「江賢二藝術園區」坐落於臺東金樽，由深耕花東多年的公益平台文化基金會董事長嚴長壽協助推動，邀請林友寒建築師操刀清水模建築，讓園區融入太平洋海濱海天一色的景致。館內展出藝術家江賢二《巴黎聖母院》、《比西里岸之夢》、《百年廟》系列等各時期作品，更設有「冥想空間」邀人們走入藝術家如苦行般的創作世界。目前園區仍在建設中，即日起至2022年11月27日開放部分區域供參觀，與現正於臺東美術館展出的《江賢二個展》將同步閉幕；若錯過，或許得等到2024年園區完工後才有機會造訪。

源自1980年代的構想

這座藝術園區的構想，似乎在1980年代就隱隱埋下伏筆。當時，江賢二在紐約長島東漢普敦（East Hampton）擁有一間小畫室與一塊五英畝的地，便起心動念，構想著每年夏天開放畫室給民眾參觀，讓人們有機會和自己一樣被大自然的美所啟發，這對常說著「藝術家對社會沒什麼貢獻」的他來說，是作為藝術家所能為社會做的小小回饋。而這份40年前因美國東岸而生的構想，如今在世界另一端的台灣東岸成真。

與在地環境紋理相容的藝術園區

坐落於金樽海岸旁的江賢二藝術園區，由長駐於德國的林友寒建築師、臺灣清水建築工坊、臺東在地的黃文榮建築師合作，試圖打造一座像是從金樽濱海的自然環境中「長」出來的、符合在地生態紋理的園區。因此，團隊依著海岸山脈的坡度，讓一系列面對太平洋的小量體，如聚落般線性分散並隱藏在山腰上；清水模建築線條極簡、色彩中性的外觀，輔以面海牆面的框景設計，巧妙襯托出與園區相望的湛藍海景。

整體園區預計以5座建築組成，目前已完成江賢二個人工作空間，以及由原畫室改造而成的第二展覽室，未來即將落成的還有接待中心與美術館建築，其將如傳統石板屋一般，以順風、下凹上尖設計搭載厚重底盤呈現；迎光面海、藏身巨大木構斜屋頂下的二層樓房，則是未來供藝術家交流使用的空間。

東台灣的藝術交流場

談及江賢二藝術園區發展願景，關鍵幕後推手嚴長壽表示：「從更廣的藝術文化規劃角度來看，未來的花東文化之旅將可以由花蓮沿著縱谷線南行，經池上到臺東市，甚至到知本、南迴；或者一路沿著海岸線北上，經過加路蘭、都蘭、金樽、成功、長濱。而位於金樽的江賢二藝術園區，與跨過海岸山脈的池上，又正好兩相呼應，花東成為國際知名的藝術節地標，必將指日可待。」

現在，藝術迷造訪西班牙時，會特地到馬拉加參訪畢卡索出生之地；遊覽荷蘭時，會前往阿姆斯特丹參觀梵谷博物館；又或在三年一度的「瀨戶內國際藝術祭」登場時，特地規劃一趟旅程到日本共襄盛舉。而江賢二藝術園區恬淡外表下也蘊藏強烈的企圖心，期待成為在地人接觸藝術的媒介，與吸引人們特地前來台東造訪的藝術交流場。

認識藝術家江賢二

⭔ 從藝術啟蒙到年少巴黎夢落空、孤獨的紐約歲月

江賢二的藝術歷程，得從學生時期一路談起，國小時受美術老師張錦樹有別於傳統師長的處世觀點、談吐影響，對繪畫萌生興趣，並在國中時隨藝術家李石樵學畫；考入師大美術系後，陸續認識廖繼春、陳慧坤等畫家，維繫著亦師亦友的情誼，當時閒暇時到陳慧坤老師家中翻閱從法國帶回的相冊，埋下了江賢二日後想到巴黎追夢，師從瑞士雕塑大師賈克梅第（Alberto Giacometti）的種子。可惜的是，江賢二畢業後的確動身前往巴黎，卻在抵達後才得知賈克梅第已逝世，又正逢社會擺盪的學運時期，最後赴紐約持續創作。

嚴長壽提到，紐約時期對江賢二來說是非常寂寞的歲月，當時他幾乎不賣作品，因為總覺得對成品不滿意，連自己這關都過不了，如何販售？如今回望，那是一段不停否定自己、摧毀又再造的過程。所幸，總被江賢二稱為「女朋友」的妻子范香蘭始終相伴左右，在紐約經營一間精品服飾店以維持兩人的生活，讓江賢二得以專注於創作。

