HOUTH突破框架的設計思考！文字推導視覺的提案策略，彈性遊走商業案與純創作

從2023台灣設計週主視覺、MAD by Le Kief品牌識別、洪佩瑜首張專輯《明室》裝幀，到金車集團調酒品牌「Safari Club」logo，HOUTH的作品橫跨平面與立體，手法更是2D、3D、動態等表現交織。既有很商業的品牌案，又有很實驗的視覺案，私下也保持完全自我的純創作，彈性遊走各異設計。

設計師都有一個鮮少提及但實為重要的案子，那就是自己工作室的品牌案。為MixCode、miki w. studio、究境聯合建築師事務所等品牌操刀識別規劃的HOUTH，談起自己的品牌笑說，「有點恥，不敢說。但這一直還是我們的主要精神，想要突破框架，不斷挑戰可能性、模糊界線。」原來，HOUTH中間的OUT意指out of box，前後的H，剛好是共同創辦人黃紀滕（Hans）和何婉君的姓氏英文開頭。

初心之所以難以啟齒，或許就在於太過誠實，而他們也的確在職涯挑戰了各種可能後，才走到設計這條路上。Hans在大學念的是德文，之後接觸攝影師、課程企劃、雜誌編輯、選品店行銷企劃等工作；婉君雖出身視覺傳達系，但內心有著電影夢，畢業製作不是平面設計而是短片，還曾到導演工作室工作，直到進入品牌規劃公司後，才漸漸覺得自己進到設計領域，也對做品牌產生熱情。「我本來就喜歡蒐集東西，能把一個品牌做到有魅力、讓人想要獲得，我一直覺得很有趣。」

2013年，Hans因工作前往德國出差1個月，婉君也決定辭去工作一同前往。「我以前有一點強迫症，如果一件事情太過順利，就會想要逃離舒適圈。那時候上班工作很平穩，就覺得可以再做下一個挑戰。」搭著火車在歐洲四處逛，婉君在柏林的書店看到各種創意無極限，甚至超低成本亂印亂做的出版品，「柏林給我的感覺貧富差距很大，有魅力的是不用實質的富有，而是心靈上的富裕就可以過得很有自己的樣子。」她將這樣的刺激轉化成動力，嘗試自由接案一段時間後，也鼓勵想接攝影案但因工作難以抽空的Hans，於2014年一起創立HOUTH。

身為設計師的奇怪責任感

HOUTH的創意方向由兩人共同討論，之後婉君負責設計，Hans擔綱專案管理和客戶溝通。「所謂設計思考，不是只有設計，前端和後端的工作都是設計的環節。」Hans以品牌案來說，「前端必須有準備好的客戶，所謂準備好包含概念、預算、產品規劃；後端在品牌上市後，對內有沒有辦法營運，對外有沒有辦法符合識別規範系統做宣傳行銷。」

他提到曾有一個食品傳產想做品牌識別更新（rebranding），他們先了解客戶「為什麼需要重新做包裝？」原來是因為某些原料過剩，想要做成另外的加工食品來販售，「但要解決的問題應該是原料過剩，而不是做包裝。」Hans便將這項建議回饋給客戶，而這也是他們面對案子的起手式，會先釐清客戶真正的問題，並非照著對方需求給予服務。

「我們會有一些奇怪的責任感。」婉君說，負責的設計案推出後，如果市場反應不好，會感到非常失落。她也從設計端補充，「做品牌滿重要的是，我們都是以logo可不可以放10年的角度去思考。」

其實HOUTH也幫自己做過rebranding，從此亦能看出設計手法與喜好的進程，相對於現在的簡約，舊版logo將字體串在一起，較繁複且具裝飾性。婉君說，因為自己喜歡老物，有段時間偏愛裝飾風格的東西，隨著品牌案越做越多，更傾向一個簡單的符號，也符合HOUTH的實驗調性。

