在當代藝術的舞台上，印尼藝術家麥拉蒂．蘇若道默（Melati Suryodarmo）以前衛獨特的行為藝術聞名。她的作品穿越文化、身體與時間的界線，藉由反覆又冗長的表演方式，帶領觀眾思考存在、記憶、情感以及政治。最新作品《開箱No.2》以嶄新裝置作品與一系列講演式展演，再製、融合了過去20年的創作，用身體語言演繹出一場流動的詩歌。

如果在網路上搜尋麥拉蒂．蘇若道默的表演影片，往往會讓人誤以為影片是以0.5倍速（有時是2倍速）播放的。這位印尼藝術家以縝密而講求身體強度的持續性表演（Durational Performance）著稱，過去幾部經典作品都以接近自虐的長時間表演讓人留下深刻印象。

薛佛西斯的永無止境

以2012年的《我是我房屋中的鬼魂》（I Am a Ghost in My Own House）為例，她身穿白色長衫，身邊被無數木炭圍繞，手裡拿著沉重的石塊壓碾著眼前桌上的木炭直到它們全部變成粉末。木炭殘留的黑色污漬逐漸爬上她的白衣、手臂和臉龐。在這長達12小時的表演裡，她不喝水也沒休息，只是持續讓自己越來越狼狽。

現場的觀眾來來去去，有人停下來陪她一段，有人受不了早早離去。不管現場互動如何，都構成麥拉蒂表演的一部分——她想藉著破壞「木炭」這個帶有能量的物質，傳達生命中的各種「失落」。

在2005年的《黑球》（The Black Ball），她手拿著黑色的球，坐在一張被釘在美術館牆面上高處的椅子，聞風不動地持續表演8小時。而2001年的《為什麼讓雞跑？》（Why Let the Chicken Run？），麥拉蒂在房間裡繞著圈圈跑，只為了追到眼前那一隻雞，此作旨在對人生中各種無止境的追求提出疑問。

奶油之舞，紅回網路

再回到2000年，在可以說讓麥拉蒂在德國柏林赫伯劇場一戰成名的經典之作《奶油之舞》（Exergie-Butter Dance）中，她穿著紅色高跟鞋，踩在一塊巨大的奶油磚上，伴隨著印尼傳統音樂舞動身體。

起先她舞姿緩慢妖媚，但隨著腳下奶油被踩散後，她開始不停因腳滑而重摔在地，再爬起、跳舞、重摔，重複這令人怵目驚心的表演過程。她想說的是，人都會失敗，跌倒沒關係，重點是要懂得站起來，並且展示站起來的過程。

2012年有人把她的奶油舞影片配上Adele的歌〈Someone Like You〉後重新放上網路，讓她立刻在網路世界紅一波，影片累積得到100萬點閱率，《紐約時報》為她寫了篇報導，讚她是「印尼最傑出的藝術家之一」。

她最常被問到的問題，就是：「從事這樣持續性的表演不累嗎？為什麼要讓自己置身這種痛苦之中呢？」她給的回答經常是：「我熱愛這種形式的表演。這對我來說，不是挑戰，而是可以藉此激發全新對話的藝術表達方式。在傳統的藝術領域中，表演場地必須限制在某地，時間固定抓1個小時，大家困在裡頭都不自在。而我的表演，可以讓觀眾自由來去，激盪出更有機的交流。」

「藉由不斷重複的過程，大家可以對時間感、對這畫面帶來的能量，進行反思。在這些作品裡，我不是在做角色扮演，而是賦予觀眾更多自由，從自身經驗中尋找素材，對我的作品進行再詮釋。」麥拉蒂說：「我愛我每一部作品，它們都是我全心全意創造出來的。」

往返家鄉與異鄉

麥拉蒂來自印尼梭羅市，母親是傳統爪哇舞者，父親是冥想式舞蹈表演者。她從小開始學舞，成長過程中陸續接觸了太極與爪哇冥想。學生時代她主修國際關係與政治，並積極參與學生抗爭活動，對抗80年代末期的蘇哈托政權。

