭，下海之前，阿杰向我們說明何謂「集體趕魚」（mipapa），其為部落流傳的一種集體漁法，需至少3人才能成行，部分人先至離岸幾公尺處佈網、另些人則在岸邊準備游向水深處，並透過手部大力拍打水面發出的聲響驅動魚群入網，整個過程短短15分鐘便會結束，「我們不追求『一網打盡』，只要夠吃就好，平時捕魚都用漁槍，只有婚喪喜慶像是豐年祭、海祭後才會用網。」阿杰言語間透露著族人對海洋生態的尊重，以及與自然共生的生活智慧。另外，因為當天用的是新漁網，動身前見阿杰拿了只竹杯盛上酒，並用族語念了禱文進行祈福，祈求平安與豐收。

上岸後，有人忙著把漁獲自網上取下、有人負責處理魚麟、有人繼續在海裡採集海菜，還有人在一旁以就地蒐集的木材生火，準備用大鍋烹煮食材。部落極為重視的「分工合作」精神，正體現在趕魚後的慶功共食儀式「巴格浪」（pakelang）上，其帶有慰勞族人協助完成部落重大事件的辛勞之意， 無論婚喪喜慶，透過水流的洗滌，生活又將回到正常軌道上。

事實上，分工合作精神也以更具系統性的形式存在於部落當中，阿杰向我們談起族人在16～18歲期間，便會進入每4年為一階的「八大階級」制度，每一階段有各自需學習並完成的任務，青年不僅能在過程中精進生活技巧，對部落來說也深具傳承意義。而阿杰所屬的第七階級伙食（ifiracay）階級主要負責祭典與重要公共聚會時的食物烹煮與分食規範，兩年後他們將進階到青年之父（mama-no-kapah）階級，是部落的權力中心，負責領導與推動公共事務，若自此階「畢業」後即進入老年，必須卸下擔子、將責任轉移給下一批青壯年。

盛滿海味的豐盛午餐

無論是在藝術品導覽期間，抑或在石梯坪度過的愜意午後，都能感受到主辦、策展單位與部落人之間的深刻連結，一如深耕部落20年的節點共創創辦人蘇素敏，不只能向我們講解展演概念，還能在空檔時穿插部落人的近況：「保羅哥現在是部落『青年之父』階級，原本今年就要畢業啦，但因為疫情沒辦祭典才又續任」保羅哥在一旁笑著強調自己還年輕，算不上老人，「里外背的籐籃，是用他阿公留下來的藤條做的，他這次回來待了兩個月左右，跟著部落人一起學編織、捕魚，也在藝術季當志工」再談到里外是名出色的廚師，和他是如何走上烹飪之路，這次回鄉又帶著什麼樣的心緒。

「那天吃飯的時候你不是說⋯⋯」、「你還記得上次⋯⋯」、「我們今晚喝酒再說！」正是這些再平凡不過的日常對話，著實讓人感受到團隊與部落之間的交情與關切，已內化於各自的生活中。而如此光景，也成了森川里海濕地藝術季的獨特養分，時刻透著部落生活中最真實的況味。

▧ 2021森川里海濕地藝術季

｜展覽時間：2021年6月6日～9月30日。

｜更多資訊：官方網站、導覽專車報名連結。

｜火堆論壇精彩內容：9月4日貓公部落【旅行作為一種文化實踐】、9月11日新社部落【族群裡的原生植物】、9月12日磯崎部落【低限建築的實踐】，詳細資訊請點此。

｜備註：因應防疫規範，也提醒大家觀賞作品時「戴口罩」、「保持安全距離」、「勤洗手」。

圖片｜節點共創、Night_Raven、izzie pang

觀看似乎是大多數人天生就會的事，但在資訊洪流之中，我們真的準備好「觀看」了嗎？巴黎龐畢度中心即將閉館5年整修，在暫別的時刻，以攝影與廣泛的創作光譜聞名的德國藝術家Wolfgang Tillmans，用大型個展《我們對此毫無準備——我們對此萬般准備》（Nothing could have prepared us - Everything could have prepared us）占領圖書館這個非典型展覽空間。

