2023桃園文創博覽會《桃園超有種 TAOYUAN SUPER SPECIES》，即日起至12月10日於中原文創園區開展。現場集結7大主題展區、園區景觀與市集，表現桃園在藝術文化、多元族群、自然環境、農產飲食、科技藝術等塊面的能量與內涵。每逢週末，多場「超體驗」在地生活工作坊、「超尬聊」城市文化議題論壇輪番發生，入夜則有舞蹈、音樂表演登場。

從生命觀點展開的策展主題——「超有種」

美國學者Adrian Bejan認為，除了生物譜系，無論是森林、河流或一座城市，只要具有獨特的發展規律，會隨著時間不停演化、發展，都能稱之「生命」。以此概念延伸，城市不僅是人類聚落，在人文地理的歷史脈絡、城市建設的進程中，「地方」會不斷成長，逐漸發展一套專屬在地的「演化規律」。

以上關於生命的定義，正是《桃園超有種》策展的出發點。桃園具備森林、水文等豐富生態地理，境內有多元族群、宗教信仰的文化交融，在產業亦有工、農、交通運輸等多方發展的特徵。整座城市從「繁衍」過程和「迭代累積」的生態節奏中，孕育出多面獨特的城市姿態，就像一座「超有種」的生態圈。

「桃園的多重性格反映在族群上、文化上、產業上、地理上，我們從溪流到山林的地理地貌、藝術與科技的加乘應用、產業與品牌的能力優勢、聲音與語言的族群特色等切角，採集到諸多有形及無形的寶藏。」——《桃園超有種》總策展人王耀邦

7個各述劇本、各抒情懷的主題展區

總策展人王耀邦（格子）聯手分區策展人黃偉倫、柯智豪、吳孝儒、徐景亭、邱子軒、王宗欣，融合生物學演化的角度，為桃園的7個塊面：藝術文化、多元族群、自然環境、農業技術、科技藝術、青年發展、兒童教育，找出呼應演化概念的4大元素：「遺傳」、「個體差異」、「重組」及「突變」，藉此引導觀者一探桃園的城市面貌。

展區設計呼應在地議題，將高中淘汰的課桌椅、訓練孩童肢體開發的攀岩牆、桃園的聲響印象和藝術裝置等置入庫房，開展出一個個具有鮮明識別感的「有種桃園」。

01. 以藝術呈現溝通、交流意象

02. 「聽見」在地多元文化風景

棲居於桃園的族群多元，從閩南族群、客家族群、海外移工、原住民族、新住民到眷村居民，共同孵化城市的獨特文化風景。〈聲紋種｜多元之聲的交響曲〉以各族群生活場域、節慶飲食等既有聲景為主調，與創作歌手合作，用族群各自的母語發聲，重新詮釋傳統歌曲，演繹桃園文化的交響樂。

03. 品一杯桃園風味！

〈新生種｜外帶一杯在地桃搖〉回溯桃園的農糧發展，除了展現桃園從物產力、技術力到品牌力的豐沛能量，更將在地農產：龍眼蜜、水蜜桃、仙草等，結合多樣的地方特色茗茶，攜手桃園在地手搖飲專賣店「林三茶研所」共同研發，創作出專屬桃園的手搖飲，邀請觀者品飲舌尖上的桃園風味。

04. 順著溪流，一窺桃園水域之美

〈水系種｜讀水走溪，內陸水文大探勘〉追溯至桃園的母親河——大漢溪，引領觀者沿著一條河流走向一片溪谷，藉展場上高低錯落的3座小丘模擬攀登，賦予觀者自高處向下俯視的展閱角度。展場細緻地還原了丘壑中的秀麗風光，將桃園水文所蘊藏的文化與生態，及其之下沈積的美麗與哀愁，映入觀者的眼和心中。

05. 以航空城為起點，飛向數位新宇宙

06. 桃園年輕世代的自由無畏

〈未來種｜一分鐘的高校青春〉和〈迷你種｜兒童遊樂指南〉下探較低年齡層，無論是高中生在教育體制內所碰撞出的青春火花，或通過場域設計對兒童遊戲權進行重新詮釋，都象徵著桃園對夢想與自由的無畏擁抱。

不能錯過的視覺焦點

來到現場，別錯過位於園區中央的草溝，日夜各有迷人風貌！草溝區在博覽會期間化作園區內的「第11棟建築」，以浮島平台、88米長的隧道形穿透性棚架構成，是這回《桃園超有種》的視線中軸。

棚架設計頗富巧思，結構使用了可回收的農用錏管，並透過陸橋串連10棟展覽庫房、半戶外活動空間，成為訪客休憩、假日市集「桃園超有市」所在的戶外展演場。入夜後，與錏管結構相嵌合的燈管亮起，為草溝區帶來充滿戲劇性的視覺張力；其斜向的棚架型態，更與周圍庫房形成有趣的虛實對比。

草溝區的綠植印象也藏有匠心，策展團隊「格式設計展策」特別邀請景觀設計師吳書原擘劃，以桃園陂塘、大漢溪河濱的長草植物為發想，設計出「溪畔的長草演化風景」。

長草植物長年在自然生態、臺灣農試所人工變異配種研究下，開展出如家族譜系般的特質，從自然叢生、景觀栽植到農用牧草，隨著時間推演，悄悄融入臺灣植物的大家庭，成為這片土地上的一份子，呼應著移居桃園的人們，從適應到共融的演變過程。

週末限定！在地生活工作坊、城市主題論壇

現場還有工作坊、表演、交流論壇輪番發生！每週末登場的「超體驗」主題工作坊，共計12場，帶人們體驗桃園在地特色與族群文化，如品醬油、銅線編織、溪谷繩索、果凍花、家將臉譜繪畫、客家八音樂器、嘻哈創作、兒童街道遊戲等，涵蓋主題非常之廣，大人小孩都能找到樂子。

5場「超尬聊」交流論壇，探討了城市演化、文化再創議題，包含《桃園超有種》分區策展人王耀邦、王宗欣談新世代青年的創造力，及長期耕耘地方策展的宜東文化執行長羅健毓、策展人馮馨，以藝術與策展的角度微觀城市基因。入夜後，則有Live DJ、舞蹈等多元形式的聽覺與視覺饗宴開演。

2023桃園文創博覽會｜桃園超有種

展覽時間｜2023年11月25日－12月10日 10:00－19:00

展覽地點｜中原文創園區 （桃園市中壢區忠仁路33號）

門票資訊｜免費入場

資料提供及來源｜格式設計展策、王耀邦（格子）Facebook

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

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_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}