2022台北當代藝博會值得關注的新銳！專訪藝術家Xyza Cruz Bacani、潘濤阮、致穎

台北當代藝術博覽會將於5月20日對外展開，這次我們將眼光深入微型單元展區（Solo），認識3位活躍國際的新銳藝術家：由香港菲籍移工化身紀實攝影藝術家的Xyza Cruz Bacani、前進2022威尼斯雙年展的越南藝術家潘濤阮（Thao Nguyen Phan）、以及入圍2022德國柏林影展論壇延伸單元的台灣藝術家致穎。

台北當代藝術博覽會（Taipei Dangdai，簡稱台北當代）由前香港巴塞爾藝術展總監任天晉（Magnus Renfrew）所創辦，於2019年盛大展開第一屆展會，也為台灣注入全新國際藝術博覽會的體驗與規格。雖然受疫情影響，去年宣布停辦，今年台北當代仍力邀國內外畫廊加入，重新舉辦實體展，國際藝廊參展比例超過6成，共計60間頂尖藝廊帶來200位藝術家逾千件作品。其中「微型單元」（Solo）個展區，由藝廊推薦單一年輕藝術家新作或中堅藝術家的作品，La Vie精選3位藝術家，深入了解他們的創作理念外，同時也想像台灣的當代藝術，在與國際頻繁交會之下可以迸發何種可能。

 Xyza Cruz Bacani｜Christine Park Gallery 

從如風的移工到紀實攝影家

香港電影《淪落人》中，黃秋生飾演的癱瘓男子與他的外籍傭工Evelyn之間真摯互動，曾觸動不少人。而熱愛攝影的Evelyn，原型人物即是創作《活著如風》（We Are Like Air）、曾在香港從事外籍家庭傭工近10年的菲律賓紀實攝影家Xyza Cruz Bacani。「我強烈地感受到移工就像風一樣，重要、被需要但不被看見。」她說道。

在Xyza 8歲時母親就遠赴外地工作，兩年才能見上一面。她曾不能諒解母親在童年的缺席，直到她19歲時前往香港成為第二代外籍傭工、為同一位雇主工作，才日漸體會到母親的辛勞與堅韌。攝影是Xyza的生活抒發，讓她逸逃出現實的苦悶。幸運地，雇主與她有良好情誼，甚至鼓勵並借她錢購買相機。她趁著假日從事街拍， 2014年是她人生的轉捩點，作品獲《紐約時報》攝影網站Lens、CNN等國際媒體報導，其後她入選攝影基金會Magnum Foundation人權獎學金、獲得赴紐約大學（New York University）進修的機會，自此成為全職攝影師。「這給我機會打破成為移工的家族循環。」

同時，Xyza投入更為嚴謹的紀實攝影計劃，將鏡頭對向移工，4年間進行《活著如風》計劃，2018年在香港展出並出版同名攝影集，「我就是局內人，我意識到自己有個特殊的位置，可以更接近地訴說我們移工的故事。」書中以她母親作為經緯，黑白影像紀錄移工們與其雇主間的關係，並收錄孩子與母親們往返的書信與物品。 「這是對於這些堅強女性的細緻刻劃與讚頌，她們在移民生涯中成為支撐原鄉與雇主家庭兩端的中軸。」

而在2020年迫於新冠疫情，Xyza原先的短期回鄉一待就是19個月。期間她拍攝疫情下菲律賓的生與死─醫護員工、新生兒與食物短缺，集結成新作《祖先／後代》（Ancestors/Descendants）。離開菲律賓近15年，這次停留成為她重新與家鄉連結的契機，她彷彿成為後代的祖先，以攝影為這個非常時刻留下見證。現在Xyza即將完成在紐約大學藝術與政治碩士學位，回到她暫時擱置的攝影工作。「我一直對於反殖民、家庭與司法系統相關的議題有興趣。」她將持續拍攝那些不被看見與聽見的故事。

