從2023台灣設計週主視覺、MAD by Le Kief品牌識別、洪佩瑜首張專輯《明室》裝幀，到金車集團調酒品牌「Safari Club」logo，HOUTH的作品橫跨平面與立體，手法更是2D、3D、動態等表現交織。既有很商業的品牌案，又有很實驗的視覺案，私下也保持完全自我的純創作，彈性遊走各異設計。

設計師都有一個鮮少提及但實為重要的案子，那就是自己工作室的品牌案。為MixCode、miki w. studio、究境聯合建築師事務所等品牌操刀識別規劃的HOUTH，談起自己的品牌笑說，「有點恥，不敢說。但這一直還是我們的主要精神，想要突破框架，不斷挑戰可能性、模糊界線。」原來，HOUTH中間的OUT意指out of box，前後的H，剛好是共同創辦人黃紀滕（Hans）和何婉君的姓氏英文開頭。

初心之所以難以啟齒，或許就在於太過誠實，而他們也的確在職涯挑戰了各種可能後，才走到設計這條路上。Hans在大學念的是德文，之後接觸攝影師、課程企劃、雜誌編輯、選品店行銷企劃等工作；婉君雖出身視覺傳達系，但內心有著電影夢，畢業製作不是平面設計而是短片，還曾到導演工作室工作，直到進入品牌規劃公司後，才漸漸覺得自己進到設計領域，也對做品牌產生熱情。「我本來就喜歡蒐集東西，能把一個品牌做到有魅力、讓人想要獲得，我一直覺得很有趣。」

2013年，Hans因工作前往德國出差1個月，婉君也決定辭去工作一同前往。「我以前有一點強迫症，如果一件事情太過順利，就會想要逃離舒適圈。那時候上班工作很平穩，就覺得可以再做下一個挑戰。」搭著火車在歐洲四處逛，婉君在柏林的書店看到各種創意無極限，甚至超低成本亂印亂做的出版品，「柏林給我的感覺貧富差距很大，有魅力的是不用實質的富有，而是心靈上的富裕就可以過得很有自己的樣子。」她將這樣的刺激轉化成動力，嘗試自由接案一段時間後，也鼓勵想接攝影案但因工作難以抽空的Hans，於2014年一起創立HOUTH。

身為設計師的奇怪責任感

HOUTH的創意方向由兩人共同討論，之後婉君負責設計，Hans擔綱專案管理和客戶溝通。「所謂設計思考，不是只有設計，前端和後端的工作都是設計的環節。」Hans以品牌案來說，「前端必須有準備好的客戶，所謂準備好包含概念、預算、產品規劃；後端在品牌上市後，對內有沒有辦法營運，對外有沒有辦法符合識別規範系統做宣傳行銷。」

他提到曾有一個食品傳產想做品牌識別更新（rebranding），他們先了解客戶「為什麼需要重新做包裝？」原來是因為某些原料過剩，想要做成另外的加工食品來販售，「但要解決的問題應該是原料過剩，而不是做包裝。」Hans便將這項建議回饋給客戶，而這也是他們面對案子的起手式，會先釐清客戶真正的問題，並非照著對方需求給予服務。

「我們會有一些奇怪的責任感。」婉君說，負責的設計案推出後，如果市場反應不好，會感到非常失落。她也從設計端補充，「做品牌滿重要的是，我們都是以logo可不可以放10年的角度去思考。」

其實HOUTH也幫自己做過rebranding，從此亦能看出設計手法與喜好的進程，相對於現在的簡約，舊版logo將字體串在一起，較繁複且具裝飾性。婉君說，因為自己喜歡老物，有段時間偏愛裝飾風格的東西，隨著品牌案越做越多，更傾向一個簡單的符號，也符合HOUTH的實驗調性。

他們對設計案的責任感，也體現在針對大型活動案給出的「視覺識別系統規範書」。例如2023台灣設計週主視覺，HOUTH 呼應主題「彈性橋接」，以彈簧、線條等2D和3D圖像彼此混合銜接。除了給出主視覺，也給了一份視覺識別系統規範書，包括印刷和數位，CMYK和RGB兩種檔案都整理好，讓活動的線上線下宣傳延伸製作物，即便交由不同設計師接手，仍能保有一致的視覺語彙。

「我們不會只出一張圖。」Hans說，如果活動規模較小不需要出到規範書，Facebook、Instagram需要使用的橫式、直式、方形視覺，基本尺寸的調整都會親自操刀，客戶若有其他需求就能自行微調。「算是有點控制狂，畢竟是自己做的東西，會希望最後的成果是完整的。」婉君說。

