台北當代藝術博覽會將於5月20日對外展開，這次我們將眼光深入微型單元展區（Solo），認識3位活躍國際的新銳藝術家：由香港菲籍移工化身紀實攝影藝術家的Xyza Cruz Bacani、前進2022威尼斯雙年展的越南藝術家潘濤阮（Thao Nguyen Phan）、以及入圍2022德國柏林影展論壇延伸單元的台灣藝術家致穎。

台北當代藝術博覽會（Taipei Dangdai，簡稱台北當代）由前香港巴塞爾藝術展總監任天晉（Magnus Renfrew）所創辦，於2019年盛大展開第一屆展會，也為台灣注入全新國際藝術博覽會的體驗與規格。雖然受疫情影響，去年宣布停辦，今年台北當代仍力邀國內外畫廊加入，重新舉辦實體展，國際藝廊參展比例超過6成，共計60間頂尖藝廊帶來200位藝術家逾千件作品。其中「微型單元」（Solo）個展區，由藝廊推薦單一年輕藝術家新作或中堅藝術家的作品，La Vie精選3位藝術家，深入了解他們的創作理念外，同時也想像台灣的當代藝術，在與國際頻繁交會之下可以迸發何種可能。

 Xyza Cruz Bacani｜Christine Park Gallery 

從如風的移工到紀實攝影家

香港電影《淪落人》中，黃秋生飾演的癱瘓男子與他的外籍傭工Evelyn之間真摯互動，曾觸動不少人。而熱愛攝影的Evelyn，原型人物即是創作《活著如風》（We Are Like Air）、曾在香港從事外籍家庭傭工近10年的菲律賓紀實攝影家Xyza Cruz Bacani。「我強烈地感受到移工就像風一樣，重要、被需要但不被看見。」她說道。

在Xyza 8歲時母親就遠赴外地工作，兩年才能見上一面。她曾不能諒解母親在童年的缺席，直到她19歲時前往香港成為第二代外籍傭工、為同一位雇主工作，才日漸體會到母親的辛勞與堅韌。攝影是Xyza的生活抒發，讓她逸逃出現實的苦悶。幸運地，雇主與她有良好情誼，甚至鼓勵並借她錢購買相機。她趁著假日從事街拍， 2014年是她人生的轉捩點，作品獲《紐約時報》攝影網站Lens、CNN等國際媒體報導，其後她入選攝影基金會Magnum Foundation人權獎學金、獲得赴紐約大學（New York University）進修的機會，自此成為全職攝影師。「這給我機會打破成為移工的家族循環。」

同時，Xyza投入更為嚴謹的紀實攝影計劃，將鏡頭對向移工，4年間進行《活著如風》計劃，2018年在香港展出並出版同名攝影集，「我就是局內人，我意識到自己有個特殊的位置，可以更接近地訴說我們移工的故事。」書中以她母親作為經緯，黑白影像紀錄移工們與其雇主間的關係，並收錄孩子與母親們往返的書信與物品。 「這是對於這些堅強女性的細緻刻劃與讚頌，她們在移民生涯中成為支撐原鄉與雇主家庭兩端的中軸。」

而在2020年迫於新冠疫情，Xyza原先的短期回鄉一待就是19個月。期間她拍攝疫情下菲律賓的生與死─醫護員工、新生兒與食物短缺，集結成新作《祖先／後代》（Ancestors/Descendants）。離開菲律賓近15年，這次停留成為她重新與家鄉連結的契機，她彷彿成為後代的祖先，以攝影為這個非常時刻留下見證。現在Xyza即將完成在紐約大學藝術與政治碩士學位，回到她暫時擱置的攝影工作。「我一直對於反殖民、家庭與司法系統相關的議題有興趣。」她將持續拍攝那些不被看見與聽見的故事。

