2021台灣設計展【06現域】嘉美館開展！6件作品構築嘉義市公共空間新想像

2021台灣設計展，編號06的嘉義美術館展館，由台灣設計師連線統籌，集結6組設計團隊，讓作品從庭院到美術館內遍佈各處，以「現域」為題，以「水文的家」重新看待嘉義。

策展人台灣設計師連線進一步解釋：「這檔展覽，設計師不是要討論水文這件事，而是透過水文發展，而衍伸嘉義重要的水文地景公共空間，例如中央噴水池、鄰近東市場現存最古老的古蹟紅毛井等。」

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嘉義市立美術館「現域」

日期｜2021年12月18日～2022年2月27日

地點｜嘉義市立美術館

作品1｜曾熙凱《不存在的噴泉》

 這組吊掛在天花板上的吊燈，往地上看的鏡面反射，會看到代表嘉義的地標「噴水池」，曾凱希望從這個作品，改變大家觀看噴水池的角度，讓大家思考人和權利、我們和噴水池的關係。有人說，嘉義人心中的「圓」是噴水池，而這個對嘉義人來說的精神地標，這件作品透過改變視角而讓觀者產生反思。

有意思的是，這個吊燈重達200公斤，如何將重量平均分配在作品上，對設計師來說也是一大考驗，希望大家可以從各種角度取景，拍出屬於自己視角的噴水池（或另一種意想不到的物件）

過渡區，從「不存在的噴泉」往二樓移動，會經過一個輕鬆的休息空間，這是民間製造開源所，以米袋製作的懶骨頭，接下來也會在這裡舉辦講座，讓大家走進這個空間，很輕鬆的參與。

作品2｜張家翎《噴水池作為一種歷程》

二樓同樣以噴水池為命題的作品，是由年輕設計師張家翎在美術館內的現地創作。她一個人花了5天，完成這座直徑7.2公尺、以鵝卵石包圍的作品。早期噴水池的中央環形公園，是人可以走進去散步的，而這組作品，透過時間推移，呼應嘉義人如何看待噴水池這件事，而作品最困難的部分，是中間平整弧形的邊框，張家翎花很多時間把細小的石頭一顆顆黏在上面，創造平滑的效果，再利用花蓮大理石呼應池水顏色，黑色亮面和碎石的材質對比，產生質感差異，這是張家翎到美術館觀察後，為了配合空間而創作的巨型現地作品。

非常建議從三樓、四樓不同的高度觀看，會有不同的感受（看起來更壯觀）。

作品3｜宮保睿《貯物池》

「貯木池」已經不存在，卻被稱作嘉義八景之一，更有一首詩，描述當年貯木池的生活情景和狀態。宫保睿利用白色3D列印的物件，呼應當時貯木池生活的情景。

以前的貯木池，木頭都會浮在水面上，小朋友喜歡在木頭上跳來跳去，鞋子也常常掉進池裡，被3D列印後封印在透明盒裡的鞋子就是擷取這個部分的靈感。宫保睿也收集和當地水源有關的故事，包括有一種對水庫生態破壞很嚴重的魚種，以及嘉義蘭潭水庫底住著魚精的傳說等，再利用推測手法，把過去、現在的故事揉成一團，呼應現在以至於過去貯木/物池的狀態，而乘載透明盒的底座，刻意用鏡子能夠反射周圍的環境與動線（另一種現地呼應）。

作品4｜徐景亭《大地神經系統》

一走進展間，會先看到人體脊椎圖，呼應作為大地生態神經系統的苔蘚和地衣，作品最前方有四個小桌子，裡面是徐景亭對青胎的味道、生長型態做的試驗和研究，再往前可以看到一台想像中的「植物印表機」，如果科技成熟到可以對青胎，這類顯而不見的植物做再加工，可以用什麼方式被應用在生活中？可能被織成地毯、也可能取代現有的空氣清淨機，成為家中的自然淨化設備等。

作品的最後，是一個以前醫院使用的藥櫃，如果青胎相當於大地神經系統，如果把它們變成「藥」是不是能強化「人」的神經系統（中國人以形補形的概念），徐景亭提這個概念，回應人和自然微妙的互動關係。

作品5｜吳柏翰、祁孝霖《民間製造開源》

這組是這次最年輕的團隊，他們是工業設計師，時常需要滿足客戶需求而設計物件，當他們思考這件作品時，想的是「有沒有可能透過長年的生活觀察，透過直覺，真正為了需求產生的設計，有沒有可能變成設計靈感的來源？」團隊發展初5件作品，它們最大的特色是，只要去五金行買材料，每個人都可以自己在家做，而設計師做的事情是，用設計專業美學訓練，改變應用、創造初可用的生活物件，他們這次的作品如小邊桌，也被擺放在美術館庭院，才一擺好，馬上就有民眾把它變成自拍架、自己帶茶具來泡茶等，這都呼應我們想讓美術館，成為與在地居民對話的空間，這組作品，用最簡單直覺的設計語言和大家對話。