Profile｜Xyza Cruz Bacani

菲律賓紀實攝影師，曾於香港擔任外籍移工近10年，關注移民及人權的議題。曾獲選2018年度亞洲協會「亞洲21青年領袖」、2016年「30位30歲以下出色女攝影師」（30 Under 30 Women Photographers）、《福布斯》「30位30歲以下亞洲菁英」（30 Under 30 Asia）、2015年BBC全球百大女性。菲律賓眾議院通過決議案（HR No.1969）表揚她的攝影貢獻。

 潘濤阮（Thao Nguyen Phan）｜Galerie Zink 

由歷史的傷痕與詩意照見明天

曾獲勞力士贊助、越南當紅的藝術家潘濤阮（Thao Nguyen Phan）月初才結束在英國倫敦泰德聖艾芙思美術館（Tate St Ives）的大型個展，又帶著即將在台北當代展出的錄像新作《初雨、日遮》（First Rain, Brise Soleil）奔赴2022威尼斯雙年展。她詩意的作品從家鄉越南出發，對話歷史傳統、環境變遷等全球性議題。

潘濤阮創作根植於繪畫，但她曾深感媒材的限制。她在芝加哥藝術學院（School of the Art Institute of Chicago）攻讀碩士時，受到同樣畢業於此的泰國藝術家、導演阿比查邦（Apichatpong Weerasethakul）飽含東南亞文化與民俗知識的作品啟發，其後在2016年，她獲選「勞力士創藝推薦資助計劃」，成為美國行為與錄影藝術先鋒Joan Jonas的門生，創作實踐也慢慢從繪畫擴延至錄像。

潘濤阮首部成熟的錄像作品《熱帶午睡》（Tropical Siesta, 2017），改編歷史與文學作品成為半虛構紀錄片，隨後持續創作《無聲的穀粒》（Mute Grain, 2019）和《成為沖積層》（Becoming Alluvium, 2019），她的作品中反覆探討地球資源的破壞和過度消耗，《成為沖積層》特別關注湄公河的美麗與苦難，它流經西藏、中國、緬甸、泰國、寮國和柬埔寨，最終由越南出海，將多國的經濟、文化與動盪的歷史發展牽連在一起。

對湄公河的探索延續到這次的《初雨、日遮》，首章呈現雨水隨氣候變遷，富庶了農業卻也帶來洪災和破壞，建造日遮的混凝土正是元凶之一；次章則以一段跨越越南和柬埔寨的愛情，說兩國充滿矛盾的歷史。在泰德聖艾芙思美術館的訪談中，潘濤阮分享：「我覺得我接收過的官方歷史與學校教育是被操控的、文學也是受限的⋯⋯所以我轉向從童話、民間傳說與神話中尋找另一種事實。」

潘濤阮想要對抗的是集體的「失憶」，最近在《Elephant》的訪談中她說道越南人對未來有種危險的樂觀，「越南人性格非常樂觀並且向前看，我們傾向克服、遺忘動盪的過去並專注於未來，但同時向過去發生的事情學習也非常重要。」她期望能以柔軟的詩意撫觸家鄉未癒的傷痕與矛盾，照見更清晰的明日。

Profile｜潘濤阮（Thao Nguyen Phan）

潘濤阮居住於胡志明市，是一位跨學科藝術家，其創作形式包括錄像、繪畫和裝置。她從文學、哲學和日常生活中汲取靈感，觀察社會習俗和歷史中分歧的議題。她在越南及國際間的展歷豐富，今年5月初甫結束於英國倫敦的泰德聖艾芙思美術館（Tate St Ives）個展，曾於倫敦奇森哈勒畫廊（Chisenhale Gallery）、上海外灘美術館等展出。潘濤阮此刻作品正在第59屆威尼斯雙年展展出。

