2021+桃園地景藝術節（Taoyuan Land Art Festival）以「都會綠洲」為題，將於3月11日至3月27日，在虎頭山創新園區、南崁溪畔、桃林鐵道及虎頭山，4大區域盛大展開。32件地景藝術作品、7場精彩表演、10個主題小旅行、線上遊戲測驗和講座、論壇等6大精彩活動，2022年更新增在地美食餐會、流浪動物攝影展、考古體驗與歷年地景藝術回顧展等4大活動，期待用藝術帶大家重新認識桃園！

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為什麼稱作2021+桃園地景藝術節？

大家對這場藝術節最大的困惑都是，為什麼辦在2022卻還叫做2021？因為2021年礙於疫情而延期，名稱增加「+」，而不是直接改名，其實有希望能賦予活動在疫情蔓延下，桃園面對未知挑戰的勇氣。

【2021+桃園地景藝術節】8件亮點作品

地景藝術作品｜共32件

展出地點｜桃林鐵路、虎頭山公園、虎頭山創新園區 、南崁溪畔

作品1｜河流的形狀

藝術家｜墨西哥／路瓦．里維拉 LUA RIVERA

這是一件織品裝置，創作發想來自南崁溪。水道分離了人與河流之間的直接接觸，限制人們進入其水域的通道。許多河流過去是充滿角度與線條的，現在它們失去了曲線，而水域也變得平坦。他們被城市征服，並被人類馴化。藝術家希望人們能透過觀看作品，記住河流原始流動的形狀，並記得，在最純淨的形狀中，水總是在變化，適應塑造地面的環境，甚至將岩石打磨成沙子。我們不過是生命流動的水，所運送的沙粒。我們無法阻止水的力量：到底是水和河流塑造我們的道路和城市，或是其反之呢？邀請觀眾在作品上坐下或躺下，好好感受作品。

作品2｜溪花潺潺、白影婆娑

藝術家｜台灣／許宗傑

桃園市政府近年積極治理南崁溪流域，改善生態環境品質。「夜鷺」是近年常見於南崁溪流域的鳥類族群，為水質淨化的指標生物。本件作品由藝術家許宗傑以「溪花潺潺、白影婆娑」為主題，於蘆竹區光明河濱公園南崁溪堤岸，造型仿造夜鷺獨特的姿態與色彩特徵，佇立於河堤之上，帶領來訪的市民一起凝視前方經由整治後脫胎換骨、溪水潺潺的南崁溪，彰顯人類與自然共生的精神。

作品3｜生命之河

藝術家｜台灣／撒部•噶照、何佳豫

為了防止天候遽變導致淺水域魚群死亡，利用類似丁壩的具有多孔透水性的水利工程建造物，可產生回流區營造魚群避難空間，並可穩定河床、減緩流速保護堤防基礎，也讓水生昆蟲有棲息空間，成為魚群良好的棲地環境。

此作品設計鞦韆相鄰丁壩工程的河道，能引發大眾興趣，促進民眾對生態工法有更多認識與討論；又作品宛如水的流動與動植物的蜿蜒生長，洄游之路，不只是魚群，更是萬物安身立命的方向。

作品4｜和大地撐起的家

藝術家｜台灣／伊祐・噶照、廖運景、謝秋月

樹根在土地裡盤根交錯相互拉扯、土地變的堅硬穩固踏實，讓人們更安定，快樂地在自然環境上奔跑呼吸，風吹落了樹上的種子帶到新的住所，鳥獸享用了樹上的果樹也讓新的種子到了更遙遠的地方，雨水讓種子流到溪流尋找停泊靠岸的港口，重新站立。人與自然，本來就是一個有機體，共生共存不可分割，其內其外都是撐起家的結構和溫度，孕育新生命的誕生。