從文字出發的思考和提案策略

其實在所有的設計案中，設計都只占了一小部分，怎麼透過提案策略和溝通技巧，讓設計師認為的好設計能被實現，亦是相當重要但常被忽略的一環。

「我們的案子都滿快有共識，比較沒有改來改去的問題。大部分設計師應該都有這種感覺，第一時間提出的東西都是最好的，有時候改到後來都已經不知道是什麼了。」婉君說，他們對於「第一次提案就是準備好的」這件事有堅持也有自信，Hans也在溝通策略下了不少工夫。

他會了解窗口個性或老闆喜好，再根據案件狀況提案。他以和《GQ》合作GD2調酒系列瓶裝設計為例，開會時發現對方有「中二魂」、喜愛惡趣味，提案就用盡各種中二梗，還在3種不同瓶身設計藏有漫畫《鋼之鍊金術士》的符號，表示「3瓶合在一起可以得永生」。

HOUTH沒有制式的提案格式，不做情緒板（mood board）也不給參考畫面（reference），Hans說，「進設計之前全部都是文字，如果有一些圖像、照片，都不會是設計的reference，而是品牌相關意象。」婉君說自己曾經也是很視覺導向的人，但她發現「視覺有時候很主觀，文字反而大家都可以理解。從概念或品牌核心精神的文字定義出發，再回推到視覺的時候，就有基底可以對應，能夠解釋為什麼要這樣做、呈現出來的感覺是什麼，都是有邏輯有原因的。」

她私底下看很多日本設計理論書，認為設計師的「直覺」非常重要，好比每個人對於「極簡」的定義都不同，設計師就得從生活經驗中累積，找到大家對極簡的共鳴，並以此感覺來做設計，「雖然直覺很抽象，但直覺其實是從很多事情的知識累積來的。」

做純創作，在自虐中回電

在高密度的商業案之外，HOUTH也一直保有純創作，婉君的植物創作系列《flo flow Flower project》已出到第4張。細觀HOUTH作品，不難發現用色存在著繽紛和雅緻的兩極，而婉君的個人創作則是比商業案的繽紛還更繽紛，「我滿喜歡用各種有趣的顏色，穿衣風格一 直都滿多彩。」她說，除了想玩色彩應用，也想嘗試一些視覺表現，2015年畫第一張的時候，覺得過程很像冥想，因為圖像很繁複，畫的途中要非常專注、一直做細節的調整。

「在設計案上，我不喜歡花很多時間去推疊一個東西，想要用很有邏輯、很聰明的方式做設計。可是在純創作，反而覺得可以自虐一 下。」而Hans也出版多本攝影書，最近一本是2023年的《For The Blank 風景照》。

他說，去年工作繁忙已無太多生活，「這時你會驚覺，在很緊湊的工作狀態下，偶爾的放空，才是最舒服最療癒的時候，空白也才是填滿內心的東西。」這讓他聯想到常被人認為「不就是風景照而已」的風景照，說不定才是內心最富足平靜的狀態，於是集結旅行中拍下的風景照出版成書。

過去透過平面創作的他們，今年更擴張到展覽的立體維度，6月將在朋丁舉辦HOUTH的10週年展覽。契機源於他們去年在日本看了設計雙人組KIGI的展覽，婉君直說「平面設計魂爆發」，再次被實體物件的魅力感動，也想到這10年不論是商業案還是純創作，產出了大量印刷製作物，希望能藉由辦展一次與大家分享。

「沒有多偉大的理由，我覺得是因為那個感動，讓我也想要把這個感動帶給別人。做到現在10年了，也想把自己整理一下。」不過實在好奇，工作這麼忙，他們是如何一直保持創作？他們笑說，「每年都會報藝術書市集，等於強迫自己一定要產出新東西，常常報名完又後悔，但已經沒有退路。」看來不管業主是他人或自己，在時間限制裡創作，設計師想必都很在行。

HOUTH 

2014年由黃紀滕、何婉君共同創立，位於台北專注於品牌策略與設計的創意團隊，領域包括品牌策略、藝術指導、 視覺設計等。商業案之外， 也以獨立出版計畫「HOUTH BOOKS」，不定期出版設計與攝影的純創作。作品曾入選東京TDC、台灣金點設計獎等。

^{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徵
圖片提供｜HOUTH}

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如果設計不只是美，那它還承載了多少意義與責任？設計師的身分又能做到多少事？從大型活動、藝術機構、非營利組織的視覺，到以自主創作回應社會議題，韓國設計工作室Everyday Practice將設計視為介入現實的途徑，希望製造出一些「摩擦」，引人重新看待習以為常的世界。

