東京畫廊THE CLUB台北快閃展覽!集近藤正勝、猪瀨直哉等4位日本藝術家作品

東京畫廊THE CLUB快閃藝術展!集結近藤正勝、猪瀨直哉等4位日本藝術家作品1

東京銀座蔦屋書店畫廊THE CLUB,繼2021年1月後再次登臺舉辦快閃展覽,本次帶來4位日本新銳藝術家近藤正勝、猪瀨直哉、小瀨真由子及今坂庸二朗作品,選址台北複合式藝術空間LIGHTWELL,巧妙運用建築中天井引入的日光、循光布展,結合場域特色、藝術品與光線間的互動關係,策劃名為《光之域》的藝術展演。

Horizon Dreams of Color 光之域展覽空間 3F -1

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東京畫廊THE CLUB在臺快閃展覽《光之域》

《光之域》與展場LIGHTWELL間的連結

座落台北南西商圈巷弄的LIGHTWELL,是處以50年老屋改造而成的複合式空間, 店內一樓販售設計服飾、二三樓則為展覽場域。空間中最特別的,莫過於位居中央的天井設計,其不僅保留了老屋原有建築元素,讓訪客看見現今台北市區少見的屋房形式,從井口透入的日光與新設的壓克力板裝飾,更為空間帶來特殊、絕妙的視覺效果,恰與本次以光為題的展覽形成微妙互文關係。

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【空間照片18】LIGHTWELL 2_3F 藝文展覽空間
LIGHTWELL展演空間

直擊展覽現場亮點作品!

本展集結4位日本新銳藝術家,引領觀眾透過繪畫、攝影作品,看擁有不同生活背景、成長環境,現旅居異地、又或定居原鄉的創作者們,對色彩、光影會有何不一樣的詮釋,而埋藏於四位藝術創作中的日本美學、東方哲學思想,又以何種形式再現?不妨到現場一探究竟。

Horizon Dreams of Color 光之域展覽空間 3F -4

Horizon Dreams of Color 光之域展覽空間 2F -3
展區一隅

   

01. 近藤正勝|唯美畫風探討生命議題、永恆與瞬間的意義

出生於名古屋、現定居於倫敦的近藤正勝,可說是一位大器晚成的藝術家。過去,倫敦Victoria Miro藝廊曾舉辦群展,邀同年畢業的近藤正勝與Peter Doig一同展出,但相比Peter Doig早早在藝術界嶄露頭角、作品創下拍賣紀錄,近藤正勝的聲量來得稍晚一些。近藤正勝擅長描繪自然環境,創作多圍繞著生態景色,早期常藉繪畫探討生死命題,近期則專注於呈現自然風景中幽微的光譜線條,表達手法兼具抽象與寫實。而《光之域》這次也特別展出其早期、近期創作,帶觀者看見藝術家身處不同時期的表現方式。

Horizon Dreams of Color 光之域展覽空間 2F -1
近藤正勝展區

《STILL TO BE ALIVE》以優雅柔美的色彩,傳遞人類活動、自然生態對立互望的隱喻,畫中的鹿象徵生命力、弓箭暗指人為攻擊,雖在畫作中靜止的這一瞬間,兩者看似相安無事、畫面平穩靜謐,但弓箭射出的那一霎那,沒有人能夠預測接下來箭隻會去向何方、最終是否會造成傷害?近藤正勝透過唯美畫作,傳達生命的無常與脆弱。

STILL TO BE ALIVE large
近藤正勝《STILL TO BE ALIVE》

《THE WALL AND THE BUTTERFLY》則描繪蝴蝶停留於壁紙的畫面,蝴蝶壽命短、是稍縱即逝的美麗存在,壁紙則與室內空間長久作伴,藉由兩者生命週期的對比,帶出對瞬間與永恆生存意義的探討意味。