作品5｜我的秘密基地

藝術家｜台灣／黃文淵、劉瑋英

大檜溪公園擁有寬敞的草地與兒童遊具等休憩空間，不論平假日都有許多親子家庭前來，兒時總是夢想能有座樹屋，在一片綠蔭圍繞的樹海中，有著專屬於自己的秘密基地，這樣的夢想原來在身邊就能實現。本次運用樹木與草地創造可以與民眾互動之作品，三座圓形樹屋宛如秘密城堡，穿梭的廊道充滿探險的氣息，更結合社區居民創作的社區地圖，打造一座可以共享秘密的城堡！

作品6｜鐵龍長鳴 涓涓童年

藝術家｜法國 x 台灣／史蒂夫·席厄·克魯托

串連逐漸被埋沒的⽉台、軌道、5.3K標記點⽯樁與桃林鐵馬道的都市綠廊成為一件共同體。透過火⾞遙想曾經乘載桃園經濟發展的重要時代，傳承社區民眾集體記憶中的桃林鐵道沿線故事。作品造型採⽤接近原行駛於桃林鐵道之一的機型-R64電機⾞，保留部分細節，其餘適當的藝術化。將虛實、輕重、繁簡、⾃然環境與工業材質的比例流轉呈現。採用極簡的框架與抽象的線條來表現，讓⽉台與周圍環境合而為一，傳達以自然及人文景物為主體的地景藝術理念。

作品7｜守護 大地之鷹

藝術家｜台灣／李睿紘

桃園也是水果的重要產區，知名的如拉拉山的水蜜桃等，農民修剪果樹所裁剪下來的樹枝，與老舊眷村拆下的木板，到了藝術家李睿紘的手裡，總能化腐朽為神奇，讓這些看似沒有用途的枝幹，透過藝術家的巧思與巧手，重新賦予材料新的生命與意義，作品以臺灣常見的老鷹為主角，與誕生意象的蛋卵，告訴民眾鷹是環境保護的指標，需要我們共同保育與呵護。

作品8｜「漁網、土地、我」城市對話

藝術家｜台灣／阿信 ‧ 沙華克

任教於東海大學通識教育中心，講授原住民慶典美學阿信．沙華克老師，他的作品以廢棄的魚網，與回收廢棄塑膠及寶特瓶製作的環保布料結合，融入鮮明的個人風格及原住民圖案符碼，傳達其對海洋生態汙染與環境迫害造成的隱憂，透過食物鏈回歸最終受害的還是人類。

【2021+桃園地景藝術節】表演節目

光影展演1｜桃源。綠洲夢

活動地點｜大業福德祠旁密林區

展演日期｜111年3月11日（五）至 111年3月27日（日），18:30、19:00、19:30，每日3場，每場6分鐘

構想是以策展主軸打造出在有限環境下發展出的無限可能，引導觀眾一同進入展區中共同做一場「綠洲夢」。沿著林道走近，原本靜謐的一隅豁然開朗，透過網幕看見貓頭鷹、桃園市鳥「臺灣藍鵲」，調皮地左右嬉戲，時而眨眨眼，耳邊時而響起蟲鳴鳥叫。以燈光紀錄出大自然的紋理，修補觀眾遺忘的土地的記憶．建立人文發展與自然間的和諧共生。雖然是藝術創作和大自然的結合，卻不意味用藝術作品把自然改觀，而是在地景裡稍加施工或潤飾，使人們對他所處的環境重新以評價。

光影展演2｜川流不息

活動地點｜南崁溪-青溪橋河道

展演日期｜111年3月11日（五）至 111年3月27日（日）每日18：00－20：00，每場3分鐘，循環演出

沿著步道，來到由煙霧及幻彩燈光渲染的河岸，夜晚的來臨，隨著燈光周而復始的變化，飄渺雲霧讓人彷佛置身在雲中，感受到內心一片祥和。在表現上，原本的排水水道以藝術品的姿態挺立於水平大地之上，燈束構成ㄧ種沿伸狀的巨大光脈，引伸出各個文化性的容貌，也影射特殊地理的脈絡，自然與在地文化及科技化等場景。以出奇不意的表演型態，達到驚喜不斷的感動。流線型的光脈為潺潺溪水打造夜間也能看見的水流，襯托出溪水微小卻偉大的美麗。

