2023臺灣文博會「空總」展區5大焦點！沈浸式球型劇場、戶外竹構工藝館，工地現場上演科技藝術等

2023臺灣文博會在台北，由城市5大文化場域——花博、華山、松菸、空總、鐵博——串連為城市展場，9月22日至10月1日展出。其中，空總臺灣當代文化實驗場（C-LAB）為文化策展主展區，眾多亮點如FOCASA雙馬戲蓬、主題館《野性博物館》、科技鷹架、球型劇場⋯⋯等皆集結於此，一同演繹「野生臺灣：文化物種大發現」命題。本篇濃縮空總展區精華，帶看5個策展焦點。

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走入創作者的野性創作現場｜主題館《野性博物館》

所謂野性，是野生的性質與底蘊，是初心生發的所在，也是原型開創的場域。《野性博物館》展覽路徑從物件導向敘事，匯集藝文創作者的訪談與裝置、道具、服飾等展品，它們來自多組具海外能見度的台灣創作團隊，如FOCA福爾摩沙馬戲團、布拉瑞揚舞團、豪華朗機工、三牲獻藝，以及熱門台劇《麻醉風暴》、《誰是被害者》的幕後推手瀚草影視等，呈現其田野經驗及創作的發生過程。

展館以五重空間呈現，帶觀者走入創作者各式各樣的創作基地，當中有工作室、排練場，甚至是鐵皮屋廠房，或大自然賞賜的廣闊山海。展間依序從「拼裝鐵工場」、「裝配彈藥庫」、「密碼書庫房」、「混搭衣帽間」到「團練巨幕廳」，分別對應著創作的5個階段，展品陳列特意以器械技術展示、基質物料堆棧的另類形式表現，模擬藝文創作者補給靈感的基地，透露著創作時靈光流動，那份難以暗藏的野性。

展館一樓由共序工事規劃，採用工業廠房的新式鐵皮為材質，將頗具台灣特色的鐵皮廠房景觀帶入展場，呼應創作者運用有限資源創造精彩作品的過程。踏上二樓，首先映入眼簾的是一片巨幕投影，讓觀眾彷彿置身創作者的田野及排練場；螢幕放映著盧彥中導演為參展創作團隊所拍攝的記實影像，剖析其創作的起心動念是如何從台灣這片土地生長。

成為構築未來空總的一份子｜《打開空總 X AI多重未來》

理解今年文博會的內裏，來看看它所發生的場域——空總是個什麼樣的地方，何以成為這場年度文化盛會的重點場域？這裡過去是多代政府的官方用地，日治時期為工業研究所，1949年後又轉為中華民國空軍總司令部；近年則卸下神秘面紗，蛻變面向城市的文化藝術園區，也就是如今的空總。「實驗性」是空總的核心精神，並以未來感十足的科技藝術為載體呈現。

在空總觀展的感覺很是特別——漫步在象徵舊時代、嚴謹而肅穆的百年古蹟及舊軍事基地，看的卻是面向未來、靈活而大膽的各種藝文實踐及想像。

空總佔地達71,000平方公尺，大約是4.9座故宮博物館的基地量，是台北少見有古蹟、綠地、廣場並存的廣闊場域，且地理條件極佳，就位在都市中心地帶，總統府與台北市政府的中間點。這麼難得的地方，要如何規劃才最理想？空總結合AI技術推出《打開空總 X AI多重未來》特展，先介紹空總的歷史更迭，建立觀者對基地的初步理解，再由9個虛擬人物引導人們參與空總未來的建構。

走進展場的每個人，都將化身「AI建築家」，為空總發想各種可能的建築風格、文化設施及策展內容，成為構築未來空總的一份子，打破國家建設多為上而下、單一方向進行的形式。

歷史建築化身科技藝術裝置｜《Working in Progress X 鷹架GPU》

承載空總工業、軍事歷史記憶的「舊辦公大樓」及「戰情大樓」，現正進行古蹟修復工程。文博會期間，兩棟建築的施工現場則暫時轉換為科技藝術裝置《Working in Progress X 鷹架GPU》的主要架構，本作以原有的鷹架為結構、防塵布為主體，搭載LED螢幕及聲光效果，每日晚間上演由PUZZLEMAN、甜約翰、I Mean Us曼達、夢想動畫等創作者參與製作的數位影像，呈獻夜間獨有的絢爛觀展體驗。

