東京銀座蔦屋書店畫廊THE CLUB，繼2021年1月後再次登臺舉辦快閃展覽，本次帶來4位日本新銳藝術家近藤正勝、猪瀨直哉、小瀨真由子及今坂庸二朗作品，選址台北複合式藝術空間LIGHTWELL，巧妙運用建築中天井引入的日光、循光布展，結合場域特色、藝術品與光線間的互動關係，策劃名為《光之域》的藝術展演。

《光之域》與展場LIGHTWELL間的連結

座落台北南西商圈巷弄的LIGHTWELL，是處以50年老屋改造而成的複合式空間， 店內一樓販售設計服飾、二三樓則為展覽場域。空間中最特別的，莫過於位居中央的天井設計，其不僅保留了老屋原有建築元素，讓訪客看見現今台北市區少見的屋房形式，從井口透入的日光與新設的壓克力板裝飾，更為空間帶來特殊、絕妙的視覺效果，恰與本次以光為題的展覽形成微妙互文關係。

直擊展覽現場亮點作品！

本展集結4位日本新銳藝術家，引領觀眾透過繪畫、攝影作品，看擁有不同生活背景、成長環境，現旅居異地、又或定居原鄉的創作者們，對色彩、光影會有何不一樣的詮釋，而埋藏於四位藝術創作中的日本美學、東方哲學思想，又以何種形式再現？不妨到現場一探究竟。

01. 近藤正勝｜唯美畫風探討生命議題、永恆與瞬間的意義

出生於名古屋、現定居於倫敦的近藤正勝，可說是一位大器晚成的藝術家。過去，倫敦Victoria Miro藝廊曾舉辦群展，邀同年畢業的近藤正勝與Peter Doig一同展出，但相比Peter Doig早早在藝術界嶄露頭角、作品創下拍賣紀錄，近藤正勝的聲量來得稍晚一些。近藤正勝擅長描繪自然環境，創作多圍繞著生態景色，早期常藉繪畫探討生死命題，近期則專注於呈現自然風景中幽微的光譜線條，表達手法兼具抽象與寫實。而《光之域》這次也特別展出其早期、近期創作，帶觀者看見藝術家身處不同時期的表現方式。

《STILL TO BE ALIVE》以優雅柔美的色彩，傳遞人類活動、自然生態對立互望的隱喻，畫中的鹿象徵生命力、弓箭暗指人為攻擊，雖在畫作中靜止的這一瞬間，兩者看似相安無事、畫面平穩靜謐，但弓箭射出的那一霎那，沒有人能夠預測接下來箭隻會去向何方、最終是否會造成傷害？近藤正勝透過唯美畫作，傳達生命的無常與脆弱。

《THE WALL AND THE BUTTERFLY》則描繪蝴蝶停留於壁紙的畫面，蝴蝶壽命短、是稍縱即逝的美麗存在，壁紙則與室內空間長久作伴，藉由兩者生命週期的對比，帶出對瞬間與永恆生存意義的探討意味。

02. 猪瀨直哉｜描繪人類與自然、自身與社會相互關係

猪瀬直哉的繪畫呈現手法相當有意思，筆觸寫實、同時充滿想像力，常透過細膩縝密的油畫傳達超現實命題，兩大特色在這次《光之域》展出作品中皆可見得。其中，《Ave Maria》流露藝術家對末日主題的熱愛，此作呈現猪瀬直哉對末日景況的想像，畫作質地帶柔霧朦朧感，內斂地傳達當人類從這世界消失後，曾留下的痕跡該如何與餘下自然共存的主題。

《Blue Home》則是幅藝術家的另類自畫像，猪瀬直哉常以企鵝象徵自己，悄然透過畫作記錄自身當下狀態，本作則闡述了他對家鄉日本的想法。畫中藍天、泳池的湛藍景象澄淨美麗，池中水面下卻有著斑駁痕跡，暗示著日本看似完美卻充滿框架的社會現況，而企鵝抬頭望向遠方的動作，則象徵著畫中的一片美好對藝術家本人來說，彷彿就像一場夢。

