2024第60屆威尼斯國際美術雙年展以《處處都是外人》（Stranieri Ovunque–Foreigners Everywhere）為題，有著「不論走到何處都會遇到外國人」、「無論身在何處都感覺像外人」等多重意涵。台灣館由藝術家袁廣鳴代表參加，在居家般的展間帶來一場《日常戰爭》。這場關於家與戰爭的故事要如何訴說？除了台灣館，本屆雙年展又有哪些國家館不可錯過？

原本為監獄的普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni），在威尼斯雙年展台灣館展出之際，放入沙發、檯燈、沙灘椅等家具，竟浮現出家的感覺。但曾經，袁廣鳴認為自己不可能成家，「總覺得藝術家結婚就被綁住了，得乖乖做一個該死的中產階級上班族。」

這不是他第一次參展威尼斯雙年展，早在2003年就與李小鏡、鄭淑麗、李明維以聯展形式展出。回憶過往，他笑說當時和現在的太太熱戀中，想著展覽結束後要同遊水都。而也就在雙年展後的1、2年，兩人結婚了，「因為碰到對的人，就對婚姻不那麼懼怕。」

相隔近20年再度參展威尼斯雙年展，這次他獨挑大梁展出《袁廣鳴：日常戰爭》，身邊還多了太太與女兒。連他也沒想到，雙年展竟見證了生命與創作歷程的轉換。「成家之前，我的創作議題偏向個人自身的探討，而這一次關心跟探討的事情又更大更深。」

「假」的日常演習，到「真」的日常戰爭

《袁廣鳴：日常戰爭》展出5件錄像、1件動力裝置、1件素描作品，作品呈現了防空演習、公民不服從運動、居家襲擊，更探討後資本主義、網路攻擊、氣候異常及族群紛爭等議題。內容不僅關於台灣，更是世界的不安、焦慮與現實寫照。

隨著近年烏俄戰爭、以哈衝突等國際政治動盪，不難聯想是否意有所指？事實並非如此，此次計畫早於2019年末成形並定名《日常戰爭》，名字源自此次亦展出的作品《日常演習》，雖拍攝「假」的戰爭演習，但他當時有感世界局勢與台灣狀況正朝向「很壞的」方向，日常演習會成為「真」的日常戰爭。

原計畫舉辦個展的袁廣鳴，因接到臺北市立美術館邀約而參加威尼斯雙年展，也因此有策展人、舊金山亞洲藝術博物館的當代藝術主管和資深策展人陳暢（Abby Chen）的加入，讓這次展出「不只是一個袁廣鳴個展」。陳暢首先提出展場不要太暗、要有椅子等家居式家具，讓袁廣鳴聯想到可以展出有以客廳為場景的《棲居如詩》，並把2018年個展時《向光》的白色椅子搬來，還加入餐桌動力裝置《預言》。

而從藝術家的角度，新作必然是放在展場最醒目處，原本袁廣鳴規劃入口為正反兩面大螢幕，正面播《日常戰爭》、反面為《扁平世界》，但陳暢建議輪播《日常演習》和拍攝太陽花學運的《佔領第561小時》，一來《日常演習》的警報聲可以讓觀眾在步入展場前就聽到，營造展題的不安氛圍；二來《佔領第561小時》是此次唯一有人的影像，即便展覽沉重，但至少有那麼一件作品，傳遞人的溫度，且人有辦法憑自己的力量做出改變。

爆炸是毀滅與重建的一體兩面

此次帶來的兩件新作，正好窺見了袁廣鳴熟悉與嶄新的創作脈絡。《日常戰爭》在頂樓工作室打造1比1實景，呈現中產階級房間中發生的一場襲擊。爆炸在袁廣鳴的作品中並不少見，前作就有《棲居如詩》描述客廳午後莫名其妙爆炸、《明日樂園》炸毀形似迪士尼樂園的城堡。

