2021森川里海濕地藝術季以「好野人——慢慢走比較快」為題，即日起至9月30日於花蓮豐濱5個部落「Kaluluan磯崎部落」、「Dipit復興部落」、「pateRungan新社部落」、「Fakong貓公部落」與「Makotaay港口部落」展開。策展單位「節點共創」攜手花蓮林區管理處、林務局與10組藝術家，拋開觀光導向的煙火式展演、突破機構型白盒子展覽方式，轉而體現深植部落的力與美，並以在地背景為敘事空間，讓藝術季不僅是「對外」與觀者溝通的渠道，更「對內」產生意義，透過居民實際參與，讓部落理解藝術季為何發生？這件事又與自身的日常生活有何連結？這麼做能為選擇生活在此的人們，帶來什麼樣的機會？讓居民在和參展藝術家、藝術物件、觀展者的互動關係中，探尋部落未來可能的線索。

初識「森川里海」：不只談論生態，也帶有對部落生活的關懷

在觀看作品之前，先來了解一下森川里海濕地藝術季是什麼？其實「森川里海」是花蓮林區管理處這10幾年來，在東部致力建構的概念，其中「森」、「川」、「海」字顧名思義意指當地生態環境，並盼能以「公共參與」的方式讓居民自主守護山林，而「里」字則象徵有人生活的地方便成里，顯示出藝術季亦帶有對居住環境的關懷。因此，在兩天的導覽過程中，我們看見的不只是藝術作品與在地連結的視覺呈現、聽見的不僅止創作理念，也有部落導覽員親身敘述的生活日常、串起跨世代族人的傳說，還到部落聚會熱點串門子，也在石梯坪享用海味澎湃、人情滿載的「好野人」式午餐。構築森川里濕地藝術季的不僅是創作者的才思、策展單位對5個部落的深刻洞見，還有這些看似平凡、卻真摯得讓你憶起自身生命經驗的在地情節。

以「好野人」為題，探尋富足的不同面貌

今年策展主題以「好野人」概念開展，這時常被用來形容資本物質豐裕的詞彙，在藝術季的刻畫下，將衍生出截然不同的註解。部落擁有的環境資源，以及生活智慧形塑的文化、生態豐富性所形成的「原始富足」，和外面世界經濟體系所建構的「現代富足」有所不同，跟著森川里海走訪花蓮豐濱5個部落、細賞10件藝術品，也許可以在細膩觀察與體會異同之間，悟出對「好野」更開闊的見解。

 一、新社部落 

每個聚落都有屬於當地人的聚會熱點，對新社部落來說，由「小島友米」老闆經營的檳榔攤正是如此，人們聚集在這舉杯談天、互換日常。而由蔡佳吟與黃啟軒創作的「海景第一排」，便位在檳榔攤對面的田地中，選址於此不僅帶有藝術家對「好野人」看法的反思，也蘊含著部落期盼破除田地私有的想望。

藝術作品1｜芃芓藝術 蔡佳吟＆黃啟軒「海景第一排」

小時候的我們，總以為自然元素的價值無法靠金錢衡量，但在租屋、買房後，才意識到透進家裡的陽光，得靠每月多五百一千的租金交換，高樓層窗外一覽無遺的美景，是憑一坪多上幾個萬堆疊出來的，當景致在現代社會被視為「能被擁有的物件」，相對長居於部落、與自然共生的人們，想法上便有了極大的反差。仔細端詳純白床單，上頭的刺繡記錄著新社部落居民的生活故事——啤酒、海洋、檳榔攤老闆與妻子一見鐘情的浪漫情史⋯⋯等，試圖向觀者訴說，豐饒的生命體驗，並非僅靠擁有「海景第一排」的高級宅子就能成就。

藝術作品2｜許家維「岩棺是不是棺？」

「岩棺」是台灣東部史前文化所遺留的器物，僅見於花東海岸，藝術家許家維便以新社岩棺為主軸，連結起考古學、地質學與部落文化的關聯。岩棺上方懸掛的QR code旗幟，是由噶瑪蘭傳統工藝「香蕉絲編織」製成，製程繁瑣複雜、約耗時20日才完成；而掃描後的影片，則呈現3D掃描岩棺合成於新社梯田出土地的畫面，並以彈丸擊中銅片所產生的聲響、饒舌歌曲為樂音，唱出岩棺與噶瑪蘭文化的種種描述。