桃園地景藝術節的核心概念
地景藝術節與歐洲文化首都(ECC)的移動策略概念相近，藉由「移動」的特性，喚起地方意識。由桃園土地長出來的地景藝術節，每年擇定不同展區，藉由藝術節翻轉空間、提升公共建設、擾動社區社群，重新認識桃園每一處地方。2022年展區包括虎頭山創新園區、南崁溪畔、桃林鐵道及虎頭山，此地為桃園極早開發之處。新舊融合、多元文化、族群流動等桃園的城市特性。此刻的我們，群聚在新建的城市地景中，從時間的軸線回看見地景的紋理與縱深，科技城市、工商社會、農業時代，而虎頭山已然發現4000年前的考古遺址文化層。

地景不僅是環境的樣貌，更是人與環境的總和。林木河川、蟲鳥魚貝、鐵道遺構，是本屆的作品背景也是創作元素；是歷史也是當下。多元維度的藝術創作、民眾參與及展演活動，融入在地生態與人文美學，穿越城市的浮光掠影而感受到綠洲本質的存在。藝術節景觀美學的質感，最終能提昇水岸與綠地的生活環境，提高宜居的幸福都會景觀。藝術作品讓我們再一次重新認識地方，給我們不同凝視自然的眼光；而桃園，即是遊牧者尋覓的宜居綠洲。

2021+桃園地景藝術節 都會綠洲Urban Oasis

開展日期｜2022/03/11（五）-2022/03/27（日）

開展地點｜桃林鐵路、虎頭山公園、虎頭山創新園區 10:00-18:00、南崁溪畔 10:00-20:00

2021+桃園地景藝術節 交通方式

資料來源｜桃園地景藝術節

在多數人的記憶裡，博物館總與白晝綁定，早晨開館、沿著展櫃靜靜移動、閱讀標示、保持安靜。但當夜幕低垂，空間氛圍悄然轉換，是否也能讓我們重新定義「博物館」的可能性？第四屆《館前一號所》，即是以這樣的想像展開。

位於臺中的國立自然科學博物館一夜限定的實驗場域中，三項亮點活動—劇場演出《恐龍重生》、角色導覽《躺平木乃伊》，以及一年可限定進入的複刻北宋水運儀象臺裝置《水運登頂》，不只是主題節目，更各自承載不同的觀展節奏與身體參與方式。觀眾不單走進展場，更是踏入情境、扮演角色，或親歷機械運作的結構現場；以一場重新佈局的文化設計，從敘事順序到感官觸發，打開夜間的博物館，成為一種新的觀看與感受格式。

夜間不是延長，而是轉換—三大亮點活動構築文化節奏

「我們想打破大家對『博物館＝嚴肅學習的地方』的印象」國立自然科學博物館館長黃文山如此定義《館前一號所》的核心概念。他強調，文化場域的角色應隨時間流轉而生成多重樣貌：「夜間開放是一種新的空間使用方式，讓大家用不同的節奏重新認識博物館。」他接著說：「博物館本身就有一種魔法，只要你願意踏進來，不需要任何知識背景，也不一定要帶走什麼知識，只要『來』，就能開啟你心中的那個魔法盒。」

本屆活動透過三張獨立票券，對應三條感官動線，構築一場限定三小時的沉浸式城市夜行。首先登場的《恐龍出沒》，從燈光投影下的骨架，到恐龍穿梭人群的瞬間，就抓住各方目光，引領觀眾一路由恐龍廳，進入「必可飛」劇場的《恐龍重生》沉浸式展演；打破傳統觀展框架，在劇場氛圍釋放空間張力，也讓知識與想像以更流動的方式發生。接著，《躺平木乃伊》透過塔羅與角色扮演，抹去導覽員與觀眾的界線，將古文明轉化為互動敘事。最後，《水運登頂》限定開放的天文裝置「水運儀象臺」，觀眾得以親自登梯、俯瞰、探索，在移動中體驗知識的立體感。

