以玻璃表現溫室的多重景象！新竹春室《溫室》特展：創作者張家翎、楊水源、簡紫岳演繹新生的雀躍

以玻璃為主要載體，持續透過設計、策展等形式傳遞循環經濟理念的「W春池計畫」，為當期展覽《溫室》攜手3位創作者：messagingleaving（張家翎）、楊水源、簡紫岳，以玻璃為主要媒材，將玻璃材質所延伸出的各種概念與元素如穿透性、包覆、流動⋯⋯等，化為創作想像，邀請人們在寓意「春天裡的溫室」的展演空間——新竹春室，共感重生與希望萌芽的感受。

以玻璃呈現溫室意象，傳遞新生能量

W春池計畫以《溫室》為展覽主題，除了因為春室命名背後的意蘊，還有另一層含義。我們熟悉的「溫室」是用於種植植物的建築空間，為了培育高價值、具特殊性或全新的物種而建，通常以塑料或玻璃為建材。為何溫室要用玻璃建造？一來是玻璃能作為不同光學頻譜中的傳輸媒介，二來是它可以集中抓住植物所需的光線、溫度和濕度，不僅能作為氣流屏障，還能捕獲溫室內的能量。溫室被認為是安適的所在，不受外界喧囂干擾。

歷經疫情，世界趨於正常運轉，迎來新的生活常態，過程中無論是個人、企業、環境都經過各式重大變化的衝擊。W春池計畫期待透過《溫室》特展，邀請仍保有信念、展望未來的人們，踏入春室，在隱形溫室的保護之下，跟隨3位創作者的引領，一同迎接寒冷冬季後的春天，邁向新生。

messagingleaving張家翎｜以玻璃編織羅列風的路徑

曾參展2022新竹市玻璃設計藝術節的設計師張家翎，當時以帶有機線條、透發嫩綠色澤的玻璃裝置〈如同原野〉，創造出如綠意蔓生、也如翠綠流水的詩意景象。他的作品常遊走於設計與藝術之間，在工業量產、材料結構、工藝文化、思想表述之間找尋平衡。

這次為《溫室》創作〈捕風〉，張家翎將玻璃經緯交疊，織出一面溫室的網，網的細格更框出溫室的苗色、青綠、若草，或白玉、粉櫻、石蕊紅，這些色彩之間夾帶間隙，彷彿在羅列風可能流經的所有路徑。張家翎認為，這15片玻璃編織在窯爐內燒製時，就像溫室育種，實驗著溫度、時間、排列方式和玻璃熔融的關係——700℃保持圓滾，760℃融化如水；有些色料經高溫氧化恍若玉色，有些透明疊合彩度折射光影。

楊水源｜重現溫室採光

曾與春室合作、以回收玻璃打造絕美沙漏的設計師楊水源，作品橫跨產品開發與實驗性物件，常以材質轉化、物件製程作為創作本質，尋找日常人造物最適合融入當代社會的型態。

為本展打造的〈shade〉，靈感源自包圍溫室周圍的遮光網，使用者會利用不同種類的網材、不同的編織疏密程度來調整遮光率，創造出最適合農作物生長的環境。楊水源試圖將遮光網產生的細微光影融入玻璃物件中，他先以不同透光百分比的網材覆蓋玻璃圓罩，接著利用噴砂於圓罩表面增加編織紋路，藉此讓〈shade〉在保持半透明視覺感的同時，也呈現出仿若溫室的採光效果。

簡紫岳｜以玻璃物件宏觀地球生命循環

主理嘉義複合式餐飲設計品牌「木更」的設計師簡紫岳，曾多次與W春池計畫合作，更曾參與策劃春室以玻璃及在地食材為主角的餐飲體驗。這次他著眼於純粹的玻璃物件創作，以作品〈bubbleble〉比喻地球作為一個自然的溫室系統，使生命得以誕生與繁衍的角色。

當太陽照射到大氣層時，溫室氣體會吸收並重新輻射部分能量，進而回到地表，這個過程形成了自然的溫室環境。簡紫岳將此概念濃縮於〈bubbleble〉當中，以玻璃氣泡象徵氣體，闡述植物在生長過程中會吸收二氧化碳，並於凋零後被分解，釋放出氣體和養分，而這些氣體和養分將再次被其他植物和生物吸收利用，形成了一個持續孕育生命的循環過程。