畢業後她移居到德國布倫瑞克（Braunschweig），在造型藝術學院取得行為藝術大師研究學位，師承瑪莉娜．阿布拉莫維奇（Marina Abramović）與舞踏大師古川杏。

這些成長過程中接觸到的親人、師長、環境、教育體系，以及串聯身體與心靈的方式，都影響了麥拉蒂的創作方式。這些元素都在指向同一件事：「你必須很小心地進入內心，專注緩慢地運用體能傳達想法。」她說：「這樣的表演靠的不只是身體，若只靠身體，你1個小時之後就會累垮。如果你靠的是靈魂與理性，就能日夜跳下去。」

雖然旅居德國20年，麥拉蒂在期間仍不斷往返德、印兩地策劃與參與藝術展與活動，2013年她決定返回印尼重新在家鄉扎下藝術的根。「我覺得，我需要跟我的人民與在地藝術環境站在一起，也需要自我升級，畢竟我已經受夠了繼續在異地當『外國人』這件事了。這種每天必須要面對的衝突能量為我的身體帶來干擾，使我無法再承受。」

早在2007年她已經在家鄉創立「不名領土」（Undisclosed Territory）藝術節，鼓勵印尼年輕藝術家參與工作坊與發表作品。2012年她進一步把家鄉的工作室改建為實驗空間「Plesungan工作室」，作為年輕藝術家發表創作的平台空間。

「為他們提供創作的平台，也是提供他們成長的空間。我並不是企圖要讓年輕藝術家早點『成功』，沒有目標導向這種事。他們是人，每個人都有一套自我發展的方式，有自己一套夢想，你可以給他們平台，卻不能設定目標，然後鼓勵他們找到自己感興趣的議題，加以發揮，看接下來會發生什麼事，這就像一場實驗。」

人與文化都是平等的

雖然麥拉蒂的藝術生涯已經超過20年，創造出許多經典作品，表演散見於各地藝術節、雙年展與博物館，但關於她個人生命的藝術實驗，仍在持續進行中。「回到印尼以後，眼前的挑戰依然重重，要重新適應的事也很多。但我發現身體漸漸回復能量，內心也得到更多自由。」麥拉蒂說。

歐洲重視個人主義，帶給她理性、秩序的訓練，讓她能以嚴格的方式看待現實；而印尼講究群體性與傳統，則帶給她久違的歸屬感。麥拉蒂長久在兩種文化中穿梭，造就她致力於處理自身與世界的關係，詮釋人與環境之間不斷改變的分界線，進而表達個人對社會和政治層面的關注。

「從德國回到印尼後，我開始學會以近似人類學家的角度來看待家鄉的文化。」她並沒有從此以印尼文化大使自居，推廣傳統藝術不遺餘力，而是依舊帶著客觀視角檢視當代藝術的各種可能性。「人都是平等的，文化也是。但殖民主義造成了國家與文化之間的高低之分。身為藝術家，我們可以對這樣的現實提出更嚴格的檢視，這是我比較感興趣的部分。」

新作品的回顧

她在Camping Asia表演的最新作品《開箱No.2》，重新拆解與重組過去20年來的創作。表演一開始，她背著重達18公斤的背包在地上爬行，接著一一從裡頭取出過去行為藝術表演裡曾經使用過的物件、道具和服裝，展示物品如何見證與其共存的人們。

這是「卸下」過去表演生涯的象徵，也暗喻藝術本身的流動與不穩定性。她以略帶悲傷的口說演講，帶領觀眾進入過往生命的各種情境。她拿出背包裡的地圖集，一一割下頁面裡的板塊，把它們棄之在地；她用膠帶把電子琴的幾個鍵盤固定下壓，做出強烈的背景音；她把數條繩索一端交給不同觀眾，自己收攏著另一端用力拉扯，並高喊：「烏托邦！」她把一整束竹竿發給觀眾，要求大家有節奏地敲打地板作為回應。

