2024第60屆威尼斯國際美術雙年展以《處處都是外人》（Stranieri Ovunque–Foreigners Everywhere）為題，有著「不論走到何處都會遇到外國人」、「無論身在何處都感覺像外人」等多重意涵。台灣館由藝術家袁廣鳴代表參加，在居家般的展間帶來一場《日常戰爭》。這場關於家與戰爭的故事要如何訴說？除了台灣館，本屆雙年展又有哪些國家館不可錯過？

原本為監獄的普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni），在威尼斯雙年展台灣館展出之際，放入沙發、檯燈、沙灘椅等家具，竟浮現出家的感覺。但曾經，袁廣鳴認為自己不可能成家，「總覺得藝術家結婚就被綁住了，得乖乖做一個該死的中產階級上班族。」

這不是他第一次參展威尼斯雙年展，早在2003年就與李小鏡、鄭淑麗、李明維以聯展形式展出。回憶過往，他笑說當時和現在的太太熱戀中，想著展覽結束後要同遊水都。而也就在雙年展後的1、2年，兩人結婚了，「因為碰到對的人，就對婚姻不那麼懼怕。」

相隔近20年再度參展威尼斯雙年展，這次他獨挑大梁展出《袁廣鳴：日常戰爭》，身邊還多了太太與女兒。連他也沒想到，雙年展竟見證了生命與創作歷程的轉換。「成家之前，我的創作議題偏向個人自身的探討，而這一次關心跟探討的事情又更大更深。」

「假」的日常演習，到「真」的日常戰爭

《袁廣鳴：日常戰爭》展出5件錄像、1件動力裝置、1件素描作品，作品呈現了防空演習、公民不服從運動、居家襲擊，更探討後資本主義、網路攻擊、氣候異常及族群紛爭等議題。內容不僅關於台灣，更是世界的不安、焦慮與現實寫照。

隨著近年烏俄戰爭、以哈衝突等國際政治動盪，不難聯想是否意有所指？事實並非如此，此次計畫早於2019年末成形並定名《日常戰爭》，名字源自此次亦展出的作品《日常演習》，雖拍攝「假」的戰爭演習，但他當時有感世界局勢與台灣狀況正朝向「很壞的」方向，日常演習會成為「真」的日常戰爭。

原計畫舉辦個展的袁廣鳴，因接到臺北市立美術館邀約而參加威尼斯雙年展，也因此有策展人、舊金山亞洲藝術博物館的當代藝術主管和資深策展人陳暢（Abby Chen）的加入，讓這次展出「不只是一個袁廣鳴個展」。陳暢首先提出展場不要太暗、要有椅子等家居式家具，讓袁廣鳴聯想到可以展出有以客廳為場景的《棲居如詩》，並把2018年個展時《向光》的白色椅子搬來，還加入餐桌動力裝置《預言》。

而從藝術家的角度，新作必然是放在展場最醒目處，原本袁廣鳴規劃入口為正反兩面大螢幕，正面播《日常戰爭》、反面為《扁平世界》，但陳暢建議輪播《日常演習》和拍攝太陽花學運的《佔領第561小時》，一來《日常演習》的警報聲可以讓觀眾在步入展場前就聽到，營造展題的不安氛圍；二來《佔領第561小時》是此次唯一有人的影像，即便展覽沉重，但至少有那麼一件作品，傳遞人的溫度，且人有辦法憑自己的力量做出改變。

爆炸是毀滅與重建的一體兩面

此次帶來的兩件新作，正好窺見了袁廣鳴熟悉與嶄新的創作脈絡。《日常戰爭》在頂樓工作室打造1比1實景，呈現中產階級房間中發生的一場襲擊。爆炸在袁廣鳴的作品中並不少見，前作就有《棲居如詩》描述客廳午後莫名其妙爆炸、《明日樂園》炸毀形似迪士尼樂園的城堡。

他說《日常戰爭》是他決定做的「最後一次爆炸」，過去爆炸鏡頭皆固定不動，這次想開發單軸運動手臂，既然攝影機要運動，就得採實景拍攝，否則模型容易穿幫。再加上創作前就打定主意，要全部由自己完成，剛好也辦了研究休假，想要享受創作的快樂。既然全部要自己來，實景較好掌握，測試途中道具要是壞了，就再買一個一模一樣的即可。

至今採用了3次爆炸，不禁好奇他何以情有獨鍾？「會爆炸肯定和脆弱有關，也因為脆弱才會體現爆炸的威力。」相較於《日常戰爭》的爆炸明顯指向戰爭，《棲居如詩》則沒有政治象徵，可以是家庭主婦想把家炸毀的怨恨、地震摧毀家園的無情⋯⋯，不論哪種詮釋，都指向「家並不穩固」的概念。

