MV導演郭佩萱的美學進化論：不只眼前所見，動靜之間既展演風格也凝結情感

從9m88、Leo王、A-Lin、溫蒂漫步等奇幻搞怪的MV，到私下用手機記錄的每日凡常，郭佩萱在動態和平面影像中任意穿梭切換，她認為：「創作不用變得偉大，也許我們都只是時代的橋樑，把當下感受到的事物和情緒拋出去，表達對世界的看法，讓後面更多人加入，有更多的橋樑出現，這樣就是好的創作者了。」

自述從小就是電視兒童，半夜會爬起來看《南方四賤客》這種兒童不宜的卡通，郭佩萱說她一看電視就會進入「無我」狀態，旁人講話一概聽不見，「而且我發現跟00後的年輕人聊電視台這件事，比如以前會去查電視節目時刻表，完全沒有共鳴耶，他們是看手機長大的小孩。」即使因為對影像的著迷，進入了輔仁大學影像傳播學系，然而當時她也沒想過自己未來會從事影像工作，「現在回頭看，會覺得是環境使然，讓很多想拍片的學生必須自立自強，畢竟學校教得有限，這種自卑感會驅使你一直往外面去找、去看更多，做更多嘗試。」

靈感碰撞 讓音樂和影像交互對話

郭佩萱回想入行起初，她很快察覺「看片很爽，但要自己拍的時候真的非常辛苦」，甚至有很多不自由，牽涉諸多人與人之間的溝通協調，於是她拍起片來毫無章法，基本上是想到什麼就做什麼。從2012年成立、當時主唱是Leo王的「巨大的轟鳴」樂團Live 演出開始拍，後來接到越來越多MV工作，郭佩萱逐漸摸索、建立起自己的工作流程——先聽音樂，用文字或繪圖製作storyboard、分鏡，尤其當成本必須壓到最低的時候，為了讓內容豐富和控制作品成果，就得從最細的地方著手，甚至每2、3秒就畫一個分鏡，「觀眾看起來以為是胡亂拼湊、臨場發揮，但背後其實都是設定好的。」

「我很喜歡張震嶽90年代在魔岩時期的MV，沒有CG特效，只有一個熱愛音樂的創作人，非常純粹地唱歌給你聽，帶給我很大影響，現在的歌手大概都要像瘦子一樣帥，能鬆鬆表演的比較少，所以我也滿珍惜早期幫Leo王拍的作品，想不到還有誰可以駕馭他的風格。」在影像上的進化，別人是由簡入繁，郭佩萱卻是馭繁為簡，她說越是無厘頭的視覺，執行起來要能系統化就越難，因此她建議MV導演要自己會剪接， 就不需要去拍攝很海量的素材，「開拍後，用我腦袋內建的剪接器，判斷會比較精準，很快知道哪段可以丟、哪段可以用，不過我和夥伴們還是經常做一些徒勞無功卻很好玩的事，或被廣告客戶打槍說我的創意 太瘋狂，需要拉回來一點。」郭佩萱觀察到最近的MV，趨向在技術上追求質感化和精緻化，但卻無法明確 區分各個創作者的風格，「我認為一切都要很坦白、很誠實，作品就會很酷，看到這個創作者的產出，能直接看到他本人在你面前的感覺，這很重要。」她說MV導演好比電競選手，因為需要快速反映時下的思維 和想法，不但倚賴年輕人，汰換率也相當高。

定格日常 拍照是一種自我取悅

「這種同質性，有點像我們大學時期，攝影界最流行的就是荒木經惟、森山大道，然後大家就會一窩蜂往那個方向拍攝，但是除了荒木經惟和森山大道本人，其他人拍的其實就是跟他們很像而已。」郭佩萱除了在輔大舉辦過攝影展，近年來也陸續受到品牌或廠商青睞，接到不少平面拍攝邀約，對她而言，影音作品終究無法只靠她一個人完成，拍照比起錄像更即時，且擁有更多的解釋權和掩飾空間，「我有想說出口的話，但還有更多是不願意講的。」郭佩萱笑喊：「現在底片實在太貴了！手機應該還是最常使用的器材，而且我的手機已經超破爛了，剛好我不是很care照片質感、或是光線怎麼樣，我重視的是那個捕捉或凝結的氛圍，一種隨手就拍的感覺吧。」

