面對充滿不確定性的全球未來局勢，忠泰美術館五週年特展《生生LIVES》，聚焦於「生命」、「生存」與「生活」這最貼近本質、同時也是當下最激進的命題。本展匯聚來自臺灣、德國、加拿大、美國、英國、中國、丹麥等共12組藝術家，透過聲音、影像、裝置等作品型態，探問各種生命形式的可能性、生存哲學及倫理、科技發展與社會生活型態，試圖藉由跨領域、跨學科的激盪，引導觀者梳理出面對未來該何去何從的線索。

探討生物藝術、基因工程、人與環境、性別階級等多元議題

《生生LIVES》展名取自名詞「生／LIFE」與動詞「生／LIVE」的結合，內容涵蓋生物藝術、人工生命、基因工程、科技倫理、人與環境、跨物種、性別階級等多元議題探索，其由蔡宏賢、鄭慧華任共同策展人，李明璁、洪廣冀及鄭陸霖擔任策展顧問，與忠泰美術館共同孵化出這場時間、命題跨距皆大的五週年特展。

策展人與顧問拋出的觀展指引

策展人蔡宏賢在開幕現場以「生命的起源為何」作為引言，是一粒沙塵、機器運算的結果，又或基因改造的產物？走入《生生LIVES》現場，會看見「活著」的多元型態，並被各種日常難見、卻正在發生的生命形式敲擊，或許會因不熟悉與衝擊力度而質疑、讚嘆或苦思，但這段被擾動的過程，卻也是這場展覽帶來最真實的觸動。此處引用策展顧問洪廣冀所拋出的提問：「就生命此主題而言，誰說的生命才算數？誰有權力界定生命的本質？生命真的有本質嗎？」讓有興趣走入《生生LIVES》展間的觀眾，有思考脈絡得以依循。

亮點作品一覽！

・何采柔〈搖欄 IV〉、〈Heads Down〉

《生生LIVES》展覽涵蓋忠泰美術館一、二樓與戶外區域，踏入室內空間之前，會先與何采柔作品〈搖欄 IV〉相遇，作品以「搖籃」與「圍欄」兩者疊義之意象包圍美術館，帶觀眾挖掘疫情危機之下人與人的接觸／隔離、社會的開放／封閉，以及連結／疏離的新定義。

另件設置於忠泰企業一樓大廳（就在美術館隔壁）的裝置作品〈Heads Down〉，是何采柔的全新現地創作，藝術家以日常生活常見的「紅龍」作為媒材，將對身體與行為產生限制的工具解構、倒置，讓觀眾透過遊戲互動，與這被「曖昧化」的物件定義展開新的協商。何采柔的兩件作品看似區隔了兩端，但由於其互動、可親性又將界限模糊，讓觀者得以重新探測與物之間的距離，並重新看見生活中種種「關係」的形成。

・魏廷宇〈生命遊戲〉

藝術家魏廷宇以英國數學家約翰．何頓．康威（John Horton Conway）在1970年發明的「生命遊戲」（Game of Life）為藍本，取康威試圖以運算探索生命可能性的精神，依照「生命遊戲」的演算規則產生動態和電子聲響，觀眾可輕觸木製單元格與展品互動，譜出一段結合數位美學、生命探討的樂曲。有趣的是，即使無人與裝置互動，其本身就是一件「生命體」，在牆上發出各式電子樂音，捎來自身存在的提醒。

・夏洛特．賈維斯 Charlotte Jarvis〈可能〉

〈可能〉由藝術家夏洛特、科學家蘇珊娜的研究團隊共同發展，團隊試著用生理女性（夏洛特本人）的細胞來製造精液，並以古希臘時期專屬於成年女性的「地母節」（Thesmophoria）為創意脈絡呈現作品。在歷史上，精液被視為神奇物質，字面和意義上都是權威象徵，父權社會對其有著關於生命力、靈魂物質、微量大腦等各式不同的描繪，並扮演在女性龍魂中播下美德的種籽。夏洛特希望能透過此作改寫文化敘事，運用藝術結合科學瓦解階級制度，展場中的祭壇裝置，正呼應此理念。