走進龐畢度中心2樓公共資訊圖書館（Bibliothèque publique d'information，Bpi）6,000平方公尺的空間，感覺像踏進入Wolfgang Tillmans近40年創作的檔案庫，但策展人暨龐畢度中心攝影部門總監Florian Ebner強調，這並不是一檔典型的「回顧展」。矛盾而曖昧的展題，似乎帶有些思辨性的懷疑色彩。他說明，這出自於醞釀多年的構想，尤其，我們正生活在一個資訊更加氾濫、往往讓我們缺乏清晰判斷的世界裡。「對比他在紐約MoMA的回顧展《To Look Without Fear》（2022），你會感受到不同的語調。也許在今天，我們已經不再處於一個可以『無所畏懼地觀看』的時刻了。」

對話圖書館空間的藝術實驗

整修前最後一展，龐畢度團隊早已決定要打開Bpi這非典型展演空間，便邀請了Wolfgang Tillmans。嘗試各色實體影像介入空間的可能性，一直是他的核心實踐。起初，他們聚焦在這寬敞空間的開放性；漸漸地，他們發掘出圖書館本身的歷史與特質。Wolfgang Tillmans十分欣賞這座Renzo Piano和Richard Rogers在生涯早期共創的建築作品。那種激進的姿態背後，是不畏解構、不怕暴露管線結構的大膽，更是著眼空間通透性帶來的解放自由精神。Florian Ebner解釋，「龐畢度中心的管線外露和開放式結構，體現了1970年代的控制論理念。放在今天來看，設計上恰好呼應了網路世界的特徵。」那時，彷彿就已經預示了一個萬物互聯、資訊透明流動的未來世界。

「Wolfgang經常與空間的不完美之處對話。」Florian Ebner觀察到。在傳統白盒子中，他或許會用影像覆蓋住緊急出口，或製造與管線的巧妙互動。而到了這次在Bpi空間，在部分沉重軟裝移除後，較新的灰綠色地毯與露出的舊有紫地毯交錯，本是一般展示空間中不該出現的雜音，他卻刻意保留下來，既呈現建築的歷史積澱，也與他個人的創作軌跡、作品系譜形成微妙的相互映襯。

他也改造了原有的書架與桌子，運用鏡子、雷射投影來牽引參觀者的視線軌跡。尤其在這閉館翻新前的特殊時機，他更能自由深入空間肌理，試驗全新的展示方式。他著名的無相機攝影與不同的時期影像作品、音樂創作、政治實踐織就在一起，延續他個展時慣常的非線性展示邏輯。Florian Ebner說明，「雖然沒有按時間排序，但這些作品系列幫助觀眾串聯起整個展覽的脈絡。」

圖書館化身活的檔案館

圖書館裡一些特殊的軟體設施，也成為Wolfgang Tillmans的創作靈感來源，例如「自學區」（Autoformation）被放在金屬格子間的電腦。近年來，來自海外的學生與新移民經常使用這些設備學習法語，或收看故鄉的衛星電視節目。Wolfgang Tillmans決定保留這獨特的區域，在其中44個螢幕上播放他與另外2名攝影師，在一天內記錄下80位圖書館使用者學習與工作中的日常片段。Florian Ebner解釋：「這些影像提醒我們，年輕群體曾為這個空間帶來的生機與活力。」在另外24台「隨選視訊」（Video on Demand）電腦上，參觀者真的就像檢索書目一樣，可以自由瀏覽Wolfgang Tillmans自1980年代後期開始的錄像作品。「從這個角度來看，圖書館儼然成為一座鮮活的檔案館。」

音樂也交織在展場各處。Wolfgang Tillmans曾夢想當音樂人，混跡地下音樂俱樂部與派對，1990年代初他以攝影師出道時，正是以拍攝倫敦和柏林的銳舞音樂場景而嶄露頭角。後來，他也曾將展覽空間變身為聆聽室，更發行過雜揉電子techno等各色風格的EP與專輯。在展覽南端、能俯瞰史特拉汶斯基噴泉（La Fontaine Stravinsky）的一側，策展團隊打造了一個大型沉浸式空間。訪客可以在揚聲器陣列下或躺或坐，觀賞大型LED螢幕上播放的錄像〈Time Flows All Over（Pompidou）〉，其中，Wolfgang Tillmans反覆吟唱著「We mean what we say, language is what it is」；其他影片亦記錄著書籍印刷等過程，語言與印刷，正是圖書館的核心使命。「這個空間既是放鬆的場所，也是美學體驗的所在。」一個較小的房間播放他的聲音裝置〈I Want to Make a Film〉；而在主圖書館區域，他所創作的環境音樂和實驗性音樂成為背景聲響，為這巨大空間構築出豐富層次。