猪瀬直哉透過《Coexistence》與《Color Bar》系列，實踐西方浪漫主義、印象派相互融合的藝術風格

03. 小瀨真由子｜帶平面設計風格、日本中庸美學的日常感畫作

專攻日本畫的小瀨真由子，亦深受普普藝術及日本設計大師橫尾忠則、栗津潔影響，作品呈現介於後現代主義、平面設計間的獨特風格，饒富趣味。此外，小瀨真由子也時常在畫中埋下與日本有關的細節，如將傳統礦物顏料、金箔帶入畫作，創造出幽微細閃的視覺效果；畫中人物皆為無性別、無外貌特徵的黑色剪影，除別具神秘氣息，也暗示著日本民族內斂、不擅表達自身的特性。

本展展出小瀨真由子3幅全新畫作，全系列試圖傳達「我畫故我在」概念，透過將生活周遭常見的物品、景象帶入繪畫，藉此與觀者產生共鳴，而當觀眾能夠共感、得以領悟藝術家所要表達為何，也印證了雙方所見世界必有重疊之處，間接使藝術家證實了自己真正存在。

04. 今坂庸二朗｜以攝影傳達對人類發展、生態環境的懷憂

成長於廣島的藝術家今坂庸二朗，擅長藉攝影論述人類與自然間的關係，不斷透過影像探討我們該如何與自然共存，同時表達對逝去的恐懼、人類未來的懷憂，以及面對環境時心中所懷的謙遜、敬畏之心。

這回，今坂庸二朗展出兩大系列作品，帶觀者從不同角度思考人類發展與生命議題。其中《Trade Winds》系列攝於夏威夷，現為度假聖地的歐胡島，過去也曾是座原始島嶼，原住民以尊重自然的方式與環境共存，直至虎克船長發現此地、外來文明介入後，小島才產生質變並逐漸發展成現今模樣，今坂庸二朗希望能透過此作，帶人們以歷史視角看待夏威夷；另一系列《Illuminating Earth》背景則為今坂庸二朗家鄉——廣島，這片曾被原子彈轟炸的土地，如今仍遺留許多戰爭痕跡，藝術家透過影像紀錄當地景況，帶出對戰爭的反思、對烽火的恐懼，也引領觀者一同省思。

藏身東京銀座蔦屋書店的藝廊THE CLUB

日本蔦屋書店以「生活提案」為概念，根據分店地域性打造各具特色的書店，像是帶時髦氣息的代官山店強調「高質感日常生活」、歷史底蘊深厚的奈良店則定調為「成熟大人味」，而位於東京銀座GINZA SIX的店面，則呼應街區多元藝術盛放、激盪的特質，將「藝術走入生活」定為核心理念構築一座藝術書店，店內匯聚約6萬冊攝影、建築、時尚、文化等藝術書籍，並經營由山下有佳子（Yukako Yamashita）擔任總監的藝廊THE CLUB，致力於將日本新銳藝術家帶向國際舞台。

Horizon Dreams of Color 光之域

日期：2022年1月15日至3月13日

時間：12:00～20:00PM（週一休館）

地點：LIGHTWELL（台北市中山區中山北路2段20巷6-1號）

資料｜THE CLUB

圖片｜THE CLUB、izzie pang

嘉義縣義竹鄉的藝文新地標「天來美術館」於今（2026）年3月31日正式開館，其由遠流出版公司董事長王榮文與館長文曼君賢伉儷籌備，並邀請到建築人毛森江操刀設計。

天來美術館坐落於嘉義縣義竹鄉，以「做美麗的東西，我也可以」為建館宗旨，期許本館不只作為展示藝術品的容器，並成為一個培養美、創造美的育成基地，打破藝術專屬於菁英階級、侷限在城市的想像。

破舊房舍搖身一變成美術館

美術館建築物側面的9個字——「天來美術館 善之所在」，取名自創辦人王榮文的父母王天來、王翁善。這裡原是他們生養9個孩子的舊居，也是王榮文出生長大的家。為紀念雙親，他決定化私為公，將原為三合院灶腳、牛棚和二層穀倉的破舊房舍，轉化為美術館。