 致穎Musquiqui Chihying｜LIUSA WANG 

從全球地緣政治中回望台灣

問起的台灣藝術家致穎為什麼對非洲議題特別感興趣？「在中國外交進入非洲之前，這裡很多是台灣的（政治）地盤。」這次他在台北當代展出的裝置作品〈文化館〉（The Culture Center）調查了中國在非洲的文化建設，然而談起創作源起，他卻繞回台灣當出發點。

出生台灣、經常來回台北與柏林兩地的致穎，擅長以論文電影（essay film）等視覺藝術形式，加上獨有的幽默感來轉譯嚴肅的歷史研究題材。早在他2016年首次入圍柏林影展論壇延伸（Forum Expanded）單元的錄像作品《多哥咖啡》（Café Togo），就因為想參考其他國家如何面對殖民歷史，而深入認識柏林非洲區的去殖民化運動。其後他踏上了非洲大陸實際考察，今年再以《打光》（The Lighting）入圍柏林影展，發現只在非洲風行的中國傳音（TECNO）手機，竟由聯發科研發照相功能，台灣意外現蹤。「以前我的作品常由台灣出發，但討論中非關係或許更能在國際層面上，讓觀眾理解中國新的殖民動態。」

在〈文化館〉之中，5枚鑄造的紀念幣，分別對應5座中國在西非資助或私有的文化場館，圓形展台將他蒐羅的圖像資料並陳，掃QR code就能連上場館官網。致穎說明紀念幣的概念是挪用中國央行發行的「寶島台灣風光紀念幣」，那些為台灣名勝鑄造的風景是中國政治主權的宣示，而這些場館正是其政經勢力的延伸。但致穎認為不能單以殖民論述概括，過往曾被歐洲殖民的非洲大陸，陸續成為台灣、中國政治介入的角力場，背後的互動關係遠比想像中複雜。例如其中一座米亞非洲藝術博物館（Miaa Musée Internationale dÁrt dÁfrique）的華人館長，當初還是台商朋友引領他學習蒐藏木雕，他後來捐贈的大量藏品，甚至成為中國國家博物館中非洲常設展的基礎，然而過去多為歐美殖民母國才建有非洲文物館藏，這也成為他錄像近作《雕塑》（The Sculpture）的拍攝題材。

「台灣在非洲外交上的挫敗，讓我們少去關注非洲議題，但其實更應該去理解背後的變化。」致穎透露之後可能會再進一步探索雕塑等文物在各洲博物館如何被展陳、觀看的議題。他作品的地理跨度橫越歐、亞、非三洲，在我們以探索全球關聯的地緣政治與歷史處境的視角認識他時，或許也打開了一個進而回頭審視台灣的契機。

Profile｜致穎Musquiqui Chihying

生活工作於台北及柏林，擅長運用聲音及影像等媒材創作，經常透過地緣政治的觀點審視當代世界。曾於眾多國際性的藝術機構與影展展出，包括柏林影展（2022、2018）、善宰藝術中心（2021）、巴黎龐畢度中心（2020）、鹿特丹影展（2020）、臺北電影節（2020）、臺北雙年展（2016）等，於2019年獲LOOP錄像藝術製作獎首獎，並在同年入圍柏林藝術獎。

台北當代藝術博覽會  TAIPEI DANGDAI

公眾展期｜5/20（五）~ 5/23（一）

地點｜台北世貿中心一館 

文｜吳哲夫

圖片提供｜LIUSA WANG 、Christine Park Gallery、Galerie Zink 

更多創業幕後、品牌經營新知皆在 La Vie 2022/5月號《創業者的冒險》

看書，不再像過去那樣理所當然嗎？作為草率季創辦人，黃偉倫（Frank）隱身於修車廠 2 樓的工作室亦像一座由書與圖像堆疊而成的小型地景，在這裡，閱讀成為逃離現實的通道、感知世界的方法，及靈感悄悄發生的方式。