綜觀3位設計師的創作過程，會發現不論是玻璃遇不同溫度形成的外型變化、顏色、延展性，或是每位玻璃工藝師傅製作手法的獨一無二，都像是在每一次調整溫室中變因的可能性，創造出更趨近符合期待的樣貌。

展覽限定！呼應溫室意象的甜品「薄霧青提果凍杯」

春室在每一檔展覽中，都會為展覽設計專屬飲食，而《溫室》限定的「薄霧青提果凍杯」，以綠葡萄鮮果凍鋪疊國鮮奶酪，再疊上一球海鹽焦糖牛奶冰淇淋。上桌時，甜品會附上一只玻璃罩，開蓋時熱帶果香隨著薄霧溢出，呼應著玻璃在溫室中與光線、溫度、濕度⋯⋯等元素互動的景象，也象徵萬物爭先恐後初生的雀躍，巧妙回扣展覽主題與理念。

〈溫室〉

展覽期間｜2023年06月16日－09月17日

展覽地點｜春室 Glass Studio + The POOL

開放時間｜每日10:00－17:30開放，週一休

資料、圖片｜W春池計畫（攝影：林祐任）

今年9月，德國頂級廚電品牌Gaggenau即將於台北信義區開設全新旗艦展示中心，成為繼上海、北京與雪梨之後，亞太市場第四座品牌旗艦空間。在台北據點正式揭幕前，La Vie也率先走訪位於上海靜安的全球最大旗艦店「嘉邸（The Gallery）」，從這座1930年代的老洋房出發，一窺Gaggenau如何將340多年來累積的工藝底蘊，結合建築、科技與包浩斯美學，重新定義當代廚居生活。

走在上海靜安區的威海路，很難想像這條緊鄰南京西路商圈的街道，還存在著如此濃厚的老上海風景。街道兩旁是梧桐綠蔭、歷史建築，以及近年陸續進駐的咖啡館、藝廊與設計選物店，城市的節奏依舊快速，卻又多了幾分散步的餘裕。Gaggenau上海旗艦店「嘉邸」就藏身其中。這棟四層樓的老洋房前身為興建於1930年代的道里官邸，德國建築設計團隊1zu33保留原有建築結構與磚石立面，並融入上海海派文化與Art Deco語彙，讓近百年的歷史建築延續昔日風貌，也多了幾分當代設計的俐落。

推開厚重的大門，城市的喧囂彷彿被留在身後，映入眼簾的是名為「The Difference」的沉浸式品牌空間。深色石材、木頭、金屬與玻璃交織出沉穩而內斂的氛圍，耳邊傳來規律的鍛鐵敲擊聲，空間中央則擺放著來自品牌發源地——德國黑森林運來的巨大松樹樹根。材質、光影與多媒體影像在此交錯，引領訪客循著品牌340多年的發展脈絡，走進Gaggenau的工藝世界。

340年的工藝進化：Vario Expressive重新定義當代廚房

Gaggenau的歷史可以一路追溯到1683年，從一間鍛鐵工坊起家，歷經340多年發展，逐漸成今日的頂級廚房家電品牌。1956年推出全球第一款全嵌入式廚房家電，更重新改變了現代廚房的配置方式。深受包浩斯「形隨機能（Form Follows Function）」理念影響，Gaggenau始終相信，好的設計應回應使用需求，而非流於裝飾；俐落克制的線條、耐久的不鏽鋼與玻璃材質，以及對細節與手感的講究，都延續著這樣的設計思維。

二樓的展示空間，則進一步勾勒品牌對奢華廚居生活的想像。這裡搶先亮相將於下半年上市的Vario Expressive系列冰箱與酒櫃，也是台北旗艦店未來的一大亮點。全系列涵蓋冷藏冰箱、冷凍冰箱、三門法式冰箱與酒櫃，並採用模組化設計，每件設備既能獨立配置，也能依不同空間需求自由組合。