這三大亮點活動，構成《館前一號所》的核心動線，也讓夜色成為文化節奏的背景：觀眾跳脫觀看者，成為穿越劇情、參與展演的主體，於黑夜中展開屬於自己的博物館體驗敘事。

科技、解謎與導覽的沉浸感官設計

除了三大主軸外，今年活動亦安排四項關鍵節點，進一步拉開觀眾的感知層次。首先，《實境解謎 × XR互動體驗》透過行前下載 App，讓觀眾在展場內完成特定觀察任務，將科普知識與解謎遊戲交織為一場具參與感的科技探險；另一側，《萬物之森搜救隊》則將 XR 擴增實境融入任務，營造出具節奏與故事線的沉浸情境，讓展演從平面資訊跳脫至多面向的互動。

「我們發現觀眾在夜晚的參與方式更開放，互動比預期還要積極。」活動主要負責人之一、科博館營運典藏與資訊組主任蔡雪玲這麼說道，「無論是實境解謎還是 XR 搜救隊，我們都不希望只是單向灌輸，而是打造可以主動選擇的參與場域。」她也提到，像策展人夜間導覽這樣的經驗設計，反而更需要調整語氣與節奏：「語調要更像對話，少一點輸出，讓觀眾感覺自己是在被陪伴，而不是上課。」

最後，《恐龍派對》呈現了另一種感官參與形式，觀眾得以自由穿著、化身不同角色，在燈光與音樂中盡情徜徉展廳，在節奏感強烈的重拍間，於空間與身體之間找回主動權。

夜間博物館，能不能是城市文化生活的一部分？

除了上述的主題設計外，現場其實還有更多活動點綴整場夜行：從「防災職人公仔拍照盒」、易經卜卦與魔術方塊等互動攤位，到橢圓型廣場的夜間市集與音樂演出，以及社群展品投稿與限時拍照任務……這些看似零散的活動，實則構成了一種流動式參與節奏，讓每個觀眾能根據自身興趣，完成一場獨特的「夜間策展」。

在黃文山館長眼中，本次三項亮點設計不僅讓空間敘事更具延展性，也成功轉化觀展方式，讓觀眾在感官與知識之間找到新的接點。 「我們希望這不是特定時段的活動，長期打開文化空間的一種可能性。」他補充道。

無論是否走進劇場或登上水運儀象臺，《館前一號所》真正想打造的，是一種關於文化共感與時間解放的全新想像。

_{文 | 邵瀠萱    圖片攝影 | 李明宜}

2025京都ACK藝術博覽會於11月14～16日登場，La Vie編輯直擊現場，從主展場國立京都國際會館，到寺廟等京都市內衛星展區，帶看本屆展出亮點與有趣的策展方式，以及藝術如何透過不同形式融入城市。

11月的日本藝術場景熱鬧的。東京藝術週（ART WEEK TOKYO）率先於11月5～9日登場，以非定點的展出形式，串聯並打開東京全城的藝術場域。緊接著京都藝術博覽會（Art Collaboration Kyoto，ACK）於11月14～16日展開，核心緊扣「合作」，兩大代表性展區：「Gallery Collaborations」規定日本藝廊須與海外藝廊組隊策展同一展位、「Kyoto Meetings」將展會呈現方式與京都文化結合，加乘藝廊與藝廊之間、京都與國際之間的交流，成為藝博會中的獨特存在。

2025年邁入第5屆的ACK，共有來自19個國家與地區的72間畫廊，其中25家為首次參展，可謂至今規模最大且國際多元性最高的一屆。講者陣容也相當豪華，包括今年在臺北市立美術館舉辦巡迴展《你的好奇旅程》的藝術家Olafur Eliasson、TeamLab創辦人猪子寿之、2025大阪世博女性館和Panasonic館建築師永山祐子等人皆親臨現場。值得注意的是，ACK自2022年獲得「保稅展覽」資格，讓國際參展單位得以免除需於銷售前課徵的10%消費稅，而今年也依舊維持此形式。