Profile｜Xyza Cruz Bacani

菲律賓紀實攝影師，曾於香港擔任外籍移工近10年，關注移民及人權的議題。曾獲選2018年度亞洲協會「亞洲21青年領袖」、2016年「30位30歲以下出色女攝影師」（30 Under 30 Women Photographers）、《福布斯》「30位30歲以下亞洲菁英」（30 Under 30 Asia）、2015年BBC全球百大女性。菲律賓眾議院通過決議案（HR No.1969）表揚她的攝影貢獻。

 潘濤阮（Thao Nguyen Phan）｜Galerie Zink 

由歷史的傷痕與詩意照見明天

曾獲勞力士贊助、越南當紅的藝術家潘濤阮（Thao Nguyen Phan）月初才結束在英國倫敦泰德聖艾芙思美術館（Tate St Ives）的大型個展，又帶著即將在台北當代展出的錄像新作《初雨、日遮》（First Rain, Brise Soleil）奔赴2022威尼斯雙年展。她詩意的作品從家鄉越南出發，對話歷史傳統、環境變遷等全球性議題。

潘濤阮創作根植於繪畫，但她曾深感媒材的限制。她在芝加哥藝術學院（School of the Art Institute of Chicago）攻讀碩士時，受到同樣畢業於此的泰國藝術家、導演阿比查邦（Apichatpong Weerasethakul）飽含東南亞文化與民俗知識的作品啟發，其後在2016年，她獲選「勞力士創藝推薦資助計劃」，成為美國行為與錄影藝術先鋒Joan Jonas的門生，創作實踐也慢慢從繪畫擴延至錄像。

潘濤阮首部成熟的錄像作品《熱帶午睡》（Tropical Siesta, 2017），改編歷史與文學作品成為半虛構紀錄片，隨後持續創作《無聲的穀粒》（Mute Grain, 2019）和《成為沖積層》（Becoming Alluvium, 2019），她的作品中反覆探討地球資源的破壞和過度消耗，《成為沖積層》特別關注湄公河的美麗與苦難，它流經西藏、中國、緬甸、泰國、寮國和柬埔寨，最終由越南出海，將多國的經濟、文化與動盪的歷史發展牽連在一起。

對湄公河的探索延續到這次的《初雨、日遮》，首章呈現雨水隨氣候變遷，富庶了農業卻也帶來洪災和破壞，建造日遮的混凝土正是元凶之一；次章則以一段跨越越南和柬埔寨的愛情，說兩國充滿矛盾的歷史。在泰德聖艾芙思美術館的訪談中，潘濤阮分享：「我覺得我接收過的官方歷史與學校教育是被操控的、文學也是受限的⋯⋯所以我轉向從童話、民間傳說與神話中尋找另一種事實。」

潘濤阮想要對抗的是集體的「失憶」，最近在《Elephant》的訪談中她說道越南人對未來有種危險的樂觀，「越南人性格非常樂觀並且向前看，我們傾向克服、遺忘動盪的過去並專注於未來，但同時向過去發生的事情學習也非常重要。」她期望能以柔軟的詩意撫觸家鄉未癒的傷痕與矛盾，照見更清晰的明日。

Profile｜潘濤阮（Thao Nguyen Phan）

潘濤阮居住於胡志明市，是一位跨學科藝術家，其創作形式包括錄像、繪畫和裝置。她從文學、哲學和日常生活中汲取靈感，觀察社會習俗和歷史中分歧的議題。她在越南及國際間的展歷豐富，今年5月初甫結束於英國倫敦的泰德聖艾芙思美術館（Tate St Ives）個展，曾於倫敦奇森哈勒畫廊（Chisenhale Gallery）、上海外灘美術館等展出。潘濤阮此刻作品正在第59屆威尼斯雙年展展出。

 致穎Musquiqui Chihying｜LIUSA WANG 

從全球地緣政治中回望台灣

問起的台灣藝術家致穎為什麼對非洲議題特別感興趣？「在中國外交進入非洲之前，這裡很多是台灣的（政治）地盤。」這次他在台北當代展出的裝置作品〈文化館〉（The Culture Center）調查了中國在非洲的文化建設，然而談起創作源起，他卻繞回台灣當出發點。