如果說鷹架是維護施工安全與秩序的工業物件，那這座藝術裝置就像是「支撐科技藝術未來蛻變的基本結構」，如同支撐AI運算核心的GPU一樣重要，更是見證、參與並推動空總變身的存在。

360度沈浸式球型劇場｜FUTURE VISION LAB 2023《DOME 2.0》

與「鷹架GPU」透過聲響、燈光遙相呼應的，是坐落空總東草坪的球型劇場「DOME 2.0」。這座直徑達15公尺的穹頂展演場，結合裸視VR效果、超高解析度的動態影像及包覆感極強的聲音效果，帶來360度的沈浸式觀展體驗。22件影像作品在此輪番上演，當中有《植物情人》透過當代手法重現台灣第一本水彩古典植物繪本；《彼岸 in DOME》將觀眾帶往夢境中映射的現實世界；《EXO CORTEX 2.0》描繪AI機器人的科幻體驗。

置身其中，感受得到音場環繞卻不見喇叭，因為它們都被藏在構成球體的透生膜中；投影機也幾乎隱身，只露出些許光亮。設備近乎隱形，大大提升了觀展的沈浸感，當影像開演，觀眾體感不像是「觀看」作品，而是親身「走入」其中。更有趣的是，為了快速組裝與拆卸，DOME的構造為線性交疊，並採模組化、輕量設計，且外部光影可配合其雙層構造，形成猶如發光貝殼的奇幻意象，讓展演不侷限於球體內部，外部亦可感受數位訊號的流動。

承裝工藝的竹構地景｜工藝主題館《鷂－飄浮的停機坪》

在多座繽紛多彩、展演科技藝術的展館之間，工藝主題館的質樸外觀尤為特別。這座戶外展館以帶流暢弧度的鋼構為底、巨大的竹編為頂，表現如大鳥歇息於草地的意象，呼應著空總曾為空軍基地的歷史背景。通透而有機的觀展空間，時有日光灑落、微風輕拂，與館內工藝品共築一道文明與自然交會的天際線。

有別於鷹架及球型劇場上演科技藝術面向未來，工藝館以「工藝生而自然」為題回望人、工藝與自然之間的互動關係，透過7大展區，探討工藝「三生」的哲思：在原始時期，先民順應自然條件，為求生命延續，學習運用自然界中現有的物質，用雙手敲擊、打磨製成燧石器物，呈現具原始生命力的用器；接著為追求更舒適、便利的生活，手腦並用，以更精巧的工序如編、織、切削創造出生活用具；文明進化後追求生命價值，加入設計及藝術思維、現代科技，呈現新型態的當代工藝。

這邊特別介紹幾件有趣的工藝品：「動物區」以竹編為結構、由蠶吐絲形成透光表面的燈罩；「礦物區」兩件帶有紅磚紋理的碗盤，其原料為老房子的紅磚頭，經刨削成薄片後覆蓋於碗盤表面，再經由機器、手工磨製褪去磚頭粗糙質地，轉化為溫潤、滑順的手感；聚焦於當代工藝的「再生區」，羅列海廢寶特瓶經漆器工藝新生而成的精美容器、以沙子3D列印而成的幾何花器，以及魚鱗、紅磚粉再生而成的擺飾。

無論原料可見或不可見，工藝家從自然及當代社會汲取靈光，並透過勞動實踐創意的精神皆展露無遺。

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2023臺灣文化創意博覽會｜文化策展｜空總展區

展覽日期｜2023年9月22日－10月1日

展覽地點｜臺灣當代文化實驗場 C-LAB（台北市中正區建國南路一段177號）

開放時間｜10:00－20:00（部分室內展區僅開放至18:00）

備註｜展演活動部分場次需預先上網購票，更多資訊請見文博會官方網站

歷史課本上所寫的「西班牙人登陸基隆和平島」，至今已過4個世紀。基隆美術館為此推出年度特展《瓶中船》，呼應「基隆四百年」的主軸命題——「流動的港口，世界的基隆」。展覽邀集台灣與來自西班牙、日本、香港、澳門等地共29組藝術家，以館藏與地方典藏為基礎，讓當代創作與歷史檔案、港口現場跨越時空彼此對話，重新想像基隆作為一座世界港口的樣貌。