・SUPERFLEX《洪加東加島》

2009年，洪加東加島（Hunga Tonga）因海底火山噴發而浮出海面；2022年年初，島嶼因火山爆發而覆滅，登上全球新聞焦點。丹麥藝術團體SUPERFLEX曾在2018年登島探勘、拍攝實景，後融入虛構人形生物完成電影作品《洪加東加島》。透過此作，藝術家想挑戰人們既有的時間觀，洪加東加島在人類視野中無疑是「新生」島嶼，但藉由島上地質、自然景觀的顯影，藝術家想提示觀者，這座島在海底下或許已存在千億萬年，世界除存在人類擅用的「生命時間」，其實還有「自然時間」在時刻流動，而在人類企圖征服世界、對抗自然之時，是否能夠換個時間觀思考、看待萬物，嘗試感受既有認知以外的世界。

・dividual inc.〈遺書／輸入的痕跡〉

展區正中央有張桌子，桌上的鍵盤在無人操作的情況下不停自動打字，文字逐漸顯現在牆上工整並置的螢幕當中，而其內容皆是藝術家透過網路收集到的「10分鐘遺書」。特別的是，這套由藝術家研發的「輸入的痕跡」（TypeTrace）軟體，會讓螢幕上字體大小隨字與字被輸入的時間間隔而有所變化，彷彿將書寫者的猶豫、思考、躊躇等心理狀態具體化。dividual inc.希望能讓人們在真正面對死亡之前，有個機會能重新梳理生活與思緒的機會，若你也想嘗試書寫遺言，不妨掃描牆上的QR Code在此稍作沉澱。

・鄭波《寫生》

疫情期間，藝術家鄭波每天走入居住環境周遭的山野裡，以近似「觀修」和傳統臨摹為方法與自然相處，完成了366張24個節氣的《寫生》系列。觀展時，不妨脫鞋走入榻榻米展間裡，自在地親近這些樹木、野草素描，並抬頭望向美術館窗外綠意，感受作品與環境的互動關係。

忠泰美術館《生生LIVES：生命、生存、生活》

展覽日期｜2022年3月19日～7月31日

展覽地點｜忠泰美術館（臺北市大安區市民大道三段178號）

開放時間｜週二至週日10:00-18:00（週一休館）

參觀資訊｜全票120元、優待票100元（學生、65歲以上長者、10人以上團體）；身心障礙者與其陪同者一名、12歲以下兒童免票（優待票及免票須出示相關證件）

週三學生日｜每週三憑學生證可當日單次免費參觀

參展藝術家

dividual inc.（多明尼克．陳，法國；遠藤拓己，日本）、SUPERFLEX（丹麥）、尼古拉斯・布斯曼（德國）、琳恩・赫什曼・李森（美國）、何采柔（臺灣）、埃德・阿特⾦斯（英國）、張欣（臺灣）、夏洛特．賈維斯（英國）、鄭波（中國）、彼得・薩索斯基（美國）、魏廷宇（臺灣）、顧廣毅（臺灣）

資料｜忠泰美術館

圖片｜如圖標示

2025年末，富邦美術館將推出兩檔重磅大展——《步入永恆》及《富邦典藏展》，從雕塑到繪畫，匯集東西方藝術大師真跡，以飽滿藝術能量迎接2026年到來。

雕塑大展《步入永恆》與法國瑪格基金會（Fondation Maeght）聯手呈獻，聚焦現代雕塑史3位關鍵人物：賈科梅蒂、米羅、考爾德，他們皆為雕塑開創了新穎風格及形態，展品又以曾刷新雕塑史上最高拍賣價的賈科梅蒂之作《行走的人I》最受矚目；線上預售票現已開賣。另一檔《富邦典藏展》則精選畫家常玉極少公開亮相的「粉紅時期」作品，領觀眾徜徉於其融合東方詩意與西方繪畫語彙的藝術世界。

