2023臺灣文博會「空總」展區5大焦點！沈浸式球型劇場、戶外竹構工藝館，工地現場上演科技藝術等

2023臺灣文博會在台北，由城市5大文化場域——花博、華山、松菸、空總、鐵博——串連為城市展場，9月22日至10月1日展出。其中，空總臺灣當代文化實驗場（C-LAB）為文化策展主展區，眾多亮點如FOCASA雙馬戲蓬、主題館《野性博物館》、科技鷹架、球型劇場⋯⋯等皆集結於此，一同演繹「野生臺灣：文化物種大發現」命題。本篇濃縮空總展區精華，帶看5個策展焦點。

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走入創作者的野性創作現場｜主題館《野性博物館》

所謂野性，是野生的性質與底蘊，是初心生發的所在，也是原型開創的場域。《野性博物館》展覽路徑從物件導向敘事，匯集藝文創作者的訪談與裝置、道具、服飾等展品，它們來自多組具海外能見度的台灣創作團隊，如FOCA福爾摩沙馬戲團、布拉瑞揚舞團、豪華朗機工、三牲獻藝，以及熱門台劇《麻醉風暴》、《誰是被害者》的幕後推手瀚草影視等，呈現其田野經驗及創作的發生過程。

展館以五重空間呈現，帶觀者走入創作者各式各樣的創作基地，當中有工作室、排練場，甚至是鐵皮屋廠房，或大自然賞賜的廣闊山海。展間依序從「拼裝鐵工場」、「裝配彈藥庫」、「密碼書庫房」、「混搭衣帽間」到「團練巨幕廳」，分別對應著創作的5個階段，展品陳列特意以器械技術展示、基質物料堆棧的另類形式表現，模擬藝文創作者補給靈感的基地，透露著創作時靈光流動，那份難以暗藏的野性。

展館一樓由共序工事規劃，採用工業廠房的新式鐵皮為材質，將頗具台灣特色的鐵皮廠房景觀帶入展場，呼應創作者運用有限資源創造精彩作品的過程。踏上二樓，首先映入眼簾的是一片巨幕投影，讓觀眾彷彿置身創作者的田野及排練場；螢幕放映著盧彥中導演為參展創作團隊所拍攝的記實影像，剖析其創作的起心動念是如何從台灣這片土地生長。

成為構築未來空總的一份子｜《打開空總 X AI多重未來》

理解今年文博會的內裏，來看看它所發生的場域——空總是個什麼樣的地方，何以成為這場年度文化盛會的重點場域？這裡過去是多代政府的官方用地，日治時期為工業研究所，1949年後又轉為中華民國空軍總司令部；近年則卸下神秘面紗，蛻變面向城市的文化藝術園區，也就是如今的空總。「實驗性」是空總的核心精神，並以未來感十足的科技藝術為載體呈現。

在空總觀展的感覺很是特別——漫步在象徵舊時代、嚴謹而肅穆的百年古蹟及舊軍事基地，看的卻是面向未來、靈活而大膽的各種藝文實踐及想像。

空總佔地達71,000平方公尺，大約是4.9座故宮博物館的基地量，是台北少見有古蹟、綠地、廣場並存的廣闊場域，且地理條件極佳，就位在都市中心地帶，總統府與台北市政府的中間點。這麼難得的地方，要如何規劃才最理想？空總結合AI技術推出《打開空總 X AI多重未來》特展，先介紹空總的歷史更迭，建立觀者對基地的初步理解，再由9個虛擬人物引導人們參與空總未來的建構。

走進展場的每個人，都將化身「AI建築家」，為空總發想各種可能的建築風格、文化設施及策展內容，成為構築未來空總的一份子，打破國家建設多為上而下、單一方向進行的形式。

歷史建築化身科技藝術裝置｜《Working in Progress X 鷹架GPU》

承載空總工業、軍事歷史記憶的「舊辦公大樓」及「戰情大樓」，現正進行古蹟修復工程。文博會期間，兩棟建築的施工現場則暫時轉換為科技藝術裝置《Working in Progress X 鷹架GPU》的主要架構，本作以原有的鷹架為結構、防塵布為主體，搭載LED螢幕及聲光效果，每日晚間上演由PUZZLEMAN、甜約翰、I Mean Us曼達、夢想動畫等創作者參與製作的數位影像，呈獻夜間獨有的絢爛觀展體驗。

如果說鷹架是維護施工安全與秩序的工業物件，那這座藝術裝置就像是「支撐科技藝術未來蛻變的基本結構」，如同支撐AI運算核心的GPU一樣重要，更是見證、參與並推動空總變身的存在。