他們對設計案的責任感，也體現在針對大型活動案給出的「視覺識別系統規範書」。例如2023台灣設計週主視覺，HOUTH 呼應主題「彈性橋接」，以彈簧、線條等2D和3D圖像彼此混合銜接。除了給出主視覺，也給了一份視覺識別系統規範書，包括印刷和數位，CMYK和RGB兩種檔案都整理好，讓活動的線上線下宣傳延伸製作物，即便交由不同設計師接手，仍能保有一致的視覺語彙。

「我們不會只出一張圖。」Hans說，如果活動規模較小不需要出到規範書，Facebook、Instagram需要使用的橫式、直式、方形視覺，基本尺寸的調整都會親自操刀，客戶若有其他需求就能自行微調。「算是有點控制狂，畢竟是自己做的東西，會希望最後的成果是完整的。」婉君說。

從文字出發的思考和提案策略

其實在所有的設計案中，設計都只占了一小部分，怎麼透過提案策略和溝通技巧，讓設計師認為的好設計能被實現，亦是相當重要但常被忽略的一環。

「我們的案子都滿快有共識，比較沒有改來改去的問題。大部分設計師應該都有這種感覺，第一時間提出的東西都是最好的，有時候改到後來都已經不知道是什麼了。」婉君說，他們對於「第一次提案就是準備好的」這件事有堅持也有自信，Hans也在溝通策略下了不少工夫。

他會了解窗口個性或老闆喜好，再根據案件狀況提案。他以和《GQ》合作GD2調酒系列瓶裝設計為例，開會時發現對方有「中二魂」、喜愛惡趣味，提案就用盡各種中二梗，還在3種不同瓶身設計藏有漫畫《鋼之鍊金術士》的符號，表示「3瓶合在一起可以得永生」。

HOUTH沒有制式的提案格式，不做情緒板（mood board）也不給參考畫面（reference），Hans說，「進設計之前全部都是文字，如果有一些圖像、照片，都不會是設計的reference，而是品牌相關意象。」婉君說自己曾經也是很視覺導向的人，但她發現「視覺有時候很主觀，文字反而大家都可以理解。從概念或品牌核心精神的文字定義出發，再回推到視覺的時候，就有基底可以對應，能夠解釋為什麼要這樣做、呈現出來的感覺是什麼，都是有邏輯有原因的。」

她私底下看很多日本設計理論書，認為設計師的「直覺」非常重要，好比每個人對於「極簡」的定義都不同，設計師就得從生活經驗中累積，找到大家對極簡的共鳴，並以此感覺來做設計，「雖然直覺很抽象，但直覺其實是從很多事情的知識累積來的。」

做純創作，在自虐中回電

在高密度的商業案之外，HOUTH也一直保有純創作，婉君的植物創作系列《flo flow Flower project》已出到第4張。細觀HOUTH作品，不難發現用色存在著繽紛和雅緻的兩極，而婉君的個人創作則是比商業案的繽紛還更繽紛，「我滿喜歡用各種有趣的顏色，穿衣風格一 直都滿多彩。」她說，除了想玩色彩應用，也想嘗試一些視覺表現，2015年畫第一張的時候，覺得過程很像冥想，因為圖像很繁複，畫的途中要非常專注、一直做細節的調整。

「在設計案上，我不喜歡花很多時間去推疊一個東西，想要用很有邏輯、很聰明的方式做設計。可是在純創作，反而覺得可以自虐一 下。」而Hans也出版多本攝影書，最近一本是2023年的《For The Blank 風景照》。

他說，去年工作繁忙已無太多生活，「這時你會驚覺，在很緊湊的工作狀態下，偶爾的放空，才是最舒服最療癒的時候，空白也才是填滿內心的東西。」這讓他聯想到常被人認為「不就是風景照而已」的風景照，說不定才是內心最富足平靜的狀態，於是集結旅行中拍下的風景照出版成書。

過去透過平面創作的他們，今年更擴張到展覽的立體維度，6月將在朋丁舉辦HOUTH的10週年展覽。契機源於他們去年在日本看了設計雙人組KIGI的展覽，婉君直說「平面設計魂爆發」，再次被實體物件的魅力感動，也想到這10年不論是商業案還是純創作，產出了大量印刷製作物，希望能藉由辦展一次與大家分享。