他說《日常戰爭》是他決定做的「最後一次爆炸」，過去爆炸鏡頭皆固定不動，這次想開發單軸運動手臂，既然攝影機要運動，就得採實景拍攝，否則模型容易穿幫。再加上創作前就打定主意，要全部由自己完成，剛好也辦了研究休假，想要享受創作的快樂。既然全部要自己來，實景較好掌握，測試途中道具要是壞了，就再買一個一模一樣的即可。

至今採用了3次爆炸，不禁好奇他何以情有獨鍾？「會爆炸肯定和脆弱有關，也因為脆弱才會體現爆炸的威力。」相較於《日常戰爭》的爆炸明顯指向戰爭，《棲居如詩》則沒有政治象徵，可以是家庭主婦想把家炸毀的怨恨、地震摧毀家園的無情⋯⋯，不論哪種詮釋，都指向「家並不穩固」的概念。

他也說，「爆炸有毀滅和重建的意思，所以我使用到爆炸，一定都會用無縫循環（loop），讓爆炸有點像在夢裡面，可是又很真實。」若仔細觀看《日常戰爭》，會發現背景音是遊戲主在直播戰爭遊戲，影像裡的爆炸時而和聲音同步時而不同步，產生現實與夢境的游離，到底是現實還是遊戲場景？或許創作者本人也如遊戲主一般，嘻嘻哈哈地旁觀他人痛苦。

當代世界失去了距離來認識世界

另一件新作《扁平世界》以Google全球街景資料庫（Google Street View）將100個國家類似景貌的街景串接，製成10分鐘的「新公路電影」。每段影像皆由台灣開頭，再連接至世界各地，顯示在全球化、數位化的網路時代裡，世界竟是一個極度相似的「扁平世界」。

袁廣鳴從求學、任教到藝術創作，一直在處理技術與藝術的關係，也一直想著要做一件碰觸這個議題的作品。2006年他曾在台北當代藝術館策展《慢Slowtech》，內容是關於媒體及科技之中針對速度的「提問」或「反問」。「當代最主要的特徵就是速度，科技讓速度變快、生活變快，但我們卻失去了距離來認識世界。」他以米蘭．昆德拉的小說為例，當一 個人握上方向盤、踩下油門，在車子的狂駛速度中，身體就被拋棄了；反之在跑步時卻能深刻感受到身體。

套用至《扁平世界》，100個國家在10分鐘倏忽閃過，身體根本沒去過的國度，好似已經去過，漫漫網海資訊無垠，在家真能知曉天下事，「速度把距離刪除了，也把身體刪除了，但我們的古老身體其實是對於認識世界滿重要的一環。」他知道科技不會停止也並非反對進步，「對於所有的新媒體，只有以反身自省或批判的方式，才比較能進入新媒體的本質。」

不過，和爆炸無關的《扁平世界》也採用了無縫循環，袁廣鳴說，無縫循環是他很喜歡的播映方式。他在大一曾有電影夢，大二發現電影是工業後隨即幻滅，「轉向錄像後，做的很多事情都是在抵抗電影。不是說電影不好，而是動態影像是不是還有更多可能的實驗？」大學暑假曾一口氣看了450部電影系必看經典電影，他發現不論電影或錄像，如今的經典都是當初的前衛，因此要做正是抵抗現在的經典，才有可能突破。

無縫循環即是跳脫傳統觀影體驗，要從哪個時間點開始觀看，想看很多遍或看個幾秒就走，都是自由的。他坦言，台灣館入口大螢幕輪播《日常演習》和《佔領第561小時》，類似電影院輪播的感覺起初他相當抗拒，本想在兩部片中間夾雜10秒閃光，但怕對觀眾造成干擾，最後接受了策展人的說服。

越幸福就越脆弱

想來好奇，如今已成家的袁廣鳴，談起家庭總笑容不斷，為何反而不斷在作品傳遞出家的脆弱與不穩定？他談起2007年突然動念拍攝父親，創作《逝去中的風景－經過》，兩年後父親過世了，而也就在同年的4個月前，他迎來女兒出生。