既然身為「感覺派」的創作者，郭佩萱對於拍攝器材的硬體規格，似乎在選擇上多了些彈性，「當然技術幫助我們克服一些問題，例如ISO（感光度）可以越開越大，就不需要把光打到最滿，也不一定非得要帶所有設備，比如內建ND減光濾鏡，一台機器裡的設定就可以滿足全部拍攝需求，都為創作者帶來更多機動性，但也無須過度追逐，腦袋裡的創意才是無法被輕易取代的。」她回頭強調，每個創作都是時代的橋樑，一個一個地，從 上一代接軌下一代，各自形成無關好壞的美學，端看能不能把自己成長的時代，毫無保留、如實地呈現。

只有我才想得到 好創作需要真心實意

「ㄎㄧㄤ得很可愛」、「荒唐得很幽默」⋯⋯， 這些經常在郭佩萱作品中看到的網友評論，讓她識別度極高的鮮明風格，也無可避免地被定型， 彷彿她太會搞笑，而不見得擅長處理嚴肅隱晦的議題，然而她提起這點反倒令人意外地豁達，相信只要忠於自我，無論什麼題材都能詮釋出與眾不同之處。「會滿想挑戰《戲說台灣》這種民俗故事長青劇，集結了在地文化、鄉野傳說，和奇幻神話元素，有神有佛還有妖精，好屌，還播了上千集，怎麼把它拍得更能吸引年輕人的興趣， 而不是只受到老人家的歡迎。」她也坦然表示，自己對於雷同題材的耐性不高，成為MV導演算是有跡可循，「MV產製過程快，不用多久就能得到反饋，本來心想未來要嘗試劇情片，但著手寫劇本就發現，要持續對同一個主題有愛，得反覆來回修改，不斷投注你的精神給它，超難的啊!」

聊到短影音已全面席捲各社群平台的現象，郭佩萱說自己沒那麼擔心，甚至樂觀其成，「大勢之所趨吧，我們也阻止不了媒介的發展，可以把刷短影音類比成我們以前看四格漫畫那種感覺，都是獲得滿足感，而且有看到部分創作者的作品其實滿天才的，相信有朝一日能積累藝術價值，說不定未來會有短影音影展出現。」特別是當大眾包括她自己，對影音的觀看耐性越來越有限，在家看串流已成主流，反而讓電影院成為更不可或缺的場域，強迫觀眾好好專心。笑說自己還沒下載抖音的郭佩萱，正等待時機成熟、找到合適的製作團隊，對這樣完全仰賴前期設定、並在15秒內把一個 有趣的idea賣出去的創作方式，她一樣躍躍欲試。

〖 郭佩萱靈感來源和推薦必看 〗

 英國導演 Terry Gilliam 

作品非常狂想派風格，充滿科幻和奇幻元素，幾乎全實景拍攝而不靠 CG。他已經 82 歲了，但像《奇幻城市》、《巴西》、《未來總動員》現在看也不過時，尤其《賭城風情畫》超好看，我工作室裡有掛這部的電影海報。

 美國導演 Wes Anderson 

雖然《犬之島》故事差了些，但《超級狐狸先生》我超愛，我很喜歡自己手工製作的質感，而不是用超精緻的CG畫面去做，所以逐格動畫非常吸引我，他近期的作品好像瘋狂偏執到走火入魔，不過有幾場戲還是很精彩。

 韓國音樂團體 Balming Tiger 

從每一首歌曲、專輯封面、MV、Live 演出，所有呈現出來的視覺風格都非常一致，發展出獨特個性，因為是他們才合理，這表示團員十分清楚地掌握了觀眾喜歡他們什麼，真的很棒。

〖 郭佩萱MV作品 〗

 郭佩萱 

生於1992年，畢業於輔仁大學影像傳 播學系，現為知名MV導演及草口未影 像工作室負責人。早期從Leo王的樂 團「巨大的轟鳴」開始接MV拍攝工 作，擅長以超現實的奇幻視覺，克服 低預算製作的困難，獨創怪奇風格美 學，合作藝人包括:鄭宜農、9m88、 馬念先、LINION、拍謝少年、問題總 部、庸俗救星等。