出生台灣、經常來回台北與柏林兩地的致穎，擅長以論文電影（essay film）等視覺藝術形式，加上獨有的幽默感來轉譯嚴肅的歷史研究題材。早在他2016年首次入圍柏林影展論壇延伸（Forum Expanded）單元的錄像作品《多哥咖啡》（Café Togo），就因為想參考其他國家如何面對殖民歷史，而深入認識柏林非洲區的去殖民化運動。其後他踏上了非洲大陸實際考察，今年再以《打光》（The Lighting）入圍柏林影展，發現只在非洲風行的中國傳音（TECNO）手機，竟由聯發科研發照相功能，台灣意外現蹤。「以前我的作品常由台灣出發，但討論中非關係或許更能在國際層面上，讓觀眾理解中國新的殖民動態。」

在〈文化館〉之中，5枚鑄造的紀念幣，分別對應5座中國在西非資助或私有的文化場館，圓形展台將他蒐羅的圖像資料並陳，掃QR code就能連上場館官網。致穎說明紀念幣的概念是挪用中國央行發行的「寶島台灣風光紀念幣」，那些為台灣名勝鑄造的風景是中國政治主權的宣示，而這些場館正是其政經勢力的延伸。但致穎認為不能單以殖民論述概括，過往曾被歐洲殖民的非洲大陸，陸續成為台灣、中國政治介入的角力場，背後的互動關係遠比想像中複雜。例如其中一座米亞非洲藝術博物館（Miaa Musée Internationale dÁrt dÁfrique）的華人館長，當初還是台商朋友引領他學習蒐藏木雕，他後來捐贈的大量藏品，甚至成為中國國家博物館中非洲常設展的基礎，然而過去多為歐美殖民母國才建有非洲文物館藏，這也成為他錄像近作《雕塑》（The Sculpture）的拍攝題材。

「台灣在非洲外交上的挫敗，讓我們少去關注非洲議題，但其實更應該去理解背後的變化。」致穎透露之後可能會再進一步探索雕塑等文物在各洲博物館如何被展陳、觀看的議題。他作品的地理跨度橫越歐、亞、非三洲，在我們以探索全球關聯的地緣政治與歷史處境的視角認識他時，或許也打開了一個進而回頭審視台灣的契機。

Profile｜致穎Musquiqui Chihying

生活工作於台北及柏林，擅長運用聲音及影像等媒材創作，經常透過地緣政治的觀點審視當代世界。曾於眾多國際性的藝術機構與影展展出，包括柏林影展（2022、2018）、善宰藝術中心（2021）、巴黎龐畢度中心（2020）、鹿特丹影展（2020）、臺北電影節（2020）、臺北雙年展（2016）等，於2019年獲LOOP錄像藝術製作獎首獎，並在同年入圍柏林藝術獎。

台北當代藝術博覽會  TAIPEI DANGDAI

公眾展期｜5/20（五）~ 5/23（一）

地點｜台北世貿中心一館 

文｜吳哲夫

圖片提供｜LIUSA WANG 、Christine Park Gallery、Galerie Zink 

更多創業幕後、品牌經營新知皆在 La Vie 2022/5月號《創業者的冒險》

「今天我想讓花器成為主角，還是讓花成為主角？」在陳曦的花藝世界裡，花與花器互為主體，共同塑造作品的輪廓。從初遇日式「草月流」花道的自由創作精神，到成立花藝工作室與選品品牌牌Ephe3era，她一步步將創作哲學融入日常，讓器物成為情感的延伸，也成為她與世界溫柔對話的方式。

陳曦原本在服裝產業從事打樣與代工生產管理工作，雖然能熟悉服裝製程與生產環節，卻也著重執行與標準化，較少自由發揮的空間，讓她感到日漸枯燥與受限。直到一次在日本旅行時，朋友提議參加插花課，她才首次接觸到這門藝術，「當時其實沒有太多期待，但那堂課意外開啟了我對花藝的想像。」像是在心中埋下了一顆種子，回到台灣後，她在網路上找到了草月流的花藝課程，從此開始一邊工作，一邊學習插花的生活。