觀看從來都不容易

展中也匯聚Wolfgang Tillmans豐富的政治實踐，從HIV教育素材、反脫歐海報到倡議T-shirt，織就了一場社會參與的視覺宣言。對他而言，創作與政治行動之間並無明確界線。自1990年代以來，他走過了HIV病毒席捲歐洲、同志族群遭受歧視的年代，目睹世界局勢的跌宕起伏，他個人的見證，也是時代的印記。

如今回望，許多結果未必符合他當初的政治訴求，但Florian Ebner強調，只以立即見效的成功來衡量他行動的意義並不合適。「他的海報倡議雖無法阻止脫歐，但其中部分已成為政治辯論中的重要符號。比如那幅寫著『What is lost is lost forever』的海報，後來在法國選舉期間被某個運動引用為『Ce qui est perdu, est perdu à jamais』。這些作品產生了深遠影響，而這才是評估其價值的正確角度。」改造過的書架上也展示著他關於邊界與公民抵抗的主題作品（像是極右政黨崛起的德勒斯登地區、戰火中的烏克蘭哈爾科夫），還有他拍攝醫學世界的《operation theatre》系列。醫學是圖書館的經典學科分類，也是一個身體、健康與權力交錯的高度政治化的領域。Florian Ebner補充道：「在當前的時代背景下，這樣的展覽必然帶有政治意涵，特別是面對美國政府關閉與審查眾多機構、美術館及研究場所的現實。」

Wolfgang Tillmans的《Truth study centre》系列，自2005年以來持續探索人們如何看待「真相」——這無疑也是各種意識形態的表現。如今這「後真相時代」，AI演算法和深偽技術大行其道，似乎讓真相更加難以辨識，變得曖昧不明。Florian Ebner認為這場展覽的時機恰到好處，Wolfgang Tillmans這次「占領」圖書館的姿態，也令我們重新思考實體知識空間的存在意義。「Wolfgang與空間互動的手法創造了一種詩意、個人化且獨一無二的對話模式，」Florian Ebner表示，「這與AI慣於生成的回音式、制式化知識形成鮮明對比。」有些作品直接回應了這個課題，比如專為2020年代設置的展桌，探討的正是圖書館實體空間與AI那種潛在、虛無的數位空間之間的張力關係。他進一步補充：「從這個角度來看，圖書館成了AI的一種對立典範，而Wolfgang深刻且巧妙地演繹了這種對比關係。」

或許，這次展覽和Wolfgang Tillmans的創作，也是種對數位、虛擬世界諷刺性的質疑。Florian Ebner認為，他自1990年代後期革命性地改變了攝影，特別是他的實體展陳方式。「他拋棄線性的排列，而是像編輯雜誌版面一樣在牆上配置作品，在某種意義上解放了攝影，讓攝影作為實體物件的特質得以彰顯。」而過去20年中，人的感知逐漸成為他創作的核心：相機這光學儀器看到了什麼？我們人類又看到了什麼？攝影如何打破自身再現方式的理所當然？「在他的許多作品中，擁抱我所謂的『創造性的意外』，意即善用創作過程中意想不到的錯誤。這正是他的作品在當代如此珍貴的原因之一。」Wolfgang Tillmans的作品展現了攝影的雙重面向：既是見證世界的方式，也能是深刻的美學體驗。這正是他作品的力道所在。

Florian Ebner

2017年起擔任龐畢度中心國立現代藝術美術館攝影部門總監。1970年出生於德國雷根斯堡。曾任柏林畫廊攝影收藏代理主管（2008～2009）、布倫瑞克攝影博物館館長（2009～2012）與埃森福克旺博物館攝影部門總監（2012～2017）。2015年策劃威尼斯雙年展德國館。

Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》

• 時間：即日起至2025年至9月22日（Accès Libre par Celine｜7月3日、8月28日、9月22日11:00-23:00免費開放）
• 地點：巴黎龐畢度藝術中心公共資訊圖書館2樓

_{文｜吳哲夫　圖片提供｜各單位}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/9月號《開一家甜點店》