文｜張瑋涵

圖片提供｜郭佩萱

更多精彩內容請見La Vie 2023/11月號《新時代的攝影修煉》

近年來，另一種「異界」逐漸出現在K-Pop MV中。閾限空間（liminal Space）、夢核（dreamcore）與怪核（weirdcore）等視覺美學，以熟悉而陌生的空間、失真的日常物件，構築出屬於數位世代的超現實景觀。ILLIT、aespa、ITZY MV中的異世界究竟如何被創造？專訪幕後推手Bee Park與ahryandchung，一探這股新視覺語言背後的創作思維！

➣本文選自La Vie 2026／8月號《通往異界》，更多精彩內容請點此

✯ Bee Park ✯ 設計一個超現實世界

「我並不認為現實與想像之間真的存在一條明確的界線。一直以來，我都不斷思考一件事：現實本身或許就是一場夢，而夢，也可能揭示了現實的另一個層次。」身為韓國創意工作室「KALABIKA」的創意總監，Bee Park曾參與BLACKPINK、aespa、ITZY、Hearts2Hearts等多組K-Pop團體的MV創意指導，並曾主導XG專輯《NEW DNA》的創意方向，負責其視覺世界觀，MV與線上宣傳。對她而言，現實與想像並非彼此對立，而是同一段連續經驗中的不同面向；音樂亦是如此，每一首歌都承載著人們生命中的情感、疑問與真實。

也因此，每當開始一個新計畫，Bee總會先花大量時間與唱片公司或藝人訪談，理解音樂真正想傳達的核心，再逐步建立一套屬於作品的創作邏輯。這個世界遵循著什麼樣的法則？角色為什麼會有這樣的行為？空間為什麼會呈現現在的樣貌？甚至每一件道具，又承載著什麼樣的意義？唯有當這些問題都有了答案，才會進一步發展場景、服装、道具等視覺元素。她常把自己的創作方式比喻為電影製作，每一個空間、角色與物件，都應該訴說著同一個故事。「歸根究柢，我並不認為自己只是設計一個世界的人。我更像是在設計一套能夠讓那個世界誕生的條件。」

在aespa〈Armageddon〉MV企劃初期，唱片公司提供了「反烏托邦」（dystopia）、「宇宙恐怖」（cosmic horror）與「超人」（Übermensch）3個關键字。Bee說，當時自己正經歷人生中一段充滿恐懼的時期，因此，她從自身經驗出發，重新思考這些概念背後真正想探討的命題，並逐漸發展出整支MV的哲學核心：「超人，就是我自己。」她意識到，人終究必須面對的並非外在的怪物，而是自己。也因此，她與導演反覆討論，究竟什麼樣的空間與視覺方向，最能承載這套哲學。地下通道、室内游泳池等熟悉的日常場所，也在這樣的思考下，被重新詮釋為帶有反烏托邦氛圍的空間，成為角色内心世界的延伸。

而在ITZY的〈Motto〉（座右銘）MV中，飄浮的梯子、巨大的水母、堆疊的露營車、童話般的城堡等超現物件，其實共同指向同一個命題：人們如何在一次次選擇與反覆驗證中，逐漸找到屬於自己的信念。例如飄浮在空中的梯子，便象征著人們在人生的旅程中不斷尋找平衡，而那座巨大的城堡，則是人們替自己築起的恐懼與限制。「小時候，我們總覺得世界像一座巨大的堡壘，可是當我們長大回頭再看，才發現它更像是童年時親手搭起的小帳篷。」當角色一步步跨越那些看似龐大的障礙，真正超越的，其實始終是自己。「我並不想刻意區分現實與幻想，而是希望創造一个世界，以最清晰、也最美的方式傳達出同一個訊息。」

有趣的是，當外界開始用閾限空間、夢核或怪核等詞彙來形容這些作品時，Bee卻認為，那些名稱只是作品完成後，人們用來理解它的語言，而非創作真正的起點。「我的創作永遠都從同一個問題開始：這個世界，為什麼有存在的必要？」找到答案之後，她才逐步建構出屬於作品的世界觀。至於最後人們將它稱作任何風格，對她而言其實沒有那麼重要；她更希望自己的作品，能讓人們以一種略带陌生的視角，重新觀看自己所認為的「現實」。