毛森江親自操刀天來美術館

天來美術館的設計，由毛森江親自操刀。深受日本建築師安藤忠雄影響的他，曾打造多座具代表性的清水模建築，如位於台南漁光島的「毛屋」，以及將國際設計家具與空間美學完美融合的「森/CASA」。而天來美術館以「農夫美術館」為初始定位，在幾何構成的建築中融入斗笠、農田、稻草等元素，呼應農夫的生活風景。

光線與清水模建築交織

美術館的正門需經過一條僅約60公分寬的側邊走道，這條狹長的通道以稻草灰燼特殊工法鋪設完成，象徵農地中的田埂路；外觀屋頂以四片清水模貼上銅片，構成不規則的斗笠形狀，勾勒出豐富的天際線變化。毛森江巧妙翻轉原本有限的空間，將其化為通透且流動的場域。動線引導觀者走上二樓平台與三角形迴廊，在極簡的幾何構圖中，看見光線如何與清水模的灰階交織，演繹純粹而紮實的空間對話。

開館首展展出20多件巨幅筆墨

天來美術館開館首展推出「初學者王榮文與藝術家程延平的對畫」聯展，展期為3月31日起至7月19日。王榮文在美術館籌備期間受藝術家程延平啟發，捨棄傳統筆墨，以掃把、刷子等工具豪邁作畫，首幅大畫生動呈現童年八掌溪畔父親鞭打老牛的深刻回憶，最終兩人決定合作推出首展。

本次展覽展出20多件巨幅筆墨，既是東方美學的寫意，也是鄉土靈魂的寫實，讓觀者在巨幅畫作前，感受到一種由靜入動、由古入今的視覺震撼。人人都能畫畫、人人也都應該畫畫，希望藉由這場酣暢淋漓的筆墨揮灑，讓每一位觀者都能帶走「原來我也可以」的起心動念。

做美麗的東西，我也可以
展期｜2026/4/2～7/19
地點｜天來美術館（嘉義縣義竹鄉義竹村84號）
開館時間｜週四-週日 10:00-17:00
購票資訊｜免費入場

_{資料來源｜嘉義縣政府、天來美術館；文字整理｜Adela Cheng}

公園是大眾熟悉的日常場域，當園區樣式漸成某種模板，我們還能如何重新想像這與城市生活密不可分的「日常樂園」？公園還能怎麼綻放出如樂園般令人感到驚奇、心生嚮往的魅力？

臺北市立美術館（北美館）兒藝中心推出《造公園》特展，以「公園的奇想」為出發點，邀集9組藝術家在館內造了一座「公園」——透過錄像、聲音裝置、立體、複合媒材等多元形式的創作，邀請大小朋友打開想像和體驗「公園」的多重路徑，透過藝術重新凝視這日常生活中熟悉的場域！

親臨展場，除了會看見路燈、涼亭、遊樂器材等熟悉元素的新樣貌，還會挖掘那些過去可能不曾知曉的台灣公園趣事——游泳池常見於20世紀初的台灣公園？台北市區竟有座存有史前遺址的公園？更多有趣的新知和舊事，待你到現場解鎖。

北美館兒藝中心《造公園》陣容

策展人｜王瑋婷

參展藝術家｜石孟鑫、李鈺淇、吳燦政、明白實驗所（李明潔、李欣穎）、倪祥、陳姿尹、陳萬仁、楊雨樵與蕭聖健

從台灣第一座近代公園「圓山園區」出發

北美館地理位置鄰近花博公園，隔著中山北路的圓山園區過去即是台灣第一座近代公園——圓山公園，於1897年對外開放。園區內不僅保存著台灣重要的史前遺址——圓山文化層遺址，亦曾於1915年與1938年先後設立動物園與遊樂園。1977年，台北廣播電台遷入，此地長期作為台北重要的休憩、教育與娛樂場域，在不同歷史階段承載著城市記憶與公共角色。