雙重視角映照：台灣、西班牙雙策展人共同策劃

《瓶中船》由出身基隆港的獨立策展人張文豪策劃，並邀請西班牙馬德里康普頓斯大學（Universidad Complutense de Madrid）藝術史系博士研究員羅貝托・阿爾瓦烏（Roberto Alvau）共同參與，由品度藝術（PRNDL.art）擔任策展團隊。一位從城市內部回望家鄉，一位來自400年前將基隆寫入地圖的國度、且長期聚焦臺灣及東亞當代藝術，兩種觀看位置在展覽中相互映照。

港口，持續流動的文化現場

早在西班牙人抵達之前，原住民族與沿海居民便循著山海與潮汐生活，並透過海洋與外部世界往來。1626年，西班牙人登陸和平島，使基隆成為臺灣首座接入大航海網絡的城市，也開啟城市持續面向世界的歷史。本展不試圖以單一時間線重述400年歷史，而是將港口視為持續流動的文化現場——船隻與人群在此抵達、離開，物質、技術、語言與文化也在往返之間留下痕跡。

瓶中船：用縮小的技藝換取全知的視野

聽來浪漫的展覽名稱，源自船員在漫長航程中所製作的「瓶中船」。被海包圍的日子裡，船員們把廣闊而未知的海面縮進方寸之間，以縮小換取安定。「在瓶中船內，人們彷彿擁有全知的視野，恐懼與未知得以暫時驅散，時間在雕琢的過程中被磨去，渴望抵達的彼方也逐漸浮出海面——那是一種以縮小換取安定的技藝。」策展人張文豪於展覽論述寫道。

策展團隊品度藝術將瓶中船視為回望歷史的隱喻：人們對歷史的理解，如同凝視瓶中的微縮世界，看似完整，實則不斷經歷折射與再製。因此，展覽不追求單一線性的城市史，而是讓典藏作品與當代創作重新對話，集結繪畫、影像、版畫、裝置、表演、纖維等多樣媒材，觸及航行與遷徙、殖民與戰爭、產業與城市發展，也關注市場、信仰、飲食、音樂與日常生活，讓宏觀歷史與個人記憶彼此交疊，重新安放每個人在城市中的位置。

典藏與新作交會，宏觀歷史與個人記憶交疊

展覽現場，多件委託新作和典藏作品展開對話。周代焌《疊景》以「繪畫回應繪畫」為方法，與楊成愿《航行與時間》、李義弘《跳石海岸》、洪瑞麟《礦工》與蘇秋東《基隆驛前》展開交錯閱讀。典藏中的圖像、筆觸與觀看方式，經由拆解與轉譯，重新組織為整體空間語彙。

藝術團體太認真《致 那些無法開花結果的》與蘇秋東《昔日顏家花園》並置展出，從蘇秋東筆下的顏家「陋園」出發，以相傳於西班牙殖民時期引入基隆的金露花，重構歷史照片中已無法辨識的庭園。

邱承宏《未完成的紀念碑》與張庭甄《一片視圖，一片試圖》同樣從地方史料出發，2件新作皆以1934年鮫島臺器贈予基隆公會堂，其後下落不明的《女神像》為線索。前者以和平島諸聖教堂遺址的礦物與碎片，雕出女神消失後留下的空隙；後者以珠簾網點讓女神輪廓在觀者移動至特定位置時重新聚合，並將美術館的透視軸線延伸為環繞地球的大圓弧線。