360度沈浸式球型劇場｜FUTURE VISION LAB 2023《DOME 2.0》

與「鷹架GPU」透過聲響、燈光遙相呼應的，是坐落空總東草坪的球型劇場「DOME 2.0」。這座直徑達15公尺的穹頂展演場，結合裸視VR效果、超高解析度的動態影像及包覆感極強的聲音效果，帶來360度的沈浸式觀展體驗。22件影像作品在此輪番上演，當中有《植物情人》透過當代手法重現台灣第一本水彩古典植物繪本；《彼岸 in DOME》將觀眾帶往夢境中映射的現實世界；《EXO CORTEX 2.0》描繪AI機器人的科幻體驗。

置身其中，感受得到音場環繞卻不見喇叭，因為它們都被藏在構成球體的透生膜中；投影機也幾乎隱身，只露出些許光亮。設備近乎隱形，大大提升了觀展的沈浸感，當影像開演，觀眾體感不像是「觀看」作品，而是親身「走入」其中。更有趣的是，為了快速組裝與拆卸，DOME的構造為線性交疊，並採模組化、輕量設計，且外部光影可配合其雙層構造，形成猶如發光貝殼的奇幻意象，讓展演不侷限於球體內部，外部亦可感受數位訊號的流動。

承裝工藝的竹構地景｜工藝主題館《鷂－飄浮的停機坪》

在多座繽紛多彩、展演科技藝術的展館之間，工藝主題館的質樸外觀尤為特別。這座戶外展館以帶流暢弧度的鋼構為底、巨大的竹編為頂，表現如大鳥歇息於草地的意象，呼應著空總曾為空軍基地的歷史背景。通透而有機的觀展空間，時有日光灑落、微風輕拂，與館內工藝品共築一道文明與自然交會的天際線。

有別於鷹架及球型劇場上演科技藝術面向未來，工藝館以「工藝生而自然」為題回望人、工藝與自然之間的互動關係，透過7大展區，探討工藝「三生」的哲思：在原始時期，先民順應自然條件，為求生命延續，學習運用自然界中現有的物質，用雙手敲擊、打磨製成燧石器物，呈現具原始生命力的用器；接著為追求更舒適、便利的生活，手腦並用，以更精巧的工序如編、織、切削創造出生活用具；文明進化後追求生命價值，加入設計及藝術思維、現代科技，呈現新型態的當代工藝。

這邊特別介紹幾件有趣的工藝品：「動物區」以竹編為結構、由蠶吐絲形成透光表面的燈罩；「礦物區」兩件帶有紅磚紋理的碗盤，其原料為老房子的紅磚頭，經刨削成薄片後覆蓋於碗盤表面，再經由機器、手工磨製褪去磚頭粗糙質地，轉化為溫潤、滑順的手感；聚焦於當代工藝的「再生區」，羅列海廢寶特瓶經漆器工藝新生而成的精美容器、以沙子3D列印而成的幾何花器，以及魚鱗、紅磚粉再生而成的擺飾。

無論原料可見或不可見，工藝家從自然及當代社會汲取靈光，並透過勞動實踐創意的精神皆展露無遺。

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2023臺灣文化創意博覽會｜文化策展｜空總展區

展覽日期｜2023年9月22日－10月1日

展覽地點｜臺灣當代文化實驗場 C-LAB（台北市中正區建國南路一段177號）

開放時間｜10:00－20:00（部分室內展區僅開放至18:00）

備註｜展演活動部分場次需預先上網購票，更多資訊請見文博會官方網站

備受國際矚目的藝術雙人組A.A. Murakami，將於台中勤美術館帶來《After the Rain》特展。這場展覽涵蓋其設計與藝術雙軸創作，展期自11月14日至2027年3月1日，早鳥票將於10月23日中午12點在KLOOK獨家開賣！本篇為你整理A.A. Murakami藝術創作及展覽亮點。

曾在米蘭設計週引起話題的夢幻「泡泡森林」，今年冬天將來台落地生長！藝術雙人組A.A. Murakami特別依勤美術館地景呈獻代表作〈New Spring〉，讓6公尺的泡泡森林由地下空間向上攀升。另帶來長期累積的材料實驗成果，包含帶入數位編碼技術的織品，及深入雨林踏查的永續橡膠計畫，以設計視角前瞻未來。

