【DANCE TALK】編舞家布拉瑞揚：從台東部落出發、站上國際舞台，帶著舞者「回家跳舞」

延續2023 Camping Asia未來藝術學苑的精神，2024年，香奈兒攜手臺北表演藝術中心、衛武營國家藝術文化中心，共同策劃舞蹈座談；首場台北Dance Talk也邀請到何曉玫、布拉瑞揚、董怡芬3位台灣舞蹈家，與年輕世代分享舞蹈創作旅程。而La Vie也將透過文字，帶你回顧這場講座內容，一同看見舞蹈的各式可能性。

曾受邀為雲門舞集、雲門2、美國瑪莎・葛蘭姆舞團等編作，作品深受國際讚譽的布拉瑞揚，2015年回到台東成立布拉瑞揚舞團，期待在台灣東岸種下一顆舞蹈的種子，牽起自己舞者的手與世界分享作品。而他在講座上，也分享了從被舞蹈演出吸引、離家追求夢想，到回家鄉跳舞的生命歷程。

➱ 以舞蹈共同編織未來世代的靈光！「2023 Camping Asia」給下一個世代的未來藝術學苑

布拉瑞揚國小的時候，隨著姊姊進台東市區看了雲門舞集的〈渡海〉舞蹈演出，那時被台上畫面震撼到的他心想：「有一天我要跟他一樣，太帥了吧！我要當舞者。」回家後，他用鉛筆寫了「舞出一片天、林懷民第二」貼在房間，那年，他12歲，立志成為一名舞者。

然而，因為父親認為「男人怎麼可以跳舞」，布拉瑞揚突然覺得好像夢碎了，戲劇性地回到房間，把牆上的照片、標語全撕掉，但也從那一刻起，他下定決心要跳舞、有一天要讓父親感到驕傲。國中3年，布拉瑞揚利用下課10分鐘的時間，跑到舞蹈班教室外面看他們跳舞，後來，舞蹈班老師告訴他，全台灣成立了第一所高中舞蹈實驗班，想跳舞的話可以去考。

布拉瑞揚說服父親讓他轉區到南區參加高中聯考，並偷偷留下來考術科考試。他笑說，「我自信滿滿地去左營高中參加考試，我舞蹈底子那麼好、我原住民怕什麼！」結果那兩個小時，從芭蕾、中國舞到即興，考完後的布拉瑞揚覺得自己不可能考上。最後的面試，有位老師問他學舞幾年？「我心想，要說謊嗎？後來，我就說沒有。」接著有位老師問他，「如果讓你考上了，你會不會來？」那時布拉瑞揚不斷對著他猛點頭，「那位老師就是林懷民。我的夢想其實就是從那個地方開始。」

進舞蹈班後，卻是布拉瑞揚人生中最黑暗的一段時光。「我學科不好、沒有學過舞，所以永遠是吊車尾。但這些都無妨，因為我想要跳舞，但最讓我辛苦的是我的原住民身份。在文化衝擊之下，我開始否定我自己，我不想當個原住民，我每天拿菜瓜布刮我的皮膚、希望變白，也開始學習其他人講話。」而一直到布拉瑞揚順利考上台北藝術大學，主修表演的他在畢業前期突然想編舞，「當我第一次要編舞的時候，突然有一個體悟是，『我是誰？我從哪裡來？』回過頭來看那幾年扭曲的生活，我感到非常慚愧，會不會每個人給在台上的我很多掌聲，不就是因為我是原住民這個長相、有原住民優良的血液，讓我有一個很特殊的跳舞樣貌。」

那一刻，他打電話給父母問自己的排灣族名。那是1995年，他拿到了這個傳統名字——布拉瑞揚，也藉此提醒自己，不要忘記自己從哪裡來。「我畢業製作的節目單上，可以看到布拉瑞揚名字後面括號著過去的漢名：郭俊明。我帶著那個漂亮的名字，開始我整整20年的舞蹈人生。」2011年，他在林肯中心表演完謝幕那刻，第一次突然那麼想念父母，「如果我爸爸媽媽站在那邊的話，他們會不會覺得這些孩子不錯喔，還有一點作為。」布拉瑞揚起心動念，想要帶著自己的作品和舞者回家跳舞、想帶他們回去給自己的父母看，這也埋下了他回台東的想法。