「沒有多偉大的理由，我覺得是因為那個感動，讓我也想要把這個感動帶給別人。做到現在10年了，也想把自己整理一下。」不過實在好奇，工作這麼忙，他們是如何一直保持創作？他們笑說，「每年都會報藝術書市集，等於強迫自己一定要產出新東西，常常報名完又後悔，但已經沒有退路。」看來不管業主是他人或自己，在時間限制裡創作，設計師想必都很在行。

HOUTH 

2014年由黃紀滕、何婉君共同創立，位於台北專注於品牌策略與設計的創意團隊，領域包括品牌策略、藝術指導、 視覺設計等。商業案之外， 也以獨立出版計畫「HOUTH BOOKS」，不定期出版設計與攝影的純創作。作品曾入選東京TDC、台灣金點設計獎等。

^{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徵
圖片提供｜HOUTH}

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第37屆金曲獎頒獎典禮於本月27日登場，不同於過往的金色與暖色調，本屆主視覺以深藍色為基底，透過花苞、花蕊與綻放的姿態，描繪音樂創作從醞釀到誕生的歷程。作為主視覺操刀團隊StudioPros的創辦人暨設計總監，李宜軒並不追求鮮明的個人風格，而是在理性與感性之間，逐步發展出一套有脈絡的設計思維。

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今年金曲獎主視覺中，一朵緩緩盛開的花，象徵著音樂創作從醞釀、生成到綻放的過程。而對李宜軒來說，設計或許也是如此。談起自己的設計歷程，她笑說自己大學時其實對設計產業並沒有太多浪漫想像。當身邊許多人仍在摸索未來方向時，她已經開始大量接案，試圖提早理解市場需求，也累積自己的作品集。後來進入了國立陽明交通大學應用藝術研究所，讓她逐漸跳脫傳統商業設計的框架，思考平面設計是否還有更多可能性。「那時候突然發現，大家都讀了4年大學，為什麼能力差距這麼大？」在這樣的刺激下，她開始學寫程式、做網頁，也開始創作海報，不斷摸索自己擅長的風格和專案類型。

研究所期間，李宜軒加入當時已是業界指標的設計公司Bito。那是她第一次真正理解國際級設計專案的運作方式，也看見設計產業光鮮作品背後龐大的研究、提案與溝通過程，然而同時，她也開始思考一個從接案時期就一直困擾著她的問題：為什麼設計師投入大量時間研究與創作，客戶卻未必能理解其價值？「是不是我們其實不夠了解客戶真正想要什麼？」帶著這樣的疑問，她轉而進入IBM擔任設計顧問，開始接觸UI/UX領域。

相較於常常「一張圖定生死」的平面設計，介面設計更強調使用者研究、數據分析與邏輯推演，大至新功能的開發，小至每一個按鈕的位置與操作流程，都需要明確的原因與數據支撐。這讓她逐漸意識到，設計若想被理解、被接受，尤其是在商業環境中，就必須建立在清晰的脈絡之上。「很多企業主其實不懂設計，但懂商業，他們在意的是轉換率、營收、消費者喜不喜歡、競品有沒有這個功能。」於是，她成立StudioPros與The Rebranding Lab，嘗試將UX研究的方法帶入品牌設計之中，並慢慢發展出一套介於理性與感性之間的工作方法。

設計，始於理解

「品牌重塑最重要的事情，其實不是設計，而是先把問題找出來，並且排序。」李宜軒解釋，一個品牌決定重塑時，往往早已面臨許多問題：可能是識別系統難以延伸、內部使用效率不佳，或是品牌定位逐漸模糊。因此在進入設計階段前，她往往會花費大量時間與客戶討論、訪談與研究，希望建立一套所有人都認同的目標與判斷標準。以《報導者》的合作為例，由於組織扁平、內部參與決策的人數眾多，因此團隊花了大量時間整理不同角色的需求與痛點。例如設計素材難以管理、社群貼文製作耗時，或版本檔案容易混亂等問題，都被納入品牌重塑的討論之中。「你會發現，真正重要的問題其實都和視覺美感無關，而是和易用性、系統性有關。」