「生和死每個人都會遇到，只不過我比較倒楣短時間湊在一起。越幸福的時候，其實會越擔心，因為我知道幸福其實是脆弱的。」這個心境或許在最初命名作品就已明瞭，「它不是逝去的風景，而是逝去『中』的風景。幸福來的時候，我們當然想慢慢地掌握，但這是不可能的，你就是眼睜睜看著它慢慢逝去。」

身為外省二代，袁廣鳴從小父母離異，父親走了之後台灣就無親人。還好他結婚了，沒那麼孤單，不過太太是日本人、又住在廢墟改造的家，整修時看著遺留的物件，想像這戶人家以前最輝煌的樣子，不斷往返跳躍的時間線全部湧現，「對家的感觸很多，越幸福，就越脆弱。」但越脆弱，也越證明了幸福的得來不易，儘管無法停留於線性時間軸，卻可以定格在影像藝術，成為存在的提醒。

同場加映：不可錯過的5個國家館！

澳洲館《kith and kin》

威尼斯雙年展最高榮譽金獅獎，本屆雙雙獎落南半球原住民藝術家，主題館由4位紐西蘭毛利女性藝術家組成的Mataaho Collective奪下，國家館則頒給澳洲館。

黑白構成的靜謐展間是哀悼場所，中間水池平台上放置一落落澳洲原住民遭迫害的檔案。藝術家Archie Moore爬梳超過65,000年的家族親屬關係，用粉筆在四周牆面與天花板寫滿族譜，幽微傳遞原住民受迫害的歷史，同時印證不同族群的人類血親是如何彼此聯繫。評審團提及，族譜名字多達上千位，也提供了恢復原住民歷史的一絲可能。

盧森堡館《A Comparative Dialogue Act》 

通常人們的看展預期，都是要欣賞一檔「已完成」的展覽，但盧森堡館的展出，開幕後才正要開始。由音樂人暨藝術家Andrea Mancini、藝術團隊Every Island聯手策劃，展館為一座鋼製舞台，數場駐地表演將接連登場。

貫串演出的元素為「聲音」，且僅以聲音作為溝通媒介，每次藝術家在舞台上留下的聲音，均會交給下一位登場者改編運用。展場既是表演場域，亦是藝術家的工作現場，也引人思考個人創作與集體協作間的辯證。

波蘭館《Repeat after Me II》

烏俄戰爭爆發後，不少藝術家以創作回應或表述立場，波蘭館卻選擇了一個另類形式——卡拉OK。現場不會聽到流行音樂，而是槍聲、導彈、嚎叫和爆炸，致命槍械的描述也成了歌詞。

波蘭館參展藝術團體Open Group，由6位烏克蘭藝術家組成，作品分別拍攝於2022、2024年，讓戰爭目擊者試圖重現武器聲音等「戰爭配樂」。這些聲音既是創傷延續與擴大的證明，更是戰火下的新語言，烏克蘭人得具備辨認這些聲音的能力才能生存。 

馬爾他館《I WILL FOLLOW THE SHIP》

古老文明遇上最新AI科技將會如何？首位單獨代表馬爾他館的藝術家Matthew Attard，創作契機源於「還願供品」（ex-voto）的船隻塗鴉歷史圖像，這些圖像廣泛出現於馬爾他教堂外牆，據說是船員為求庇蔭所繪。

展名的「I」（我）在英文讀音與「eye」（眼睛）相同，他以現代眼動儀器作為繪圖工具，並和古老船隻圖像對比；現場亦有QR Code，觀眾可以掃描繪製自己的地圖。透過科技工具航行於資訊大海，相比古老技術甚至信仰，是更精準或迷航？ 

羅馬尼亞館《WHAT WORK IS》 

探討工作意義的展名，想必又是關於勞動議題的沉重內容？實際走進羅馬尼亞館，40幅繪畫與數個馬賽克建築模型，幽暗色調本以為如腦中所想，細看才發現畫中人物都在工作中打盹、打牌— 這不是工作場景，而是休息景象。