➣本文選自La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》，更多精彩內容請點此

「我覺得閱讀是很好的逃脫。」黃偉倫這樣說。很多時候，翻開一本書只是隨手翻閱，但也正是在那樣看似無目的的過程裡，思緒開始偏移，眼前世界的輪廓也悄悄改變。對他而言，閱讀最迷人的地方，正是能讓人從當下所處的位置，瞬間抵達另一個維度，像是為意識打開通往別處的通道。

移動感知，長出聯想力！

在沒有網路的年代，百科全書與圖書館成為他探索世界的入口。從奇聞軼事、怪奇生物，到探險故事與流行文化，閱讀最初是由一種純粹的好奇驅動。隨著成長，他逐漸轉向音樂、時尚與藝術雜誌，那些帶有強烈視覺語言與編輯觀點的刊物，成為他審美與思考方式的養成場域，讓一個青少年逐漸意識到，原來一個主題可以被這樣展開，同個世界也能以另一種方式被觀看，並被濃縮在有限的頁面之中。

紙本與數位：「系統」和「斷裂」的對比

與此同時，黃偉倫並不排斥新的媒介形式。他笑說自己平時也很常滑短影音，經常會和兒子互傳迷因梗圖，對數位媒介帶來的刺激與娛樂，他並不陌生。但即便如此，在他心中，書作為一種媒介，仍有一種完整而強烈的存在感。

他認為，網路資訊像是高度精準的工具，可以快速回應問題，提供大量且即時的答案；而書則是一個被完整建構的世界，承載著作者與編輯的觀點、時間感與文化脈絡，都共同構成一套有機的系統。讀者進入的不是孤立的訊息，而是已被編排過的思考系統之中。

尤其對藝術書而言，形式與內容幾乎密不可分。「紙張的厚薄、翻頁的阻力、圖片呈現的比例，乃至光線穿透紙面的層次，翻閱的方式本身，就是內容的一部分。」也因此，比起「讀到什麼」，「怎麼讀到」同樣重要，這種由媒介本身帶來的身體感與時間感，使紙本閱讀成為難以被完全複製的經驗。

容錯使閱讀迷人

黃偉倫特別著迷於那些切角奇特的雜誌與出版物，往往從一件看似平凡的物件出發，卻能一路牽引出歷史、文化、日常生活與社會關係的多重層次。這種編輯方法並不追求單一路徑，也不急著導向某個標準答案，而是讓同一件事產生複數意義。對他來說，這樣的閱讀才真正具有感染力，因為它打開的不是答案，而是聯想本身。

「在閱讀與搜尋的過程裡，偏離原本的目的地，往往不是錯誤，反而可能是最好玩的部分。」他比喻為一場沿途可能誤入歧途的旅行，你原本是為了某個主題翻開一本書，卻可能在一頁看似無關的內容裡，意外撞見另一條更值得追索的路。

書架，思考的地景

走進黃偉倫的工作空間，很難忽視書的存在。書不僅占據牆面，也蔓延至地面，堆疊成各種臨時的結構，它們成為空間的一部分，一種持續變動的地景。自述很偏重圖像思考的記憶方式，黃偉倫的書籍分類法顯得格外奔放，不按建築、藝術、地區或年分來整理，而是簡單分成兩大區塊：一類是靈感來源，一類是工具性的資料書。書架因此不只是收納系統，更像是他思考方式的外部延伸。

至於選書的直覺呢？「像在撿石頭一樣～」談到收藏書籍的方式，黃偉倫的答案出乎意料地感性。他沒有明確標準可遵循，而是憑直覺判斷一本書的「氣場」。這種感受難以言說，卻像是拾起一顆石頭時的重量與觸感，讓人瞬間判斷是否值得帶回。有時候，一本書會在多年後才被真正閱讀；有時候，他甚至會重複購買同一本書，只因再次被它吸引。書在空間中靜置，也在時間中發酵。