THE WALL AND THE BUTTERFLY
近藤正勝《THE WALL AND THE BUTTERFLY》 

02. 猪瀨直哉|描繪人類與自然、自身與社會相互關係

猪瀬直哉的繪畫呈現手法相當有意思,筆觸寫實、同時充滿想像力,常透過細膩縝密的油畫傳達超現實命題,兩大特色在這次《光之域》展出作品中皆可見得。其中,《Ave Maria》流露藝術家對末日主題的熱愛,此作呈現猪瀬直哉對末日景況的想像,畫作質地帶柔霧朦朧感,內斂地傳達當人類從這世界消失後,曾留下的痕跡該如何與餘下自然共存的主題。

Horizon Dreams of Color 光之域展覽空間 2F -2
猪瀬直哉展區

Ave Maria 2
猪瀬直哉《Ave Maria》

《Blue Home》則是幅藝術家的另類自畫像,猪瀬直哉常以企鵝象徵自己,悄然透過畫作記錄自身當下狀態,本作則闡述了他對家鄉日本的想法。畫中藍天、泳池的湛藍景象澄淨美麗,池中水面下卻有著斑駁痕跡,暗示著日本看似完美卻充滿框架的社會現況,而企鵝抬頭望向遠方的動作,則象徵著畫中的一片美好對藝術家本人來說,彷彿就像一場夢。

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猪瀬直哉《Blue Home》

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猪瀬直哉透過《Coexistence》與《Color Bar》系列,實踐西方浪漫主義、印象派相互融合的藝術風格

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03. 小瀨真由子|帶平面設計風格、日本中庸美學的日常感畫作

專攻日本畫的小瀨真由子,亦深受普普藝術及日本設計大師橫尾忠則、栗津潔影響,作品呈現介於後現代主義、平面設計間的獨特風格,饒富趣味。此外,小瀨真由子也時常在畫中埋下與日本有關的細節,如將傳統礦物顏料、金箔帶入畫作,創造出幽微細閃的視覺效果;畫中人物皆為無性別、無外貌特徵的黑色剪影,除別具神秘氣息,也暗示著日本民族內斂、不擅表達自身的特性。

Horizon Dreams of Color 光之域展覽空間 3F -3
小瀨真由子展區 

本展展出小瀨真由子3幅全新畫作,全系列試圖傳達「我畫故我在」概念,透過將生活周遭常見的物品、景象帶入繪畫,藉此與觀者產生共鳴,而當觀眾能夠共感、得以領悟藝術家所要表達為何,也印證了雙方所見世界必有重疊之處,間接使藝術家證實了自己真正存在。

Room for three
小瀨真由子《Room for three》

In a garden with a pine tree
小瀨真由子《In a garden with a pine tree》

 

 

04. 今坂庸二朗|以攝影傳達對人類發展、生態環境的懷憂

成長於廣島的藝術家今坂庸二朗,擅長藉攝影論述人類與自然間的關係,不斷透過影像探討我們該如何與自然共存,同時表達對逝去的恐懼、人類未來的懷憂,以及面對環境時心中所懷的謙遜、敬畏之心。

Horizon Dreams of Color 光之域展覽空間 3F -2
今坂庸二朗展區

這回,今坂庸二朗展出兩大系列作品,帶觀者從不同角度思考人類發展與生命議題。其中《Trade Winds》系列攝於夏威夷,現為度假聖地的歐胡島,過去也曾是座原始島嶼,原住民以尊重自然的方式與環境共存,直至虎克船長發現此地、外來文明介入後,小島才產生質變並逐漸發展成現今模樣,今坂庸二朗希望能透過此作,帶人們以歷史視角看待夏威夷;另一系列《Illuminating Earth》背景則為今坂庸二朗家鄉——廣島,這片曾被原子彈轟炸的土地,如今仍遺留許多戰爭痕跡,藝術家透過影像紀錄當地景況,帶出對戰爭的反思、對烽火的恐懼,也引領觀者一同省思。