 二、復興部落 

循新社部落旁的小路向上行駛一會兒，便會來到復興部落，再往上則是經居民復耕、狀似台灣島的梯田。部落裡最顯眼的建築就是當地人稱「工坊」的處所，這裡聚集了出外工作後決定返鄉的年輕人，他們將部落人親自栽種的農作製成天然花茶、冰淇淋，讓進村的旅客們享有酷暑中的一抹清涼；櫥架上貼滿紀錄部落阿公阿嬤笑容的可愛相片，下方擺著他們自產的白米、刺蔥籽、福菜，一旁還有老人家親手編織的手工藝品。工坊是復興部落美好事物的濃縮，也是旅客初識此地的起點。

藝術作品3｜陳豪毅 Akac Orat「蓆地」

「蓆地」外形宛如從印表機緩緩輸出的紙張，而這意象也呼應了作品背後，暗示阿美族原鄉地區生活質地自傳統過渡到現代的意涵。這件作品由3種材質構成，上方「Fasulan」是族人傳統上用來曬榖的籐編蓆子，下方「塑膠」則是現代生活追求快速便捷的象徵，將兩者區隔開的「水泥」階梯則指示著習慣轉變的分水嶺，藝術家藉此訴說當代原鄉生存的不同選擇。

有趣的是，導覽員提到經過陽光曝曬，Fasulan仍維持原貌、塑膠部分卻褪色褪得厲害，也許觀者可藉由這顯著差異，重新思考傳統之所以存在的脈絡與原因。

 三、貓公部落 

走進貓公部落，各式不同的工坊映入眼簾——糯米釀酒、輪傘草和苧麻編織，這是部落投注心力打造的「工藝一條街」。再往前一段，一旁是集結部落特色的塗鴉岩牆，上頭有象徵阿美族的紅黑白色彩、家戶間都養著的植物「文殊蘭」，以及靈感取自文殊蘭發音的部落名稱「Fakong」貓公字樣，而與之遙遙相望的，則是阿美族聖山——奇拉雅山。

藝術作品4｜陳建北「父親」 

藝術家邀請來自4個部落、跨族群、年齡涵蓋20至90歲的多位受訪者，透過訪談描述他們記憶中的父親。之所以將年齡層拉廣，是希望以此記錄部落變遷，也交疊出原住民與台灣歷史互動的脈絡。

節點共創負責人、亦是策展人之一的蘇素敏在講解時提到，由於生活型態上的差別，要部落族人講述與自己切身相關的故事，並非一件易事，絕不是「我要一面白牆、幾點拍、幾時訪」就可達成，而這支前後歷時半年才完成的影像作品，也讓蘇素敏看見陳建北老師創作時的態度：「阿北老師在過程中，慢慢瞭解到部落生活是如何運作，他把自己放在一個『重新開始』的位置在做這件事。」或許這正呼應了藝術季盼能達到多向交流的意涵。

藝術作品5｜邱承宏「過剩的風景」

來到八里灣溪河床邊，若不仔細端詳，或許會覺得這對有綠植點綴的巨石，只是個美麗的「意外」。事實上，這是由擅長裝置、雕塑創作的邱承宏，在貓公部落所創作的藝術品。藝術家運用混凝土及礦物製成兩顆人造巨石，並在上方栽種從河流採集而來的植物，盼以這外表樸素、看似與當地共存的作品，重新審視自然與人造物件的關係，並引領觀者思考現行藝術節流行創造「人工風景」的運作模式。

 四、港口部落 

走訪港口部落時，策展人蘇素敏提到藝術家在駐村期間，也會在當地開辦工作坊，與部落進行更進一步的互動，現在孩子們正在學著用竹製作漁竿、捲線器，之後會帶著親手做的器具展開一場釣魚比賽，藉此讓孩子在感受手作趣味、競賽刺激感的同時，學習源自自身文化的傳統技藝。

藝術作品6｜葉海地 Heidi Yip「風之片語」

座落於海稻田休耕區，「風之片語」以漂流木和陶片構成，陶片碰撞的聲音象徵著稻田在不同季節所呈現的生命力，講述即使處於休耕時期，土地並未真正休息，而是用不同的方式與你我對話。

串連成線的陶片由3種不同土壤窯燒製成，當來自花蓮在地、美國與日本的土壤相遇，除了讓作品色彩更具層次，也象徵了文化匯流。而之所以選擇陶，是因藝術家有意重現逐漸式微的「阿美陶」文化，製陶在部落中是女性參與社會的實質表現，一如男性出海狩獵，葉海地盼能藉作品結合當代藝術與部落傳統，讓更多民眾得以接觸並認識阿美陶。