由羅馬尼亞藝術家erban Savu聯手比利時布魯塞爾設計工作室Atelier Brenda，在這些偏離傳統社會主義勞動敘事的作品中，爬梳工作與休閒的曖昧關係。儘管展名探問「工作是什麼？」或許種種作品指向的是另一種可能：工作也可以不是什麼。 

_{文｜張以潔
攝影｜Matteo de Mayda、Marco Zorzanello、Andrea Avezzù
圖片提供｜臺北市立美術館、La Biennale di Venezia} 

更多精彩內容請見 La Vie 2024/6月號《逛美術館的多重視野》

美國大都會博物館（The Met）首度來台展出！故宮博物院將於2025年6月至10月呈獻《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》。

本展集結大都會博物館多達81件繪畫及素描珍藏，它們分別來自梵谷、雷諾瓦、馬諦斯、塞尚等38位大師級畫家，帶觀眾一覽19至20世紀中，自現實主義遞嬗至印象派、現代主義等的藝術流變；更特別精選多位知名女性藝術家之作，如印象派名家瑪麗‧卡薩特、貝絲‧莫莉索等，藉此呈現女性在西方現代藝術發展中的崛起與獨特風格。

穿越橫跨一世紀的藝術浪潮

美國大都會博物館被譽為全球四大博物館之一，收藏近200萬件橫跨5000年歷史的珍貴藏品，涵蓋世界各大文明與藝術流派。而故宮本次展覽時區鎖定19至20世紀中，類別涵蓋現實主義、學術繪畫、印象派、後印象派至早期現代主義。印象派的出現，讓畫家們從室內走向戶外、繪畫主題自人物與肖像延伸到自然景致，藉畫筆捕捉光影流動，並影響了後續藝術流派如點描派、野獸派、現代主義等的誕生及演變，留下許多經典佳作。

以人體、肖像、大自然等「畫面主題」劃分5大展區

策展敘事跳脫傳統上以「時序」、「畫派」分類的形式，改以「畫面主題」引導觀眾透過「直覺」展開探索，感受畫中色彩、筆觸及其蘊藏的人文情感，沈浸於作品所營造的氛圍情境。讓我們分別看向5大展區亮點：

▍身體姿態

此區梳理自1860年代起不同藝術家對人體的詮釋，並闡述鉛筆、顏料等不同媒材與技法對裸體描繪的特殊性，看人體如何成為藝術表達的試驗場。

▍肖像與人物

18世紀歐洲迎來工業革命，撼動社會階層與城市風貌，藝術也從國家資助轉向更開放的大眾市場，肖像畫趁勢崛起為中產階級展現財力、地位之物。這一時期，藝術家描繪現代生活中的社交互動，讓親朋好友成為畫中人，賦予肖像更風格化的表現，模糊肖像畫與風俗畫的界限，開啟人物畫的新風貌。

▍徜徉自然

在歐洲各國隨政治與工業革命的推進逐漸轉變之時，藝術家將視野轉向自然風光，以風景為畫作主角，並在其中融入自身獨特視角與繪畫風格，徹底改變19至20世紀初的畫風。

▍城市到鄕村

19與20世紀之交，藝術家們不僅徜徉自然，也探索各地人們的生活方式，及人們與環境的互動，眾多畫作描繪的主角從不斷變化的巴黎城市景觀、塞納河畔及度假勝地享受悠閒時光的漫遊者，再到鄉村小鎮和田園風光。藝術家以現代眼光及創新技巧，各自展開對所處地方的景觀與人群的獨到詮釋。

▍水岸風光

工業革命帶動鐵路運輸，人們能以更便捷的方式前往海灘、漁村、港口等各地觀光，藝術家們也踏上旅途，留下許多描繪水景風光的美作，無論在法國各海岸、威尼斯或阿爾及爾等地，都能看到不同藝術家詮釋的畫作紀錄。

票價資訊總整理

《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》規劃3波售票期間，提供各式票組選擇，有興趣者請見下方詳細售票資訊。