2025年8月2日至11月02日，尊彩藝術中心二樓展館將化身為一座時光隧道，《陳澄波百三特展》展出逾20件陳澄波珍貴油畫作品，邀請觀者深入這位台灣前輩畫家橫跨3地的藝術人生。

這場特展不僅是對一位藝術大師的致敬，更是一次深度的文化考古之旅。從陳澄波1924年東京美術學校的求學歲月，到1929～1933年上海任教的成熟期創作，再回到故鄉台灣的深情凝視，每一幅畫布上的筆觸，都見證著那個風雲變幻時代的文化交流與碰撞。20多件作品靜靜陳列，每一筆色彩都承載著跨越時空的深情對話。

一位跨越時空的藝術旅人

踏入展覽現場，我們遇見了一位跨越3個城市的藝術旅人。陳澄波，這個名字背後的故事遠比我們想像的更加複雜動人。1895年生於台灣嘉義的他，在殖民地的時空背景下，以近乎傳奇的方式開展藝術生命。1924年考入東京美術學校（現東京藝術大學），成為第一位以油畫作品〈嘉義街外（一）〉入選帝國美術展覽會（帝展）的台灣畫家。這不僅是個人榮耀，更打開了台灣藝術家走向國際舞台的第一扇門。

從東京到上海，再回到故鄉台灣，陳澄波的創作軌跡如同一本立體的文化地圖，記錄著20世紀初東亞地區文化交流的珍貴印記。1929年至1933年間，他在上海擔任多所美術學院的教職，視野與創作日趨成熟。然而，這位充滿理想的藝術家最終在1947年的二二八事件中殞落，年僅53歲。

重新認識陳澄波的文化座標

在他130歲冥誕之際，尊彩藝術中心特別策劃這檔展覽，每一筆色彩都承載著風雲變幻時代的記憶。陳澄波渴望與人親近，他的風景繪畫中，人物始終是不可或缺的元素。即使在遼闊的風景圖畫裡，總會點綴幾個人物，讓畫面充滿溫情。這種對人的關注，正是他藝術中最動人的特質。

陳澄波一生縱貫台灣、東京和上海的現代藝術風潮，在美術史上具有舉足輕重的代表性。他的彩筆不僅描繪台灣嘉義、淡水觀音山、淡水夕照等重要人文景觀，更見證了1930年代初期台灣農漁工商產業現代化的歷史進程。畫中洋溢著對故鄉及時代的熱情與感染力，透過畫面呈現20世紀初期台灣藝術進入現代化過程的複雜樣貌，也連接起東西方美學的精神內涵。他的精彩豐富人生，反映了台灣藝術史在不同政權統治下所經歷的曲折波濤，也為當代觀者提供深刻的文化思考。

陳澄波10件重點畫作一次看

❶〈夏日湖畔〉（Summertime Lakeside，1930）

遠山疊翠，湖水如鏡。這幅陳澄波在上海任教期間的作品，捕捉了西湖地區初夏寫生的溫潤氣息。相較於傳統文人筆下人跡渺茫的自然山水，他將西湖視為現代化的休閒場域。湖面上載著遊人的小艇愜意划行，湖畔散步的身影悠然自得，展現了蘇軾詩中「淡妝濃抹總相宜」的西湖神韻，展現他對江南水鄉的詩意凝視。

❷〈台灣農家〉（1932）

朱紅廟宇倒映在平靜池水中，撐傘垂釣的身影與撒網捕魚的農人構成寧靜的生活圖景。這座池塘原是彰化孔廟建廟時挖取土方留下的低窪地，經年累月積水成池。1932年的台灣正值農漁工商產業現代化進程，陳澄波透過此作遙望故鄉的農業社會變遷，儒家文教傳統與庶民生產活動和諧並置，成為一場傳統與現代的對話。

❸〈運河〉（約1929-1933）

蘇州運河上舟船穿梭，遠方工廠煙囪直指天際。上海任教期間，陳澄波深受倪雲林、八大山人等古典大師影響，開始將東方水墨畫元素納入創作。他從制高點俯瞰1930年代中國現代化的縮影，畫面中的現代化符號，像是工廠林立、煙火綿延、舟楫交錯，展現他對現代性的嚮往。建築與船隻輪廓以深色線條勾勒，採用類似元代山水畫「一河兩岸」的構圖方式，卻又融入西方透視法的縱深。