藝術作品7｜陳昭興 Apo’＆王亭婷「我對生活很滿意」

「勞動」是部落生活極為重要的一部分，親自動手做而獲得的物件與成就感，都是富足感的豐沛來源。此作集結了部落職人們日常工作所著衣物，在稻田中央建構起一道「衣浪」，它們有些來自潛水、釣魚高手，有些滿載獵人、農夫的生活印記，共同點是當中都蘊含著靈和好運，也是部落居民好野過日子的證明。

藝術作品8｜瑪籟‧瑪卡卡如萬 MALAY MAKAKAZUWAN「移動中的部落」

此作可分為兩大部分，其中「筏簍覓」是以部落族人經常使用的藤製背簍為藍本，所創作出的大型雕塑裝置，其帶有對居住之處的記憶與反思，也談論部落（主體）跟觀光（外來想像）的關係：在移動的過程中，什麼留在族人之間？又有哪些東西流失了？

另一組成作品則為「圖騰住」，相對於「筏簍覓」具移動特性，「圖騰住」是靜止的。藝術家將駐村時期所觀察到的生活物件轉化為圖騰，呈現出這段時間所感受、學習到的是什麼：由下而上從「土地」——雨鞋內種植蔬菜開展，過渡到在典型部落塑膠椅上休息的「人」，再至最上面三角網上用繡紋視覺化的「靈」，體現出原住民無論在身體、心靈層次上，在這片土地所展現的能動性。

藝術作品9｜康雅筑「紡仿那有無形的」

此作位於前臺灣省政府糧食局稻穀倉庫，擅長編織、自然材質應用的藝術家康雅筑，引用港口遺址出土的陶製紡輪，並以紡錘捻纖成線為概念，運用陶象徵人與土地的連結、線作為穿越時間的媒介，將考古學、民族學、人類學、地理學揉入一件作品中，向消逝與存在之間的界線與價值提出深刻叩問。

 五、磯崎部落 

藝術作品10｜陳勇昌 Kaling Diway「共生」 

三座竹片編織的船型，分別代表善於利用海洋資源的阿美族、噶瑪蘭族及撒奇萊雅族，箭則指示善於狩獵的布農族人。雖各族群聚居地存有微妙疆界，但實際生活裡，因求學、通婚、物資交換，已然形成共同生活經驗，藝術家藉作品中物件各自獨立又相互聯繫的意象，比擬文化邊界有別的群體，因共存的地理界線而形成的緊密關係。

同場加映：石梯坪榕樹下野炊，領會部落生活的精神與智慧

石梯坪的繁盛榕樹下，是港口部落居民的聚會之所，導覽第二天我們在此享受最道地的部落午餐，更具意義的是，竹簍與葉片上的豐盛海鮮，都是位處部落青年之父（mama-no-kapah）與伙食（ifiracay）階級的族人們，剛從太平洋捕獲的新鮮海味。自漁撈、烹煮到用膳，談天的話語聲此起彼落，我們過上了一下午的好野人生活。

當天的捕魚行動由船長阿杰（陳杰敏）帶頭，下海之前，阿杰向我們說明何謂「集體趕魚」（mipapa），其為部落流傳的一種集體漁法，需至少3人才能成行，部分人先至離岸幾公尺處佈網、另些人則在岸邊準備游向水深處，並透過手部大力拍打水面發出的聲響驅動魚群入網，整個過程短短15分鐘便會結束，「我們不追求『一網打盡』，只要夠吃就好，平時捕魚都用漁槍，只有婚喪喜慶像是豐年祭、海祭後才會用網。」阿杰言語間透露著族人對海洋生態的尊重，以及與自然共生的生活智慧。另外，因為當天用的是新漁網，動身前見阿杰拿了只竹杯盛上酒，並用族語念了禱文進行祈福，祈求平安與豐收。

上岸後，有人忙著把漁獲自網上取下、有人負責處理魚麟、有人繼續在海裡採集海菜，還有人在一旁以就地蒐集的木材生火，準備用大鍋烹煮食材。部落極為重視的「分工合作」精神，正體現在趕魚後的慶功共食儀式「巴格浪」（pakelang）上，其帶有慰勞族人協助完成部落重大事件的辛勞之意， 無論婚喪喜慶，透過水流的洗滌，生活又將回到正常軌道上。