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今坂庸二朗展區

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今坂庸二朗本次展出攝影作品

藏身東京銀座蔦屋書店的藝廊THE CLUB

日本蔦屋書店以「生活提案」為概念,根據分店地域性打造各具特色的書店,像是帶時髦氣息的代官山店強調「高質感日常生活」、歷史底蘊深厚的奈良店則定調為「成熟大人味」,而位於東京銀座GINZA SIX的店面,則呼應街區多元藝術盛放、激盪的特質,將「藝術走入生活」定為核心理念構築一座藝術書店,店內匯聚約6萬冊攝影、建築、時尚、文化等藝術書籍,並經營由山下有佳子(Yukako Yamashita)擔任總監的藝廊THE CLUB,致力於將日本新銳藝術家帶向國際舞台。

THE CLUB總監 -山下有佳子 003 Photography by GO MINAMI
THE CLUB總監山下有佳子

 

Horizon Dreams of Color 光之域

日期:2022年1月15日至3月13日

時間:12:00~20:00PM(週一休館)

地點:LIGHTWELL(台北市中山區中山北路2段20巷6-1號)

資料|THE CLUB

圖片|THE CLUB、izzie pang

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日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像

亞紀畫廊群展《纏 繞 - 日本女性抽象》將於2025年2月28日揭幕,展出自20世紀初至今6位日本藝術家的創作,聚焦跨時代女性在抽象藝術中的不同嘗試,窺見女性在社會中的角色與經驗轉變。

從百年藝術窺見日本女性群像

在日本的社會氛圍下,藝術流派長期由男性主導,而現實主義更是其中的主流,導致女性抽象藝術家直至近年才逐漸獲得重視。儘管面臨多重挑戰與偏見,這些女性藝術家們或引領藝術革命、或自絕於流派之外,致力創造超越時代的視覺語言,推動抽象藝術形式與概念的轉變。

《纏    繞 - 日本女性抽象》展覽圍繞6位不同時代的日本女性藝術家展開,引用俳句中的「纏繞」意象命名,並著重於女性藝術家的二元性,凸顯他們如何表達藝術與自我獨立的理念。從20世紀早期藝術家至當代備受歡迎的年輕藝術家,觀眾能看見女性逐步擺脫男性視角的審視與規範,為觀眾、也為自己的身體留下空白的思考空間,並藉由藝術表達探索女性經驗。

山沢栄子

展覽從日本第一位女性攝影家山沢栄子(Yamazawa Eiko, 1899-1995)的作品開始,其融合幾何抽象和日常風景,將物件、布料、紙材、植物等組成如繪畫般的表面,開拓出與彼時日本男性攝影家相距極大的獨特領域。

1920至30年代巴黎和紐約等地的藝術家,以「非具象」為創作特色,透過線條、形狀與顏色作為共同語言,發展出趨近於形而上的美學風格。而山沢栄子在攝影中所追求的多材質共存、繪畫性與深度兼具,正是反映出了他所經歷的時代背景。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
山沢栄子《What I am doing No.78》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

時代終於跟上我了。即使跟不上也無所謂。——山沢栄子《朝日新聞》夕刊1992年9月12日

田中敦子

作為具體派早期成員的田中敦子(Tanaka Atsuko, 1932-2005),是日本少數與男性共同成立流派組織的女性藝術家,其作品為有機型態、抽象線條藝術開闢了新的道路。田中敦子的藝術受到戰後物質富裕與科技衝擊帶來的城市生活,僅僅透過圓形的排列變化、膨脹與脈動,其作品就能傳遞出奔騰、狂暴的活力。正如他於具體派展覽上推出的《電器服Electric Dress》(1956),田中敦子將表達的渴望以嶄新的實驗形式呈現,透過直接的身體性反應當時的物質文化,如同一座概念化的城市網絡。

木下佳通代

時間來到1980年代,木下佳通代(Kinoshita Kazuyo, 1939-1994)在德國舉辦完備受矚目的觀念攝影個展後,摒棄了攝影這個媒介,轉而開始創作粉彩繪畫。他探索線條與顏色的微妙關係,在不斷的創作與重組中找到新的表達方式;在後期的繪畫中,木下佳通代的作品趨向自由與神秘,強調空間感在平面上的重要性與身體的垂直運動,引領觀眾進入更深遠的意識境界。

