忠泰美術館《感知現場》藝術×建築跨界展！王德瑜與林柏陽邀觀者用身體探索、以感知定義現場

現今越來越多展覽脫離視覺單一感官，打破傳統上在白盒子內依循動線觀展的形式，更講求提供進場的觀眾一場「體驗」，無論是透過聽覺、觸覺、嗅覺，或是更全面的身體感。而長期聚焦於城市建築與當代藝術的「忠泰美術館」，為了解開長久以來被制約的既定參觀展覽行為，推出由總監黃姍姍擔任策展人，並邀請藝術家王德瑜、建築師林柏陽跨界共創的《感知現場－建築×藝術跨界展》，三人一同將美術館空間化成一件作品，引領觀眾實際透過「身體」探索、體驗，以自身感知來定義現場，將展覽解釋權回歸觀者。

邀請觀者以身體探索展場

步入忠泰美術館，即進入了《感知現場》，一座彷彿通天的純白階梯佇立大廳，由下而上難以清楚看見梯子的目的地，唯有親身走上探索才能得到解答；另一邊，薄膜撐起、狀似氣球的場域，覆蓋了平時用以放置展品的空間，成為空間中的另一個空間，而兩個空間的界線若有似無，為場域增添超現實之感。接著，還有幾座乍看如葉片的雕塑靜置現場，從15公分到60公分區間中的4種尺度，讓觀者在躺臥、坐與站之間與其互動，用身體和展品進行對話。

這場展覽沒有大量需靜心閱讀的文本、資料，內容定義全藉由觀者的身體感去挖掘，體驗與感受會因到訪時窗外的天候、同時在場的觀眾、當下自己身體的狀態等內外在因素而有所不同。

企圖解開長久以來被制約的既定觀展行為

創作過程中，藝術家王德瑜、建築師林柏陽以忠泰美術館的空間為基礎，從藝術與建築兩種原本不同的思考角度與創作語彙，進行長期互動和對話，以「空間」與「感知」為創作關鍵詞，共同創造突破既定框架的新空間，企圖解開長久以來的既定觀展行為，引領觀眾以身體來探索日常環境之外，另一個不易察覺，卻與他人共感的場域，透過人與空間、自我與他者所建立的不斷變化的動態關係，進而思索存在的狀態或形式的可能性，觀眾得以自身感知來定義現場。

勇於探索，找回身體存在的意識感

而這一切始於個人體驗、終於個人感受的歷程，正如策展人黃姍姍所言：「『感知』，是一種看不見卻真實存在並難以言喻的感受與察覺，超越慣常的文字語言與知識體系。」並且極為私密、貼身且因人而異，正如建築師林柏陽所舉的例子：「大人、小孩不只是身體尺度上的差異，也有著不同的感知。」而談及這場展覽想要做到的事，「每個人自身應當勇於探索的心態，找回身體存在的意識感。」他說。

另一方面，《感知現場》並不是藝術家王德瑜首件探究空間之作，事實上，她不停透過極簡媒材探索空間存在感，進而思考人在空間裡的存在形式與狀態，其一系列以作品序號為標題的空間創作中，呈現了對空間主題的持續性研究，強調讓體感經驗取代視覺經驗、觀眾與作品的互動體驗，以及兩者在互動過程中所萌生的共感。王德瑜提到：「許多人對於空間的想像是：當你沒有方向感的時候，就會覺得你沒有辦法定義空間。這會讓有些人會覺得害怕、有些人會覺得好玩。」而《感知現場》有機、難以定義的特質，正是觸發不同觀者間感受落差與相異的關鍵，這也是個人感知的可貴之處。

展覽期間，忠泰美術館一樓大廳及部分展場空間，將與Aesop合作感知氣味引導，以來自大地的氣息，帶領觀眾開啟更多元的感知想像；展場中亦將不定期舉辦舞蹈、表演藝術、瑜珈等肢體互動活動，從不同情境喚醒身體感官。

當藝術遇上建築，王德瑜、林柏陽談創作心得

這場跨界合作，對藝術家與建築師都是莫大的啟發。王德瑜表示：「我的創作是在既有認知中的白盒子中進行創作，而建築師卻像是在腦海中依照現實環境，規劃著有虛有實的空間。我跟柏陽會一起看展覽、參訪建築後交換看法與對話；此次的作品從觀展動線、空間呈現甚至是樓梯、葉片的設計，都是我們共同討論後的創作，是逐步異中求同的溝通過程。」；關注建築公眾性與各式尺度表現的建築師林柏陽則提到：「我們都試圖用最少的動作，讓身體移動去接近更多的無法言說；不是要去看一件事情，而是進入其中去經歷與意識。」。

即日起至2023年2月12日，不妨親訪忠泰美術館，深入《感知現場》嘗試喚醒感官。而館方為提供觀眾最佳環境，展場將開啟容留人數限制，並以「預約制」進行，詳情請見忠泰美術館官網。此外，10月27將有場展覽座談，策展人黃姍姍、藝術家王德瑜、建築師林柏陽將一同交流，從本次展覽的創作發想與概念出發，進一步探索策劃過程的更多可能與想像。