延續品牌的建築思維，Vario Expressive系列將冰箱視為廚房空間的一部分，在材質、比例與光影之間，營造一致而俐落的空間秩序。深色短絲紋不鏽鋼、礦石黑鋁金屬與玻璃交錯出細膩的材質層次，暖白色抗眩LED燈則隨著環境光線與使用情境柔和變化；即使放滿各式食材，水平一致的層架設計，也讓內外視覺維持高度整齊。

除了外觀設計，Vario Expressive系列也將智慧科技融入日常使用情境。透過內建智慧感應器與專屬App，使用者可即時查看冰箱內的食材存量，不同保鮮區則可依肉類、海鮮或乳製品等食材特性，分別設定適合的保存環境。而這次最大的亮點之一，莫過於酒櫃系列搭載的侍酒師溫控程式，可依不同酒款自動調整至適飲溫度；搭配客製化層架配置與展示燈光，讓酒櫃兼具保存與陳列功能，打造更完整的奢華品飲體驗。

兩種設計語言，一套工藝思維：Expressive與Minimalistic烤箱系列

此次參訪的另一大亮點，則是品牌近20年來首度全面改款的Expressive與Minimalistic烤箱系列。兩個系列延續Gaggenau一貫的工藝精神，卻展現截然不同的設計語言：Expressive系列以「兩框一圓」（界定櫃體邊界的外框＋環繞煙燻玻璃的內襯框）勾勒鮮明輪廓，透過手工打磨的不鏽鋼材質，以及依循黃金比例（1：1.618）打造的懸浮式控制環，讓家電宛如空間中的雕塑；Minimalistic系列則以「兩線一圓」回歸極簡，捨去框體設計，提供鉑光銀與曜岩黑兩種面板選擇，幾乎與櫥櫃立面融為一體，在低調之中襯托建築與空間本身。

兩個系列皆搭載全新懸浮式不鏽鋼控制環，將隱藏於玻璃面板後方的數位介面，與保留實體旋鈕手感的操作方式結合，在科技與工藝之間取得平衡，也再次呼應品牌對細節比例與使用體驗的講究。

把「嘉邸」體驗搬進台北：Gaggenau台北旗艦店將於9月開幕！

此次實際走訪上海嘉邸後，除了驚嘆廚房科技如今所能達到的人性化程度，更令人印象深刻的是Gaggenau對每一處細節的講究。從材質、比例到光線配置，甚至控制環旋轉時的手感，都經過反覆推敲與上百次測試；就連烤箱內部的焊接處，也被打磨得彷彿一體成型。這些看似不起眼的細節，共同成就了更直覺而舒適的操作感受，也讓工藝自然融入日常生活與空間。

繼上海、北京與雪梨之後，Gaggenau即將於今年9月在台北信義區開設亞太第四座旗艦展示中心，並同樣由1zu33規劃設計，完整導入品牌最新展示概念與全系列產品。屆時，消費者也將有機會親身體驗這些藏在材質、工藝與操作手感中的細節，感受Gaggenau如何透過340多年的工藝積累，重新詮釋當代頂級廚居生活。

林宥嘉第7張專輯《Apples of Thy Eye》在去年7月數位上線，實體的液態黑膠則於今年4月底發行。如果你也是經過了漫長的預購等待，才拿到這張如藝術品般的專輯，不妨跟著設計師聶永真、陳聖智的分享，一探埋藏在「蘋果專輯」的設計細節。

2024年，林宥嘉推出睽違8年的專輯《王》。一年後，一首首釋出的新歌，也正式為第7張專輯拉開序幕。聶永真說明，剛開始開案時，專輯的名稱已經定下來，但他們花了滿多時間去釐清歌手的想法，最後才延伸出「每個人都是造物者眼中的蘋果，都是獨一無二且值得被珍惜的存在。」

延伸閱讀：設計師陳聖智、聶永真親解林宥嘉《王》專輯設計巧思

每一首歌，都是一個角色

而新專輯的每一首歌都代表著一個角色或群體，並以不同的蘋果作為單曲封面。比如以許多光點構成的〈歌迷〉，象徵演唱會現場歌迷揮舞手機的光；以性為主題的〈新郎〉，將蘋果做成類似帶著汗水的臀部輪廓；〈怪情歌〉的靈感則來自於MV畫面中的金髮與粉紅髮色。