偏離目的地，接近「創造」本身

草率季讓人們穿梭其中自由遊走、任意發現，黃偉倫理想的閱讀方式，亦是允許人在其中迷路、停下、折返，並在過程中與某個尚未預期的內容相遇。而這樣的閱讀觀，也將進一步化為更具體的空間實踐。今年 7 月，草率書店將於西門町開幕。對黃偉倫而言，這是草率季走過10 年之後，一步自然卻也關鍵的延伸。他說空間不大，只有 10 幾坪，將固定呈現草率季相關出版物與自己喜歡的書，也希望容納新書發表，進而成為更多人認識台灣次文化的一個入口。「不過，賣書超難賺錢的啊。」挾帶對未知挑戰的複雜心情，黃偉倫在多年閱讀、觀看、收藏、產製之後，終於長出一個具體座標，讓想像得以棲身落腳的地方。

黃偉倫推薦！打開聯想的 4 本雜誌

《Floating University Berlin》
由德國建築團隊 raumlabor 發起，記錄他們如何在柏林廢棄機場的低窪蓄水地展開實驗性計畫。從建築介入、環境觀察到工作坊與共同學習，這本書也體現其長期關注人群、空間與知識共構的方法。

《Spectator》 Vol.47〈土のがっこう〉
喜歡《Spectator》每期皆以單一主題深掘的編輯方式，這期從「土」出發，延伸至土壤、生活、語言、文化與日本人的關係，既有知識性，也保留輕盈有趣的閱讀節奏。

《TRANSIT》No.65 〈世界のパンをめぐる冒險 創世編〉
《TRANSIT》原本以國家為題，近年轉向更具主題性的文化切口。這本特輯以「世界的麵包」為線索，細究不同地域的麵包起源、製法與歷史脈絡，資料密度驚人，也展現編輯團隊驚人的田調能力。

《TOO MUCH 》 Issue 9〈The Sacred〉
強調浪漫地理學，這期以「神聖」為題，從建築、地景、信仰、儀式到精神性空間切入，討論何謂令人敬畏的場域，欣賞這樣以圖像與跨領域研究交織出的觀看方式，讓抽象主題保有豐富而開放的想像空間。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》

_{文｜張瑋涵　攝影｜鏡好映像工作室_林家賢}

如果你是一隻蜘蛛，會如何感受這世界？你可以在展中親手撥弄絲線。托馬斯．薩拉切諾（Tomás Saraceno）在新北市美術館個展《共織宇宙》（Interwoven）開幕之際，分享他的「親蛛症」、他對「大氣世」的暢想，與對人們共創力量的信心。

➣本文選自La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》，更多精彩內容請點此

蜘蛛網，對 Tomás Saraceno 而言是充滿無限可能的生物建築。2006 年，他在工作室成立蜘蛛學部門，開始與各地的生物學家合作，利用 3D 掃描技術記錄、研究不同物種的蜘蛛如何織網。儘管過了那麼多年，還有太多事情令他感到驚奇， 就像 2024 年在印尼發現、最後以他命名的蜘蛛「Heteropoda saracenoi」。他笑說這些蜘蛛都算是他的「親戚」，「我從來沒見過牠，但我好想去拜訪牠。也許我應該邀請牠來展覽，跟我其他的家人一起。至於牠是『她』、『他』還是『它』——這會是個驚喜。」

作為蜘蛛的一份子

最令 Tomás Saraceno 著迷的發現之一，是蜘蛛網不只是精美建築，更像是外延出蜘蛛本體的神經系統。多數織網蜘蛛幾乎沒有視覺，而是透過絲線的震動來感知世界。約莫 2012 年，他將更多關注投注在「聲響」之上。這次展覽中，部分裝置使用震動器產生低至 6 赫茲的聲響，而人耳捕捉極限最低只到 20 赫茲。「人聽不見，但感受得到震動。」他說明，自己所做的，正是將那些聽不見的蜘蛛世界，透過視覺、觸覺等感官加以具象化，使觀眾得以體察。

「這代表我們在嘗試進入其他物種的『感知宇宙』（Umwelt），這是德國動物學家 Jakob von Uexküll 提出的概念。每一種動物都根據自己的感官，建構出屬於自己的現實。我們現在嘗試做的，就是去感知『我們之外還有其他世界』的那種感覺。」