Everyday Practice由權俊浩（Joonho Kwon）、金慶喆（Kyungchul Kim）、金御眞（Eojin Kim）於2013年共同創立。3人是中央大學字體設計社團的好友，畢業後各奔東西，後又不約而同回到首爾。當時社會混亂且變動劇烈，令他們心想：「能不能透過設計，在規律中製造一個小小的縫隙，去談論那些對我們真正重要的事？」工作室名稱「Everyday Practice」便從這個問題誕生，他們不把設計視為商業模式或市場策略，而是一種能在日常實踐的態度，也引領了工作室的創作方向：「視覺實驗」與「社會參與」並行。

「從朋友轉變為工作夥伴的過程，確實有一些需要微妙調整的時刻。」權俊浩說，但最終這些差異都成為了優勢。他擅長處理結構、文字與概念，很自然地擔任起專案組織者；金慶喆個性細膩、耐心，善於結構化思考與開發網路系統；金御眞則非常直覺，對字體、色彩等有敏銳的感受力。

而除了他們3位，工作室還有約10位成員。相當重視工作室文化的他們，有著「週五早上一起吃早餐」的傳統，讓大家在輕鬆氛圍裡，分享近期專案或生活瑣事。嚴格遵守「早上10點到下午7點」的工作時間亦是文化之一，在此時間外，Everyday Practice不會處理任何工作或聯繫。即便時程緊迫或專案繁重，他們的心態並非「晚點加班就好」，而是「如何在有限時間內完成」。為確保工作效率，他們會避免不必要的會議與冗長的討論，並尊重每位同事的工作節奏，「若有人喜歡在安靜的早晨專心做設計，那我們便會刻意保護那段時間。」

媒材與訊息之間的緊密關係

從韓國藝術節、首爾設計節等大型活動，到韓國國立現代美術館、國立中央博物館等藝術機構，都可見Everyday Practice的設計。他們的手法多元，類比、3D、AI、網頁、互動設計⋯⋯，會根據不同專案量身運用。「我們非常重視媒材與訊息之間的緊密關係。」Everyday Practice說，若專案講述的是勞動、人權或公平等直接關乎身體或感官體驗的主題，他們經常使用類比手法突顯其張力與意涵，例如以手織布料製成2017首爾國際手作博覽會海報；《在正義的陰影下》書封則做出一塊融化中的「蠟燭蛋糕」，隱喻正義分配與氣候危機。

針對需要規模化、實驗性、傳播性的專案，他們認為數位手法更有效。就像他們為「AG」字體研究所設計的網站，能直接與使用者互動；2021首爾城市建築雙年展的視覺識別與網站，則運用3D生成主視覺，並以動態呈現空間概念。

在眾多合作單位中，韓國綠色聯合無疑是別具意義的一個，亦是Everyday Practice創立後第一個客戶。他們說，當時組織內部沒有專職設計師，意味著他們得共同形塑一套能與公眾有效溝通的語言。「我們之間早已超越一般的『客戶－設計師』關係。」至今雙方已合作10年以上、產生超過50個設計，其中2016年的標語告示牌識別系統，Everyday Practice將聯盟代表性的議題以圖像和顏色區分，還設定好字體、字級，讓每張告示牌具有視覺一致性，一改過往社會運動標語臨時製作、訊息不清的問題。該設計更於2019年，被英國V&A博物館的韓國設計典藏。

圖像或結構最終在支持的世界是？

不難發現，Everyday Practice的客戶以藝術機構和非營利組織為多，而他們也從創立之初就確立：不和「無法認同其行為」的對象合作。「這不只是政治立場或個人喜好，而是關乎如何對待人、如何使用權力與資源，以及在過程中是否存在剝削或排斥他人。」權俊浩舉例，假設客戶希望傳遞具社會意義的訊息，卻在內部剝削員工，或在性別議題毫無敏感度，那他們便會選擇不與其合作。「設計不只是表面的視覺包裝，設計師也必須對作品背後的內容與倫理負起責任。」

但在現實中堅持這個原則並不容易，甚至會與生計衝突，「即便如此，我們認為設計師不能放棄這個問題：你的圖像或結構最終在支持什麼樣的世界？」不過他也提到，現實中的倫理判斷並非黑白二分，一間公司可能同時捐款公益又破壞環境。面對這樣的狀況，他們會思考能否與這個「矛盾」對話，「我們並不期待任何組織是完美的，但我們能分辨對方是否意識到缺失，並願意改變。但如果我們被要求掩蓋矛盾、用設計粉飾太平，就會堅決拒絕。」