《開箱No.2》暗喻人在世道無常的世界裡離散、聚合、抵達、離開，呈現出愛、妄想、悲劇與絕望，也是麥拉蒂對20多年創作生涯進行的誠實檢視，但除了從過往尋找素材，麥拉蒂身為一個「在每個現場身體力行」的行動藝術家，也不畏接受科技浪潮的挑戰，思考未來。

「你必須很小心地進入內心，專注緩慢地運用體能傳達想法，若只靠身體，你1個小時之後就會累垮。如果你靠的是靈魂與理性，就能日夜跳下去。」

惡搞你的演算法

「當虛擬世界已經成為眼前的『現實』，你必須正視它可能帶來的改變。我常跟學生說，想想看，如果你是舞者，10年後你可能就不必跳舞了，到時全像攝影技術已經發展成熟，你可以在世界上任何地方進行最真實的表演。人甚至可能靠阿凡達的尾巴就能解讀彼此的思想。與其抗拒它，不如藉助它的力量來做點什麼。」

又或者是，偶爾惡整一下你的演算法，麥拉蒂淘氣地笑說，彷彿學生時代那個「異議分子麥拉蒂」溜出來了。「當你看太多關於女性主義的文章，網路只會餵養你更多相關訊息。不如下次你就按個貴賓狗圖或海龜圖讚，打亂演算法的邏輯。」

總是在拆解、重組，永不歸順於單一法則，沒有永遠的一時一地，拒絕被社會集體秩序馴服，麥拉蒂徹底貫徹行動藝術家的精神，她不只是來自印尼的藝術家，也是代表世界的藝術家。 

麥拉蒂．蘇若道默（Melati Suryodarmo）

出生梭羅藝術世家，大學主修國際關係與政治，後到德國取得行為藝術大師研究學位。近年重要展覽包括：《在我們的血液里流淌著墨水和火焰》（2022）、《我是我房屋中的鬼魂》（2022）、《為什麼讓雞跑？》（2020～2021）、《逃離路線》（2020）、《我們並非獨自做夢》（2020）。2017年，她擔任第17屆雅加達雙年展中藝術總監。曾入圍2014年亞太釀酒基金會特出藝術獎，並在2022年成為第11位榮獲博尼範登當代藝術獎的藝術家。

_{文｜Christine Lee
圖片提供｜臺北表演藝術中心}

_{更多精彩內容請見 La Vie 2024/1月號《給下個世代的藝術靈光》}

溫潤厚實的書捧在手裡，得以真正感受藝術之重。香奈兒2025年全新刊物《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》現於包括台北在內的全球20座城市登場。從新銳藝術家專題、CHANEL Next Prize得獎作品，到由後現代主義攝影師掌鏡的香奈兒女士藏品特輯，盡收250頁精彩篇幅中。跟隨G-Dragon的身影、Tilda Swinton的留言⋯⋯香奈兒為每位觀眾準備的奇幻旅程未曾限於時尚本身。

之於我們所處的時代而言，紙張的存在意義早已超越知識傳遞，「上綱」到了人文溫度與真實情感交流的範疇。2025年，香奈兒延續百年來對藝術的支持，推出全新藝術與文化刊物《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》，由品牌藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel主導，聚焦過去5年間品牌與藝術家及文化機構的合作成果。

首刊封面選用香奈兒5大重要色彩中的「金」底搭配「ARTS & CULTURE」浮雕字樣，並透過後現代主義攝影師Roe Ethridge的鏡頭，以法國立體派雕塑家Jacques Lipchitz於1921年創作的香奈兒女士頭像（戴著2002/03秋冬系列金屬眼鏡）的強烈意象引人入勝，揭開這趟愈見寬闊的視覺旅程。