❹〈西湖春色（二）〉（約1934）

樹間湖光粼粼，白篷小船悠遊其間，陳澄波將這幅春日西湖經營成如世外桃源般的美麗世界，是東方美學的現代詮釋。前景樹木運用倪雲林的枯枝皴法，以粗黑線條勾勒枝幹與陰影；遠山綠葉則採八大山人的「擦筆」技法，使畫面剛柔並濟。斷橋附近的景色形成圓形視覺焦點，色彩明度較高，巧妙引導觀者視線。

❺〈綠蔭〉（1934）

1906年梅山大地震重創嘉義後，總督府在清朝孔廟舊址上重建嘉義醫院。畫面後方的建築展現和洋混合特色：入口門廊的日式三角坡頂，搭配西式立面窗格，象徵日治時期建築的文化融合現象。濃密的樹冠佔據四分之一畫幅，熾熱陽光穿透葉隙，在地面投下斑駁光影，林蔭下剛步出醫院的女子撐起洋傘。

❻〈滿載而歸〉（1936）

從淡水北方山坡俯瞰而下，蜿蜒的紅土大路引導視線穿越市街，直抵河港。天色將明未明的清晨時分，住在「城仔口」以北的民眾與挑擔小販，沿著電線桿的指引朝市街移動。河岸邊整齊堆疊著來自福州、北海道的進口杉木，冒煙的輪船停泊在棧橋旁。相較於一般風景畫家避開現代設施，陳澄波卻將電線桿、輪船、工廠等「礙眼」景物誇大入畫。

❼〈長榮女中學生宿舍〉（1941）

閩南式屋脊與西洋圓拱窗的奇妙組合，讓這幅作品成為台灣文化融合的象徵。畫面中央的巴克禮牧師館，以其獨特的閩南式屋頂配搭西洋圓拱窗，屋頂上的階梯狀構造，傳說是觀察天文星象之用。在戰爭的非常時期，當許多畫友響應當局製作「聖戰美術」時，陳澄波卻選擇描繪這樣的寧靜校園，高大的鳳凰木綠蔭如蓋，成為抵禦時代風暴的精神庇護所，是戰火中冀求的寧靜詩篇。

❽〈海邊三美〉（Three Beauties by the Sea，約1932）

三位女子結伴坐在海邊岩石上，身穿中式服裝卻搭配西式髮型與領巾，腳上踏著現代皮鞋。這幅畫作呈現了1930年代東方女性的摩登面貌，也反映了當時社會風氣的開放程度。3人結伴海邊遊玩的情景，在傳統中國婦德觀念中是不被允許的，顯示時代的變遷。技法上，前景草地與花卉運用厚塗與快筆交錯的處理方式，海水與天空的處理則融入了中國水墨的暈染技法。

❾〈搭肩裸女〉（1926）

右手輕搭肩膀，左手優雅地倚靠椅背，模特兒目光凝視著右下方，神情帶著一絲內省的沉靜。從坐姿裸女到立姿裸女，展現技法難度的提升——立姿人體對於身體比例、重心平衡、肌肉結構的掌握要求更高，陳澄波在此展現愈趨純熟的觀察力與表現力。背景的淡綠色花紋布幕與椅套上的花布圖案，與模特兒溫潤的膚色形成柔和的色彩對比，營造出寧靜雅致的整體氛圍。

❿〈畫中畫〉（年代待考）

圓桌上鮮花與水果錯落擺放，右側一幅裱框小畫描繪著山海邊的裸女。這幅靜物作品呈現桌面上不同物品的組合，構成豐富的視覺層次。前景水果運用厚塗手法，從金黃到深紅的色彩層次堆疊，質感飽滿。背景的小畫則以較為簡潔的筆法帶過，圓桌邊緣的藍色裝飾為整體暖色調增添變化。在後印象派的靜物畫傳統中，藝術家經常將日常物品與小幅藝術品並置入畫，陳澄波深受梵谷影響，這幅作品展現了他學習後印象派靜物畫技法的痕跡。

《陳澄波百三特展》

展期｜2025年8月2日（六）- 11月2日（日）

地點｜尊彩藝術中心 二樓展館

地址｜台北市內湖區瑞光路366號