當艱難的真相化為視覺

將設計視為日常實踐的他們，也不斷以設計師身分回應、參與社會議題。2014年世越號船難，3人花了很長時間質問：設計師究竟能做些什麼？「我們非常小心，不想反應過快，但同時也意識到，回應太慢同樣是不負責任的。」同年，他們在光化門廣場架起鐵製圍欄，用黃色絲帶綁上「沒有人應該因坐上那艘船而死去」的韓文字。這件自主創作，使他們接到了存放罹難者檔案的公共空間「416記憶存放所」識別系統專案，並延續裝置上的黃絲帶字體作為標準字。之後他們陸續參與「416基金會」、家屬證言刊物、罹難者房間攝影展、2024年的10週年展覽等相關專案。這讓他們發現了自主創作與設計工作的關聯，也思考「當將艱難的真相轉化為視覺時，設計師承擔了哪些責任？」

2016年，時任總統朴槿惠爆發「閨密門」干政案、遭彈劾下台。由於此案涉及的人物、機構、事件繁多，許多民眾難以掌握全貌。2017年，媒體《SisaIN》與Everyday Practice合作，將龐大資料梳理成邏輯清楚的網站。點進網站，會看到一張張像素化的照片，搭配日期不斷推進的時間戳記，「我們希望設計中立地呈現事實，又能傳達強烈力量。」他們解釋，像素化隱喻了被扭曲的真相，同時又像新聞常以馬賽克遮掩人臉—是一種保護，也是一種批判；精確的時間戳記呼應「時序」的重要，「對於敏感的政治議題，事件的解讀會隨時間不同而產生劇烈變化，因此我們將時序設定為網站體驗的核心軸線。」

2024年底，時任總統尹錫悅宣布緊急戒嚴，當晚大批民眾聚集於國會大廈，直面軍方捍衛民主。「當我看見街頭坦克的影像時，心中湧現一股尖銳卻具體的震驚感：歷史正在倒退、重演。」權俊浩形容這批民眾的舉動，是「任何個人都無法獨力完成、由群體勇氣創造的離奇瞬間」。因此不同於過往的自主創作，他們想用視覺捕捉並傳達「團結感」，於是發起「時代精神」海報設計計畫，在3天內獲得63個設計團隊響應。每組團隊設計的海報不僅透過網站展示，更舉辦實體展覽，展期得到的捐款也全數捐給相關公民運動團體。

唯有人類才有的深思熟慮

對Everyday Practice來說，每件做過的設計並非「已完成的結果」，而是「仍在進行的提問」。因此他們在2023年舉辦創立10週年的同名展覽，將過去的作品以現在的脈絡重新詮釋。過程中他們意識到，對設計的重心從「結果」轉向了「過程」，也不再執著訊息的精確度，更在意設計如何被感受。

而面對現今的AI議題，他們透露，目前已開始在工作中實驗各種工具，尤其是網路專案，以往需要工程師協助的功能，現在已能自行探索與執行。透過AI生成的程式碼、版面與動畫結構，也能快速將模糊的想法轉為可運用的素材，「重點不是AI取代設計想法，而是加速想法實現的那一刻。」

但他們同時注意到，AI生成的視覺看似精緻，卻有種微妙的疏離感，缺乏某種語境或情感上的清晰度。「最終，人類與AI的差異不在『產出』，而在『態度』。AI可以生成上萬張流暢、印象深刻的圖像，但唯有設計師才能回答：哪張圖真正具有意義？」他們相信，設計師的角色不僅是創造圖像，更在於感知社會細微的變化、張力與情緒；設計不只是視覺的編排，更是一種脈絡式的、情感的，甚至倫理的行為。「無論AI如何進化，它無法真正承載矛盾、擁抱曖昧，或基於特定世界觀做出深思熟慮的選擇。這些，仍然屬於人的領域。

Everyday Practice
由權俊浩、金慶喆、金御眞共同創立的平面設計工作室。是一個小而緊密的設計社群，專注於思考設計在當下現實世界中的角色。雖以平面設計為基礎，卻不局限二維框架，不斷嘗試多元的設計方法，從實驗中汲取養分，延伸至未來的創作。

^{文｜張以潔　圖片提供｜Everyday Practice}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/10月號《韓國設計特搜》