內容亮點#01：藝術成果呈獻

當代創作者專題、香奈兒卓越大獎作品集

採大開本設計的《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》匯聚豐富多元的藝術創想，並精選亮、霧面等多種藝術紙張呈獻250頁篇幅，不僅彰顯品牌對當代創作者的關注，亦供讀者一窺新銳藝術家的卓越才華，見證他們通過各樣媒介為藝術世界注入的蓬勃生機。

全刊以英文呈現，前半部帶來從英國藝術家Tracey Emin、Savanah Leaf到中國藝術家曹斐、陸揚的專題介紹，以圖文穿插方式邀讀者一同鑑賞諸位的生涯重要創作；後半部則公開香奈兒卓越大獎（CHANEL Next Prize）得主作品集，展露品牌自2022年開辦該獎項以來，在藝術和文化領域的深度著力。創刊號亦邀集香奈兒藝術與文化摯友們分享對未來的洞見，包括品牌大使Tilda Swinton、Penélope Cruz、G-Dragon權志龍等人都參與其中，Tilda Swinton甚至留下了一封簽名信。

「身處這個充滿變動、數位進程在我們眼前飛速前推的時代，保護、支持並聚焦於藝術家的創作獨立性與人性，顯得比以往任何時刻都更加重要。」——香奈兒藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel

>> 4位藝術家專題搶先看

「英國青年藝術家（YBAs）」代表人物之一的Tracey Emin，曾憑藉知名裝置〈我的床（My Bed）〉入圍透納獎，2007年亦代表英國參加第52屆威尼斯雙年展。英裔美國電影導演兼錄像藝術家Savanah Leaf，則於2024年挾長片首作《地球媽媽（Earth Mama）》奪得第77屆英國電影學院獎（BAFTA）。

中國青年藝術家曹斐，作品以媒體裝置和錄影為主，最大獨特性在於融合社會評論、流行美學、超現實主義及紀錄片拍攝手法的創作風格；2003至2015年間三度登上威尼斯雙年展，2019、2020年更先後於巴黎龐畢度中心及倫敦蛇形藝廊舉辦個展。

上海出身、現居東京的跨領域藝術家陸揚，作品多從動漫、遊戲和科幻次文化中汲取靈感，擅用電腦合成影像技術（CG）和遊戲建構為媒介，同時深受佛教哲學影響，探索身分認同、生命、科技與靈性等命題。

內容亮點#02：品牌歷史回顧

香奈兒女士藏品攝影、藝術史學家評論專文

呈獻當代優秀創作的同時，《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》亦回望品牌傳承脈絡中，涵蓋建築、攝影乃至藝術史等不同領域的合作項目。由CHANEL藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel親自執行的建築師Peter Marino專訪打頭陣，攝影師Roe Ethridge特別為香奈兒女士康朋街31號私人寓所和品牌傳承部收藏品創作的攝影特輯〈香奈兒歷史典藏（CHANEL History Collection）〉接續豐富刊物內容。

Peter Marino曾打造香奈兒紐約57街旗艦店、東京銀座專門店、台北101珠寶腕錶旗艦店等多個店鋪空間；Roe Ethridge則本身即以「如何重組圖像構出新體驗」聞名，創建古典作品的風格化版本亦是他所長，此次針對品牌歷史藏品進行封面和內頁創作可說完全展現了他始終探索的「攝影的可塑性」。

此外，首刊還邀請到行為藝術組織Performa創始人、藝術史學家RoseLee Goldberg撰寫評論專文〈表演的人生：嘉柏麗香奈兒與前衛藝術（A Life of Performance: Gabrielle Chanel & The Avant-Garde）〉。

全球20座城市同步發行，台北Moom Bookshop提供限量收藏

《ARTS & CULTURE Vol. 1》於全球20座城市的23家獨立書店同步發行，包括阿姆斯特丹、邦加羅爾、曼谷、柏林、格拉斯哥、香港、倫敦、洛杉磯、墨西哥城、米蘭、紐約、巴黎、聖保羅、首爾、上海、雪梨、台北、東京及蘇黎世。台北於Moom Bookshop限定登場，即日起至7月31日限量提供幸運讀者收藏。