木下佳通代橫跨攝影和繪畫的實踐,否定空間的主觀與客觀界限,持續探究自我、存在與虛無間的關係。1990年代,木下佳通代被診斷出乳癌,他拒絕手術並持續創作、辦展,最終於1994年離世。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
木下佳通代《’86-CA350》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

水上愛美

在年輕一代的藝術家中,水上愛美(Mizukami Emi, b. 1992)以塗抹與抹去的創作方式,塑造鮮明的個人風格。他的畫作雖然被層層顏料覆蓋,但仍能辨別最底層的繪畫主題,讓每幅作品都擁有多重解讀的可能性。在水上愛美的作品中,被抹去的筆畫與畫面裡的時空都是創作的一部分,也是無限的存在。

水上愛美曾入選2022年上野之森美術館的「VOCA」,其後參加多次國際展覽,包括亞紀畫廊群展「盜夢者Paprika」、Nowhere NYC群展「Letters, Lights, Travels on the Street」、維也納PINA群展「4649 at Pina」、倫敦Herald St群展「Condo」、Ehrlich Steinberg個展「Million Bubbles」、King’s Leap個展「Pale Phantom」等。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
水上愛美《good human》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

土取郁香

土取郁香(Tsuchitori Fumika, b. 1995)則將作品分為「我與你」和「場景」兩大系列,前者探討親密關係,後者從風景中提取元素。其畫作的主體與對象互相交織,彷彿溶解於顫動的線條與斑駁的顏色中,兩者既融合又孤獨、濃烈卻又短暫,暗示著界線模糊的關係。創作媒材上,土取郁香使用噴霧和油畫顏料進行實驗性堆疊,塑造出具有感官性的畫面,比喻人類互動中的雙重性。

土取郁香至今重要個展包括東京三越當代畫廊「Frames and Breath」、東京WAITINGROOM「Sleeping with me holding in my arms, Silence」,也參與過福岡美術館「Collectors III -Turning the World-」、東京國立現代美術館「日本現代美術私観:高橋龍太郎收藏」、京都美術館「Kyoto Art for Tomorrow」等聯展。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
土取郁香《I and You, 2025》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

大久保紗也

同樣從具象的人出發,大久保紗也(Okubo Saya, b. 1992)的作品經常描繪來自神話、音樂、戲劇中的定格人體與部位,或是日常生活中的各種人體姿勢畫作。多年前一場嚴重車禍,讓大久保紗也在恢復過程中重新思考理解與被理解的困難,並圍繞自我故事展開創作。大久保紗也將自己的創作描述為「探索事物的存在和現實的行為」,透過層層堆疊、磨研、剝離,使畫面同時具有鮮明強烈的線條與流動豐富的塊面,以及前後快慢的視覺對比。

2017年,大久保紗也獲得第四屆CAF大獎白石正美獎。至今重要個展包括東京三越當代畫廊「Leimotiv」、京都蔦屋書店畫廊「Replicas that tell a story」、東京WAITINGROOM「月光之盒」 ,以及東京WALL_alternative「RE:FACTORY_2」、東京WHAT MUSEUM「TAKEUCHI COLLECTION」等聯展。

日本女性抽象藝術群展《纏繞》!從橫跨百年6位藝術家一探日本女性群像
大久保紗也《Woman with a Plate》(圖片提供:Each Modern亞紀畫廊)

纏    繞 - 日本女性抽象

展覽日期|2025/2/28–2025/4/2
展覽地點|Each Modern亞紀畫廊(台北市大安區敦化南路二段97號3樓)

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繼2024年代表台灣參加威尼斯雙年展後,袁廣鳴帶著當時展出的《日常戰爭》、《扁平世界》以及全新創作《呼吸的黑洞》,於2025年2月15日至5月17日舉辦個展「向黑潛行」。