Bee觀察，近年愈來愈多人被這些超現實的視覺語言吸引，背後反映的其實是人們感知現實的方式正在改變。「這些夢境與現實之間的界線、既熟悉又陌生的空間、不安與懷舊的情緒，我並不認為它們是網路文化的產物。我相信，這一直都是人之所以為人的一部分。」當生活不斷穿梭於實體與數位、記憶與演算法之間，現實本身已經比過去更加多層次，也更加複雜。因此，人們逐漸從追尋「再現現實」的影像，轉向能夠表達「現實感受」的視覺語言。在Bee看來，超現實並不是為了逃離現實，而是透過另一種觀看方式，重新理解現實，也成為這個世代表達自身經驗的一種新語言。

Bee Park
韓國創意指導、設計師，現為創意工作室 KALABIKA 創辦人暨創意總監。長期投入品牌識別、 視覺設計與創意統籌，曾參與 BLACKPINK〈GO〉、aespa、 ITZY、Hearts2Hearts、XG、 MEOVV 等團體的 MV 製作。@paak.bee

✯ ahryandchung ✯ 用物件重新發明現實

近年來，從新生代韓國女團ILLIT的〈Magnetis〉，到HYUKOH與落日飛車合作的〈YoungMan〉、Silica Gel等獨立樂團的音樂錄影帶，都能看見一種介於現實與夢境之間的視覺語言：熟悉卻陌生的空間、失真的日常物件，以及淡淡的懷舊感。身兼物件創作雙人組與美術指導，ahryandchung長期投入裝置藝術與展覽計畫，也活躍於音樂錄影帶創作，擅長透過重新組裝日常物件、改變空間秩序，讓現實世界悄悄裂開一道縫。

不過，當愈來愈多人開始用閾限空間、夢核或怪核來形容這股風潮，ahryandchung卻認為，與其說它是一股短暫的流行趨勢，倒不如說是一整個世代共同的網路記憶，正逐漸浮現為新的視覺語言。「我們正好是站在類比與數位交界的一代。」兩人回憶，小時候正值撥接網路開始普及，他們在論壇裡用ASCII Art和特殊符號表達自己，也透過早期的Flash動畫、3D圖像與虛擬遊戲世界建立自己的美感，在低解析度的畫面中，憑著直覺學會自己與畫面中央那個粗糙準星之間的關係。「當時的數位影像因為媒介本身的技術限制，自然形成了一種現實與非現實並存的獨特氛圍。那樣的感受一直留存在我們心中，也持續影響著我們今天觀看世界的方式。」

也因此，比起創造一個全新的幻想世界，ahryandchung更感興趣的，是透過輕輕扭轉日常物件與空間，讓現實與夢境、實體與數位、記憶與當下的界線慢慢變得模糊。這樣的想法，也延伸到ILLIT出道曲〈Magnetic〉的美術設計：未完成的獨角獸拼圖、逐漸變窄的走廊、改變方向的重力，以及沿著牆面奔跑的女孩們，彷彿夢境正悄悄滲入日常生活。兩人透露，整支MV的核心，其實是關於「女孩們留下的痕跡」。看似隨意散落的茶壺、方糖、火柴、玩偶、骰子、厚底鞋等物件，實際上都是她們穿梭於旅館時遺留下的線索。然而，隨著痕跡一次次被覆蓋、抹去，最終連女孩們自己也分不清哪些原本就存在、哪些是自己留下的，現實原有的秩序也隨之瓦解。

對ahryandchung而言，物件本身就承載著敘事的力量。如HYUKOH與落日飛車的合作曲〈Young Man〉中，那座貫穿整支MV的虛構樂器裝置「Synthesizer 🅉」，便是兩人創作方法最好的縮影。「我們研究了許多早期的合成器、電子樂器，以及各種揚聲器的造型。同時，我們也希望它看起來具有當代感，卻又讓人無法判斷它究竟屬於哪個年代。」為了打造這件作品，兩人經常往返二手市場、古物市集，尋找各種用途不明卻充滿魅力的零件，再重新拼組起來。原本毫無關聯的物件，最後竟像樂高積木般自然契合，成為一件既像雕塑、又像樂器的存在。

「如今，智慧型手機早已成為日常不可分割的一部分，我們似乎也自然而然地開始回想，在它們尚未進入生活之前，那個世界究竟是什麼模樣。」在ahryandchung眼裡，當所有資訊都彼此連結、隨手可搜尋、立即被驗證，那些充滿不確定性的瞬間與留白的空間反而變得更加珍貴。「直到今天，每當我們創作時，仍試著透過物件與空間，重新找回當年在網路世界裡感受到的那種心情——那份對未知的好奇與陌生感，以及現實和虛擬能夠自然交融的狀態。」

ahryandchung

由Ahry與Chung組成的韓國藝術雙人組，以拆解、組裝現成物件與各種材料為創作方法，探索物件之間偶然生成的關係。近年活躍於K-Pop MV美術指導、場景設計，並持續跨足裝置藝術與空間創作。@ahryblue、 @antcfk