Moom Bookshop

地址：台北市大安區忠孝東路三段251巷8弄16號

＊雜誌為非賣品，獲得方式請點此查看Moom Bookshop社群貼文。

全球參與書店名單

洛杉磯Arcana、阿姆斯特丹Athenaeum、上海Bananafish、曼谷Bangkok CityCity Gallery、雪梨BTWNLNS、墨西哥城Casa Bosques、紐約Casa Magazines、邦加羅爾Champaca、柏林Do You Read Me!?、倫敦Foreign Exchange News、倫敦Reference Point、米蘭Libreria Bocca、聖保羅Megafauna、台北Moom Bookshop、蘇黎世Never Stop Reading、北京postpost、格拉斯哥Ripe、倫敦Rococo News & Magazines、首爾Still Books、倫敦Tenderbooks、香港ACO BOOKS。

同場加映：香奈兒藝術舉措

香奈兒藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel於首刊序言中表示，「CHANEL文化基金致力於支持並表彰全球變革者。這是屬於無所畏懼之人的舞台——那些正在改變我們看待世界方式的人——我從未如此期待未來發展。」藝術作為一切事物的重要靈感來源，香奈兒以文化基金、卓越大獎兩項舉措，分別和文化機構展開長期合作，並對全球藝術新進提供實質獎助。

• 香奈兒文化基金

香奈兒文化基金（CHANEL Culture Fund）為一全球計劃，同時和世界各地領先的文化機構開展長期合作，興辦各類推廣創意與文化思維創新的主題項目，旨在於突顯缺少的聲音、促進不同領域間的合作，並發揚可為文化及社會帶來改變的概念。合作夥伴包括首爾三星美術館Leeum、美國芝加哥當代藝術博物館、倫敦國家肖像館、巴黎龐畢度中心及上海當代藝術博物館。

• 香奈兒卓越大獎

香奈兒卓越大獎（CHANEL Next Prize）為一國際性獎項，以推動藝術與文化領域創新為使命。每兩年頒發一次，開放所有年齡、性別、國籍人士報名，再由全球各界藝術與文化領袖組成顧問委員會進行匿名提名，最終表揚10位在音樂、舞蹈、表演、電影、視覺藝術、數位設計領域敢於冒險且創意無限的傑出創作者，提供每人100,000歐元獎金，助他們實現富有挑戰性的全新計劃，並可加入香奈兒籌組的導師及人脈交流社群網絡，進一步開啟跨領域合作可能。

2022年首屆得獎者涵蓋11個國家/地區，分別活躍於設計、電影、表演和視覺藝術等領域，尤彰顯不同藝術形式間的流動特質。此獎項延續了從香奈兒女士為同時代前衛藝術家提供支援以來，品牌在藝術贊助上的百年傳承。

「香奈兒女士摯友、俄羅斯芭蕾舞團創辦人謝爾蓋達基列夫（Sergei Diaghilev）的『Étonnez-moi』（Surprise me，讓我驚豔之意）一言，如今也成為鑿刻於CHANEL藝術、文化與傳承部門的箴言，引領我們在跨領域、跨世代與跨地區的創作中持續閃耀。」——Yana Peel

就現在這個當下，你能想起上一次發自內心地感動，為的是生活中什麼樣的事嗎？當運轉過快的日常沖淡感知，甚至不知不覺削弱人們被觸動的能力，「返璞歸真」成了無可替代的指引，為若有所失的你我領路回到自然。草木生長，動物對話，大大小小的觸動隨處都在發生——京都陶藝工作室Suna Fujita，正真實記錄並試圖重現這些觸動，讓人見到不禁唇勾微笑，也眼盈淚光。