李宜軒坦言，她不覺得自己有什麼特別鮮明的設計風格，也不會刻意追求流行，畢竟不同產業、不同客戶面對的問題各不相同，很難只靠單一風格回應所有需求。她更在意的是如何建立一套有脈絡的設計思維。「例如在品牌設計的討論中，我們談的通常不是好不好看，而是這個顏色能解決什麼問題、傳達什麼感受。像紅色可能比較熱情，那品牌真的需要熱情嗎？」

這樣的思考方式，也反映在李宜軒面對reference的態度上。在她看來，若只是想追求某種特定風格，或單純從reference去延伸自己的畫面，其實很難完全避免做出類似的設計。因此比起從畫面出發，更重要的還是回到品牌本身的需求與定位。「當品牌的故事與需求足夠清楚之後，設計就不需要一直從圖像反推品牌，而是能從品牌本身推導出新的圖像。」

一個成功的主視覺是？

繼在Bito時期以設計師身分參與金曲28典禮動態設計，時隔9年，如今李宜軒帶領StudioPros團隊操刀金曲37主視覺。不同於過往金曲獎常見的金色與暖色調，今年主視覺選擇以深藍色作為主色。李宜軒分享，當時主辦方希望跳脫大家對金曲獎的既有印象，因此團隊僅保留部分金色作為點綴，讓它像音樂中的亮點一般，隱藏在花蕊與細節之中。而花朵柔軟而流動的意象，則源自本屆核心命題「虛與實」，並恰好呼應音樂創作從醞釀、生成到綻放的過程。特別的是，許多主視覺通常是在定稿後，才交由動態團隊延伸，但這次StudioPros與動態團隊曜星三一從概念發想階段便同步合作，並提前思考未來在舞台、影像與各式動態片頭上的延伸可能，也讓整體視覺語言更具一致性。

對李宜軒而言，一個成功的主視覺要能夠隨著不同載體持續延伸與轉譯。以2023年新一代設計展主視覺為例，當時團隊從展覽主題「原點」出發，以座標與格狀結構發展出一系列幾何元素，並進一步思考如何串聯線上與線下體驗。除了社群與平面視覺外，也將海報、大型看板與識別證結合AR技術，讓觀眾透過手機掃描後，看見主視覺轉化為立體的3D物件。「現在大家的東西都做得很吸睛，所以設計還是要有亮點。」她笑著說，一方面是讓提案更有說服力，另一方面，也真的希望這些創作型專案能成為值得被記住的作品。

近幾年，StudioPros除了持續投入品牌設計，也陸續參與台北電影節、金曲獎等大型公共專案。李宜軒說，這樣的狀態其實正好回應了自己創業以來的理想工作方式。品牌設計重視邏輯與問題解決，視覺設計則保有更多創作自由，在理性與感性間來回切換，也讓她能持續保持對設計的熱情。比起找到一套固定的風格，設計之於李宜軒，似乎也如那從醞釀到綻放的過程，每一次都從不同的提問出發，緩緩長出新的可能。

李宜軒
StudioPros創辦人暨設計總監，曾任職於IBM Consulting團隊。擅長以使用者體驗與研究為起點，深入品牌背景與核心價值，提出具策略性的品牌設計解決方案。長期協助企業與公共組織釐清品牌定位、重塑溝通方式，透過設計打造兼具溫度與辨識度的品牌識別系統。

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_{文｜葉欣昀　圖片提供｜StudioPros}

剪開布上的紗線，底層的圖案顯露而出，那些被劃開的紗線似草叢或似海浪，在圖上輕輕晃動。日本織品設計師氷室友里以親自開發的雙層布料，與LOEWE、PORSCHE、marimekko等品牌合作，在社群上引起關注。她說，剪刀剪下的瞬間，那些不可預期的變化、緊張又期待的心情，都是作品承載的珍貴回憶。