強調合作的ACK，今年首度攜手曼谷文化機構「Bangkok Kunsthalle」，推出獎助金計畫「Bangkok Collaborate Kyoto Fellowship」，最終由墨西哥藝廊「kurimanzutto」的王水（WangShui）、日本藝廊「Anomaly」的玉山拓郎獲選。兩位除了能獲得金援支持，還將前往曼谷駐村並舉辦展覽。評審團表示，評選標準是希望能尋找與Bangkok Kunsthalle和ACK理念相符的藝術家——具備實驗性、療癒，以及對文化系統的重新想像。而王水的作品結合了影像、演算程序和電影語彙，將科技與精神性以近乎儀式感的方式融合並呈現；玉山拓郎則能將經常被忽視的空間，轉化為令人意想不到的多重感官世界。

在2025年的此刻，ACK以「2050—凝視未來」（2050—Gaze Toward the Future）作為企劃主題，一方面回顧了這個世紀前1/4的歷程，也從此開始思索下一個1/4的世界樣貌。以下盤整今年展出亮點，看藝術與京都激盪出了哪些火花？

① 京都式的展場氛圍

藝博會的氛圍很大一部分由展場定調，有別於一般方正的白色間隔，ACK邀請建築師周防貴之操刀會場設計，運用原木牆拼接成一格格木製展間，各展位不規矩的位置設置，走逛其中，宛如置身於京都的迷宮巷弄間。許多展位也將作品擺放方式結合木格展間，看各藝廊怎麼和木格展間互動，也成為逛展的樂趣之一。

主展場國立京都國際會館的建築亦相當值得一看，這座於1966年開館的建築，由師從日本建築巨擘丹下健三的大谷幸夫設計，室內設計則由劍持勇操刀，可謂日本近代建築的重要作品。11月的ACK展期也正值楓葉季，在1樓展場觀展之餘，也相當推薦到2樓眺望國立京都國際會館周遭景緻，可見紅色楓葉與綠意、建築交織。

② Gallery Collaborations藝廊如何合作？

本屆「Gallery Collaborations」展區，共有29間日本畫廊與30間國際畫廊共同合作展出。其中，代理非洲藝術家的東京藝廊「space Un」，聯手奈及利雅首都阿布加藝廊「Retro Africa」，展出多位非洲藝術家作品，探討物質與身分、動態與靜止之間的關係。日本老字號畫廊「思文閣」，與在聖保羅、布魯塞爾、紐約、巴黎皆有據點的「Mendes Wood DM」合作，呈現拉丁美洲藝術家與日本戰後抽象與前衛書法的創作交流。

東京的「Taka Ishii Gallery」則攜手維也納的「Galerie Martin Janda」，呈現墨西哥藝術家Mario García Torres與斯洛伐克藝術家Roman Ondak的雙人展。其中擅長重構日常物件的Roman Ondak，其大型樓梯裝置〈Leap〉在展間相當吸睛。

東京藝廊「Mitochu Koeki Co.」和倫敦藝廊「Annely Juda Fine Art」的合作相當有趣，前者帶來4位日本女性陶藝家稲崎栄利子、波多野亜耶、服部真紀子、Aizawa Rie的作品，後者則帶來繪畫大師David Hockney於2021年以iPad創作的《20 Flowers》系列作品，呈現一場媒材迥異的展出。而David Hockney的3件作品，也各自以1,500～3,000萬日圓的高價出售。

③ Kyoto Meetings亮點藝廊聚焦

今年共有13間日本及國際藝廊參與「Kyoto Meetings」。墨西哥藝廊「kurimanzutto」帶來王水個展，展出多件以水墨與油彩在鋁板上作畫的作品，方正的畫框中，可見道道強勁而抽象的筆觸。且在預展日結束時，展位已有75%的作品售出，每件作品的成交價落在30,000～55,000美元間。

來自釜山的「Johyun Gallery」也相當值得一看，展出了李培（Lee Bae）、金澤相（Kim Taek Sang）、李光鎬（Lee Kwang-Ho）與墨西哥藝術家Bosco Sodi的作品。展間同時呈現了4位藝術家迥異的媒材特性：炭墨的焦痕、水的沉積色調、超寫實的形象、土質顏料的觸感，引人探索物質與感知的全新維度。