用一場對談帶你認識一間寶藏庫

或許你曾在Loewe標誌性Puzzle包款上看過這些活蹦亂跳的小傢伙，卻還不知道他們蘊育於京都鄉間的背後故事——為慶祝2025年正值Puzzle包款問世10週年，Loewe不僅舉辦為期4日的展覽呈獻品牌皮革工藝薈萃（點此可閱讀專文報導），更邀請曾共推聯名系列的京都陶藝工作室Suna Fujita創辦人藤田匠平（Shohei Fujita）親臨台灣，於台北藝廊Dopeness Art Lab進行跨領域對談，與談人包括代表時尚媒體的《VOGUE》亞太區編輯總監孫怡（Leslie Sun）、代表藏家和消費者的藝術空間Tao Art共同創辦人陳薇捷（Vicky Chen），並集結品牌、媒體及藝術從業者到場聆聽。

本文將整理報導講座中藤田老師所分享之Suna Fujita成立契機、與時尚品牌聯名開端及夫妻合作20年來的「變與不變」。當然，也將依循老師陳述，帶大家前進Suna Fujita京都工作室一探究竟。

歡迎來到Suna Fujita的微觀世界

作品不會動，藝術的意念卻在幀幀日常中湧動

Suna Fujita，具體是一間藏在京都鄉野之間的陶藝工作室，由陶藝創作者藤田匠平與妻子山野千里（Chisato Yamano）創立於結婚之時；其名同時象徵著這對夫妻檔藝術家如何從各自創作到共同創作，逐步踏上未曾設想的精彩旅程。對資深藝術迷編輯不敢斷言，但對時尚人士乃至普羅大眾來說，能夠認識到Suna Fujita這麼一個寶藏品牌，真得歸Loewe聯名系列之功。2023年末，Loewe攜手Suna Fujita工作室打造2024早春作品，藉山野老師富想像與奇幻色彩的畫筆，使原繪製於陶器上的熊貓、企鵝、狐猴、水獺、曼德拉草及人類朋友等角色全員躍然品牌服裝、包款和配飾上。

如眾所知，Loewe從雕琢皮革起家，並在前任總監Jonathan Anderson執掌的10年間愈發深耕藝術領域（Loewe工藝獎自是一例），善用時尚的強勢資源探索藝術的不同詮釋方法，2023、24年間與Suna Fujita的密切合作亦充分彰顯品牌開放性與天馬行空的創意力度——我們與其說Loewe將Suna Fujita的作品盡可能呈現在觀眾眼前，不如說他們直接將觀眾帶進了Suna Fujita的微觀世界。

Suna Fujita轉型契機：沒有實質用途的藝術品賣不出去？

與談人暨主持人Leslie開場率先拋出大家對每位「成功」的藝術家肯定都好奇的問題，如何開始的？發展過程中又有什麼樣的成長和變化？藤田老師坦然表示，Suna Fujita事實上並非一開始就做陶器，開設工作室初期夫妻倆分別埋頭於個人藝術創作，且更傾向單純的藝術品（老師使用「object，物件」這個字眼），「但不管日本甚或全世界，這種『不屬於一件器皿』的東西，好像在藝術的市場上並不能夠賣得很好。」以至於兩人花在創作上的時間無法和收入成正比，頗為傷腦筋。

直到某天，他們靈光乍現——「還是我們來做陶器？！」這個想法深深鼓舞了他們，太太更進一步提出「合作」建議，認為可運用彼此的專長相輔相成：太太本身繪畫非常出色，但在窯爐的操作上沒有藤田老師好，因此器皿的實體製作主要為藤田老師負責，上頭的繪畫則交由太太來創作。就這樣，自2005年起，藤田匠平和山野千里正式組成雙人組合，期待著能因此參與到陶器藝術家的世界之中，提升作品受到大眾青睞和收藏的機會。其創作本營亦經過兩次移轉，從京都市內，遷至愛媛縣山中待了約莫5年，如今位於京都郊區的工作室則已落腳7年之久。