感知現場─建築×藝術跨界展

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展覽日期｜2022年10月15日～2023年2月12日

展覽地點｜忠泰美術館（臺北市大安區市民大道三段178號）

開放時間｜週二至週日10:00～18:00（週一休館）

參觀資訊｜採預約參觀制，開放現場候補，全票100元、優待票80元（學生、65歲以上長者、10人以上團體）；身心障礙者與其陪同者一名、12歲以下兒童免票（優待票及免票須出示相關證件）

週三學生日｜每週三憑學生證可當日單次免費參觀（需事先預約）

同場加映｜《現形記─高德亮創作展》

看完《感知現場》後，也不妨到美術館鄰近場域欣賞《現形記─高德亮創作展》，其為忠泰美術館長期藝術實踐計畫「奧夫塞計畫」的最新創作，由館方與藝術家高德亮共同合作，捕捉環境內既有的元素，將其提煉成為創作者的視角與觀點，並透過作品引領觀眾切換視角，探尋城市與生活中無形的邊界，放大我們對於日常空間的視覺感受。2022年入冬之際，忠泰美術館兩檔新展從人類最純粹的五感體驗出發，期盼透過具實驗性的展覽呈現，重新定義觀展方式，開啟展演型態更多元的討論。

資料、圖片｜忠泰美術館

以花蓮港口部落為基地的「Makotaay藝術季」，2026年以「海在想什麼？」為主題，結合地景藝術、音樂展演、部落微型影展、美食與手作市集，以及「夠帶種」帶來的表演藝術體驗，帶領每個來到石梯坪海岸的人們感受山海、欣賞藝術、抒展肢體，並在過程中體會港口部落與海共生的智慧，潛心聆聽海的心聲。

打開家園為生態藝術村

港口部落歷經30多年的土地抗爭，在2020年陸續收復部落傳統領域後，決定將家園以藝術展演的形式開放給所有人——這正是「Makotaay生態藝術村」誕生的緣由。6年來，已有超過80位藝術家在此駐村，把他們在這裡聽見的浪聲、踩過的礁岩、學會的算浪與撒網，轉譯成一件又一件的藝術作品。

到石梯坪領會海究竟在想什麼？

2026年中秋滿月下，「Makotaay藝術季」於石梯坪正式開幕。本屆主題「海在想什麼？」源自港口部落已故頭目Lekal Makor（勒加馬庫）常說的一句話：「我每天早上看著海，在想，今天的海在想什麼？」藝術季將這個提問交給今年來到Makotaay的每一個人。

有別於以往，今年Makotaay首次納入地景藝術與「夠帶種」帶來的表演藝術體驗。展演現場由3件大型地景作品先行，帶領訪客從作品感受藝術家焊鐵的火花、敲打木頭的聲響，再與海風、潮汐、日月星辰展開對話；接著隨夠帶種引領，以身體作為媒介打開五感，走入自然，成為自然。

除3件大型地景藝術之外，另有許多精彩藝術作品散落於石梯坪各處，其由9位駐村藝術家在港口部落地主的帶領之下，在部落住上15天，與族人交流、共同生活，並將這段經驗轉化為藝術創作，當中蘊藏著港口部落長久以來與海洋共生的生活哲學。

重現石梯港「Mihoyo」珍貴儀式

開幕當天的「Mihoyo」儀式也展現了海洋民族的珍貴傳統。當日來自全台各地的無動力船隻陸續駛入石梯港，重現曾盛行於1960至1990年代之間的「交換漁貨」儀式。策展團隊邀請從各地來訪的船友與陸地上的部落族人、藝術家們交換禮物，象徵海島民族之間的情誼交流。

當人類建構了一個AI代理（AI agent）控制的小型社會，這社會究竟如何運行？驅動社會前進的能量源自於哪？前進的方向又如何決定？當人類踏入其中，是外部干擾還是另一股融入社會的力量？

這一切在真鍋大度（Daito Manabe）於臺中市立美術館（中美館）舉辦的個展「關係時態」中，透過建築空間、即時運算、聲光影像的交織傳達，有了可以窺探的面貌。不妨踏入展場，看這位享譽國際的媒體藝術家，如何將「人（身體感知）」、「機（AI代理）」及「人機互動」3者置於同一空間，讓它們在保留彼此差異的情況下建立連結、共構一個不斷演化的社會環境。

為中美館量身打造新作

作為真鍋大度首場海外大型個展，「關係時態」的意義不言自明。他原先規劃將曾在大阪展出的作品移展至此，但在親自走訪中美館後，被美術館空間激起靈感，轉念決定帶來3件全新創作，每件都是為展廳空間量身打造。

從「時間」出發，建構不斷演化的人工生命世界

看展之前，得先了解展覽副標「超越模擬的生命形式」意義為何。對此本展策展人鄺佳玲分享，機器能在極短時間內推演無數可能，而人類卻仍需要時間建立信任與記憶，展覽於是由此思考，時間如何在彼此的關係中生成，且作品不再只是用運算模擬生命的樣貌，而是打造一個「讓關係與記憶能隨著時間累積、逐漸成形的環境」——這也就是所謂「超越模擬的生命形式」。

