陽明山國家公園品牌化3大亮點！格式設計展策塑造「陽明桑」山系吉祥物、改造東西大縱走活動形象

總說陽明山是台北人的後花園，但除了人們熟知的文化大學後山夜景、擎天岡大草原之外，這座以火山地景著稱的國家公園，還有更多值得探索。繼「陽明實驗山屋」後，格式設計展策（以下稱格式）持續以設計為方法耕耘陽明山，並為其操刀3大設計，包含：陽明山原有的標誌識別規範統整建置、東西大縱走活動形象優化改造，以及塑造屬於陽明山的吉祥物「陽明桑」，開啟國家公園品牌化的諸多可能性。

格式策劃「陽明實驗山屋」，打開探索陽明的多元方式

格式與陽明山的聯繫，可從2021年說起。當時，台灣設計研究院（設研院）發起「公共服務創新專業服務協力計畫 Open Call」計畫，企圖將設計導入陽明山，並由格式設計展策進駐坐落陽金公路制高點、荒廢20餘年的「小觀音房舍」，開展出整合休憩、生態教育、品牌力的「陽明實驗山屋」。

山屋一樓呈現「VOLCANICAFÉ」，格式以火山群地質發展出3種不同焙度與口感的咖啡；二樓則集結探索陽明山的各種紀錄，包含蕨類、生物、山徑、森林選書等，同時透過多檔展覽為訪客打開探索陽明的方式，比如第二檔特展《陽明奈奈》不僅探討現代光污染議題，也帶觀者了解陽明山夜晚的知性與樂趣——國家公園中的地底生態廊道、草山夜幕低垂後的野性聲響⋯⋯，原來山林的夜晚和白天一樣熱鬧。

為什麼國家公園需要品牌化？

陽明實驗山屋之後，格式在2022年12月公布「陽明山公共服務創新計畫」成果，不僅為陽明山設計全新的山系吉祥物「陽明桑」，也為國家公園內的標誌、識別建置規範，並優化陽明山東西大縱走的活動形象，為這堪稱是「北部百岳練功場」的登山路徑賦予形象新貌。

在切入設計細節之前，或許可以先了解，為什麼國家公園需要品牌化？格式引用「國家公園之父」John Muir的名言：「成千上萬疲憊的、不安的、虛弱的人，感覺到山上去就像回到家一樣，曠野是人生所必需，國家公園及保留區不僅是森林及河流的泉源，更是生命的泉源。」國家公園不僅僅是大一點的公園，其承載著生態、文化、保育及教育等多元功能，更代表著一個國家的國際形象。在這樣的脈絡之下，品牌化值得發展，未來陽明山或將不只是在地人心中的城市地標，更是外地遊客談起台北的直接聯想。

「陽明山公共服務創新計畫」3大設計亮點

⭔ 系統化陽明山國家公園的品牌視覺

格式嘗試從陽明山國家公園既有的標誌識別著手進行規範統整，思考如何在保有原標誌識別帶給大眾的印象中，透過細節微調，使其兼具更符合現況應用需求的延伸性；於是從LOGO與中英文打字體排列組合、大小比例、標誌既有的顏色等面向適切調整，延伸設定系統性的規範及應用方式，逐步系統化陽明山國家公園的品牌視覺。

⭔ 東西大縱走形象優化：以拓印、腳印為視覺主軸，整合10座山峰

始於2000年的陽明山東西大縱走，鄰近城市且路線具挑戰性，是登山愛好者登百岳前的耐力試煉場，其連接東、西兩條路線各5座山峰，每座山頂皆佇立木樁，讓挑戰者搜集10枚拓章，儼然是活動代表性的傳統。然而，以往的活動宣傳識別未有一致的對外形象，格式從整體視覺形象基礎設定，至DM文宣、紀念品、拓印木樁等大眾介面應用著手，為東西大縱走描繪新的活動形象與氣象。