別忘了停下腳步觀看團隊拍攝的影片，開展幾天以來，很多人被影片的製作過程吸引而得到共鳴（看到不想離開）。

作品6｜當若互動藝術《###》

這組作品設計師，是剛完成新竹光臨藝術季光雕秀策展的當若互動藝術，《###》是呼應嘉義紅毛井，利用深度感測技術，透過按壓深淺差異、帶出三層不同的訊息，入口圓形裝置，靜止不動的第一層是荷蘭文，講的是紅毛城這口井的故事；第二層是河洛語的中文，標註早期紅毛井，清代詩人講紅毛井的故事；第三層是亂碼，意指現在、過去、未來的時間序，講的是紅毛井的故事和歷史。這個圓，內徑寬度是90公分，參考現存紅毛井的實際尺寸。

第二件互動作品，是方形。當年因為這口井是荷蘭人建造而有紅毛井之稱，而荷蘭人原始建造地井是四方形，所以他們以方形呼應當時狀態，刻意做成從下往上看的不同觀看角度，圓形點是紅毛井的座標位置、第二層會聽到菜市場的聲音，因為這口井鄰近東市場，有很多好吃的東西和古蹟裝置，這裡聽到的聲音是設計團隊在蘭井街錄製而成的；第三層則是看到描述的字句。他們透過這兩件互動裝置，讓大家知道紅毛井的位置、它的時間演變和發展。

這件名為《井井井》又像是科幻代碼的作品，透過虛實交錯的歷史故事，讓大家更了解紅毛井。

這次台灣設計師連線挑戰在美術館做展覽，要思考如何做出符合美術館氣質調性的作品，因為設計師和美術館（藝術）慣用的語言不同，設計師習慣把事情梳理清楚、講明白，而在藝術的脈絡中，則是以開放的態度，留給大家自己詮釋與解讀。對設計師們來說，這樣的碰撞，也是這次設計作品走進美術館最大的收穫「原來不是什麼都要講清楚說明白，原來講不清楚說不明白，才最有想像空間。」

嘉義市立美術館「現域」

日期｜2021年12月18日～2022年2月27日

地點｜嘉義市立美術館

時間｜詳見美術館公告

圖片提供｜台灣設計研究院

在紐約，鷹架一直是為在地人詬病的「城市景觀」，與此有關的話題和政策討論也從未間斷，然而這「看不慣鷹架卻又必須與它共存」的紐約日常，卻也激發了設計人的創意。時尚品牌Prada位於第五大道的店鋪現正裝修中，因施工而設的鷹架，在紐約設計工作室2x4的巧思之下，化身點亮街景的超大型藝術裝置！

紐約的「萬年鷹架」怎麼來？

鷹架是建築施工期間必要的臨時措施，但在紐約，鷹架卻與城市長期共存。這與Local Law 11法規對建築外牆的嚴格規範有關——1980年，紐約因一場磚塊剝落致死意外，通過了「外牆檢查與安全計畫」，規定6層樓以上的建築，每5年都必須檢修外牆，若有發現建材鬆動、剝落等，就必須搭起棚架，以保護行人安全。然而，許多鷹架搭建後就沒再拆除，久而久之便形成「萬年鷹架」籠罩城市人行道的獵奇景觀，也導致人行道空間狹窄、光線昏暗、街友聚集等問題，讓許多市民對此感到困擾憂心。

近年，紐約針對鷹架另啟動多項政策，希望能透過縮短鷹架設置時間、重新設計鷹架結構等辦法，改善這項困擾城市已久的問題。官方有動作的同時，民間也發揮創意讓鷹架在新制發揮效果前的過渡期，演變出不礙觀瞻、反而吸引人駐足欣賞的樣貌。

翻轉工地鷹架為藝術裝置

座標紐約第五大道，Prada時尚精品店正改裝中。施工期間，品牌長期合作的空間設計團隊2x4，巧妙將鷹架從單純的工程設施，昇華為展現品牌形象的創意載體。2x4在店鋪面向街道的兩側立面搭起鷹架，為其漆上品牌標誌性的Prada Green，用清新的薄荷綠色點亮街區。

另外，2x4選用劇場背景常用的半透明紗網紙（scrim paper）覆蓋鷹架，賦予表面波紋般的視覺效果。有趣的是，因紗網紙可透光，當天色或光線變化，或隨行人與店鋪的距離靠近或拉遠，鷹架裝置看上去也會不同——有時看似實心量體，有時又會隱約顯露出內部的工地結構。