當時他們先提出整體的視覺基調，確定走向後，便發展出現在所看到的「蘋果」造型，後續每首單曲的視覺也都在這樣的骨骼架構下進行製作。陳聖智補充，起初得知專輯將以單曲形式陸續釋出時，他們便認為這是個很特別的企劃形式，原本唱片公司沒有打算讓每首單曲封面都不一樣，「但我們覺得如果歌手本身這麼有企圖心，讓每一首歌都能單獨被檢視，那單曲封面也能依照企劃方向延伸，使視覺與歌曲的結合可以更完整。」

讓音樂載體化為可陳列、收藏的作品

至於為什麼是液態膠？陳聖智說，初期連是否推出實體專輯都不確定，但大家經過一輪討論後，認為仍需要一個可以收藏的物件。當時曾評估CD、卡帶、USB等形式，後來林宥嘉提出，希望這張音樂的載體本身能更具特殊性，同時也能如同一件作品般、被陳列於家中。因此，他們最終選定了液態膠，並重新設計了實體封面。聶永真說，他們當初提了許多版本，其中一個提案便是專輯中最直接且最代表性的兩個符碼——眼睛與蘋果，這也是林宥嘉一眼就選中的版本。

以「眼睛」與「蘋果」創造經典的封面視覺

聶永真表示，其實像封面有一個眼睛和蘋果，它的呈現方式可以有很多種，而這次他們以極度圖像化的方式來表達，也會讓專輯更具藝術性與經典感。「另一方面，以黑膠這個尺寸而言，一個眼睛與一個蘋果並行在一起，它的視覺張力非常的強。這也是當初我們會有這一版提案的原因。」另外也能發現，除了封膜上的貼紙，封面並沒有出現任何專輯名稱，他們希望透過具有辨識度的眼睛與蘋果，讓人們能直接得知「Apples of Thy Eye」這個名稱。

細看封面，還藏了一個小巧思。陳聖智說，蘋果旁的「A」符號，不僅代表Apple，轉個方向後，看來就像是側邊的眼睛；再轉向，則化為象徵林宥嘉（Yoga Lin）的「Y」。

翻開專輯內頁，可見從11首歌延伸而來的「眼睛」符號，長成一棵隱喻宇宙的基因樹，這也象徵著各式各樣的個體，在同一個環境下生長、彼此牽引且共生的關係；與之相對應的另一頁，則是將「Apples of Thy Eye」的英文字母圖像化後，組構出屬於人類的生命樹。

跳脫傳統黑膠配置，滿載細節的裝幀

而如果有在收藏黑膠的樂迷應該不難發現，相較主流黑膠以附上大海報、單張歌詞的形式，《Apples of Thy Eye》的裝幀方式較為少見，從亮膜封套、金色騎馬釘、多頁歌詞本、燙金、網版印刷等細節，都賦予了這張實體專輯如藝術作品般的收藏價值。除此之外，陳聖智提到，有些國外歌手的液態黑膠，無法直接收進封套，因此他們特別調整了封套的版型與厚度，使液態膠在收納後，即使平放也不會翹起。

世界上的每一個人都是重要的

回到液態膠本身，陳聖智分享，除了製作這張液態膠的壓片廠外，還需送往另一個工廠加工、打造出噴濺效果，也由於最終噴濺成型的樣貌無法預測，因此，每一張液態膠都是獨一無二的，這也呼應了專輯的核心概念——「世界上的每一個人都是重要的」。他補充，液態膠內的黑灰色液體也是特別訂製而成，讓音樂載體本身與數位封面上的眼睛有所連結。

而這張蘋果專輯的核心想法，也被收進最細微的地方。歌詞本中，「你」、「我」、「他」、「人」等字樣下方，那些看似只是點綴的小點點，其實都是一顆顆被極度縮小的蘋果，一再提醒著我們，每一個人都值得被看見與珍惜。