「不同於池坊、小原流等傳統花道的嚴謹規範，草月流提供更開放的創作空間，讓插花者能自由展現個人特色。」對陳曦而言，草月流最吸引她的就是其自由性。成立於1927年的草月流標誌了日本插花藝術的現代化轉變，提出「任何人、任何材料、任何地方都可以插花」的核心理念，鼓勵創作者靈活運用各種現成素材。而二戰後，東京滿目瘡痍、鋼筋裸露的建築殘骸成為日常景觀，草月流的藝術家便開始以這些廢墟物件作為創作靈感——不論是鐵條、碎裂的混凝土、舊家具的一角，甚至殘破的瓦片與木樁，都成為作品的一部分，進一步打破了傳統插花對花器的限制。

花期易逝，器物長存

隨著深入學習花藝，陳曦也開始對花器產生強烈的興趣，並以「住家兼工作室」的方式斜槓經營花藝事業，同時開設花藝課程。然而一次搬家時，她驚覺自己的花器收藏已經多到成為一種（甜蜜的）負擔，加上學生們也希望能嘗試更多不同類型的花器，選品支線Ephe3era的概念便因此成形。「隨著收藏越來越多，我開始思考，這些花器不該只是靜置，而是應該進入更多人的生活，被不同的人持續使用。」她回憶道。

「Ephe3era這個名字來自英文Ephemera，指的是短暫存在的事物，例如車票、收據等短期使用的印刷品——植物的生命短暫，器物卻能長久流傳。」陳曦透過網拍、跳蚤市場以及與陶藝家合作，尋覓各種材質與風格的花器，納入她的選品。其中，她特別喜愛二手的陶藝花器，「它們就像古著，即使不是全新，也因為帶有手工痕跡與歲月質感，更顯生命力。」對她而言，器物全新與否並不重要，重要的是它們能否經得起時間考驗，成為值得長期擁有與使用的存在。

花與器相依，共築創作的平衡

而談及花器在花藝中的重要性，陳曦認為，關鍵在於如何運用它來決定作品的呈現方式——「今天我想讓花器成為主角，還是讓花成為主角？或者，我希望它們彼此搭配，讓兩者同時成為主角？」這沒有固定標準，而是取決於創作者的風格與當下的設計意圖，「如果花器本身造型感強烈，例如帶有雕刻細節或特殊結構，那麼花材應相對簡約，以免喧賓奪主；反之，當花器設計素雅低調，花材便可更加豐富或具層次感，展現作品的張力。」在她的創作中，花材與花器並非單純的主角與配角關係，而是互相烘托、彼此成就，塑造作品的完整性。

日常創作時，陳曦偏好素雅、沉穩的花器，例如選擇帶有灰階、低飽和色調的器物，並避免使用過於鮮豔的花材。「有些人擅長創作濃烈、飽滿的風格，而我則喜歡讓作品帶有收斂、安靜的氛圍。這可能與我的個性有關，因為我本身比較強烈，所以在插花時，會希望讓自己回歸平衡。」不過近年來，她也嘗試跳脫既有的創作習慣，例如在作品中加入亮色作為點綴，讓色彩在畫面中產生層次變化。這樣的改變，不僅讓創作保持新鮮感，也讓她在熟悉的風格之外，探索更多可能性。

器物是橋樑，花藝是對話

隨著對花藝與器物理解的深化，陳曦逐漸發現，器物不僅是創作的載體，更是一種連結世界的方式。「當購買或收藏某樣器物時，我們不只是獲得了一件物品，而是將它的故事、文化背景，甚至製作者的想法帶回家。」 她形容器物像是一座橋樑，串聯著製作者與使用者之間的美感共鳴。這種感受也體現在她與陶藝家的合作中——即便雙方並無私交，透過欣賞與使用對方的作品，彼此之間也形成了某種連結。而當這些器物進入更多人的生活，這份對話也將持續擴展。