《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》

展期｜2025.06.14－10.12

展場｜國立故宮博物院 第二展覽館 一樓特展廳

開放時間｜每日 9:00－17:00（16:30展覽現場停止售票及入場）

 

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▍早鳥票 3/13－3/31

・雙人紀念套票｜$770

內附雙人入場憑證1組、紀念套票1組

請於觀展驗票時出示入場憑證，以兌換紀念套票組

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▍預售票 4/7－6/13

・單人票｜$400

・THE MET 限定零錢包套票｜$499

內附單人入場憑證1個、THE MET限定零錢包1個

請於觀展驗票時出示入場憑證，以兌換限定零錢包

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▍展期票 6/14－10/12

・全票｜$500

・優待票｜$450，6歲以上持有效學生證件者，每證限購一張（碩博士生、社區大學、空中大學及在職進修等恕不適用）

・特惠票｜$250，65歲（含）以上者、持本國或外國身心障礙手冊之陪同者，需出示證件正本，每證限購1張

2025大阪世博盛大進行中，La Vie編輯在4天內密集參觀超過35座展館，繼上篇推薦的5座展館後，此次再推6座！除了分享第一手體驗心得，也分析參觀方式、主題策劃等，探索什麼是能留存心中的展覽。

▸ Better Co-Being

必須在場的「共鳴」體驗

先說結論，「Better Co-Being」是此次我個人綜合排名的第1名。除了在視覺上極美（大推在傍晚或晚上預約），展館的整體性、建築與展覽內容的創新性，都屬高分評價。且在網路可以取得眾多訊息的現在，「Better Co-Being」展館具有「必須在場」的特質，是照片與文字難以完整感受的獨特體驗。

本屆世博會場正中心，座落的並非雄偉建築，而是名為「寂靜之森」的森林，而SANAA設計的「Better Co-Being」也融入其中。這裡的「融入」是意象上的，也是物理上的。呼應「Better Co-Being」展館強調連結、開放的理念，他們打造了一座11公尺高，無牆、無天花板的銀色網格狀罩棚；地面僅用纖細柱體支撐，讓網格如雲朵般飄浮空中。從白天到夜晚，從晴天到雨天，建築將與天色和天氣交織出不同景象。在「Better Co-Being」官網刊登的採訪中，西澤立衛表示：「建築本身就有『占據』空間的特質。從這個意義來看，如果能在空間上表達出『共享』的概念，將是一件非常有趣的事情。」妹島和世則說：「這是一個無法完全控制的空間，我認為這正是有趣之處，人們可以在這裡感受天氣變化，進行互動式的體驗。」

展覽透過感應石頭、作品、觀眾的互動，表達了「共鳴」此一抽象主題。現場採小規模團體導覽，入場前每人會拿到一顆「echorb」石頭感應器，與手機完成連結後，登入體驗網站，將看見包括自己在內的同場觀眾的石頭顏色與位置分布；手握石頭，其震動將自然帶動手往左或右移動。

接著跟隨工作人員引導，依序體驗塩田千春〈言葉の丘〉、宮島達男〈Counter Voice Network〉，以及策展人宮田裕章的〈共鳴の空〉、他和創意團隊EiM共創的〈最大多の最大幸福〉等作品。走在不同路段、靠近不同作品時，將石頭輕輕放在耳邊搖晃，還會聽到不同聲響。最後登場的球體LED裝置，會即時搜集本場觀眾的體驗行為、當下天氣等數據，呈現僅只一次、屬於此時此地的影像。

有趣的是，連結「echorb」與手機的體驗網站，就像是一個「參加過Better Co-Being館的人的社群網站」，你可以上傳照片，也可以看到他人拍攝的照片，彼此分享在世博捕捉到的風景，即便離開展場也能使用。從建築與環境的共享、藝術作品與人的互動，到應用程式將參觀者聯繫在一起，沒有想過「共鳴」可以用展覽的形式訴說，且說得新穎又深刻。