事實上，分工合作精神也以更具系統性的形式存在於部落當中，阿杰向我們談起族人在16～18歲期間，便會進入每4年為一階的「八大階級」制度，每一階段有各自需學習並完成的任務，青年不僅能在過程中精進生活技巧，對部落來說也深具傳承意義。而阿杰所屬的第七階級伙食（ifiracay）階級主要負責祭典與重要公共聚會時的食物烹煮與分食規範，兩年後他們將進階到青年之父（mama-no-kapah）階級，是部落的權力中心，負責領導與推動公共事務，若自此階「畢業」後即進入老年，必須卸下擔子、將責任轉移給下一批青壯年。

盛滿海味的豐盛午餐

無論是在藝術品導覽期間，抑或在石梯坪度過的愜意午後，都能感受到主辦、策展單位與部落人之間的深刻連結，一如深耕部落20年的節點共創創辦人蘇素敏，不只能向我們講解展演概念，還能在空檔時穿插部落人的近況：「保羅哥現在是部落『青年之父』階級，原本今年就要畢業啦，但因為疫情沒辦祭典才又續任」保羅哥在一旁笑著強調自己還年輕，算不上老人，「里外背的籐籃，是用他阿公留下來的藤條做的，他這次回來待了兩個月左右，跟著部落人一起學編織、捕魚，也在藝術季當志工」再談到里外是名出色的廚師，和他是如何走上烹飪之路，這次回鄉又帶著什麼樣的心緒。

「那天吃飯的時候你不是說⋯⋯」、「你還記得上次⋯⋯」、「我們今晚喝酒再說！」正是這些再平凡不過的日常對話，著實讓人感受到團隊與部落之間的交情與關切，已內化於各自的生活中。而如此光景，也成了森川里海濕地藝術季的獨特養分，時刻透著部落生活中最真實的況味。

▧ 2021森川里海濕地藝術季

｜展覽時間：2021年6月6日～9月30日。

｜更多資訊：官方網站、導覽專車報名連結。

｜火堆論壇精彩內容：9月4日貓公部落【旅行作為一種文化實踐】、9月11日新社部落【族群裡的原生植物】、9月12日磯崎部落【低限建築的實踐】，詳細資訊請點此。

｜備註：因應防疫規範，也提醒大家觀賞作品時「戴口罩」、「保持安全距離」、「勤洗手」。

圖片｜節點共創、Night_Raven、izzie pang

2025京都ACK藝術博覽會於11月14～16日登場，La Vie編輯直擊現場，從主展場國立京都國際會館，到寺廟等京都市內衛星展區，帶看本屆展出亮點與有趣的策展方式，以及藝術如何透過不同形式融入城市。

11月的日本藝術場景熱鬧的。東京藝術週（ART WEEK TOKYO）率先於11月5～9日登場，以非定點的展出形式，串聯並打開東京全城的藝術場域。緊接著京都藝術博覽會（Art Collaboration Kyoto，ACK）於11月14～16日展開，核心緊扣「合作」，兩大代表性展區：「Gallery Collaborations」規定日本藝廊須與海外藝廊組隊策展同一展位、「Kyoto Meetings」將展會呈現方式與京都文化結合，加乘藝廊與藝廊之間、京都與國際之間的交流，成為藝博會中的獨特存在。

2025年邁入第5屆的ACK，共有來自19個國家與地區的72間畫廊，其中25家為首次參展，可謂至今規模最大且國際多元性最高的一屆。講者陣容也相當豪華，包括今年在臺北市立美術館舉辦巡迴展《你的好奇旅程》的藝術家Olafur Eliasson、TeamLab創辦人猪子寿之、2025大阪世博女性館和Panasonic館建築師永山祐子等人皆親臨現場。值得注意的是，ACK自2022年獲得「保稅展覽」資格，讓國際參展單位得以免除需於銷售前課徵的10%消費稅，而今年也依舊維持此形式。