從不同時代觀看、理解與記憶基隆

同一片港灣、山城與街區，在不同時代裡被反覆觀看、描繪與重新組織，也因此被賦予截然不同的記憶與造型。基隆的地景跨越時間的維度，成為藝術家共同傾注心神的對象：倪蔣懷長年以寫生觀看基隆，用水彩紀錄港灣、坡地、河岸等城市風景；蘇秋東的油畫，留下1930年代基隆車站前的圓環和顏家「陋園」；鄭桑溪用攝影凝結1950年代的基隆光景，從港口、軍事設施到迎神陣頭；李欽賢以「史記」為題，採拼貼式構圖串連基隆車站不同時期的建築、火車、地圖與航線；蔣瑞坑、洪瑞麟描繪港都的勞動身影和礦業現場；劉麗玉以拙樸筆觸保存唸歌、市場、染布與魚市的常民記憶。

有人用畫筆和顏料紀錄基隆印象，也有人藉複合式媒材組構裝置，讓城市記憶變得立體。生長於基隆的李承亮以退役船艦拆解後的鋼板、船窗與錨鏈組構《巡護黃頭鷺一號》，讓田寮溪畔常見的黃頭鷺，成為穿越不同時間尺度的港口見證者。

日本藝術家柳幸典《Kongo 1_100》以1923年載著皇太子裕仁抵達基隆的軍艦「金剛」為線索，將這艘船艦縮小為模型、包裝盒與組裝說明圖，透過尺度與媒介的轉換，使帝國、殖民與軍事象徵進入另一種觀看關係。

走入基隆田調現場的創作

本次委託製作讓藝術家走入基隆，從地景、產業、聲音、物質與地方記憶之中，提出新的觀點。加藤翼於槓子寮砲台拍攝，邀請在地音樂人以繩索相互牽連、共同合奏，繩索既是連結也是牽制，交織的聲音則讓這些複雜關係，在曾經面向海洋的軍事空間中再次被聽見。

西條茜以近似船體與生物形態的中空陶器，由多位表演者吹氣共鳴，在內部交會並形成聲音，而作品下方的木製結構取自船台形式，使陶器呈現停泊狀態。

康雅筑《未凝固的海》以自製木製行李箱為核心，延伸出染成鏽色與灰藍的麻繩漁網、橡膠織物與家庭照片，把和平島的童年記憶與東南亞的橡膠田野編織在一起。羅玉梅《解體》邀請和平島得義堂第九組北管軒社分散於展場各處演奏，並與清末北洋水師「定遠號」訊號鐘的錄音交會，讓地方信仰與近代東亞海權史在聲音中並置。

艾格妮絲・埃松蒂《西班牙殖民盛宴》源自她在暖東峽谷旁拉波波村學習藍染的駐村經驗，以民眾共創的藍曬探問食物與布料如何承載記憶。趙永寧《美食之都是基隆》則循著居民提供的飲食地圖，與市民共同用餐、交談，從「吃」重新認識基隆。

基隆美術館年度特展《瓶中船》

展期｜即日起至2027.01.24

資料提供｜基隆美術館  攝影｜嘟嚕影像工作室  文字整理｜Izzie Pang

現正於台北藝廊TAO ART舉辦的《露水幻夢》雙人展，由來自英國的Benjamin Spiers（班傑明．斯皮爾斯）與台灣藝術家曾建穎，攜手策展人陳若盈一同呈獻。兩位藝術家的創作根植於截然不同的繪畫傳統，卻同樣著迷於身體作為「蛻變」場域的可能性。展覽由此出發，探索「可見之物」和「內在感受」之間持續流變的感知狀態，讓不安的美與張揚的怪誕彼此交織，形成一場矛盾又超現實的視覺對話。

Benjamin Spiers：潛入瘋魔世界

Benjamin Spiers的繪畫作品充滿原始生命力，可見超現實主義、抽象主義、立體主義等不同風格的交疊。他擅長運用油彩，以驚人的寫實感刻畫出奇幻的形體，把人們半夢半醒所感受到的幻想和恐懼，帶入畫布當中；畫中介於人與非人之間的角色，其形體怪異，有的脖子鼓脹、有著四肢扭曲，將觀者引進他們所處的瘋魔世界。