黑暗象徵恐懼與未知,同時也孕育著希望

本次展覽延續袁廣鳴對影像與感知的探索,以「黑」作為光的反思,重新審視觀看的本質。藝術家於2018年的作品《向光》與《向黑》分別呈現光的極端狀態:前者描繪核爆強光如何摧毀觀看能力,後者則透過黑暗引導觀者開啟新的感知方式。而在「向黑潛行」中,「黑」不僅貫串整個旅程,更是一種觀看的重構——它象徵恐懼、脆弱與未知,然而即使被黑暗包裹,個體仍能向著希望堅毅潛行。

延伸閱讀 >>> 2024威尼斯雙年展台灣館藝術家袁廣鳴專訪:如何在日常戰爭中尋找幸福居所?

袁廣鳴個展「向黑潛行」將登場!展出3件影像與裝置:即使被黑暗包裹,仍能向著希望堅毅潛行
「向黑潛行」展覽主視覺(圖片提供:TKG+)

展覽中的三件作品圍繞黑暗的不同面向展開:《日常戰爭》揭示日常空間中的危機與裂縫;《呼吸的黑洞》將黑暗描繪為孕育希望與生命的原初場域;《扁平世界》裡的黑暗,則隱匿於全球化技術體系的深處,呈現疏離與漂浮的矛盾狀態。這是一場關於當代生存狀態的深刻對話,觀者將在影像與裝置間,感受黑暗的多重隱喻。

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《扁平世界》於2024威尼斯雙年展台灣館的展覽現場(圖片提供:臺北市立美術館)

《日常戰爭》

展覽從《日常戰爭》的影像敘事展開。這件單頻道錄像作品描繪了一個中產階級男性的單身套房,在表面秩序井然的日常場景中,無形的力量悄然降臨,光線閃爍、牆壁破裂、家具傾覆,房間轉瞬間化為廢墟。片刻之後,一切重回初始狀態,彷彿災難從未發生。循環的敘事結構巧妙模糊了日常與災難、真實與虛構的界限,營造出一種荒謬卻真實的緊張感,揭示出戰爭並非遠離的真實,而是日常生活中無聲的裂縫,逐步侵蝕我們的感知與存在。

袁廣鳴個展「向黑潛行」將登場!展出3件影像與裝置:即使被黑暗包裹,仍能向著希望堅毅潛行
《日常戰爭Everyday War》,2024(圖片提供:TKG+)

《扁平世界》

錄像作品《扁平世界》以Google街景資料庫為基礎,透過固定的線性透視與穩定運動,將100個國家305街景串聯,如流動的地圖般快速切換,消解了地理的深度與身體的在場感。地圖從地方記憶與傳說的載體,變為技術與權力的象徵;觀看則退化為點對點的跳躍,空間的厚度與情感隨之消失。影片的循環結構隱喻全球化秩序的幻象,連續的街景成為現代技術體系的象徵,揭示現代觀看方式的壓縮與疏離。

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《扁平世界Flat World》,2024(圖片提供:TKG+)

《呼吸的黑洞》

《呼吸的黑洞》延續並深化了袁廣鳴1995年作品《呼吸的黑光》的概念,將物理上不可能存在的「黑光」具象化為一個律動場域。隨著機械驅動,作品中的鋁板緩慢移動,牆面上的光暈隨之擴張、收縮,宛如黑洞呼吸一般。這片律動的黑暗,呈現了它吞噬一切,卻又作為生命力場域的雙重屬性,而觀者的視覺邊界被模糊、身體感知重新啟動,重新想像對於黑暗的固有認知。

袁廣鳴個展「向黑潛行」將登場!展出3件影像與裝置:即使被黑暗包裹,仍能向著希望堅毅潛行
《呼吸的黑洞Breathing Black Hole》,1995-2024(圖片提供:TKG+)

向黑潛行 — 袁廣鳴個展

展覽日期|2025.02.15 – 05.17
展覽地點|TKG+(台北市內湖區瑞光路548巷15號B1)

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