英國設計師Lee Broom今年偕同名品牌首度參與甫於6月20日落幕的丹麥設計盛會3daysofdesign，進駐19世紀古建築Asia House呈獻10年回顧展《From Here Now》，同步發表全新可攜式燈具作品「Chant」。此展不僅是Lee Broom初亮相北歐設計界指標性平台，亦為Asia House第一次在設計節期間對外開放，蘊含著設計和策展歷史上的雙重意義。

自2007年創立同名個人品牌以來，Lee Broom即以具戲劇性的照明設計風格馳名國際。其創作多融匯建築語彙、宗教意象與詩意形式，將光化為富有敘事感的空間體驗，如2022年發表的「Divine Inspiration」系列作品如神聖裝置般浮現空間，致敬宗教建築；2023年推出的「Alchemist」探討光與材質的微妙化學變化，顯露高度雕塑性與情感張力——總取平衡於功能與情感之間的獨特設計，尤其鞏固了這位年輕設計師在當代照明設計領域的藝術地位。

而此次《From Here Now》回顧展則聚焦回顧Lee Broom過去10年間的代表性燈具作品，將「Orion」、「Vesper」、「Carousel」、「Crescent Light」等多款設計通過全新材質與形式重新演繹，加以最新作品「Chant Portable Table Lamp」，於歷史空間Asia House內開展一場神祕敘事。

與此同時，自2013年創立以來迅速崛起為歐洲設計行事曆關鍵盛事的丹麥設計節3daysofdesign，每年吸引眾多國際設計師、策展人、品牌和媒體聚集哥本哈根，透過展覽、對談與城市空間轉化，激發跨領域創意。2025年主題「KEEP IT REAL」呼應當代設計對真誠與本質的重視，《From Here Now》整體著眼回顧、反思與未來想像的策展脈絡恰與之深刻共鳴。

打造「探險家遺居」概念性展場，揭開塵封的航海故事

Asia House建於1897年，原為東方亞洲公司（East Asiatic Company）總部，由航海家H.N. Andersen創立。Lee Broom便以此歷史為靈感，將展場打造成一位探險家遺留的住所，陳設世界各地典藏並營造自家品牌獨有的燈光氛圍。由倫敦運抵哥本哈根的木箱散布於空間各處，每只都藏有歷史物件、雕塑與燈具的組合等待觀者探索和發掘；覆蓋其上的布幔猶如塵封的帷幕緩緩揭開對珍寶的記憶，悄然向此建築背後的航運歷史表示敬意。

全新可攜式燈具「Chant」3大亮點

▍以70年代玻璃磚為靈感，交織古典與現代

「Chant」燈具是Lee Broom推出的第一款可攜式照明作品。此次全新Chant桌燈款式在延續其2022年於米蘭設計週首度亮相並屢獲讚譽的Chant吊燈概念下，進一步汲取靈感自1970年代建築中常見的玻璃磚，以手工吹製玻璃構造出雕塑般的立體外型，藉方形幾何結構與圓形凹槽圖案的視覺對比，交織懷舊情調與現代主義風格。

▍外型與功能並重：四段式調光、室內外適用

全系列於品牌倫敦工坊生產，款式提供霧面或透明玻璃，搭配拉絲金、拉絲銀、拉絲古銅3種精緻金屬底座。除外觀富設計感，Chant桌燈在功能上也配備到位，包括四段式調光、單次充電可供使用時間長達40小時、能因應室內外環境無縫轉換的完整防水設計，無疑為當前可攜式照明市場提供極具工藝美學的替代方案。

▍有別於傳統塑料產品

與傳統以塑料為主的同類型產品不同，Chant桌燈強調玻璃材質的觸感與純粹性，重新定義了便攜燈具的溫雅格調。

透過《From Here Now》這場兼有歷史感與未來視野的展覽，Lee Broom既帶領觀者回顧其創作歷程，亦再次對照明設計能成為文化連結核心語言做出了最佳示範和證明。

Lee Broom

同名品牌創辦人、英國領先設計師Lee Broom，自2007年成立個人工作室以來，親自設計超過100件燈具、家具與家飾銷售全球。集工藝、精選材質與創新思維於一體，品牌堅持英國製造，全數產品於倫敦東區的Lee Broom工廠手工製作而成。Lee Broom尤擅創造充滿超現實感的沉浸式體驗空間，為觀者帶來驚喜、進而引發共鳴。兼展古典與現代風格的別致設計為其贏得超過40項國際設計大獎，包括英國「年度設計師獎（Designer of the Year）」及由女王親自於白金漢宮頒發的「企業女王獎（The Queen’s Award for Enterprise）」等獎項。