《造公園》以圓山公園的歷史脈絡為前期研究基礎，透過3個子題：「形狀與感知」、「自然與建構」及「公共性與再想像」，以展覽內容包裹公園所蘊含的多重面向，引導觀眾重新思考人與自然、人與人之間的關係，並在參與及觀看之中，開啟一場與歷史之間的對話。

探索路燈、涼亭、翹翹板的有趣新貌

藝術家將公園中的路燈、遊具、涼亭、球場等元素，凝聚為「形狀與感知」，重新放大那些細微而常被忽略的片刻。石孟鑫的《 （ ） 》與《門燈柱》，將公園常見的黃色圓球柱燈擬人化，讓原本直立的柱體展現出不同姿態，賦予日常物件新的生命與空間意義。作品位於展場入口，散發溫暖的黃光，引導觀眾進入展覽空間，如同踏進公園。

陳姿尹的作品《Light up and down》以翹翹板為意象，隨著光線明暗的變化而產生傾斜，藉此向觀眾提出「光是否具有重量」的提問，喚起人們對城市生活中晝夜節奏，以及光對於身體與情緒所產生牽引的感知。

來自香港的李鈺淇將香港城市的記憶轉化為錄像裝置《遊、樂、園》，透過手繪動畫帶領觀眾穿梭於結合想像的遊樂場、行人隧道與城市角落。

從公園裡的人造自然，尋訪台灣公園往事

公園的設計規劃經常涉及人造自然，「自然與建構」子題探討其中人與自然的關係。陳萬仁的錄像作品《深邃而璀璨的憂鬱》以空拍機視角俯瞰水面，在策展脈絡上呼應1920至1930年代台灣公園相繼設置游泳池的歷史背景。作品在此成為泳者身體與時間交會的場域，重複性的動作亦為觀眾帶來平靜或不安的矛盾感受。

蕭聖健之作《月夜》以機械結構模擬自然聲響，回應科技文明與城市進程對感知經驗的改寫，使觀眾重新意識到自然如何被「重新製造」。

聲音影像裝置《公園》延續吳燦政對城市聲景的長期觀察，透過拍攝公園中不同的樹種，並結合多年累積的聲音地圖，作品中收錄風吹樹葉、蟲鳴、鳥叫與人群交談的聲音，既屬於城市，也承載個體記憶，揭示公園「存於公私領域之界」的空間特質。

在公園裡考古城市歷史

互動區及工作坊的內容，回應了圓山公園的歷史脈絡與史前文化遺址，探討了城市在文化保存與現代化之間的調適與變遷。明白實驗所的《13號兒童樂園》系列作品，以旋轉木馬意象與公園流傳的故事為起點，將舊兒童樂園與其前身「圓山動物園」的文本史料轉譯為影像裝置、身體展演與聲響物件，喚起觀眾心中跨越時間的共同記憶。

言說藝術表演者楊雨樵的《塚》以考古遺跡為靈感，觀眾可將粉筆塊投擲到特製的斜坡屋頂，粉筆在滾動與掉落的過程中發出各種聲響，藝術家將於展期間的演出活動中，如同考古學家般「挖掘」堆積的粉筆，透過遊戲、聲音與歷史的結合，引導觀眾重新感受城市與歷史，以及物質與聲響之間的微妙關聯。

倪祥的《很久以前之後》則以圓山公園的歷史為靈感，邀請觀眾參與互動，將公園常見的元素，如雕像檯座、紀念碑、樹幹轉化為意象不到的體驗方式，讓觀眾重新體驗日常空間中潛藏的奇幻與開放性。

一起想像北美館的未來樣貌！

本展特別設置「靈感草稿：公園設計」與「地底下的美術館，上面的公園」2個創作區域，邀請觀眾發揮想像力，描繪心中理想的公園樣貌。以此回應北美館正以「花博公園美術園區」為基地擴建新館的當下情境——新館的主建築位於地下層，地面則規劃為開放的公園綠地，未來將成為台北都會北區的文化綠色廊帶。透過觀眾參與，展覽得以從展場延伸至對美術館、圓山園區以及城市未來的思考與想像。

《造公園》Imagining a Park

展期｜2026.03.28－08.30

地點｜臺北市立美術館 兒童藝術教育中心

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