走在〈關注之網〉、〈如何將宇宙陷入蛛網？〉作品間，暗室中瑩瑩發光的蛛網仿若星系，伴隨低沉轟鳴，我們彷彿身在奧祕的宇宙之中，與之共振。〈算法．韻律〉的巨大黑色蛛網則爬滿整個高挑白色展間，人們能像蜘蛛一樣撥弄絲線、探索空間，對應不同預設演算法產生樂音。作品首展於 2019 年的德國，早在當今 AI 爆發之前，Tomás Saraceno 便想挑戰人們對數位程式的既有思考。

「當我們在建立這些數位演算法的時候，它們往往非常狹隘，是為了某一種特定型態的人類而設計的：白人、父權、異性戀。所有這些預設分類，讓演算法只為特定群體服務。」透過震動與身體共鳴，我們得以體驗蜘蛛獨特的感知方式，在撥弄與共奏之間感受與他人的關係張力。數位演算法與自然規律之間的邊界，也在此悄然模糊了。

屬於所有人的「大氣世」

童年經歷阿根廷「骯髒戰爭」（Dirty War，1976～1983）的政治動盪， Tomás Saraceno 曾隨父母流亡義大利，令他從此敏感於棲居的根本，以及地緣政治強加於人的「邊界」。最初他投身建築，著迷於結構張力，卻也意識到實體建築受限於地權等枷鎖。他分享學建築時，Bernard Rudofsky 著作《沒有建築師的建築》（Architecture Without Architects）對他影響很大。「那是一種鄉土、無名建築。它沒有那些分類，建築是如此深深地嵌入在生命之網裡，以至於它根本不是一門學科。」

他排拒石材的霸權，就像金字塔透過高牆展現紀念性的力量， 用來建立階級、信仰體系與宗教，而現代人則用混凝土、石頭、鋼鐵建造城市；他嚮往另一種無名建築，更融入風土，如同隨游牧民族遷徙的帳篷，經使用後便腐朽、回歸生命的循環之中。「我不是說我們要回到過去，但我們可以找到更好的、更平衡的方式。」

Tomás Saraceno 轉向了藝術。更精確地說，對他而言各領域之間不該存在藩籬。比蜘蛛系列更早，他關注起無形的空氣，因為空氣屬於所有人、充滿想像的可能。受建築激進派（如Archigram）、Yona Friedman「空中城市」（Spatial City）、Buckminster Fuller「Cloud Nine」空中棲地等概念啟發，他想探索空氣與重力的邊界，2002 年開始發展《雲城市》系列，充氣泡沫模型懸浮在空中，設想未來人們棲居雲端之上。

在「熱力學的想像」展間中，更多富有重量感的雕塑懸浮起來了，他藉此將熱能的作用視覺化、實體化。他說：

「有時候我們需要特別去想像：空氣在流動嗎？空氣太難被感受到，太無形了。你感受不到地球正在以 1.5 度、甚至 2 度的幅度暖化。這讓人們更容易理解：就是這麼微小的溫度差距，便可能改變地球上絕大多數生命的處境。」

多年來，他也發展出結合冥想與感官調頻（Attunement）的工作坊，參與者重新專注感受吸氣、吐氣，這件生物如此自然而然的事。「你深吸一口氣，然後一切都不一樣了。你對自己更有覺察，因而理解更多。」

讓我們一同編織生命的絲網

在 Tomás Saraceno 所倡議的「大氣世」（Aerocene）願景中，他進一步勾勒不依賴化石燃料的未來。自 2007 年起推展的〈太陽能飛行博物館〉，由回收塑膠袋製成熱氣球，並試圖僅靠太陽熱能、大氣浮力升空，至今已成為跨越 30 多國的接力計畫，今年 2 月的工作坊，也將台灣回收的塑膠袋與前站首爾的作品縫合在一起。他深信共同參與的力量，「我的很多作品都是屬於所有人的，它們不是我的作品。像這件作品我們都參與其中，我們都擁有它。想法就在那裡，每個人都可以做、都可以建造，都能感受到自己在貢獻某件超越自身的事情。」