設計×藝術雙重創作視角

相識於倫敦皇家藝術學院的村上梓（Azusa Murakami）與亞歷山大·格羅夫斯（Alexander Groves），原分別具備建築與藝術背景，自2011年起以設計工作室Studio Swine展開合作。對他們而言，設計與藝術是探索世界的兩種視角，因而於2020年另成立當代藝術品牌A.A. Murakami。

做設計，Studio Swine從廢棄物、工業工藝與永續材料切入，將理性研究與感性詩意結合，呈現一系列遊走於雕塑、裝置和電影之間的作品，並獲紐約現代藝術博物館（MoMA）、龐畢度中心與香港M+等機構永久典藏。另一方面，A.A. Murakami則融合藝術、科學與科技，運用「瞬時藝術（Ephemeral Tech）」創造超現實的感官體驗。

代表作「泡泡森林」：用「瞬時藝術」創作超現實體驗

A.A. Murakami的藝術足跡，近年遍及設計、藝術和時尚場合。從壯麗的巴黎大皇宮，到全球年度設計盛典——米蘭設計週，兩人造了座夢幻的泡泡森林——只見一顆顆氣泡從潔白的樹枝枝頭落下，觀者只要輕輕觸碰，氣泡就幻化為薄霧；流動光影與霧氣包覆著人們，氛圍如夢似幻，時間感在此彷彿變得曖昧，世間萬物不再那麼絕對。這正是A.A. Murakami的沈浸體驗代表作〈New Spring〉。

跨界作品曾登上Met Gala

從藝術領域跨界，A.A. Murakami的影響力延伸至時尚和流行文化。2026年Met Gala上，冬奧金牌滑雪選手谷愛凌（Eileen Gu）身上那件「美得冒泡」的訂製洋裝，即是兩人與時裝界材料實驗大師Iris van Herpen的合作結晶。再回溯2025年，他們也替BLACKPINK Jennie代言的韓國人氣香氛品牌TAMBURINS，打造大型蕈菇霧環雕塑，重塑線下零售體驗。

6公尺泡泡森林回應勤美術館地景

今年冬天，A.A. Murakami代表作〈New Spring〉將在勤美術館落地生長。兩人於今年3月來台場勘時，對隈研吾設計的勤美術館建築印象深刻——建築蜷曲如藤蔓向下紮根扎根，體現服膺於自然的謙卑。展覽開幕後，A.A. Murakami將以高達6公尺的泡泡森林回應建築，讓霧氣泡泡自B1挑空空間緩緩生長，作為來台首展的起點。

聚焦材料實驗，設計×藝術雙軸線同場展出

熱愛材料實驗的兩人，這回也讓團體的「設計分身」Studio Swine加入展出，展現「地域性產業如何發展」的田野調查成果。本次展覽橫跨2層展場，展品包含透過程式編碼探索貝殼紋路的最新織品創作〈A Thousand Layers of Stomach〉，及經典設計〈Sea Chair〉、〈Can City〉與〈Hair Highway〉，再到全球首度完整公開、深入亞馬遜雨林探索永續橡膠材料的大型計畫〈Fordlandia〉。現場亦將同步播映多部獲獎紀錄影片。

A.A. Murakami《After the Rain》特展

展期｜2026.11.14－2027.03.01

地點｜勤美術館（台中市西區館前路79號）

開放時間｜週二至週日 10:00－18:00（週一休館），春節期間請見官網公告

門票資訊｜早鳥票 $299（10.23 12:00 開賣）／全票 $350（附1組3張明信片）

售票管道｜KLOOK獨家販售

公眾活動｜11.14（六）開展當日舉辦「藝術家面對面」，展期間另規劃多場專家導覽與跨界講座，詳細資訊將陸續公布

人們追求鮮活和不朽，背後是對「被遺忘」的恐懼。暫且不談如何被深刻記著，先思考，我們能如何「不被遺忘」？

在安卓藝術推出的新展覽《陰性空間》中，8位女性藝術家試圖透過「修復」和「慢工」之勞動，讓自己與創作時相伴的材料，有重新被觀看和記得的機會。她們以舊木窗、舊衣服、香蕉皮、織線……各種零碎材料為起點，透過織、縫、刺與編等慢工，重新整理記憶、身體和生活經驗，逐步建構一處安頓身心的精神棲居。

「這不是一場單純談論女性身份的展覽。」

《陰性空間》集結來自台灣、菲律賓、羅馬尼亞的8位女性藝術家，包含陳家翊、陳妍伶、羅懿君、謝鴻均、瑪莉娜．克魯斯（Marina Cruz）、派翠西亞．伊斯塔柯（Patricia Eustaquio）、安德利亞．梅達爾（Andreea Medar）與安娜・瑪瑞亞・米庫（Ana Maria Micu）。