這次Benjamin Spiers在展覽中帶來多件2026年創作的油彩新作。在〈淺眠者〉中仍可見「人類」的形體，畫中乳白液體自宛如人偶的沉睡臉孔上滴落，臉龐輪廓在接近下顎處逐漸變形，角色噘起的紅唇散發情欲氣息。

〈天然粉紅〉中的人物經歷著強烈的蛻變，頭髮與耳朵交織纏繞，拉長、旋扭的手指則融化為液態。一隻眼睛在髮絲半掩之下，將觀者的目光錨定在這個幻象迷宮之中，令人屏息。

〈惡之華〉則轉向超越人類的維度，召喚出幽異的想像——散發微光的髮絲與花瓣彼此連結，如煙霧般飄浮。頭髮是Spiers創作中的重要元素，既暗示著身份建構、增強了畫面的戲劇性，也隱喻某種原始的本能力量，如同無意識思緒與幻想般不斷滋長、變形。

曾建穎：遊走神聖與日常之界

曾建穎主要使用水墨、礦物顏料、亞洲手工紙，以及源自東亞繪畫傳統的「堆高」技法進行創作。他將身體視為慾望、精神性、記憶與文化經驗交會的載體，並透過佛教圖像、酷兒視角與繪畫媒材自身的歷史，建構游移於神聖與日常之間的視覺語言。

時常從宗教圖像中汲取靈感，曾建穎將繪畫視為「精神性的容器」，藉此創造出新的人體圖式，並與既有文化脈絡對話。比如在桃形屏風作品〈仙果〉中，他在屏風正面描繪一顆熟桃，切開的缺口微微露出桃的內部，下方的舌狀葉片則暗示感官慾望和生命無常；另一面則是近距離重疊的後腦勺與臉龐，既可能是鏡子前的自我凝視，也可能是兩個人物之間的親密舉動——自我與他者之間的界線因而模糊。

在帶有壁畫質感的雙聯畫〈身體角質：半夏〉與〈身體角質：忍冬〉中，曾建穎以細密筆觸建構出奇異的「肉裝」，隱喻防衛性的自我重塑。人體承載著意識的流動，在有機與人造、可見與想像之間來回擺盪。對他而言，這種雙重性呼應著〈莊周夢蝶〉中虛實辯證的意涵。

〈沃野〉中，仰臥的男性身體以奇特的角度扭曲，填滿整個畫面，宛如一座山巒，引導觀者如遊覽山水畫般，沿著人體移動視線。曬得通紅的皮膚散發出近乎可觸、帶有情欲的熱度，也喚起觀者對日常身體經驗的記憶。

如《聊齋志異》般詭異卻幽美動人？

Benjamin Spiers與曾建穎以精湛的畫技與富感官性的風格，創造出鮮活的混種形體，使其成為轉化與無限可能的場域。在他們的作品中，身體既是被觀看的對象，也是感知與經驗發生之處。

策展人陳若盈表示：「最初構想這個雙人展，是因為在建穎和Benjamin的畫中感受到某種張力與電流般的衝擊，愉悅與痛苦交織並存。我看見人既是原始的動物，也蘊含聖潔之美。儘管媒材與文化語境不同，他們的作品都帶來一種先於語言、強調感官性的觀看經驗。畫中的人物彷彿具有意識，被凝視的同時也回望著我們。這種感受轉瞬即逝，既實且虛，就像水：流動、透明、難以捕捉，卻也蘊含穿透與蛻變的力量。」

TAO ART創辦人Vicky Chen則表示：「 Ben與建穎的作品都有種奇異而迷人的美。觀看他們的畫，常讓我想起小時候看《聊齋志異》的感受：如夢似幻，帶著幾分詭異，卻又幽美動人。畫中人物的眼神、曖昧的姿態與變幻的形體，彷彿藏著許多不可言說的秘密，讓人感到些許不安，卻又忍不住凝視。對我而言，有趣的作品正是如此，能勾起層層回憶，也牽引出無盡的幻想。」

《露水幻夢》Benjamin Spier與曾建穎雙人展

展期｜2026.10.24－2027.01.23

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00