強調合作的ACK，今年首度攜手曼谷文化機構「Bangkok Kunsthalle」，推出獎助金計畫「Bangkok Collaborate Kyoto Fellowship」，最終由墨西哥藝廊「kurimanzutto」的王水（WangShui）、日本藝廊「Anomaly」的玉山拓郎獲選。兩位除了能獲得金援支持，還將前往曼谷駐村並舉辦展覽。評審團表示，評選標準是希望能尋找與Bangkok Kunsthalle和ACK理念相符的藝術家——具備實驗性、療癒，以及對文化系統的重新想像。而王水的作品結合了影像、演算程序和電影語彙，將科技與精神性以近乎儀式感的方式融合並呈現；玉山拓郎則能將經常被忽視的空間，轉化為令人意想不到的多重感官世界。

在2025年的此刻，ACK以「2050—凝視未來」（2050—Gaze Toward the Future）作為企劃主題，一方面回顧了這個世紀前1/4的歷程，也從此開始思索下一個1/4的世界樣貌。以下盤整今年展出亮點，看藝術與京都激盪出了哪些火花？

① 京都式的展場氛圍

藝博會的氛圍很大一部分由展場定調，有別於一般方正的白色間隔，ACK邀請建築師周防貴之操刀會場設計，運用原木牆拼接成一格格木製展間，各展位不規矩的位置設置，走逛其中，宛如置身於京都的迷宮巷弄間。許多展位也將作品擺放方式結合木格展間，看各藝廊怎麼和木格展間互動，也成為逛展的樂趣之一。

主展場國立京都國際會館的建築亦相當值得一看，這座於1966年開館的建築，由師從日本建築巨擘丹下健三的大谷幸夫設計，室內設計則由劍持勇操刀，可謂日本近代建築的重要作品。11月的ACK展期也正值楓葉季，在1樓展場觀展之餘，也相當推薦到2樓眺望國立京都國際會館周遭景緻，可見紅色楓葉與綠意、建築交織。

② Gallery Collaborations藝廊如何合作？

本屆「Gallery Collaborations」展區，共有29間日本畫廊與30間國際畫廊共同合作展出。其中，代理非洲藝術家的東京藝廊「space Un」，聯手奈及利雅首都阿布加藝廊「Retro Africa」，展出多位非洲藝術家作品，探討物質與身分、動態與靜止之間的關係。日本老字號畫廊「思文閣」，與在聖保羅、布魯塞爾、紐約、巴黎皆有據點的「Mendes Wood DM」合作，呈現拉丁美洲藝術家與日本戰後抽象與前衛書法的創作交流。

東京的「Taka Ishii Gallery」則攜手維也納的「Galerie Martin Janda」，呈現墨西哥藝術家Mario García Torres與斯洛伐克藝術家Roman Ondak的雙人展。其中擅長重構日常物件的Roman Ondak，其大型樓梯裝置〈Leap〉在展間相當吸睛。

東京藝廊「Mitochu Koeki Co.」和倫敦藝廊「Annely Juda Fine Art」的合作相當有趣，前者帶來4位日本女性陶藝家稲崎栄利子、波多野亜耶、服部真紀子、Aizawa Rie的作品，後者則帶來繪畫大師David Hockney於2021年以iPad創作的《20 Flowers》系列作品，呈現一場媒材迥異的展出。而David Hockney的3件作品，也各自以1,500～3,000萬日圓的高價出售。

③ Kyoto Meetings亮點藝廊聚焦

今年共有13間日本及國際藝廊參與「Kyoto Meetings」。墨西哥藝廊「kurimanzutto」帶來王水個展，展出多件以水墨與油彩在鋁板上作畫的作品，方正的畫框中，可見道道強勁而抽象的筆觸。且在預展日結束時，展位已有75%的作品售出，每件作品的成交價落在30,000～55,000美元間。

來自釜山的「Johyun Gallery」也相當值得一看，展出了李培（Lee Bae）、金澤相（Kim Taek Sang）、李光鎬（Lee Kwang-Ho）與墨西哥藝術家Bosco Sodi的作品。展間同時呈現了4位藝術家迥異的媒材特性：炭墨的焦痕、水的沉積色調、超寫實的形象、土質顏料的觸感，引人探索物質與感知的全新維度。

京都本地的「KANEGAE」則用藝術回應環境與社會問題：當鹿肉進入市場後，鹿皮與鹿骨因難以處理而被丟棄。因此KANEGAE開啟了藝術計畫，由藝術家將鹿角與鹿骨轉化為雕塑與陶藝，並從鹿皮提煉出用於繪畫的黏合劑。但他們注意到，光憑藝術無法提供實質解方，因此今年ACK，KANEGAE聯手時尚品牌「T.T」，用鹿皮製作外套與鞋子，試圖開啟新的商業可能。另外也推薦造訪KANEGAE位在大徳寺總門的藝廊，細品工藝的多重面貌。