「在開始做花藝前，我並不確定自己真正熱愛什麼，但當我投入其中，透過與不同的人合作，發現有人欣賞我的作品並願意交流時，漸漸找到了自己的方向。」從開始學習花藝到成立自己的工作室，對陳曦而言，每一次花藝創作，都是一次尋找平衡的探索，也是一場與世界的對話。當花器與花材相互襯托，它便不再只是靜態的擺設，而是一種情感的延伸，讓器物真正融入生活，也讓她在創作的過程中，與世界產生細膩而深遠的聯繫。

陳曦的花&器——搭配筆記

 花材 

拖鞋蘭・乾燥枸橘樹枝

 心法 

這次的創作從花器開始——先選了一款少見的 設計，再回頭搭配手邊的花材，意外找到剛柔之間的平衡感。作品以「尖銳與圓潤」的對比為主題，花器並非單一圓形，而是圓與銳角的錯落組合，帶來獨特的立體感。搭配刷成香檳金的乾燥枸橘樹枝，增添個性與結構感；拖鞋蘭的花腳刻意剪短，使其成為畫面中的穩定重心，不會太搶戲，卻能保留獨特的神情。整體配色以低飽和為主，讓視覺柔和卻有層次。

 花材 

假肉桂・獼猴藤・小町草

 心法 

選用了一款帶有燒焦感綠點的花器，釉色變化自然，質感獨特。這類多孔花器是草月流常見的特色，能自由調整插花方式，而瓶口間適當地留白，更凸顯花器是作品的一部分。花材搭配上，讓不同質地的枝條交錯，既有輕盈感，也帶點中性氣質，營造滿滿的春日氛圍！

陳曦

以日本花道作為基礎，發展出和洋混合風格，講究花材色調的和諧以及多元的花型設計；善於解構植物原有型態，跳脫傳統的插花手法，賦予人們對日式花藝新的印象。2019年底於台北開啟花道私塾，以日本草月流派為主軸，透過基本花型探討花與生活周遭連結的可能性。同時經營線上花器選品Ephe3era。

_{文｜葉欣昀　攝影｜蔡耀徵}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/4月號《從器物開始的理想生活》

不論是數百年前源自宋朝的飯碗，抑或作家親手窯燒、充滿侘寂（Wabi-Sabi）美學的杯、碗與土鍋，生活器物藝廊san galerie共同主理人、 wen experience店主洪聿文珍藏的器皿無不映照出他那顆老靈魂。在此，他以容易上手的雞蛋系列親子丼與布丁，與我們分享料理、甜點搭配器物的心法。

一走進預約制甜點空間「wen experience」中，隱隱的檀木沉香令人慢慢緩下了心。土質包覆的牆面與霧化不銹鋼隔牆相襯，這與san galerie的白色空間很不一樣。相對於藝廊更多推介中新生代作家的作品，wen experience之中更多是他個人最核心的珍藏品。

洪聿文的媽媽是知名茶藝家謝小曼，他笑說，他們的品味滿相近，都喜愛東方元素或是老物件，「我們不太喜歡過於乾淨、漂亮的東西，都喜歡一些不完美的地方，雖然對我們來說是漂亮的，但對一般人來說可能覺得有殘缺。」作家窯燒表面看似粗糙的器皿、數百年的古董杯器因時間與使用留下的痕跡，這樣的侘寂之美，一般大眾不是那麼容易習慣。甚至，桌面上擺著已經破損的器物，這要怎麼使用呢？「其實沒有不能用的情況，像一些器物其實還是可以嘗試放片餅乾看看。對我來說，即使只是放著不用，那也是一種用途。」