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今年初甫結束在韓國首爾「Ground Seesaw Hannam」的大型個展《JOY, TODAY》， 氷室友里在900平方公尺的展場裡，展出170件作品，共吸引7萬人參觀。她在現場以剪刀在布上「作畫」的影片透過社群分享，精緻又療癒的畫面，在資訊海中引人定睛。

想用日常物件創造歡樂世界

快樂，是氷室友里作品予人的感覺，也是她投入設計的原點。她回憶兒時，有次爸爸帶回了義大利廚具品牌ALESSI的紅酒開瓶器「Anna G.」作為伴手禮，人偶造形的結構，只要轉動頭部，雙手便會跟著舉起。她深深被其「明明是工具，卻又像玩具般充滿魅力」的特質所吸引，每次吃飯都很期待使用它。

上了小學後，父母帶她去看《義大利與日本 生活設計展》，展覽以近似裝置藝術的方式，展示了充滿玩心的家具與廚具。「我第一次意識到，日常使用的物件也能創造出如此歡樂的世界，開始有了『想成為創造這些東西的人』的念頭。」

在準備大學考試期間，她接觸到了荷蘭設計工作室Droog Design。她說，像是以鐵鎚敲打製成的沙發，或是將布料綑束而成的椅子，這樣並非著重於外觀美感或使用舒適度，而是從另一種角度切入的設計方法，使她相當嚮往。氷室友里坦言，其實最初並沒有特別喜愛織品設計，但因為很欣賞當時任職於Droog Design、同時也創作陶藝的荷蘭設計師Hella Jongerius，「我希望自己也能建立起對某個媒材的專長，因此選擇了這門專攻。」在學習途中，她逐漸發現布料與人的密切關係，也變得越來越投入。

為布料設計「產生變化的瞬間」

奠定氷室友里創作風格的關鍵，是她在研究所時赴芬蘭交換，並接觸到的「提花織機」。她說，過去學習的是多臂織機，因為織造限制較多，「我一直覺得，自己的想法很難透過織造真正實現。」但提花織能獨立控制每一根經線，相對自由許多。她進一步解釋，提花織的設計其實是透過電腦完成，因大學裡設有能夠立即試作的小型提花織機，她便像是做實驗或玩遊戲般，一再重複「設計→查看織出來的結果」的過程。

為了創作出能帶來歡樂的布料，她不斷思索「人究竟會在什麼樣的瞬間，感到驚喜或露出笑容？最後我得到的答案是，人會被產生變化的瞬間觸動。」因此她開始將「互動」作為設計核心。

「SNIP SNAP」這款運用雙層布料與剪刀和人互動的代表作，就是她在研究所的畢業製作。「我拜託日本提花織工廠的職人協助，甚至住進職人家中，一起投入開發。」她說，開發過程相當耗時，由於表層是浮起的緯線，底層則織有圖案，最困難的莫過於紗線的選擇。若線太細，在剪開之前，下方的圖案就會露出來；但若太粗，又無法順利織製。

從人與物件的關係，展開合作宇宙

本是靜態的布料，在氷室友里的設計下變得能與人互動。除了「SNIP SNAP」，她也開發了正反兩面圖案不同的「HIDE AND SEEK」、圖案會隨觀看角度改變的「motion-textile」等布料系列。

最近，她也與時尚科技公司ZOZO NEXT合作，開發感溫布料系列「THERMO TEXTILE」。她說，ZOZO NEXT希望能將旗下的機能性紗線，以更親民的形式讓大眾接觸，因此邀她合作。不過她笑說，因為自己的手總是很冰冷，即使碰了布料，顏色也沒有改變；為了觀察顏色變化，便用雙手把布包起來，再對著它呵氣。這樣如生火般的舉動，令她想到可以用「火」為主題，創作出「camp」圖案。布料為一片藍色系森林，只要遇熱，營火、燭火燈等就會浮現粉紅色火焰。