Better Co-Being
需預約。採分批導覽，編輯參觀時間約1小時。
更多資訊可至官方網站查詢

▸ 荷蘭館

一顆發光球體，貫穿建築與展覽

展館的「整體性」是我相當偏好的特質，與其建築、視覺、展覽、吉祥物等各個都很厲害、但欠缺聯動的整體性，我更偏好每個元素都彼此連結，完好地收斂在同一個概念下。「荷蘭館」可謂本屆在「整體性」上做得相當出色的展館，以「球」貫穿建築與展覽，連吉祥物也推出米飛兔抱著大球的限定款（甚至開幕第3天隨即完售）。

荷蘭館講述的主題為「永續」，坦白說在參觀前不抱期待，因為直覺此題很容易淪為說教，或讓看展有種「在上課」的感覺。但實際體驗後，發現它並不是對你說道理，而是讓你「感受」到此議題的重要與迫切性。觀眾在入場前，會拿到一顆白色小球，球上設有感應裝置，只要碰觸牆上的感應點，球就會發亮，牆面也會出現不同的聲光變化。有趣的是，荷蘭館將「使用球的方式」與永續概念連結，例如要啟動牆面的聲光裝置，必須多顆球同時接觸，僅有一顆是無效的，隱喻人類必須攜手合作以迎向未來；當觀眾拿著尺寸比手掌略大的球在展場走動時，勢必會雙手捧著，小心呵護其不掉到地上，這個舉動也象徵了人類得悉心照料地球。

「球」不僅貫串展館視覺，甚至聯動了永續主題。也許就內容、手法等個別項目來說均不是最強，但綜合起來成就了「荷蘭館」深刻的品牌印象。我想即便過了多年再回想起本屆世博，還是會清晰記得「荷蘭館就是那個有著大球」的館。

荷蘭館
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約40分鐘。
更多資訊可至官方社群查詢

➥ 延伸思考：引導物件的運用

這裡也想談談「引導物件」的使用方式，包括上述介紹的「荷蘭館」、「Better Co-Being」，本屆許多展館均採物件引導的參觀模式——入場前會發放一個「物件」，該物件會有感應裝置或需與個人手機連結，由它觸發展場內的體驗。例如「德國館」的物件為吉祥物「Circulars」，將其頭部碰觸展場接觸點、再放置耳邊，就會進行悄悄話般的語音導覽；「電力館」也選擇了蛋型吉祥物，透過互動遊戲可讓蛋發光，從中了解各種發電方式。不過物件的運用，無疑是給觀眾多一道的理解門檻與手續，加上世博有來自世界各地的觀眾，語言、文化甚至手機裝置型號都不同。如何讓大家都能夠輕易上手，且具有「加分」效果，實為關鍵。

「Better Co-Being」的「echorb」石頭、「荷蘭館」的球，前者新奇後者直覺，且與展覽內容呼應，均是我覺得在引導物件上使用得很好的展館。不過談白說「Better Co-Being」的使用門檻偏高、手續繁複，必須步步跟著工作人員的解釋，才知道「echorb」怎麼使用、又怎樣跟作品互動；且同行攝影師的手機無法順利連結，現場也找不出解決方法。但因為石頭震動的感覺太微妙，與作品互動的方式也夠有趣，所以仍甘願且開心地學習操作方式。

▸ Future of Life

科技如何真的帶人類前行？

若說世博最初的起源，是展現人類最新發明以展望未來，儘管在現今的意義已有轉變，本屆仍有不少展館保有這分意味。不過也不諱言，有些主打科技和未來的展館，會淪為形式絢麗而內容空洞的展演。但由「人形機器人權威」、大阪大學教授石黑浩策劃的「Future of Life」，將此主題講述得既實際（有諸多研究基礎）又有想像力（開展到千年後的世界），也是我覺得本屆世博在「內容」上十分突出的館，將較嚴肅與複雜的科技議題，轉化為電影般的劇情，不說教且留白得宜。