進入作家打造的世界觀

洪聿文從小身旁便圍繞著名家器皿之作，然而他坦言，最初並沒感到多大興趣，直到18歲時，一次為媽媽與日本陶藝大家安藤雅信的茶席充當翻譯的契機，改變了他的視野。「安藤雅信將他自己要用的器皿做出來，將所想表達的氛圍呈現在自己的茶席上，讓大家喝下那一泡茶，我覺得好有趣。」他補充，過去媽媽多是取他人器皿詮釋他的茶道之美，而那是他首次看見一個作家更為完整的世界觀。

留日學習室內設計期間，他開始造訪職人的家，觀察他們的生活方式與飲食擺盤。他認為生活所有元素都是一個整體，實際住的空間、用的、穿的、吃的東西等等都可以展現出一個人的美學概念。「作家在這方面就是品味非常高，從中你可以瞭解他們為什麼做這些菜餚、怎麼為他的菜餚打造器皿，這些都是從他們的生活中誕生出來的。」

洪聿文享受與作家的直接交流，像是透過媽媽認識的石井直人，便住在大阪近郊丹波的原野間，一座從滋賀縣東近江整棟搬遷而來、擁有 150 年歷史的茅草屋裡。「他說他大概花了40年才感受到自己跟土合而為一的狀態。」石井直人在大學時代關注環境議題、研究起土質， 數年務農後走上燒陶之路，認為窯都帶有自己的靈性。他多使用70～90年的肥松燒窯，在地的土壤也賦予其作品獨特的釉變與質地。

洪聿文也發掘出其他喜愛的作家，一次在選物店中，他被高仲健一的作品深深吸引。住在千葉山間的高仲健一幾乎不使用網路和手機，一開始還是以手寫信聯繫。洪聿文形容他是個感情豐沛的人，約莫7、8年前開始反樸歸真，在陶器上繪製童趣的圖樣。「他說很多事情都是從自然間與他所養育的動物身上學到的。」這些動物，甚至他的太太、他所喜愛的老動畫卡通都被畫上了他的作品，彷彿他生活與生命的全部都融入其中。洪聿文著迷於這些作家的個性，但他強調，「許多藝術品可能少了與創作者本身日常生活積累的連結，比較不會打動我。」他認為好的器物要有一種「平衡」，將作家的人、生活與作品完整串聯起來，完整成為他的世界觀。

有時候不完美才是完美

相對於母親專精的茶道具，洪聿文對食器更有興趣。留學期間他自理餐食，對料理產生了濃厚興趣，因此拜訪了不少料理研究家，平日也在西式餐應、便當店包飯糰打工，不過他笑說，許多料理技巧也是後來從YouTube學來的。他仰賴感覺，再依循那個嚐到、驗證過的味道，將食譜記錄下來，這也如同他與器物的關係——必須親手看過、摸過。「過程中，會漸漸知道你想要將什麼留在自己的生活跟空間裡。」

此外，洪聿文著迷於日式咖啡文化，尤其喜歡喝上一杯厚重、濃烈的深焙咖啡搭配甜點。談到這裡，他拿出金繼修補過、安藤雅信創作的小陶杯，沖上了一杯京都職人Ooya Minoru煎焙的衣索比亞豆。這陶杯結合了中式茶杯器型和西式Demitasse濃縮咖啡杯的把手設計，略微收口的弧線型杯口能保留住深焙豆濃郁香氣中的細節，使甜與酸感都被適當放大，尾韻收得恰到好處。搭配上他剛才製作的甘甜布丁，「這個撞擊感有點像是爵士樂。」細看小陶杯，表面帶有些因人力窯燒自然的破損剝落，或因手作拉坯造型上輕微的歪斜，並不那麼精細，看得出作家一致的美學，卻又因此獨具一格，這使得器物帶有一種古意與人的溫度。「其實許多日本現代作家是將以前的器型重新詮釋，但不會做得一模一樣，反而會刻意讓它看起來粗糙一些。因為如果做到完美，就失去了那種Asobi（遊び，不完美的玩賞空間）了。」