象徵登頂的「拓印」與登高攀爬的「腳印」作為視覺主軸，轉化步伐成「雙橢圓」符號貫串整體，東西二字以及10座山峰運用文字造型整合；未來，民眾每抵達一座木樁，便能將每座山峰的「山名」收進海報當作紀念。

而東西大縱走作為登山入門、山林教育的定位，如何讓更多人知道？格式重新梳整宣導層面，結合東西段路線地圖、基礎登山知識，延續傳統的拓印集章視覺海報摺成封面，讓這輕巧易攜的載體，成為民眾認識台北群山的全新介面。

⭔ 陽明桑：結合陽明山山形與霧氣，塑造山系吉祥物

格式以陽明山山形與霧氣識別作為基礎，塑造專屬陽明山品牌的全新吉祥物，結合簡易趣味的線條、鮮明的性格，設計出可親且易於引導理解山林知識的虛擬角色。至於未來將如何應用？格式以「大眾推廣、宣導任務」作為思考點進行延伸，發展出實體戶外標牌、周邊商品、環境教育文宣、社群媒體、互動多媒體等多元可能性，讓「陽明桑」成為登山遊客與自然山野間的最佳溝通媒介。

資料、圖片｜格式設計展策 Facebook

恆成紙業旗下內容品牌「野点nodate」出版《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》，以10則刺青師深度專訪，描摹40年台灣刺青生態演變 。操刀裝幀設計的HOUTH，分享如何以設計過程中的各種巧思呼應刺青文化，及其中的次文化與反叛精神。

延續2024年推出的卡帶專輯《調皮》（The Skin Surfing）和刺青認領圖小書《刺花Tshiah-hue》，恆成紙業旗下內容品牌「野点nodate」持續關注刺青藝術社群，推出最新作《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》，是台灣第一本梳理刺青生態演變的深度觀察與圖冊。

作者張玉音長年書寫藝文領域，年少時期曾親身見證刺青文化背負的污名，步入不惑之年後，毅然決定讓各色刺青佔據肌膚。她深入田野，透過本書帶領讀者一窺台灣刺青在世代輪轉之下，所發展出的不同技藝與風格，以及諸多產業重要議題，包含師徒制的轉型、國際展會的功能更迭、比賽評選機制的變化、社群媒體對整個生態的重塑，甚至包括盜圖與人才外流等現象。

全書採11冊分冊設計，包含1冊序言，以及10冊跨世代刺青師的專訪與反思，依序記錄其師、富哥、Kubrick、House、York、Ray、Upa、阿弘、柯廷、張先生的創作世界。從中，可見橫越40年來的刺青風格演變，從轉化自令人畏懼的江湖印記的細膩台式工藝，一路到當代 Gen Z 的 Y2K 邪典氣質，以及這一文化在不同時代面臨的挑戰，和刺青師們各自持續創作、開拓的路徑。

閱讀體驗的定調

本書裝幀由何婉君與黃紀滕（Hans）組成的的HOUTH團隊操刀。在月初舉辦的裝幀座談會中，張玉音與 HOUTH 進一步分享設計幕後。

設計初期，團隊曾發展出另一套視覺方向，閱讀體驗偏向「沉靜」。最終擇定的方向，則是希望打破傳統文史書「厚重、精裝、大部頭」的既定印象，留下刺青文化原有的次文化氣質與自由度，同時吸引圈層之外的讀者產生好奇與閱讀興趣。採用11本輕薄短冊的分冊設計，也是呼應每一冊皆代表不同世代的歷史切片與文化精神，讓讀者可以自由抽取閱讀，依照自己的節奏與偏好的順序，進入不同年代與刺青師的故事。

圍繞在身體的「物理性」

刺青的載體是人體皮膚，本書裝幀也以身體的「物理性」作為核心概念。書盒上那隻乾淨、沒有刺青的鮮明手臂，其實正是 Hans 親自拍攝的自身手臂。空白手臂象徵刺青的載體，也像一塊等待被書寫的皮膚，串接台灣能量蓬勃卻曾經缺乏完整脈絡的40年刺青史。