賈科梅蒂、米羅、考爾德大師雕塑來台展出

《步入永恆》以雕塑為主題，匯聚近50件法國瑪格基金會的重要典藏，展出賈科梅蒂（Alberto Giacometti）、米羅（Joan Miró）、考爾德（Alexander Calder）於戰後時期的創作，帶觀眾看見他們如何以抽象與現代主義為基礎，開拓嶄新且獨樹一幟的雕塑造型風格。除雕塑之外，展覽也精選版畫、掛毯等不同類型的創作，多方勾勒三位大師的藝術風格。

三人之中，有「瑞士國寶」美譽的賈科梅蒂，以身形細長、瘦骨嶙峋、帶風蝕般肌理的雕塑作品著稱，藉強烈的視覺語言，具象化戰時人們內心的恐懼與孤獨，出自他手的雕塑看似單薄無力，實則乘載著現實重擔、凝視著身在亂世的孤寂。此次他的代表作《行走的人I》及《站立的女人II》等，都將從南法跨海來台展出。

再看向出身西班牙的米羅，他崇尚直覺與童心，創作橫跨繪畫、雕塑等形式，風格童趣充滿奇想，擅長以躍動線條、鮮明色塊搭配象徵性符號，如女性隱喻宇宙、鳥象徵大地，描繪夢境、潛意識和大自然等主題。他也將揮灑於畫布上的靈感，轉化為立體雕塑，並熱衷嘗試各項媒材如銅、木材、陶瓷等，並結合採集自日常生活的現成物，構築一個又一個天馬行空的「立體夢境」。此次《步入永恆》則將展出米羅珍稀的巨幅掛毯及版畫作品，其中掛毯是首度在台亮相。

接著是美國藝術家、動態雕塑先驅考爾德，作為20世紀最具影響力的雕塑家之一，他將雕塑從靜止狀態中解放，轉化為結合理性工程思維及感性敘事的藝術創作。「輕盈」及「平衡」是考爾德的作品給人最直接、鮮明的印象——紅、藍、黃等亮麗色彩交織，鐵絲、金屬片、機械零件築岀能隨環境有機變動的結構，邀觀眾親近大自然及宇宙秩序等宏觀主題。

即便是靜態雕塑，考爾德也將鋼鐵等沈甸甸的素材，塑成彎曲、流動、具視覺穿透感的形體，為作品灌注動態感和生命力。

《步入永恆》預售票販售資訊

單人票｜$400／線上已開售，現場11/20起售

賈柯梅蒂雙人套票禮品組｜陶瓷杯墊組 $850／托特包組 $999

常玉「粉紅時期」珍貴作品亮相

另一檔年末大展《富邦典藏展》則已開放參觀，率先開放全展亮點之一的「星光展廳」，展出常玉創作生涯中極具代表性的「粉紅時期」作品，集結逾10件創作於1930年代、鮮少露面的油畫，包含《白蓮》及《一帆風順》等代表作。粉紅時期意指常玉旅居巴黎後、繪畫風格轉向的重要階段，此時他大量使用粉紅、乳白、暖灰等柔和色調，描繪裸女、花卉靜物、動物等主題，畫作氣質溫潤而寧謐，背景帶絲絨般介於霧面和光澤間的柔霧感，巧妙揉合東方美學的內斂及西方繪畫對光影的描繪。

《富邦典藏展》採線上預約制、現場購票雙線進行，並同步推出以《嬉戲的雙馬》為靈感設計的紀念收藏全票，單人全票500元。只要在12/24前先行到「星光展廳」欣賞常玉作品，日後就能憑票根於正式展期再度入場，屆時將會有更多展廳開放參觀。

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。