⭔ 時隔30年返臺，看見家鄉的不同模樣

1996年，江賢二因父親年邁而回到台灣，並在接下來的8年間集結新、舊作品發表多次個展，這段期間，他的畫室在台北錦州街、行天宮一帶、關渡與新北林口間移轉，直至2007年一次與台東金樽的邂逅，才讓他決定在這買地蓋一棟有露台、工作室的房子，從此定居，每日在太平洋相伴下揮灑靈感，至今已15年。

每座城市對江賢二的影響，都反映在各時期的創作習慣與作品當中。旅居紐約、巴黎時期，江賢二主要使用灰黑色調創作，並強調顏料的層次感與質地，氛圍沈鬱、線條極簡，有時甚至可見單色為主的構圖，此時期的創作如《巴黎聖母院》、《遠方之死》系列等又被稱為「封窗」之作，他本人也曾對此解釋：「也許因為我畫抽象畫，不需要面對外面有形具象的世界，我一直往內心探討，想從自己內心中挖出我想追求的美。」

返台後，時隔30年踏上故土的江賢二，以不同於少年時的新奇視角觀看台灣，重新體驗故鄉的人情世故，尤其被龍山寺、保安宮等古廟吸引，創作出代表作之一《百年廟》系列，用色上已可見暗沈色調中透出的些許光亮。

不過，屬於色彩的能量，直至2008年後的台東時期才完整迸發，大自然及海邊明媚的光線啟發江賢二對創作產生截然不同的想像，促使他探索並找到與色彩之間最適意的對應方式，創作出繽紛的《比西里岸之夢》、《乘著歌聲的翅膀》、《金樽》等系列。

藉創作內觀

2020年，由北美館舉辦的《江賢二：回顧展》，回望了藝術家江賢二超過半世紀的創作生涯，藉不同時期的作品對照、立體裝置與平面繪畫並陳，爬梳他自紐約、巴黎至返台定居台東各階段的心境轉折與變化。時隔兩年，在臺東美術館登場的《江賢二2022個展》則側重於台東時期的創作，現場除了展出他以廢棄建材為媒材創作的立體裝置，也展現了一位藝術家身處大疫、戰亂籠罩的世界，如何以創作轉換面臨亂世想法與心緒。

江賢二從未停下內觀的腳步，同時在古典音樂、動盪時代、自然環境等外在因素的影響之下，逐步摸索每個階段最舒適、自在的創作方式，從封窗到開了片露台日日面海的過程，乍看是一位藝術家超越半世紀的創作生涯，卻也是一個人探尋生命的無盡旅程。

江賢二藝術園區

地址｜台東縣東河鄉台11線73號

網站｜www.paulchiang.org/art-center

備註｜即日起限期開放至2022年11月27日

《江賢二2022個展》

地點｜臺東美術館（臺東市浙江路350號）

展期｜即日起至2022年11月27日（週二至週日 9:00-12:00、13:30-17:00；週一休館；11月26日選舉日休館）

定時導覽｜週三 10:30；週末 10:30、15:00

資料、圖片｜江賢二藝術園區、公益平台基金會

台北藝廊TAO ART現正展出Alex Prager個展《Echoes of Dissonance》，這位身兼攝影師、電影製片人身份的藝術家，帶觀者潛入她以精湛技術構築的視覺迷宮，感受人類對災難與未知的複雜迷戀；在不安與快感交織的奇異感受裡，解鎖影像中暗藏、那些關於當代人悲喜交織的集體記憶。

一座寧靜小鎮被巨球闖入，一群盛裝打扮的觀眾對著你拍手——在Alex Prager建構的影像世界裡，平凡日常總是被某種神祕的不和諧感所戳破。這位深受好萊塢電影文化薰陶的藝術家，擅長在影像中置入懸疑與渴望，讓觀者在「窺探」的過程中，感受到一種被反向凝視的顫慄。

揉攝影「窺探」本質與電影「虛構真實」表現手法

身兼攝影師、電影製作人身份的Alex Prager，創作深受電影藝術啟發，無論是好萊塢大眾電影或實驗電影，皆形塑了她慣用的創作語彙，另可見流行文化、街頭攝影的影響。Prager生於美國加州，從小在洛杉磯長大，出社會後也在這座電影之城工作生活，這樣的背景讓好萊塢電影對她創作的深刻影響，顯得自然而然。

在Prager的影像作品中，無論是靜或動態，都可看出精心調度與鋪排的場景、演員充滿戲劇張力的表演、懸疑未解的敘事情節，以及融合當代與過去元素所製造、一種令人感到模稜兩可的懷舊感覺。這些特質交織成為Prager式美學，她遊走在小眾與大眾之間、虛構與真實之界，結合攝影的「窺探」本質及電影「虛構真實」的表現手法，透過精妙的場面調度，打造細膩、卻充滿視覺與情感張力的瞬間，為觀者營造一種介於熟悉與陌生之間的奇異感受——看著眼前的畫面略感不安，卻又因那股「可能發生在自己身上」的莫名熟悉感，忍不住想一探究竟。