Suna Fujita創作風格：還原自然風貌，願人與動物共存共好

那麼Suna Fujita讓人恍如置身童話故事般的場景和多樣角色，靈感又是汲取自何方？藤田老師直言，「我太太的畫風其實本來就是大家所看到的這樣。」並不特意去做創新，僅僅自然地將人類和各種動物原貌呈現出來，即為Suna Fujita的特色。換言之，我們所謂返璞歸真的「璞」與「真」，無非就是他們所處的日常；不凡靈感亦在這些看似平凡的日常裡，又何來返歸之說，何須汲汲取得。

此外，由於執筆的山野老師非常喜歡動物，每次看到動物都很想親近牠們、摸摸牠們（小時候的願望甚至是成為動物園裡的動物飼育員），便透過創作讓人與動物存在於同一畫面，沒有界限地玩在一起——縱使這些場面不見得在「現實」中完全成立，山野老師仍持續捕捉其中的靈動活潑。懷著對動物的重視之情，不僅他們自己家裡養了小狗、小雞，藤田老師亦認為太太始終抱以希望大家能夠多去親近動物的心意在創作。

如何從京都鄉間走上國際舞台？

與Loewe的全球聯名始於一則「怪怪的」Facebook訊息

然而，世界如此大、藝術家如此多，Suna Fujita怎麼和Loewe牽上線的？藤田老師微微自嘲地說，對於這次合作，其實最感到驚訝的是他們自己。「我們兩個只是在鄉下做陶器生活的一般人，對於這些高端品牌幾乎是不認識的，老實說連『Loewe』的名字也不太知道。我們很普通地生活，然後創新我們的作品。」有天竟在Facebook收到一則來自Loewe的訊息：我們想要買你們的作品，請問該怎麼做？藤田老師不帶一點阿諛或矯飾，僅娓娓道來夫妻倆當時的錯愕，「我們想說，『欸？怎麼回事？』內心覺得這個訊息似乎重要、但又有點怪怪的，所以就回信了。」沒想到Loewe再度回覆，並且詢問了合作的可能。「之後我們第一次上網查Loewe是誰，一查發現不得了。」聽到這裡，全場都笑了——讓藝術可貴的，從來就不是層層包裝的浮華，而是別無目的、將一切真誠傾注於創作的初心。於是，Suna Fujita將作品寄給Loewe，雙方的合作就此展開。

「我們兩個只是在鄉下做陶器生活的一般人，對於這些高端品牌幾乎是不認識的，老實說連『Loewe』的名字也不太知道。我們很普通地生活，然後創新我們的作品。收到訊息後第一次上網查Loewe是誰，一查發現不得了。」——Suna Fujita談與Loewe的合作開端

起初構想的「日本限定」，最終也因廣受喜愛而擴大成了全球性的發行。「對我們來說，真的是一個非常好玩、非常開心的機會，是我們的第一次。」藤田老師笑著眯起眼睛，「他們還邀請我們到巴黎，拿出很多服飾，每一樣都打開給我們看。這些場景我們平常只能在電視節目上看到，沒想到我們兩個就站在那裡了。」言談間，盡顯他們對眼前事物真心感到的不可思議，以及被旅程中每個當下觸動後的樸實回應。

見證Loewe工坊的勃勃生氣，領會「開心做作品」是共同DNA

Jonathan Anderson的「鬼馬」創意基因，在Loewe作品、尤其相對更無所規限的「配飾」上簡直發揮得淋漓盡致；連同此次搭配Puzzle 10紀念包款推出的一系列外星生物（？）掛飾都讓人冷不防被荒謬可愛到無話可說。

Suna Fujita作為同樣不乏此類奇思妙想的創作者，隨即被問到和Loewe之間的共通概念。藤田老師回應，雖然自己只認識一部分的Loewe，並不是知道全部，但可以在和品牌合作的過程中感受到他們對員工和工作環境的重視。「我們有去巴黎，他們親自帶我們到皮革工坊，我們看到那些職人的工作姿態，都是非常開心的。」這與老師自己曾在日本工廠打工的所見所感產生了一些對比，「（在日本的工廠）可能因為工作通常很辛苦，所以每個人的臉色都不是太愉快。可在Loewe的工廠裡，每個人都生氣勃勃，很仔細地在做作品。我可以從中感覺到他們想要做一件好作品的心情，這也許就是我們共通的概念。」