離開雲門舞集後，2014年，布拉瑞揚選擇回到台東創立舞團。「我帶著十八般武藝回來，覺得自己很厲害，一定要創作出了不起的作品，可是當我對著這群大多非科班的孩子給指令後，他們全部人都是『老師你在講什麼？我聽不懂』的表情。」而一位舞者說的話也打醒了他：「老師，你可不可以不要用台北的頭腦跟我們工作。你一輩子都不會看到你想要的，你帶我們去山上去勞動，可能還會看到我們親身做的事情。」於是，布拉瑞揚從零開始，帶著舞者去田野踏查、去重新認識一個新的身體，「原住民的傳統樂舞，都是在勞動之間發展出來的，但在排練場怎麼勞動？不是我教這些孩子，而是他們帶領我走進去。我覺得這些孩子跳的舞好好看，他們好真摯、好單純簡單，會不會這就是我們的樣子呢？會不會舞蹈還有另外一種可能？」

2015年，布拉瑞揚創團的第一場演出，就是在家鄉嘉蘭部落，他的父母、朋友也都來了。「我的夢想好像完成了，但也就在那一刻，我突然想說不行，台灣有700多個部落，我應該要帶著我的舞者去到他們的部落，讓他們的爸爸媽媽感到驕傲、知道孩子在做什麼。」

而目標走遍台灣55個原住民鄉市鎮的布拉瑞揚，至今已走了43個。他堅定地說：「會不會在那場演出，當那孩子跟爸爸媽媽說想跳舞時，他們就有一個共通的記憶跟話題；也會不會因為這場演出，有一個孩子跟12歲的我一樣，看了演出後，有一點勇氣去追夢？」

同場加映！台北場Dance Talk Q&A

Q：會建議年輕創作者先做自己、創作想做的作品，或是調整方向讓更多人認識你？
A：我們常常講做自己，但什麼時候做過自己？我很幸運是一個創作者，在雲門的那段時間讓我可以做自己，其實做自己就是資源給你，你做什麼都可以當作練習。但我那時候很努力想要證明自己很厲害，想讓觀眾喜歡我的作品，但不是說去討好他們，而是強迫自己創造一個可以被認可的作品。不過，當有一個年輕讀者遇到這樣困境的時候，我也許會跟他分享我的故事，但我不會給他一個答案，而是以一個方向，提供一個新的可能。最重要的是，你相不相信你自己，因為最終決定還是在你自己。

Q：您曾參與過「Camping Asia」計畫，有沒有什麼觀察或想分享的？
A：我很珍惜之前在法國「Camping」和2019年第一屆「Camping Asia」帶工作坊的這兩次經驗，我特別要求帶BDC（Bulareyaung Dance Company，布拉瑞揚舞團）舞者一起去，因為透過他們的聲音與實際對母體文化的分享與教學，其實就能趕快帶入「我們從哪裡來？我們是誰？」。特別是那時在巴黎，所有人都在排練室上課，但有一個教室很吵，20幾個人「嗚喔嗚喔～」唱著，然後有舞者帶著他們離開教室一直唱唱唱，建築裡面布滿了布農族的歌謠，那一刻，我相信更多人會想說：「為什麼我沒有選那堂課？為什麼可以出來唱歌？」Camping Asia有不同的老師帶不同的課程，而我們能帶的當然就是代表原住民的東西。2019年的Camping Asia，我看著那些想來學跳舞，又很疑惑為什麼要選這堂課的孩子們，從第一堂寫羅馬拼音，到最後整合起來一起跳、同步一直踩踏的時候，那個震撼力是讓人泛淚的，所以我非常珍惜那兩次的參與。

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23