隨心在生活中留白

一般人不容易實際接觸作家、知道器物背後蘊藏的有趣背景，這也是洪聿文與夥伴打造san galerie、企劃餐會的原因。「其實就是依循當時拜訪作家時給我的感受，或是寄來作品之後，我想像它們要怎麼樣玩會讓我心動的畫面，就開始朝那個方向去進行。」3月餐會便是以松葉勇輝的陶器搭配吉壽司為主題，洪聿文回憶起當初碰面時，剛巧著名的北歐餐廳Noma才造訪過作家，而作家透露，他挑到的器剛巧意外跟Noma的選擇很類似，「Noma是將這些食器搭上他們的西式料理，而我則是優先想到壽司這類和食，每個人的搭配方式都不一樣，但我可以分享我所想像的組合，提供給大家一種體驗的切點。」

他提到可以嘗試輕與重的搭配，例如在一眾視覺較為拙重的陶製食器間，搭配視覺輕盈的玻璃杯拉出層次感。此外，最容易的切入點是「留白」。例如，在偌大的盤面上只放上適量的菜餚，或是擺放器物時不讓空間太過擁擠，需要有所取捨，「有時一個碗可能會擺在櫃子上幾個禮拜，之後拿下來再去用它也是種可能，就看那個時候的心情是想要使用或是觀賞。」對於喜歡布置空間的洪聿文來說，擺放本身也是一種使用方式，就像一個茶盤既可作為展示盤，也能用來放置衛生紙，這些靈活的應用可以依循自己真實的感受，「要依靠你平常對生活的思考，就如同許多器物都是作家生活、使用後，才創作出來的。」

｜聿文的食器搭配心法｜

➊ 親子丼 ✕ 寒川義雄 飯碗、石井直人 土鍋

 搭配祕訣 
寒川義雄近年致力推廣日本米飯文化，飯碗抓握的造型與尺寸都考量到單手使用的方便性，非常輕薄、邊緣特別纖細，飯入口時香氣特別貼近口鼻。而石井直人的土鍋採琵琶湖邊富含植物化石的土壤，導熱、保溫俱佳，煮出的飯特別好。

 作法 
1）去除雞肉筋，切一口的大小，把雞皮的部分朝下煎。上色後，翻面。
2）把昆布高湯、味醂、酒、醬油拌在一起下鍋。中火煮到雞肉熟。
3）將4顆蛋稍微打勻，分2～3次，畫圓加入鍋中，之後停火蓋鍋蓋悶3∼5分鐘。
4）盛入米飯，可以灑點芹菜，完成。

➋ 布丁 ✕ 高仲健一 盤子

 搭配祕訣 
日本許多養雞的產地多會推出布丁周邊，正好搭配親子丼做雞蛋系列。高仲健一近年作品轉向後，會畫上許多圖案，對比盤面視覺的複雜，建議搭配一些簡單、純粹的小菜、點心，像一塊布丁就很剛好。

 作法 
1）細砂糖跟水先拌勻，之後加熱至糖開始變焦糖色，轉小火，煮到顏色稍為變色停火，加入熱水，靜置一下後，倒入布丁模具。
2）鮮奶、鮮奶油、糖稍微加熱後，跟3顆蛋拌在一起。過篩1～2次，倒入布丁模具。
3）將布丁蓋上鋁箔紙，隔水加熱進預熱過的150度烤箱，烤約20∼30分鐘，完成。

洪聿文

san galerie共同主理人，2021年與兩位夥伴一手打造這位在台北深巷中的輕柔留白藝術空間。 以「藝術即生活」為理念，當前以器物為主軸策展，也不時策劃服裝、書法、花器、咖啡等展演活動。除了深具器物收藏的老靈魂，他也熱愛料理，創設的「wen experience」甜點店正鄰接著母親謝小曼的茶房「小慢Tea Experience」，目前採預約制。

_{文｜吳哲夫　攝影｜鏡好映像工作室 _ 林家賢}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/4月號《從器物開始的理想生活》