作為對比，書盒內部則印製滿版刺青作品，來自本次最資深的兩位受訪人物——其師與富哥。當讀者將書冊從盒中抽出時，如同刺青逐漸覆上身體，也隱喻台灣刺青文化在40年間，從地下次文化逐步走向自我認同與個人表述的過程。

紙材選擇上，同樣延續「物理性」的概念。封面選用「新浪潮」紙材，保留類似皮膚表面的霧面粗糙質地；外盒則以瓦楞紙搭配半斷工法製作，利用偏街頭、工業感的材質，營造看似精裝、實則平裝的視覺狀態，呈現介於粗糙與精緻之間的氣質，也隱隱呼應「野点」作為內容品牌，長期穿梭於不同文化圈層之間的姿態。

為了呼應刺青文化相對銳利的調性，HOUTH 在內頁選擇帶有亮面質感的「雜誌紙」，影像與文字會微微透出下一頁，產生近似皮膚透度與色料滲透的視覺感受。過程中，張玉音還特地前往舊書攤，找來八〇、九〇年代的《Times》雜誌進行比對，確認印樣既具有足夠遮蔽性、不干擾閱讀，同時也保留與當年雜誌紙張相近的物質感，讓本書內容觸及的時間跨度，也被精準收束在紙頁的選材。

以刺青風格轉化的編排巧思

字型的選用，同樣呼應次文化語境。封面使用由黑體改造的實驗字體「獅尾尖刺黑體」，帶有地下刊物與小誌文化中的野性與銳利感；拉丁字體也選用帶有尖角細節的字型相互呼應。內文則以蘋方繁編排，搭配較大的字級與方正結構，保留長篇閱讀的舒適性。每冊的封面編號與頁碼，則依據受訪刺青師的個人風格重新轉化設計，例如以美式傳統刺青風格聞名的 HOUSE，其數字「4」便加入裝飾風格語彙。

此外，許多裝幀細節也隱含對刺青工藝的轉譯。書盒上的書名與 ISBN 燙印，模擬刺青留在皮膚上的痕跡，並加入微微暈染效果，重現色料隨時間沉入皮膚後的自然擴散。每冊開頭與結尾的紙頁，則模擬刺青工序中的描圖紙；其中特別使用到紅色，是向台灣資深刺青師「其師」的 freehand 技法致敬——他習慣以紅色油墨直接在人體上繪製，再進行刺青。

細看內容，會發現各冊也藏有呼應每位刺青師背景與特色的小巧思。例如在富哥的篇章，刺青工具被編排成形似一支手槍，幽默呼應他早年「八成客源是社會人士」的經歷；而刺青師 Upa 長期以刺針模擬繪畫筆觸，在肌膚上留下如詩般的抽象痕跡與氣泡質感，因此 HOUTH 也在編排中刻意保留更多留白與空氣感，讓圖文之間形成更自由的節奏。

《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》以紮實的訪談書寫，織就一部由刺針、墨水和圖像構成的時代群像錄；也透過裝幀設計，承載台灣刺青文化這40年來層層堆疊、多元而鮮活的歷史。

關於野点nodate｜

恆成紙業旗下內容品牌，將紙的物質性與承載文化抽象意涵，透過議題企劃與活動串聯交織出版、視覺設計、次文化、聲音藝術等多元創作領域，以紙張、媒介作為文化實驗場，並擴充傳統的用紙受眾。於2024年底有正式的出版產品，著力實踐內容生產的主動權，打破傳統出版與媒體界限，並且以紙業背景為紮實基底，對媒體型態、製作方式進行再思考。

資料提供｜野点nodate

文字整理、文｜李尤

JIL SANDER攜手西班牙室內設計雜誌《Apartamento》，於2026米蘭設計週期間共同呈現《Reference Library》展覽。匯聚來自世界各地具獨特視角的作家、設計師、藝術家、建築師、電影人、思想家與創作家等精心挑選的60本書籍，組成一個啟發思考、陪伴人生各個時刻的閱讀書單。