為何我們對災難場景感到著迷？

此次TAO ART《Echoes of Dissonance》展覽中，主要作品為Alex Prager於2022年創作的〈跑（Run）〉。片中一座循古典好萊塢電影風格打造的小鎮，本應寧靜安穩，卻不知怎地被一顆巨大的鏡面球闖入，它恣意滾過街道、入侵人們的日常，整座小鎮彷彿變成一座巨型彈珠台。

本片帶著觀眾隨鏡頭感受球體沿途造成的衝擊，敘事擺盪於悲劇與喜劇之間，揭示了現實生活中普遍存在的焦慮、不安與失控感。而在觀眾越感刺激、想著接下來要發生什麼時，作品更映照出一種人類的有趣心理——在現實生活中，我們極力避免災難的發生，可電影中的災難場景卻始終有著令我們難以抗拒的吸引力。

「荒謬美景」藏未竟的故事線

與〈跑〉同步拍攝的影像作品〈眠（Sleep）〉，有別於前者的鮮活，反倒呈現了一片靜寂場景。畫面中演員遍地倒臥，觀眾沒有故事脈絡去推敲前因後果，也不知該如何解讀這起事件的意義，只能眼看這曖昧而荒謬的一幕揣測。若要編輯來猜，也許跟〈跑〉中發生的巨球滾動事件有關也說不定？

讓觀眾感受「被反向凝視」的顫慄

在較早期的錄像作品〈掌聲（Applause）〉中，Prager翻轉了表演者與觀眾之間的關係：觀者所面對的，是一群身穿戲服、妝容完整、扮演「觀眾」角色的表演者。在這群「觀眾」滑稽的外表與重複拍手動作之下，一種帶有窺視意味的不協調感悄然浮現——我們在觀看的同時，也感受到自己在被觀看。

懸疑感中藏當代人的集體焦慮

無論就物理或心理層面的意義而言，「懸置／懸疑（Suspense）」始終是貫穿Prager創作實踐的核心。她以影像建構的夢幻場域，將情感經驗自然地納入其中，並映照出當代人「集體性的認知失調」。

對此TAO ART創辦人Vicky Chen分享自身看法：「 這次《Echoes of Dissonance》展出的系列，呈現了我們這個世代共享的特殊經歷。作為觀眾，我們得以透過作品所帶來的情感經驗，回望並反思這些集體記憶。Alex Prager是一位我關注已久的女性藝術家。她在創作初期就發展出相當前衛的拍攝方式，她的每一件作品，都能看出是投入很多心力和成本去製作的，充滿了豐富的技術細節，才能創造出如此精準而衝擊的畫面。」

Alex Prager個展《Echoes of Dissonance》

展期｜2026.03.07－05.02

地點｜TAO ART （台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00

由蜷川實花攜手科技藝術團隊EiM打造的《蜷川實花展 with EiM：彼岸之光，此岸之影》，於華山盛大展出中。睽違10年再度於台北舉辦大型個展，蜷川實花與EiM製作人宮田裕章特別接受台灣媒體的採訪，與我們分享展覽背後故事。

蜷川實花大展睽違10年再登台

2016年，台北當代藝術館推出的蜷川實花藝術個展，吸引了大量人潮，並刷新館方歷年觀展人數紀錄。多年後，再度來到台北展出的蜷川實花分享，她想傳達的內容核心一直都沒有改變，但這次展覽與EiM團隊及不同領域的夥伴合作，讓表現形式有很多的變化。比如過去她透過攝影、電影的拍攝展現光影，現在可以有更多不同的角度來呈現這些作品。「雖然宮田先生跟我屬於完全不同的職業，他是一位數據科學家，但透過與想法不一定一致的人討論創作方向、交流意見，能讓主題變得更有延展性。」

延伸閱讀：《蜷川實花展with EiM：彼岸之光，此岸之影》登陸台北！8大展區設計，走進光影交織的沉浸式藝術世界

宮田裕章補充，自己作為科學家，習慣宏觀地捕捉事物，身為攝影家的蜷川實花則是以近距離、微觀的角度創作。而正因為有這兩種不同的視野，加上EiM團隊的燈光、技術層面的協助，才能碰撞出作品的新模樣。

                 ⭣宮田裕章曾策劃2025大阪世博「Better Co-Being」主題館

打造虛實交錯的沉浸式空間

在這由8大展區構成的展場中，以大量影像作品、立體藝術裝置與革新數位技術，呈現出蜷川實花獨特又強烈的色彩美學，也創造出虛實交錯的沉浸式空間。蜷川實花提到，這次的展覽可以有很多種觀賞方式，她希望大家像是進行自己的一段旅程，從不同路徑、角度去觀看，進而有不同的新發現。當看完全部作品，也彷彿看完一場電影或舞台劇，能感受到其中的故事性。