想畫什麼就畫什麼，旨在創造平等世界觀

至於Suna Fujita有沒有為Loewe發想特別的圖騰，藤田老師則說，整體而言還以工作室既有的設計元素做變奏，「Loewe會從我們創作的角色當中來選，再一起討論出具體成形。Jonathan先生有時候也有他的想法，會給我們一些新組合的建議。」然而在世界上數百萬種動物中，Suna Fujita筆下角色經常出現一些「冷門」動物（甚至連劇毒植物「曼德拉草」的擬人化身都有），又是什麼樣的巧思？「我們當然也會想要畫一些新的角色，就很單純地想說可以畫一些過去沒有畫過的，以慢慢增加動物的種類。」當中包括那些不太受人們待見的物種，好比蛇和爬蟲類。老師強調，「每一種動物都有牠可愛之處，我們不會去排除某種動物，反而會思考要用什麼樣的方法把牠的魅力展現出來。」

憑藉著「想畫就畫」的創作調性，Suna Fujita所勾勒的，不只是一幅靜止畫面，而是一個自然輪轉，動物、人類和大自然得以平等共存的無邊界世界。

同場加映：夫妻檔藝術家最喜歡的Puzzle 10系列包款是？

藤田老師毫不遲疑地拿起Paula's Ibiza系列（註）鸚鵡包款，「我看到這個真的很喜歡，它顏色鮮豔、具備不同元素，側面的細節也做得非常好。我太太則選了紙屑這一款，雖然我不知道她為什麼選⋯⋯可能是因為覺得這些紙屑全都貼上去，沒有一點浪費。（笑）」話一出即引得在座的大家跟著笑開了嘴，老師又追加表示，「這次的包包掛飾是符合每個主題特別設計的，我感到非常驚豔，不曉得是誰的腦袋這麼厲害能想出來。」能帶來快樂，或許正是迷失於城市叢林裡的「憂鬱現代人」，必須擁有這些情緒功能極大化物品的理由。

＊註：Paula's Ibiza夏日度假系列始於2016年，為時任創意總監Jonathan Anderson對自身於西班牙伊比薩島擁有之童年回憶的致敬；每年4月份推出新作，持續以自由奔放精神描繪心中嚮往的天堂。

後記：從策展人和媒體角度解析時尚聯名

針對時尚品牌跨界聯名的隱含思維，藝術空間Tao Art共同創辦人Vicky以自身作為策展人「每個時期關注不同議題」為比喻分析，「品牌也在用他們的方式，將故事透過商品告訴大家。現在消費者都很聰明，每一季商品換個顏色、換點風格其實是沒有辦法滿足他們的。只能透過更有趣的結合、更有意義的設計去吸引大家的目光。因為這麼多商品、這麼多品牌，大家都很知道自己想要什麼。」而特別系列的商品便是這一個引子，誘人探究其背後飽藏的品牌故事。

另一方面，媒體作為「說故事的人」，自然是希望故事越有深度、層次越豐富越好。以至今聯名者眾的Loewe為例，從話題度極高的宮崎駿，到更多來自不同領域、不同國家的優秀藝術家，無不為品牌經典作品煥發無數次新生。然之於受眾而言，這些商品的吸引力究竟在哪？《VOGUE》亞太區編輯總監Leslie有一番見解，「很多藝術品比較不好入手，有時候是錢都買不到的東西（就像Suna Fujita的東西其實一下子就賣完了），或者有時候可能價位也是不太能夠負擔的。但當你有一個聯名商品的時候，好像就擁有那個藝術家的一部分。」此次Puzzle 10也恰恰呼應其名「拼圖」，取每位過去攜手藝術家的一部分，將Loewe品牌10年來的回憶拼接到了一起。