光影的精妙之處在於，能讓複合媒材在巧妙拼貼、安排後，在視覺上由靜轉為動態，表現出無光狀態下難以達到的躍動姿態。出自德國藝術家克里斯蒂安．格琳（Christiane Grimm）的作品，被稱為「不插電的動態光影」，透過實驗色彩、光線、空間的互動關係，將特殊玻璃、波紋壓克力、色紙等媒材結合，讓作品隨光線變化、觀看位置不同，展現出極具趣味性的視覺變化，細細觀察，就像是光在為她作畫。若感好奇，即日起藝術家個展《漸層 Gradient》於Bluerider Art台北·敦仁展開，親臨現場才能感受「以光作畫」的奇妙。

克里斯蒂安．格琳作品3大特色｜建築感、擅長玩材質、融入繪畫元素

01. 帶建築思維的藝術創作

克里斯蒂安．格琳的創作特色，從她的求學、工作經歷便有跡可循。藝術家擁有建築學背景，因此作品空間感相當強烈，時常可見個性鮮明的建築感線條，有稜有角、輪廓分明。舉凡《Architecture of Light》與《Selenorage》兩件玻璃雕塑，以層層玻璃搭配不透光異材質，堆疊出宛若「迷你建築體」的微縮空間，讓光線自由尋找路徑穿梭，形成彩色光譜序列，也表現出帶韻律感的視覺節奏。

《Selenorage》

《Architecture of Light》

層疊之間媒材該以水平或垂直放置，都考量到成品與光互動後所會呈現的效果，正如同建築師在構思量體藍圖、做建築模型時的思維模式。

02. 對材質著迷，古董玻璃、波紋壓克力創造夢幻光影

擁有建築經驗，也讓格琳對材質特別入迷。起初，裝置是格林的主要創作項目，當時就可見她擅長運用「波紋壓克力」的特點，正因為著迷於媒材本身透光性與紋理交互作用下呈現的效果，格琳特地尋覓「古董玻璃」媒材創作雕塑，之所以不用工業玻璃，正是因為古董玻璃帶雜質、質地不均勻這種帶有「瑕疵」的特質，才能符合藝術家本身熱愛做光與材質互動實驗的渴求。

03. 複合式媒材營造繪畫既視感

在從事建築工作期間，格琳也未停止創作，常以油畫、粉彩等繪畫形式表達所想，雖後來轉而轉注於大型裝置、壓克力與玻璃雕塑創作，她也時常將「繪畫」元素融入其中，一個個壓克力透光盒子裡，裝載的可能是色紙、霓虹、各種材質塑成的幾何形狀，還有格琳自己親手繪製的畫作。而當這些媒材透過壓克力呈現，加上光的加持，便會形成類似「粉彩畫被仔細暈染過」的視覺效果，不過比起純手繪來得更有動態感，饒富趣味。

4個要點讓《漸層 Gradient》觀展體驗更有趣

1. 走進藝術家創作的「盒子」裡

看完一系列以壓克力創作的作品，是不是很想走進盒子裡看一看？格琳特別為《漸層 Gradient》，現地創作全新裝置作品《Solar Winds》，將「不同材質混合」的創作特色尺度拉大，運用直條、橫紋拼接的波紋壓克力，搭配上鏡面塑出半圓型態，邀請觀者走入其中，從不同角度、距離去感受成像變化。簡單來說，走入《Solar Winds》就好像走入格琳所創作一個又一個的壓克力盒裡，走入者可以被類比為盒內媒材，在外欣賞的人可隨「媒材」走動看見視覺轉變。

2. 正面看完，記得從側面看

場中所見所有以波紋壓克力呈現的作品，盒子深度皆為10公分，這是格琳經過多次計算實驗後，所得到最理想的數字，成果最貼近想像。欣賞作品時，別只從正面看，可以從側面觀察，試著看看這10公分的空間裡放了哪些東西、物件之間又是如何堆疊，才能形成最終成像。

3. 看平面媒材創造「層層疊疊」的視覺效果

定點欣賞過正與側面，別忘了「漸進、流轉」地看作品，試著從正面中心開始，將腳步與視線往一側移動，再慢慢移轉至另一側，媒材透過壓克力、隨著觀者視角與光影流變，所呈現的視覺層次是非常豐富的。多看幾次、每次從不同角度開始視覺旅程，都會獲得不同體驗。

4. 觀察作品互相「交流」的效果

欣賞靠近落地窗的作品時，也有許多細節值得留意，這些都是Bluerider ART在策展時所埋下的小巧思。舉例來說，《Schrein für Selenrot》被特意擺在最靠近窗的展示台上，若陽光明媚、天氣晴朗，日光打在作品上，會在純白檯面上形成很漂亮的淡橘色光影。

此外，入門後左側兩件作品《Ellipse》與《Purple Diamond》，正好和對面帶鮮豔螢光橘色彩的《Glück》遙遙相映。當觀看上述前兩幅作品時，若仔細端詳壓克力板表面，會發現上頭映著幽微的橘色光暈，那並不是作品本身創造的效果，而是經《Glück》映射而來的細緻色彩，再悉心觀察展間其他作品，或許也會得到像這樣的驚喜，非常有意思。

《漸層 Gradient》克里斯蒂安．格琳 Christiane Grimm 在台首個展

展期｜2022年5月7日～6月26日 

地點｜Bluerider ART 台北·敦仁（台北市大安區大安路一段101巷10號1F）

開放時間｜週二至週日10:00～19:00

資料、圖片｜Bluerider ART

2025大阪世博將於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」通過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。

EARTH MART（Cycle of Lives）

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造，其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成，象徵過往鄉村生活的繁榮。

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集，而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等，並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅，重新塑造新時代的生活見解。

Dialogue Theater –sign of life–（Embracing Lives）

最後一個展館由導演河瀨直美策劃，是一座參與式的對話劇場，每日設定不同主題，隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論，藉由個人經驗交流、全球議題討論，激盪出更多互動火花。策劃團隊表示，發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話，也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存，將傳承給未來人類。

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}