人們對台東明朗而開闊的早晨很是熟悉，這片土地的廣袤與明媚令人著迷，那入夜之後呢？2022年，台東迎來東部首場國際聲光藝術節《台東光祭》，策展單位「都市藝術工作室」將12組國內外藝術家集結於溫泉名勝——知本，以光與藝術為媒介傳遞「能量滿滿，在一起」主題，邀觀眾漫步台東山水之間，弛放兩年多來因大疫而拴緊的身心，重新感受人與人、人與大自然之間的溫度與連結。

台灣東部首場國際聲光藝術節

2022下半年的台東富含藝術能量，繼8月《南迴藝術季》、9月《江賢二個展》接連展開後，《台東光祭》將於10月15日～11月13日接力登場。這場光的慶典，由曾操刀台南漁光島藝術祭、月津港燈節的「都市藝術工作室」策展，帶有「點亮知本」的美意，期盼以展覽為點、逐漸串成線，進而活絡地方，為知本在溫泉之外再創另一識別；此外，聲光藝術節是在花東的新嘗試，與過往東岸常見的大地藝術節形式大不同，試圖讓人們看見太陽下山之後、夜的台東。

以台東為起點，掃去大疫陰霾

策展人杜昭賢表示，「集結能量」的信念貫穿《台東光祭》，過去兩年多的防疫時光，讓外出、人與人之間的相聚變得小心翼翼，即使努力地維持接近正常的生活，持續的掛慮卻讓我們的心神蒼白疲弱。在世界正走向後疫情時代之際，台東作為島嶼曙光乍現之地，要為台灣帶來更多療癒的光、啟發內在鮮活能量，讓身心擁有足夠面對未知的營養，而《台東光祭》便是開端。

《台東光祭》亮點作品整理

⭔ Groupe LAPS〈關鍵影格〉

法國藝術團隊Groupe LAPS帶來他們最著名的大型裝置藝術〈Keyframes 關鍵影格〉，其結合人型骨架、燈光音效與電腦編程，讓作品如逐格動畫般，演繹出極具動態感的夜之舞。特別的是，藝術家特別因應台東的環境、人文調整內容，配樂中亦收錄有在地人的聲音，讓眾多「燈管人」在演示踢足球、功夫過招等運動動作之餘，同時發展出有趣的故事情節。

⭔ 禹禹藝術工作室〈光盾〉

以卑南族部落精神為發想，將團結、守護意念融入作品當中，藉竹結構轉化族人訓練時低伏的身體姿態，以及人與人攜手祈福時肢體串連的狀態，呈現出人們聚集只為守護土地的勇氣。

⭔ 游文富〈粉紅色浪漫〉

寬廣的草原上，一匹白馬⺎自佇立在一片如雪般朦朧、又如溫泉瀰漫霧氣的白色竹籤中，夢境般的景象，與一旁流動的公路車輛及好奇停留的遊客，形成一幅超現實的畫面。對於生長在竹工藝廠的藝術家游文富來說，竹子是其從小生命的必然，也是他無法割捨的創作媒介。本作運用原本給人尖銳、具彈性印象的一公尺高竹籤，烘托出浪漫又奇幻的情懷，當迷濛雪白上淺淺一抹粉紅，在翠綠的花東縱谷間，心中那片夢土躍然眼前，為疫後復甦的氣息捎來祝福。

⭔ 大聲光電〈光電獸#23〉

《光電獸》系列是針對不同場域及環境，特別規劃不同外觀和互動方式的現地創作。藝術家姚仲涵與曾睿彬有感於台東讓人感到輕鬆的環境基調，因而擷取海洋、樹林等具代表性的台東聲音，創作出節拍分明的輕快舞曲，邀請人們在環狀光圈周圍，與朋友一同歡樂起舞。

⭔ 有用主張〈金勵湯〉

知本因溫泉而崛起，本作以泉為靈感，想像大地復甦、噴湧出柱的泉水，並藉由「精力湯」的諧音暗示溫泉的正能量。有用主張以流星燈為創作媒材，透過不同步的燈光安排創造出噴泉般的視覺感，當光柱緩緩由下向上湧動，光泉有高有低、有疏有密，再與樹林交織，林間熠熠生生輝，形成動態的光景與視界；同時，紅、橘、黃等暖調色彩染上樹林，呼應展期間濃厚秋意，也讓人們從遠處便能留意到這片樹林。

⭔ 謝佑承〈實光旅行〉

一顆果實從遙遠的地方來，歷經播種、萌芽、結䋿長大，千辛萬苦抵達到我們的眼前。在大自然的環境裡，除了陽光、空氣與水的不可或缺，有時候，天候、蟲害、災難也是孕育其生命力的其中一個環節。如果將所有的養分都注入到這片土地中，這段期間所經歷的記憶會結出什麼樣的景觀呢？〈實光旅行〉為綠蔭中的一座光廊隧道，邀請觀眾一同參與色彩和光的塗繪，以成長與茁壯的過程來想像，在廊道中結下累累果實。

台東在地藝術家參展、學生共創

《台東光祭》也特別邀請台東在地藝術家參展，如卑南族藝術家伊命·瑪法琉以全新創作〈Ruma.家家有火〉，訴說原住民族家庭生生不息的溫暖；在知本生活逾20年的藝術家饒愛琴，則以台灣四大奇樹之一的「臺灣海棗」為主角創作。

此外，策展單位都市藝術工作室也帶領溫泉國小、建和國小的小朋友們，從日常生活中找出藝術創作的靈感，一同在彩色燈籠畫上他們眼中的星星，而未來觀眾在展區中，都將看見小孩子們的〈星星點燈〉作品。

而由「南藝大建築所B群」創作的〈讓我們圈在一起〉，不僅是大型裝置藝術作品，更是活動主舞台，在10月15日展覽開幕當天下午5點起，台東當地現代舞團WeArt、樂團旺福、歌手桑布伊，以及知本國小、知本國中與台東高中3所學校的學生將接連登場演出，一同為《台東光祭》揭幕。

2022台東光祭

展期｜2022年10月15日～11月13日

地點｜台東知本溫泉區（台東縣卑南鄉溫泉路376巷18號周邊）

時間｜每日 17:30～21:00

資料、圖片｜都市藝術工作室

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}