藉由這次計畫，Prada不僅展現品牌創意，也對城市議題有所回應，同時向世界宣告了第五大道門市正迎向新篇的消息，無疑是一場成功的品牌行銷。

總說留有一盞燈地方為家，那留的若是一盞漂亮的燈，無疑可謂家的品味。「燈光詩人」賴雨農全新原創品牌Noctem，2026年初登米蘭設計週公開首批概念作品，用3款側重不同面向的別致燈具，凝聚獨處時刻那全然活在當下的專注力。編輯統整首秀亮點，帶你深入探索品牌立意及其設計脈絡。

縱使身陷繁忙日子，我們仍需要完全屬於自己的時刻。無論桌前的工作、床邊的閱讀，甚或為求隨處攢得一方私密天地，攜熟悉燈具行遍陌生各地的個人儀式，營造「獨處時刻」終究至關重要。

正對應這些時刻的需求而生，知名台灣照明設計師賴雨農（Uno Lai）根植過去20年來聚焦「光如何塑造情感與日常體驗」的漫長探索，於2025年成立燈具品牌Noctem。源自拉丁文詞語「夜晚」的品牌名，所指卻非單純的黑暗時段，而是得讓人轉換節奏、專注並反思自我的寶貴光陰。承該字美意，品牌哲學「獨而不孤（Alone but not lonely）」將獨處界定為一種積極踏實的狀態、一個以平靜方式與己身相處的選擇。因此，旨在無縫融入生活，Noctem作品藉微妙形式、直覺互動和深思熟慮的處處細節，致力平衡氛圍感與機能性，試圖以物件自帶的輕鬆自在質地，予人們的獨處時刻實質支持。

▼ 賴雨農作品遍及世界多座國際城市，執掌著名專案如上海外灘景觀燈光改造等

為生活造光，為獨處而非孤獨時刻構思燈具

今年，Noctem挾3款傾注上述理念的創意燈具，首度參戰米蘭設計週新銳設計聯展Deoron，秉持內斂克制卻又清晰精準的原則，透過作品關注物件如何超越時間磨礪被長久使用。

► 3款新作發表

便攜折疊燈｜Nook

折疊造型的可攜式燈具Nook，經展開直立後即顯露光源，悄然點亮私域。纖薄燈體結構易陳設於家中、辦公室及旅館房間的畸零檯面，靈活適應學習、工作、休閒等多元場景。底座集成附有USB-C輸出功能的電池系統，能兼作行動電源，在任意環境重現最符合平日習慣的照明條件。

互動模組燈｜LumiCube

由可互換元件構成的模組化照明系統LumiCube，能重新排列組合為檯燈、吊燈、攜帶燈乃至裝飾物件等各樣型態——自由鋪排專屬光譜的過程本身，便是互動體驗的一部分。

香氛融燭燈｜Monologue

Monologue採PTC陶瓷加熱器和循環氣流系統取代傳統的鹵素加熱，故無裸露燈泡配置，僅憑箱內暖空氣均勻融化蠟燭，持續擴散香氣。外觀遵循極簡工法打造，另汲取靈感自烤箱箱門帶動托盤送出食物的機關發想獨特開啟方式，質感與便利性皆備；操作上則搭載無線藍牙旋鈕控制器，供使用者依喜好調節溫度和亮度。

► 對比風格選址

本屆聯展落腳威尼斯門設計區中心一座占地800平方公尺、此前還不曾用於展覽等活動的宏偉殿堂，其整體恰與Noctem作品調性產生極大對比的粗獷風格，自然促成工業尺度與個人儀式間的有趣對話。參展團隊涵蓋來自美洲、歐洲、亞洲和大洋洲逾50組設計師和品牌，再再彰顯Deoron平台「挖掘未被發現的創作者與展示空間」宗旨，同時完美落幕該場館向公眾敞開大門的初次文化盛會。

設計需要被體驗：你選擇如何度過歲月？

在Deoron聯展，物件是因為它本身的表達而受到選擇，不是因為創作者光環或其他因素加成。Noctem首秀全然反映品牌理念與Deoron策展方向的深度契合：雙方皆著眼得以引發情感回應的物件，且都將設計視為一種需要被觸摸、被使用，進而與人們共存的事物。賴雨農甚表示，找不到比Deoron更合適的地方來介紹Nook、LumiCube和Monologue幾件新作，場館空間自己也已經在說故事。對他而言，這場發表意味著回歸初衷——「光不僅僅是照明，它關乎氛圍、意圖，以及選擇如何度過我們的歲月。」