「這並不是一場單純談論『女性身份』的展覽。我們更關心藝術家如何從材料、記憶與生活經驗出發，回應這個充滿不安與衝突的時代。」安卓藝術總監李政勇說道，他更進一步解釋：「這裡的『陰性』不是柔弱，也不是與生俱來的女性特質，而是一種面對世界的行動方式——透過照護、保存、修補與持續勞動，藝術家重新思考力量的樣貌。修復不是退讓，而是在斷裂之後，仍選擇重新建立關係。」

面對全球衝突、社會撕裂與氣候變遷，《陰性空間》不將女性簡化為和平或溫柔的象徵，而是透過材料的切削、縫補、編織與重組，將內在經驗轉化為可被看見、觸碰與感知的物質實踐。展覽所談的「修復」，實際發生在藝術家與材料長時間的相處中，比如舊木窗保存建築與生活的痕跡，舊衣承載家族記憶，植物與廢棄物則將觀看延伸至身體、環境與消逝。作品因此成為「記憶的容器」，也成為重新理解日常的入口。

從舊木窗到香蕉皮，讓材料成為「時間的證物」

陳家翊長期關注人、環境與物質的共生關係，她的《存在》系列作品將日治時期的建築遺構——舊木牛眼窗，重新製作為燈箱，藉此將城市發展中破損的建築與生活記憶，轉化為流動的發光窗景。

陳妍伶的《紅線》將紅線轉化為象徵臍帶與血液流動的牽繫，呈現母親面對未知的焦慮與超越視覺的生物性連結。

菲律賓藝術家瑪莉娜．克魯斯（Marina Cruz）從家族祖屋淹水的記憶出發，以微觀的寫實筆觸描摹舊衣、拉鍊、布料褶皺、陶盆與植物，使洪水留下的生活痕跡，凝結為一幅關於家族記憶與日常照護的私密情感風景。

羅懿君使用風乾香蕉皮、香蕉絲與生漆，將易腐敗的植物材料，轉化為近似皮膚的形體。作品回應馬奎斯小說《沒有人寫信給上校》中長年等待卻始終未獲回覆的張力，以及人物在困頓中維持尊嚴與信念的狀態，使脆弱的材料承載等待、失落與持續存在的重量。

藉「慢工」拒絕快速消耗和遺忘

以手工刺繡貫穿創作核心，安德利亞．梅達爾（Andreea Medar）追溯家族記憶與歷史起源。在她的作品中，線跡穿越紙張、畫布與透明塑料，成為連結日常光影、家鄉風景與時間記憶的路徑。

跨足繪畫、雕塑與織品創作的派翠西亞．伊斯塔柯（Patricia Perez Eustaquio），重新詮釋了菲律賓藝術家卡洛斯．「波東」．法蘭西斯科（Carlos “Botong” Francisco）描繪醫學史的壁畫，呈現傳統薩滿巫者「巴貝蘭」（babaylan）借助自然力量療癒的景象。她透過數位技術重新拆解、編排壁畫圖像，再將其轉化為織毯，邀請觀者從不同角度觀看歷史，並思考其與自我的關係。

修復自我與世界共生關係

修復也發生在個人記憶、生活空間與自然環境之間。比如謝鴻均為新作《在虛空中塗寫》重返臺北老家畫室，重新探訪「壁花」意象——油彩、羽毛碎片與帶翅膀的童年洋裝彼此交織，使畫面成為一處關於成長、記憶與自我重構的內在居所。

安娜・瑪瑞亞・米庫（Ana Maria Micu）則觀察居住與工作空間中的植物。在她此次呈現的新作品中，植物不再只是靜止的風景，而是與藝術家共同經歷發芽、伸展、枯萎與再生，成為理解時間、生活與共生關係的對象。

8位參展藝術家在《陰性空間》中，以身體、物件、光影與材質回應當代個體的生存處境與精神困境，共同構築出一處具有「再生能量」的修復場域。她們在物質的餘溫與時間留下的痕跡中，呈現「陰性」力量如何跨越內在經驗與外在世界的界線，並將「修復」延伸至材料、記憶與感知之間的關係。展覽由此為觀者提供一處安頓心靈的觀看空間，讓現實與內在經驗中的裂縫被看見，並保留持續縫補的可能。

安卓藝術《陰性空間》特展

展期｜2026.10.17－11.21

地址｜台北市內湖區瑞光路548巷15號5樓