他也說，「爆炸有毀滅和重建的意思，所以我使用到爆炸，一定都會用無縫循環（loop），讓爆炸有點像在夢裡面，可是又很真實。」若仔細觀看《日常戰爭》，會發現背景音是遊戲主在直播戰爭遊戲，影像裡的爆炸時而和聲音同步時而不同步，產生現實與夢境的游離，到底是現實還是遊戲場景？或許創作者本人也如遊戲主一般，嘻嘻哈哈地旁觀他人痛苦。

當代世界失去了距離來認識世界

另一件新作《扁平世界》以Google全球街景資料庫（Google Street View）將100個國家類似景貌的街景串接，製成10分鐘的「新公路電影」。每段影像皆由台灣開頭，再連接至世界各地，顯示在全球化、數位化的網路時代裡，世界竟是一個極度相似的「扁平世界」。

袁廣鳴從求學、任教到藝術創作，一直在處理技術與藝術的關係，也一直想著要做一件碰觸這個議題的作品。2006年他曾在台北當代藝術館策展《慢Slowtech》，內容是關於媒體及科技之中針對速度的「提問」或「反問」。「當代最主要的特徵就是速度，科技讓速度變快、生活變快，但我們卻失去了距離來認識世界。」他以米蘭．昆德拉的小說為例，當一 個人握上方向盤、踩下油門，在車子的狂駛速度中，身體就被拋棄了；反之在跑步時卻能深刻感受到身體。

套用至《扁平世界》，100個國家在10分鐘倏忽閃過，身體根本沒去過的國度，好似已經去過，漫漫網海資訊無垠，在家真能知曉天下事，「速度把距離刪除了，也把身體刪除了，但我們的古老身體其實是對於認識世界滿重要的一環。」他知道科技不會停止也並非反對進步，「對於所有的新媒體，只有以反身自省或批判的方式，才比較能進入新媒體的本質。」

不過，和爆炸無關的《扁平世界》也採用了無縫循環，袁廣鳴說，無縫循環是他很喜歡的播映方式。他在大一曾有電影夢，大二發現電影是工業後隨即幻滅，「轉向錄像後，做的很多事情都是在抵抗電影。不是說電影不好，而是動態影像是不是還有更多可能的實驗？」大學暑假曾一口氣看了450部電影系必看經典電影，他發現不論電影或錄像，如今的經典都是當初的前衛，因此要做正是抵抗現在的經典，才有可能突破。

無縫循環即是跳脫傳統觀影體驗，要從哪個時間點開始觀看，想看很多遍或看個幾秒就走，都是自由的。他坦言，台灣館入口大螢幕輪播《日常演習》和《佔領第561小時》，類似電影院輪播的感覺起初他相當抗拒，本想在兩部片中間夾雜10秒閃光，但怕對觀眾造成干擾，最後接受了策展人的說服。

越幸福就越脆弱

想來好奇，如今已成家的袁廣鳴，談起家庭總笑容不斷，為何反而不斷在作品傳遞出家的脆弱與不穩定？他談起2007年突然動念拍攝父親，創作《逝去中的風景－經過》，兩年後父親過世了，而也就在同年的4個月前，他迎來女兒出生。

「生和死每個人都會遇到，只不過我比較倒楣短時間湊在一起。越幸福的時候，其實會越擔心，因為我知道幸福其實是脆弱的。」這個心境或許在最初命名作品就已明瞭，「它不是逝去的風景，而是逝去『中』的風景。幸福來的時候，我們當然想慢慢地掌握，但這是不可能的，你就是眼睜睜看著它慢慢逝去。」

身為外省二代，袁廣鳴從小父母離異，父親走了之後台灣就無親人。還好他結婚了，沒那麼孤單，不過太太是日本人、又住在廢墟改造的家，整修時看著遺留的物件，想像這戶人家以前最輝煌的樣子，不斷往返跳躍的時間線全部湧現，「對家的感觸很多，越幸福，就越脆弱。」但越脆弱，也越證明了幸福的得來不易，儘管無法停留於線性時間軸，卻可以定格在影像藝術，成為存在的提醒。