京都本地的「KANEGAE」則用藝術回應環境與社會問題：當鹿肉進入市場後，鹿皮與鹿骨因難以處理而被丟棄。因此KANEGAE開啟了藝術計畫，由藝術家將鹿角與鹿骨轉化為雕塑與陶藝，並從鹿皮提煉出用於繪畫的黏合劑。但他們注意到，光憑藝術無法提供實質解方，因此今年ACK，KANEGAE聯手時尚品牌「T.T」，用鹿皮製作外套與鞋子，試圖開啟新的商業可能。另外也推薦造訪KANEGAE位在大徳寺總門的藝廊，細品工藝的多重面貌。

④ 公共藝術不可錯過

會場除了各藝廊的展位，更有策展人Martin Germann、木村こころ（Kimura Kokoro）策劃的「公共計畫」（Public Program），以「共生：藝術與我們共同生活的世界」（Symbiosis: Art and Common Grounds）為題，邀請10位日本與海外藝術家，在會場內外各處展出作品。會場外可見德國－越南藝術家Phung-Tien Phan的裝置〈ersatzteile〉，將寶特瓶、燈具、收音機等日常可見的工業物件錯置組合，煙霧也不時冒出，隱喻對社會身分的真實性的質疑。

場內亦可見日本藝術家木村友紀翻玩日常物件，作品〈Des Treize〉讓透明球形機器人緩緩穿梭展間，基於數據運算的運動軌跡，會隨著機器人和環境的物理條件差異而慢慢偏離預設，呼應木村友紀長期關注的「物質與非物質存在」之間的關係。

日本藝術家遠藤利克的大型裝置〈Void–Blackening〉，將木、鐵、水泥、焦油炙燒成一顆偌大球形，延續藝術家一貫擅長轉化空間感受的紀念性雕塑脈絡，讓國立京都國際會館一角添上靜謐與神祕氣息。

⑤ 在寺廟遇見藝術

有趣的是，ACK也將展覽延伸到京都市內的寺廟、文化機構等，看藝術家們如何讓作品與空間、歷史互動，也成為到京都看展的獨特樂趣。兩足院由在紐約、洛杉磯擁有據點的藝廊「David Kordansky」，帶來日本藝術家日下翅央（Shio Kusaka）、美國藝術家Jonas Wood夫妻檔的雙人展。日下翅央的陶藝呈現了寺廟內部空間一角的景色，David Kordansky的繪畫則融入寺廟窗景，其筆觸亦呼應了日下翅央的陶藝紋理。

由「Kiang Malingue」代理的美國藝術家Carrie Yamaoka，則於曼殊院展開首次日本個展《Inside Out / Outside In》。在曼殊院這個室內禁止攝影隱密古蹟，Carrie Yamaoka的作品也靜靜隱身寺廟各處，讓旅人如解謎般探索，不斷轉換遠／近、外／內的視線欣賞作品。部分作品甚至直接暴露於自然環境中，隨著天氣、光線、時間的變化，作品將與空間、觀眾交織出不同變化，讓每一次的造訪，都是此刻僅有的體驗。

廣誠院則有倫敦藝廊「Sadie Coles HQ」舉辦的義大利藝術家Isabella Ducrot個展《Incongruous》，這也是這位1931年出生的藝術家，自1990年以來於日本的首次展覽。此次展出了《Bella Terra》與《Incongruous》2大以紙材創作的系列：前者意指「美麗之地」，透過樹木、水面、月亮3個基本元素，以自然的不斷嬗遞，隱喻生命的韻律；後者則展出於2樓，以花瓶、茶壺、桌子等家庭元素為核心。當日光從窗戶穿透紙面，作品也與窗外楓葉景致一同映入眼簾，亦巧妙回應了藝術家對自然與生命規律的叩問。

Art Collaboration Kyoto
時間：2025.11.14～16
地點：國立京都國際會館（ICC Kyoto）
＊2026年確定將於11.7～9舉辦！

_{文、攝影｜張以潔
圖片提供｜各單位}