入場前每人會拿到耳機，可選擇日文或英文、是否顯示字幕。建議可選擇字幕，因「Future of Life」是相當有「劇情」的展覽，角色對白會透過耳機傳送，若一時沒聽清楚可搭配字幕理解。展覽從「猴子」到「女學生」等各式機器人揭開序幕，探究人類在不同時代如何賦予機器「生命」。接著將故事線帶往50年後，並在此拋出「Future of Life」的主線劇情：50年後的世界，人類可以選擇自然死亡，或是將記憶移轉給機器人繼續存活。透過影片裡奶奶的選擇，引發觀眾思考：這個機器人是否還是原本的人？機器人能擁有真的情感嗎？人類是否需要無限地活下去？

懷著這些疑問，下個展間直接將「人機共存」的社會顯示眼前，只見主持人松子Deluxe正和機器人互動，還有已故文學家夏目漱石的機器人、能演奏鋼琴的機器人⋯⋯。之後耳機傳來：「接下來是1,000年後的世界。」迎面出現的是，難以定義是人是機是神的機器人隨音樂舞動，展示了不再受限於身軀與物理的人類樣態。

科技與人性的辯證、人機結合的探究，早已不是新命題，但許多作品會以荒謬、空虛或頹敗的近未來，反諷一味追求革新的人類。但「Future of Life」並沒有走這條路，而是要用科技帶著人性前行。展末亦展示了50年後可能會實現的「近未來技術」，包括與人體結合的機器人和AI、讓生活方式更自由的醫療、更永續的環境與能源技術等等。一如石黑浩在展覽尾聲留給觀眾的訊息：「人類可以設計自己的未來，活出自己想要的生命。」科技能帶人類走到多遠？其實這題不只關乎技術，也關乎人類對自己的生命、情感與需求，有多透澈的理解。

Future of Life
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約1小時。
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▸ BLUE OCEAN DOME

一場「水」的純粹展演

如果要說哪件「作品」最印象深刻？我的答案會是「BLUE OCEAN DOME」裡、由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置。「BLUE OCEAN DOME」為由非營利組織ZERI JAPAN策劃的民間展館，由設計師原研哉擔任策展人，將「水」這個主題用純粹且詩意的方式表達。

nomena設計的水循環藝術裝置展示於「圓頂A」，以超疏水塗層的純白盤面為舞台，模擬水從天空降下後，流經曲折地景，最終匯入大海的過程。白色的空間、白色的裝置、透明的水，觀眾進到展間會自然安靜下來，只聽得到玻璃管傾的碰撞聲，以及水流動的潺潺聲響。看著水滴在台面上匯聚，聚集到臨界點後終有一滴流入下個區域⋯⋯，沒有複雜或絢麗的聲光，卻足以引人定睛長時間觀看。在本屆世博眾多展館或現今各大展演中，聲光效果似乎成為了一種標配或趨勢，但此裝置展現了另一條路，把「單純」這件事做到極致與精緻，沒有想過「水」可以這樣被展示與觀看。

由坂茂操刀的「BLUE OCEAN DOME」建築也值得一看，他在記者會上說：「世博的本質應該是實驗未來的場所，如今卻過於追求表面上的獨特性與外觀，鮮少提出結構或技術的創新。」因此他期望透過「BLUE OCEAN DOME」，探索新的建築可能。

展館由3座圓頂組成：「圓頂A」的結構是「竹」，由於傳統竹材的直徑和厚度不均，且會因日光直射而裂開，因此團隊運用最新技術製成竹集成材，輕盈、強韌並易於加工；「圓頂B」則使用「CFRP（碳纖維強化聚合物）」，此材料重量比鐵輕、強度卻更優異，通常被用於航空、汽車等，本次為全球首次將CFRP作為屋頂主要結構，世博結束後也將回收，應用於坂茂參與設計的馬爾地夫海洋度假村開發案；而坂茂聞名的「紙管」則出現在「圓頂C」，此處的紙管不僅用於屋頂，連椅子都由3根紙管組成，讓觀眾直接感受其韌性。