④ 公共藝術不可錯過

會場除了各藝廊的展位，更有策展人Martin Germann、木村こころ（Kimura Kokoro）策劃的「公共計畫」（Public Program），以「共生：藝術與我們共同生活的世界」（Symbiosis: Art and Common Grounds）為題，邀請10位日本與海外藝術家，在會場內外各處展出作品。會場外可見德國－越南藝術家Phung-Tien Phan的裝置〈ersatzteile〉，將寶特瓶、燈具、收音機等日常可見的工業物件錯置組合，煙霧也不時冒出，隱喻對社會身分的真實性的質疑。

場內亦可見日本藝術家木村友紀翻玩日常物件，作品〈Des Treize〉讓透明球形機器人緩緩穿梭展間，基於數據運算的運動軌跡，會隨著機器人和環境的物理條件差異而慢慢偏離預設，呼應木村友紀長期關注的「物質與非物質存在」之間的關係。

日本藝術家遠藤利克的大型裝置〈Void–Blackening〉，將木、鐵、水泥、焦油炙燒成一顆偌大球形，延續藝術家一貫擅長轉化空間感受的紀念性雕塑脈絡，讓國立京都國際會館一角添上靜謐與神祕氣息。

⑤ 在寺廟遇見藝術

有趣的是，ACK也將展覽延伸到京都市內的寺廟、文化機構等，看藝術家們如何讓作品與空間、歷史互動，也成為到京都看展的獨特樂趣。兩足院由在紐約、洛杉磯擁有據點的藝廊「David Kordansky」，帶來日本藝術家日下翅央（Shio Kusaka）、美國藝術家Jonas Wood夫妻檔的雙人展。日下翅央的陶藝呈現了寺廟內部空間一角的景色，David Kordansky的繪畫則融入寺廟窗景，其筆觸亦呼應了日下翅央的陶藝紋理。

由「Kiang Malingue」代理的美國藝術家Carrie Yamaoka，則於曼殊院展開首次日本個展《Inside Out / Outside In》。在曼殊院這個室內禁止攝影隱密古蹟，Carrie Yamaoka的作品也靜靜隱身寺廟各處，讓旅人如解謎般探索，不斷轉換遠／近、外／內的視線欣賞作品。部分作品甚至直接暴露於自然環境中，隨著天氣、光線、時間的變化，作品將與空間、觀眾交織出不同變化，讓每一次的造訪，都是此刻僅有的體驗。

廣誠院則有倫敦藝廊「Sadie Coles HQ」舉辦的義大利藝術家Isabella Ducrot個展《Incongruous》，這也是這位1931年出生的藝術家，自1990年以來於日本的首次展覽。此次展出了《Bella Terra》與《Incongruous》2大以紙材創作的系列：前者意指「美麗之地」，透過樹木、水面、月亮3個基本元素，以自然的不斷嬗遞，隱喻生命的韻律；後者則展出於2樓，以花瓶、茶壺、桌子等家庭元素為核心。當日光從窗戶穿透紙面，作品也與窗外楓葉景致一同映入眼簾，亦巧妙回應了藝術家對自然與生命規律的叩問。

Art Collaboration Kyoto
時間：2025.11.14～16
地點：國立京都國際會館（ICC Kyoto）
＊2026年確定將於11.7～9舉辦！

_{文、攝影｜張以潔
圖片提供｜各單位}

台中勤美術館邀請台灣跨域藝術團隊 何理 WHYIXD 策展，以《Input > Unknown》為題，打造一場以「感知場域」為核心的沉浸式多感官體驗，以光影為主題，融合科技、感知與想像力，邀請觀眾穿越光影矩陣，重新看見隱藏的資訊如何於城市與日常之間流動、生成與綻放。

由日本建築大師隈研吾設計的「勤美術館 CMP INSPIRATION」於去年12月正式開幕，首展邀請日本設計師nendo團隊帶來《OUTLINES IN BETWEEN》，奠定展館「靈感能量」的創意基調；第3棒由首次登台的歐洲藝術團隊Numen/For Use，展出《Net & String Taichung》，延續對城市空間與感知的探索。今年冬季，第3棒展覽由台灣跨域藝術團隊何理 WHYIXD接手策展，回應勤美草悟長年累積的靈感脈絡，以及勤美術館「打開想像」的核心理念。