文｜葉欣昀　圖片提供｜ahryandchung、KALABIKA　圖片協力｜KALABIKA

有別於大多電影展會聚焦於新作，每年10月於法國里昂登場的盧米埃電影節（Festival Lumière）著重經典電影修復、歷史影片回顧與致敬電影先驅，場邊舉辦的「經典電影市場展（Marché International du Film Classique，MIFC）」更是全球唯一專注於經典電影發行、修復與策展合作的影視展會。而2026年，台灣獲選為MIFC主題國，以《桂花巷》為首的經典電影將於法國重映！

經典電影重映潮，你也有跟上嗎？

近年，台灣掀起一陣經典電影修復重映潮，從黑幫青春悲歌《少年吔，安啦！》、侯孝賢獲威尼斯金獅獎的鉅作《悲情城市》（1989）、刻畫一代台灣女性命運的《油麻菜籽》（1984），到入選2026「坎城經典」的《魯冰花》（1989），皆令影迷得以藉電影穿越時空，一窺昔日台灣社會面貌。如今存於許多影迷心中、但片源難尋的《桂花巷》（1987），也將以4K修復版形式於2026盧米埃電影節MIFC重映。

台灣新電影重要人物：陳坤厚

1987年上映的《桂花巷》，是台灣導演陳坤厚的代表作之一。陳坤厚的電影之路從攝影起步，他在年少時就跟著舅父賴成英學習攝影。這位舅父的來頭可不小，影壇人稱「賴桑」的賴成英，是台灣電影重要的攝影師與導演，從影40年間曾拿下3座金馬獎最佳攝影獎，2022年更獲金馬59終身成就獎殊榮。

隨舅父習藝多年，陳坤厚在1971年正式升任攝影師，並以《汪洋中的一條船》獲頒金馬獎最佳攝影獎；其後攝而優則導，1979年開始與侯孝賢合作，一人攝影、一人編劇、兩人輪流擔任導演，孵化出以《小畢的故事》（1983）為代表的一系列作品，為台灣新電影共同書寫重要一頁。兩人結束合作關係、踏上尋找自身風格之路後，陳坤厚於1987年推出的《桂花巷》堪稱許多影迷心中難忘的經典。

《桂花巷》拍出傳統父權社會下的女性堅韌和宿命

《桂花巷》以「斷掌即緣薄」此傳統說法為引，串起了漁村之女剔紅（陸小芬飾演）的多舛一生。在傳統父權社會裡，斷掌的女人有著注定一世人孤寡的命，可剔紅不甘被掌紋定義一生，靠著一雙刺繡巧手和三寸金蓮的纏足，如願嫁入桂花巷豪門。然而，她的生活並未從此順遂，反倒遇上丈夫病故、骨肉疏遠重重打擊，獨守深閨的她也面臨著道德的考驗……。

全片於澎湖閩南舊宅取景，配以考究精細的古著，重現日治初期台灣上流社會的生活面貌。演員演技更是電影靈魂，陸小芬從清純少女演到歷經滄桑的孤寂貴婦，用演技將70年時光濃縮於114分鐘片長，道出在封建傳統中成長的女性故事。

此次《桂花巷》於MIFC重映，尤值得一提的是，影片將以台語原版配音放映，原汁原味展現編劇吳念真以道地台語情韻撰寫、典雅中藏機鋒的精彩對白，亦如實還原導演陳坤厚最真實的創作意圖。

從國際論壇、原版海報展看台灣經典電影

在今年的MIFC展會上，官方也與台灣國家影視聽中心攜手合作，展現台灣經典電影長年以來保存、修復與國際推廣工作的成果。其中，「台灣電影原版海報展」將展現台灣影史豐富的視覺識別與美學樣貌；電影工作者齊聚的論壇，則探討電影修復策略、典藏與國際合作實務，領聽眾了解賦予老電影新生命時，所會面臨的技術、歷史、文化等多層面的挑戰。

資料來源｜國家電影及視聽文化中心、台北金馬影展