因為她的布料總帶有互動性，讓作品也能以影片形式展現，更吸引了LOEWE、PORSCHE、marimekko等品牌找上門，合作在社群曝光的形象影片。今年她與土屋鞄製造所合作，設計2027年度的小學生書包型錄和店鋪主視覺。她說，土屋鞄製造所的書包製作得非常細緻，因此她反覆調整打樣，確保細節不會在織造過程中被模糊掉。她也和品牌方討論，細節到「剪開後出現什麼樣的元素會比較好」都彼此確認。最後除了花朵，各種動物與昆蟲也會在剪開紗線後浮現，以表她期許升上小學的孩子們，能享受全新的相遇與發現。

其實不僅織品，氷室友里的設計也拓展到家具、壁紙、手機殼等其他領域。她表示，自己並不會把布料視為單純的素材，而是看作一種「與人相關的日常用品」。而她在織品裡探索的「人與物件的關係」，也能運用到各種領域。

像是她和紡織品牌alltec合作的晴雨兩用傘，從「是否能透過撐傘這個動作，讓圖案產生某種變化？」開始思考，進而觀察到印在傘面外側的圖案，其實會透到內側。這讓她想到，「如果在內側也進行印刷，或許就能讓內外兩面的圖案疊合，創造有趣的效果。」於是她在雨傘的內外側都印上葉片圖樣，當陽光透過傘面灑落時，兩面圖樣會彼此疊合，讓使用者彷彿置身樹影斑駁中。這樣的設計，也隱含了她希望「無論烈日或雨天，都能享受撐傘的樂趣」的心意。

不走最短路徑，才能孕育出獨特性

氷室友里的日常，也總是與各種媒材為伍，經常透過親手觸摸、剪裁、摺疊、捲起、揉皺等方式，反覆觀察布料的反應，藉此發想靈感。她說，自己有收集媒材的習慣，包括利用原始結構產生獨特動態的玩具、具有機關的繪本等，都在範圍內。她也提到，最近工作室設置了一台從挪威訂購的手織提花織機（TC2），開始進行不以量產為前提的自由實驗。她說，「這台機器，正是我當初在芬蘭第一次學習提花織時所使用的同款機型。我一直希望能有一個可以親自動手、把想法具體化的環境，儘管是一筆相當大的投資，我還是決定購入。」

手作的堅持，和近年大肆興起的AI浪潮看似對立，氷室友里卻有不同想法。「AI並非人手創造的設計的對立面，應該是像Photoshop一樣，被自然地運用到創作中的工具。」她說，不論是處理繁瑣作業、研究資料，或作為設計上的討論對象，AI已經成為她在工作與日常中不可或缺的存在。但她也指出，譬如手感、剪裁產生的不可預期變化，「這些無法單靠數位完成的部分，才能真正成為體驗與記憶，留存在心中。」

如今在東京造形大學擔任兼任講師的她，注意到數位原生世代的學生，非常擅長以iPad繪製草圖，也熟捻運用AI研究或在數位環境中發展創意，「我認為靈活運用數位工具是很好的，但同時，實際動手後才會有的發現、不走最短路徑才能孕育出的獨特性，我也希望將這些容易因過度追求效率而被忽略的面向，傳達給他們。」

曾有一位藏家告訴她，自己將作品作為孩子第一次使用剪刀的紀念，這是連氷室友里都未曾想像過的運用方式。她說，「比起所謂正確或美感，剪下第一刀時的期待與緊張，以及那段時光所留下的記憶，都能夠具體地保存在布料上，這件事本身就非常有意義。」對人們來說，很多時候正是過程本身，讓結果更加值得珍惜。

氷室友里
於日本與芬蘭學習並從事創作的織品設計師／藝術家。以透過人與布料間的關係，為日常帶來驚喜、樂趣與豐富性為主題，創立織品品牌YURI HIMURO，從事織品開發及企業設計合作。近年與LOEWE、PORSCHE的社群合作引發話題，亦於韓國首爾約900平方公尺的大型空間舉辦個展《JOY, TODAY》，吸引約7萬人參觀，持續朝國際發展。曾獲2018 Salone Satellite Award Third Prize、2021 Maison&Objet Rising Talent Awards Japan等多項獎項肯定。

_{文｜張以潔　圖片提供｜各單位} 

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