從 2017 年起，Tomás Saraceno 關注阿根廷北部大鹽沼及瓜亞塔約克湖（Laguna de Guayatayoc）地區鋰礦開採造成的環境危害。綠能源風潮下、被稱為「白色石油」的鋰，是電動車電池與能源儲存系統的重要材料，而每開採 1 公噸鋰礦便消耗 200 萬公升的地下水。不過他強調：

「水是很大的議題，但應該停止把它稱為『資源』。它不是一個可以被探索、被占有、被商品化的『資源』。你不會這樣對待你的親人，我不會說我女兒、蜘蛛是種『資源』，他們都是我的家人。」

錄像〈與帕查一同飛入大氣世〉便記錄下當地原住民的抗爭，以及他們一同施放熱氣球，挑戰零燃料、載人飛行世界紀錄的創舉。今年年底，他與 11 個原住民社群攜手打造的地景裝置〈Sanctuary of Water〉也即將落成。5 幢大小不一的鹽結構半圓觀景台，倒映水面形成了完整的圓，呼應安第斯宇宙觀，宣告在此為「水之聖域」。

他說明，「這些族群總是在為其他世代做事，非常掛念那些教導過他們的祖父母，也為未來世代付出很多。他們在這時代的存在本身，以及不把過去、現在、未來切割開來，這種看待時間的方式非常美麗。」他認為，不同的文化、不同的理解方式，是人們持續學習的機會。

有趣的是，現在鋰電池也成為 AI 產業的能源驅動力，而台灣更是當今 AI 與半導體產業鏈的關鍵角色之一，生產晶片過程同樣耗用大量能源與水源。在從展間外廊蔓延至展內的壁畫〈公平雲朵〉中，Tomás Saraceno 邀請新北市多所學校與地方社群，一起繪製雲朵圖樣、想像水循環，與遠在阿根廷守護水資源的人們悄然相連。他說，「我們還來得及去思考這件事，去達到這種團結。也許你心裡的問題是：台灣人跟阿根廷的鋰礦有什麼關係？聽著，目前只有一個地球，沒有 B 星球。」

談到這次在台個展，他命名為《Interwoven》，中文則翻譯為《共織宇宙》。他解釋：

「現在，生命的絲網只被一部分人編織著。其他人失去了自己的絲線，他們試圖找到連結，卻沒有人在乎。這是一個願望、一個希望、一個渴望，希望生命的絲網，能夠由更多的人一起來編織。」

托馬斯．薩拉切諾（Tomás Saraceno） 

阿根廷藝術家，現居柏林。畢業於布宜諾斯艾利斯大學建築系與威尼斯建築大學（IUAV），並於法蘭克福國立造型藝術學院（Städelschule）深造。2005年於柏林創立工作室，創作跨越不同尺度與物種界線，從蜘蛛絲線的微觀振動到漂浮雕塑的空氣靜力學，探索人類、蜘蛛與大氣環境的共生關係。重要計畫包括： 推動無化石燃料飛行的「大氣世基金會」（Aerocene Foundation，2015∼）；以及與馬克斯普朗克研究院等機構合作的「Arachnophilia」（2018∼），研究成果發表於《自然》與《美國國家科學院院刊》。展覽遍及紐約大都會博物館（2012）、巴黎東京宮（2018）、倫敦蛇形畫廊（2023）等重要機構，作品由MoMA、柏林國家美術館等機構典藏。 

托馬斯．薩拉切諾：共織宇宙
日期｜2026.03.21–2026.09.06
地點｜新北市美術館6A、6B展間

更多資訊可至官網查詢

_{文｜吳哲夫　口譯｜錢佳緯
圖片提供｜各單位}

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