BLUE OCEAN DOME
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約50分鐘。
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▸ 韓國館

主題包裝下的科技國力

韓國館意外地讓我滿喜歡。其實它原本不在我想參觀的清單上，而是在世博開幕日傍晚，在大屋根廊道下方躲雨時，恰巧看到前方一面巨大的裸視3D牆——瞬間以為是某個世博官方的裝置，但隨即想到近年韓國經常使用此技術，看了一下周圍，確實找到「KOREA」的字樣。不用進到展館，韓國透過外牆就已大力輸出自家螢幕設備與設計實力。

韓國館以「With Hearts」為主題，講述科技與人性間的關係。入場前，觀眾會先依序進入如電話亭般的小錄音間，對著麥克風回答「最重要的東西是什麼？」每位觀眾錄下的聲音，將會在第1個展間轉化為聲光藝術，在全黑場域隨著音樂打下道道光束。第2個展間設有眾多如喇叭般的裝置，只要對其吹氣，上方就會產生泡泡落下（同場加映：瑞士館也有類似手法，但泡泡是由下往上升起）。

最後的第3展間，則播放一段「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片，融合K-Pop的音樂與舞蹈，講述科技如何聯繫情感，以及不隨時間改變的價值。其實各展間均強烈置入科技與娛樂產業等韓國國力，但因為收攏在科技與人性的連結此一主題下，並不會有太生硬或直接的「置入」感，可謂一場好看的展演。

韓國館
現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約40分鐘。
更多資訊可至官方網站查詢

➥延伸思考：國家這件事怎麼表現？

國家館打著國家的名義參展，這件事其實很有趣——「國家」的比重要占到多大？要呈現國家的哪些特質或特色（以及怎麼呈現）？又或者再深一層思考，哪些東西能夠代表國家？上述提及到的兩個國家館（荷蘭、韓國），對我來說都是「主題」走在「國家」前面，也是我個人較偏好的國家館形式。這個意思是，它們是運用國家的元素（例如荷蘭的水能源、韓國的科技與娛樂產業），來講述一個主題，「國家」這件事有經過一定程度的轉化與包裝。

相反地，本屆我看到的大多國家館，都是讓「國家本身成為主題」，以博物館式的方式，介紹該國的地理、人文、產業、歷史，或是最新／自豪的科技、品牌、政策等等。雖然也不乏精彩之作，但就我個人而言，仍不免有種說教感。不過在直白介紹國家的國家館中，想特別推薦一個讓我印象深刻的展館：

▸ 巴林館

視覺之外，用觸覺與嗅覺感受巴林

其實在此之前，我並不知道巴林這個國家，但由黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh（近年贏得「大英博物館」西翼展廳改造計畫國際競圖，是備受矚目的女建築師）操刀的建築，以3,000根木材製成木船般的展館，外觀就十分搶眼。

展覽內容不外乎介紹這個位於西亞、波斯灣西岸附近的島國，其自然與航海資源。但參觀方式的設計，是先進行一小段的團體導覽，讓觀眾對巴林有基礎認識後，再自由參觀，解說員也清楚交代「展館裡每一項東西都可以摸和聞」。對於用看或聽的方式來接收一國文化，總顯得有點制式，但透過觸覺和嗅覺，意外地讓我更有好奇心地探索。布幔染上的巴林海洋氣味，我到現在都還記得那股怪異酸味。

還有，巴林館商店超、好、逛！除了有許多當地工藝，同行攝影師還在裡面挖到巴林攝影師Ishaq Madan的Zine，照片和印刷品質都在線。另外亦可關注，目前也在開展中的威尼斯建築雙年展，國家館最高榮譽金獅獎就是由巴林館奪下，也讓我更好奇這個過往相對陌生的島國，還擁有什麼樣的創意能量。

巴林館
現場排隊。前段分批導覽、後段自由參觀，編輯參觀時間約半小時。
更多資訊可至官方社群查詢

_{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徴
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