有許多想留下的閃閃發光日常瞬間

而在這個任何事物都能輕易用AI生成的時代，蜷川實花又是如何看待這股風潮？「其實AI不是壞事，我也常用AI解決生活中的問題。但目前在創作作品時，我並沒有打算使用AI，因為在我們的日常中，有太多閃閃發光、我想留下來的時刻，光是捕捉這些瞬間就竭盡全力了。」她認為，只要稍微改變觀看世界的方式、不用去到很遠的地方，也會有許多新發現和想拍的事物，這也是她堅持以真實拍攝影像創作，不倚賴電腦CG生成視覺的原因。

有死亡，美麗地活著才顯得動人

宮田裕章說，他自己是日本生成AI協會的會長，使用AI就像是在現實中進行加工，但這次展覽他們更重視如何去感受世界、是否能產生共鳴。他進一步補充，展覽的主題「彼岸之光，此岸之影」，其實與「死亡」有關。正因為有死亡的襯托，美麗地活著這件事才顯得格外動人。「AI可以輕易地做出很多美麗的事物，但唯一無法成立的就是『死亡』。比起AI很容易達到的境界，我們更想用人為的方式來表現這些東西。」

用整個感官全然感受主題

比方來說，「深淵彼岸的夢」、「光之細語，色彩之夢」這兩大展區，有很多不同的光影與色彩變化。人們可以從由2,000條水晶串飾構成的空間，望向一旁鮮豔的花朵，也可從絢麗的繁花中，感受水晶串飾所形塑的光影層次。宮田裕章希望大家不是用文字或語言來思考死亡，而是用感官去感受這個主題。「一個人的個體消失的瞬間，其實會有很多的情感，可能是開心的、難過的、依戀的⋯⋯，蜷川實花的作品有很多色彩和繽紛的畫面，那麼是不是可以用這麼多不同的色彩來表現消失之前的情緒？」

蜷川實花提到，無論是父親的離世，或是自幼就不斷思考人終將一死這件事，都讓她意識到，正因為萬物都有完結與凋零的一天，活著的時間才顯得格外重要。這也使她更加珍惜生活中許多美麗的瞬間，並透過色彩與影像將其呈現出來。

以黑白展區創造強烈的視覺衝擊

特別的是，在極其絢爛繽紛、充滿各式色彩的展覽中，「與光影共舞」這個展區卻以黑白的影像作品來呈現。蜷川實花說，黑白攝影對她而言並不陌生，她正是以黑白作品出道，而黑白更能直接地傳達出那些隱藏在色彩之下她想表達的事情。「這些是我在沖繩潛水拍攝的影像。在水底下可以忘記、放棄任何東西，因為只能專注於呼吸這件事，在那樣的身體狀態下，捕捉與感受到的光影也跟平常全然不同。」

宮田裕章補充，這一區刻意打造成類似劇院的模式，讓觀者從鮮豔色彩到純粹黑白的空間，能感受到強烈的視覺衝擊，也更能體會到光與影的變化。這樣的空間轉換，也是希望人們在走動之間，產生一種被空間吸住、甚至吞噬的感受。在體驗過程中，人們或許會浮現出近似於面對死亡時的依戀或情緒。他也透露，這個黑白展區之前未在京都展出，雖然曾在沖繩以影像作品的形式亮相，但在這次台北展覽，則是以更完整的樣貌呈現。

特別融入台北街景、寺廟蹤影

值得一提的是，因為拍攝工作，來過台灣近50次的蜷川實花笑說，自己甚至曾因為太過熟悉、放鬆，發生過忘記帶護照的插曲。而為了這次台北的展覽，她也加入屬於這座城市的在地元素，前往赤峰街、大稻埕等地拍攝。走進「生命的呼吸」第一展區中，仔細觀察投射在水箱的影像，便能發現台北街景、寺廟與巷弄的蹤影。

在習以為常的風景裡捕捉閃耀片刻

談及拍攝故事，她提到大稻埕有點像以前的日本，充滿懷舊的氣息。而台灣的廟宇與日本神社截然不同，色彩更加鮮豔，帶有強烈的在地感。拍攝當天剛好遇到下雨，濕潤的空氣與天氣狀態，讓廟宇彷彿閃閃發光，讓她留下深刻印象。蜷川實花認為，不同的天氣與心境，能拍到不一樣的風景。正因如此，只要稍微改變觀看世界的視角，即便在習以為常的日常裡，也能捕捉到那些閃耀、值得被留下的瞬間。

《蜷川實花展with EiM：彼岸之光，此岸之影》
地點：華山1914文創園區 東2C、D棟
展期：2026.1.17 - 4.19，除夕休館，購票請上udn售票網