身處於這個「速讀」時代，我們的視線在電子螢幕上游離，閱讀變得碎片化。演算法在我們尚未消化內容前，已為我們決定下一步。為獲得快樂而閱讀的想法大幅減少，書本反而成為一種值得被珍視的媒介，一件需要被握在手中、邀請你放慢節奏、停留片刻的物件，更是讀者與故事之間自由選擇的私人時刻。

書本承載著記憶，甚至帶給你驚喜

而《Reference Library》正是在這樣的背景下誕生，肯定了這些物件與行為的價值，也為「全神貫注於值得關注的事」賦予意義。

書本承載著記憶，將把書交到你手中的那個人、初次翻閱時的場景，以及當下的珍貴片刻一併保存。它在人與人之間悄然流轉，也會在不經意間喚起你對某個人的想念。在適當的時候，它會帶給你意想不到的驚喜，比如促使你與某人聯絡、重新思考某些事情、前往某個地方或重新開始。而生活中鮮有其他事物能做到這一切。

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以鏡面構築的閱讀空間

此次展覽由米蘭建築事務所studioutte設計，在米蘭市中心的JIL SANDER展示廳舉行。其由多個鉻合金展示台一字排開，在閱讀燈的映照下，其倒影被鏡面牆反射，構成一個讓人細細品味、沉浸於閱讀的完美空間；人們能隨心所欲地從一本書移到另一本書，自由遊走於書中世界。

戴起白手套、翻閱現場書籍

展覽每小時限額60名，每位參觀者登記後會獲邀進入圖書館，並獲贈一對白手套，這個小儀式將改變人們對待事物的方式及對事物的呵護程度。參觀者可拿起、翻開及閱讀現場的書籍，結束時白手套將作為禮物贈予讀者，作為一份靜謐、紀念這段美好時光的紀念品。

探索60位創意人士書單

此次精選的60本書單中，涵蓋了多部影響深遠的思想與文學作品，比如法國思想家加斯東·巴舍拉《空間詩學》(The Poetics of Space)、谷崎潤一郎《陰翳禮讚》(In Praise of Shadows)，以及尚·布希亞《物體系統》(The System of Objects) 等，從空間、光影到人與物件之間的關係，延伸出對感知與日常經驗的重新理解。

另外，維吉尼亞·伍爾夫《海浪》(The Waves)與萊納·馬利亞·里爾克《給青年詩人的信》(Letters to a Young Poet)則以細膩的內在書寫，回應閱讀作為一種內在且延續的體驗。這些書籍不僅構成一份閱讀清單，更引導觀者在觀看與閱讀之間，建立更深層的連結。

JIL SANDER 創意總監Simone Bellotti表示：「我為這段即興而短暫、僅存在數日的計畫，特別挑選了一本童年時讀過的書，作為贈予米蘭圖書館的禮物——由Italo Calvino撰寫的《樹上的男爵》。主角 Cosimo 選擇棲身樹上，從高處觀看世界，反而比地面上的人看得更清晰。Calvino在此構建了一種優雅的理論：主角的性格古怪、被孤立、誤解，卻正因其非典型的視角，影響了周遭的一切。這幾乎可被視為創作中狀態最純粹的隱喻。」

Apartamento聯合創辦人Marco Velardi說道：「Apartamento與JIL SANDER的合作是自然契合的成果。我們雙方深知我們身邊的事物從不單只是裝飾，更是個人經歷的延伸，關於對事物的專注、珍視及對一次性消費的反抗。猶如一件精心製作的服裝一樣，書本同樣是一種經過深思熟慮、為流芳百世而存在的創作。」

Reference Library
日期： 2026年4月20日（星期一）至4月24日（星期五）
地址： Via Luca Beltrami 5, Milan
開放時間： 上午11時至下午5時
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預覽地點：JIL SANDER 專門店（Via Verri 5, Milan）