真鍋大度則指出，生成式AI快速發展，開始改變人們對「智能」與「創造」的理解。相較於高速運算的機器，人類擁有自己的身體與感知，也經歷著神經活動、記憶、語言與思考等不同的時間。這些不同的時間尺度，構成人類理解世界、與世界產生關係的方式。他做的並非將這些時間整合為單一系統，而是讓神經系統、身體感知，以及機器運算與生成的不同時間，在保留彼此差異的情況下建立連結，探討當人與機器以不同的速度彼此作用，這些差異又將如何影響人類的感知與創造。 

「關係時態」展出的3件全新創作，分別從人類的身體與感知、包括大型語言模型（Large Language Model, LLM）在內的計算系統，以及記憶與判斷等不同的時間尺度出發，形成持續運作的沉浸式世界。作品讓人、機器與環境持續回應、互動、累積並改變，3個展間也因此以不同方式表現「時間」在感知、運算與創作中的作用，讓作品不再是固定的結果，而是在時間中持續生成的過程。

將AI代理爭辯現場拉到觀眾眼前

展覽室A從單一細胞開始，一個不斷生成的生命世界也由此展開，整件作品就像一個「AI代理建構的小型社會」。在此，觀眾可以從牆面投影、地面的巨幅影像，看見細胞攝取資源、繁殖、突變與死亡的過程。同時，15個AI代理會不斷討論和爭辯，從「資源場」中篩選出理想的育成資源，讓社會得以持續運作，也讓觀眾每次走進展間，都能看見這個動態世界的不同樣貌。

藝術家也推薦，可以仔細看15個AI代理究竟在爭辯些什麼，會更能理解眼前影像如何生成。

觀眾的動態，如何影響人工世界面貌？

展覽室B所創造的人工生命世界讓觀眾不只是旁觀者。作品中的虛擬個體不斷覓食、繁殖、突變與死亡，而觀眾的移動、停留與聚集，也會轉化為作用於這個世界流動場的壓力與偏差，進而影響這個世界的樣貌。在這裡，LLM代理（＊註）會定期解讀這個世界的狀態與過去發生的事件，並在一定範圍內調整環境條件。在這裡，LLM代理（＊註）會定期解讀這個世界的狀態與過去發生的事件，並在一定範圍內調整環境條件。過去事件所產生的影響，也會成為後續變化的條件，讓不同時間來訪的觀眾產生連結。

＊註：LLM，大型語言模型，是一種透過大量文字學習人類語言規律、能生成文字與回答問題的人工智慧模型。

「合成大腦」呈現虛擬生命的思考方式

展覽室C透過一組「合成大腦」，展現虛擬生命的思考方式。裝置中的感應器會偵測觀眾的移動，並將其轉化為刺激，在「合成大腦」的神經網絡中傳遞，進而產生聲音、光和影像。此作延續了真鍋大度長期以來以「神經系統」為創作媒介的實驗，可說是此實驗的集大成之作。

・為讓觀眾即時掌握作品的最新狀態，真鍋大度特別為展覽架設專屬網站，有興趣者不妨點此追蹤作品動態。

真鍋大度：「這是我目前最想呈現的藝術形式。」

這場個展對真鍋大度來說別具意義。近年，他與一線精品如Louis Vuitton及知名音樂人坂本龍一、Perfume、Björk等人合作，也參與奧運、萬博等世界級展會，作品享譽國際。這場個展則讓他重回「純創作」的遊樂場、得以完全照自己的心意創作，他直言：「這是我目前最想呈現的藝術形式。」而展覽所呈現的，即是他口中「只有這個時代才能創造出的作品」，這些作品看似存在近未來，實則回應著當今社會的脈動，探索著人與機器的異同，及兩者各自獨立或共生的社會景象。

「AI讓我有了新的夢想想去達成。」

聯訪時不免聊到AI。從小學因愛打電動接觸程式語言，真鍋大度寫著寫著，至今已近40年，他表示自己對程式一直懷抱熱情，但隨著AI快速發展，心中不免有擔心被取代的憂慮，「現在做媒體藝術的門檻已不若以往高，AI可以協助達成許多事，因此我對自己的定位產生苦惱，思考自己應該以什麼樣的角色、做什麼樣的創作。」此時這場展覽為他解惑，也開啟想像未來的另一條路徑，「我們寫了2100萬行的程式碼，這是以前單靠人力不可能達到的規模，有了AI才得以達成。」自此，AI從某種程度上的競爭者成為合作夥伴，「這讓我有了新的夢想想去達成。」真鍋大度這麼說道。

真鍋大度個展「關係時態—超越模擬的生命形式」

展期｜2026.10.03－2027.01.03

展場｜臺中市立美術館 展覽室 A、B、C

售票資訊｜一般全票100元／臺中市民50元／65歲以上及未滿6歲免費