以身體與感官作為「輸入」

展覽靈感源自電腦程式語法的命令提示符「Input >」，象徵等待輸入的未知狀態。在這場展覽中，觀眾不再只是觀看者，而是以身體與感官作為「輸入」，親身參與一場關於「未知（Unknown）」的感知運算。展覽由何理 WHYIXD策展與創作，並攜手德國聲音藝術實驗室KLING KLANG KLONG、台灣視覺設計團隊HOUTH，以及藝術家莊志維，共同構築一場融合光、聲、風與數據的多感官體驗，探索數位時代的「真實感」與感官邊界。

觀者化身參與世界生成的「玩家」

在《Input > Unknown》的展覽現場，觀者是參與世界生成的「玩家」。何理 WHYIXD表示，此次展覽透過觀者的參與性互動，讓科技藝術不再只是被觀看，而是成為每個人都能親身介入的感知場域。真實不只是一種結果，而是一種持續被生成的過程。當你改變觀察的角度、重新檢視習以為常的界線，世界也會回應你以另一種樣貌。展覽共分為4個展區：啟動、運算、渲染及沙盒模式，也象徵未知世界生成的4階段。

以偏光鏡啟動未知的光影世界

展覽自1樓入口〈Hello World〉啟動，觀者能拿起本展入場通行證——現場特製「偏光鏡」，親手解碼隱藏於牆面光影之間的訊息。隨著鏡片旋轉，光的偏振方向改變，潛藏的線條與色層逐一顯現，人們彷彿化身為指令輸入者，透過手勢與視角開啟個人化的光影界面。〈Hello World〉走廊以電腦語言與互動機制設計，透過每日投票「Accept／Deny」參與展覽程式，感受思考轉化為光的瞬間。

在7公尺高「像素矩陣」行走

順著階梯走入地下一層，壯闊的〈像素力場Dynamic Field〉以流動光影迎面而來。由偏光鏡面、旋轉機構與燈光交織而成的巨大裝置，構築出可步入的7公尺高「像素矩陣」，隨著觀眾的移動與視角改變，潛藏色層與反射光譜層層顯現。靜止的結構在觀看中流動，鏡面折射出觀者與環境的互動，使「身體」成為影像生成的一部分。讓光成為媒介、感知成為動力，模糊了虛擬與真實的界線，開啟一場關於影像與自我之間的沉浸對話。

在光與聲中聆聽數據的呼吸

從視覺宇宙轉入暗黑場域，〈海境：回溯 Tender Soul of Ocean: recall〉由何理 WHYIXD攜手德國聲音實驗室KLING KLANG KLONG共創，以勤美術館戶外的氣候資料與人流數據為素材，轉譯成流動的光影與聲音。觀眾步入作品，如同進入被風與海洋訊號編織的波光之境。光線隨氣候與人群移動而閃爍，聲音在空氣中震盪，如潮汐般呼吸。觀者不再只是旁觀者，而是環境節奏的共構者。〈海境：回溯Tender Soul of Ocean: recall〉以溫柔卻深刻的方式提醒我們：氣候、聲音與人並非分離的存在，而是一場持續共鳴的動態生命場。

以眾人之手生成詩性色譜

展覽最終章〈白色彩虹Spectrum of White〉由藝術家莊志維創作，運用偏光鏡獨特的折射特性，邀請觀眾以手指觸碰、留下痕跡，親身參與作品的生成過程。隨著每位參與者的指印與動作不斷堆疊，原本純白的偏光片逐漸映現出繽紛光譜，從透明到彩色、從個體到群體，最終形成一道由人共同構築的「彩虹」。作品象徵著當代人際網絡的連結——每一個獨立行為都能匯聚成共感的意識場。這件裝置成為展覽的尾聲，也是一場凝聚的儀式：當觀眾離開，光線仍在轉動，留下的是眾人共創的光譜印記，映照著人與人之間持續流動的生命力與連結感。

勤美術館 《Input > Unknown》
展期時間｜2025.11.22（六）－2026.03.01（日），週一休館
第一階段展期 2025.11.22(六) − 2026.01.04(日) 13:00−21:00
第二階段展期 2026.01.06(二) − 2026.03.01(日) 10:00−18:00
地點｜勤美術館 CMP INSPIRATION（台中市西區館前路79號）  
購票請點此

_{資料提供｜勤美術館、文字整理｜Adela Cheng}