同場加映：不可錯過的5個國家館！

澳洲館《kith and kin》

威尼斯雙年展最高榮譽金獅獎，本屆雙雙獎落南半球原住民藝術家，主題館由4位紐西蘭毛利女性藝術家組成的Mataaho Collective奪下，國家館則頒給澳洲館。

黑白構成的靜謐展間是哀悼場所，中間水池平台上放置一落落澳洲原住民遭迫害的檔案。藝術家Archie Moore爬梳超過65,000年的家族親屬關係，用粉筆在四周牆面與天花板寫滿族譜，幽微傳遞原住民受迫害的歷史，同時印證不同族群的人類血親是如何彼此聯繫。評審團提及，族譜名字多達上千位，也提供了恢復原住民歷史的一絲可能。

盧森堡館《A Comparative Dialogue Act》 

通常人們的看展預期，都是要欣賞一檔「已完成」的展覽，但盧森堡館的展出，開幕後才正要開始。由音樂人暨藝術家Andrea Mancini、藝術團隊Every Island聯手策劃，展館為一座鋼製舞台，數場駐地表演將接連登場。

貫串演出的元素為「聲音」，且僅以聲音作為溝通媒介，每次藝術家在舞台上留下的聲音，均會交給下一位登場者改編運用。展場既是表演場域，亦是藝術家的工作現場，也引人思考個人創作與集體協作間的辯證。

波蘭館《Repeat after Me II》

烏俄戰爭爆發後，不少藝術家以創作回應或表述立場，波蘭館卻選擇了一個另類形式——卡拉OK。現場不會聽到流行音樂，而是槍聲、導彈、嚎叫和爆炸，致命槍械的描述也成了歌詞。

波蘭館參展藝術團體Open Group，由6位烏克蘭藝術家組成，作品分別拍攝於2022、2024年，讓戰爭目擊者試圖重現武器聲音等「戰爭配樂」。這些聲音既是創傷延續與擴大的證明，更是戰火下的新語言，烏克蘭人得具備辨認這些聲音的能力才能生存。 

馬爾他館《I WILL FOLLOW THE SHIP》

古老文明遇上最新AI科技將會如何？首位單獨代表馬爾他館的藝術家Matthew Attard，創作契機源於「還願供品」（ex-voto）的船隻塗鴉歷史圖像，這些圖像廣泛出現於馬爾他教堂外牆，據說是船員為求庇蔭所繪。

展名的「I」（我）在英文讀音與「eye」（眼睛）相同，他以現代眼動儀器作為繪圖工具，並和古老船隻圖像對比；現場亦有QR Code，觀眾可以掃描繪製自己的地圖。透過科技工具航行於資訊大海，相比古老技術甚至信仰，是更精準或迷航？ 

羅馬尼亞館《WHAT WORK IS》 

探討工作意義的展名，想必又是關於勞動議題的沉重內容？實際走進羅馬尼亞館，40幅繪畫與數個馬賽克建築模型，幽暗色調本以為如腦中所想，細看才發現畫中人物都在工作中打盹、打牌— 這不是工作場景，而是休息景象。

由羅馬尼亞藝術家erban Savu聯手比利時布魯塞爾設計工作室Atelier Brenda，在這些偏離傳統社會主義勞動敘事的作品中，爬梳工作與休閒的曖昧關係。儘管展名探問「工作是什麼？」或許種種作品指向的是另一種可能：工作也可以不是什麼。 

_{文｜張以潔
攝影｜Matteo de Mayda、Marco Zorzanello、Andrea Avezzù
圖片提供｜臺北市立美術館、La Biennale di Venezia} 

更多精彩內容請見 La Vie 2024/6月號《逛美術館的多重視野》

2025京都ACK藝術博覽會於11月14～16日登場，La Vie編輯直擊現場，從主展場國立京都國際會館，到寺廟等京都市內衛星展區，帶看本屆展出亮點與有趣的策展方式，以及藝術如何透過不同形式融入城市。

11月的日本藝術場景熱鬧的。東京藝術週（ART WEEK TOKYO）率先於11月5～9日登場，以非定點的展出形式，串聯並打開東京全城的藝術場域。緊接著京都藝術博覽會（Art Collaboration Kyoto，ACK）於11月14～16日展開，核心緊扣「合作」，兩大代表性展區：「Gallery Collaborations」規定日本藝廊須與海外藝廊組隊策展同一展位、「Kyoto Meetings」將展會呈現方式與京都文化結合，加乘藝廊與藝廊之間、京都與國際之間的交流，成為藝博會中的獨特存在。

2025年邁入第5屆的ACK，共有來自19個國家與地區的72間畫廊，其中25家為首次參展，可謂至今規模最大且國際多元性最高的一屆。講者陣容也相當豪華，包括今年在臺北市立美術館舉辦巡迴展《你的好奇旅程》的藝術家Olafur Eliasson、TeamLab創辦人猪子寿之、2025大阪世博女性館和Panasonic館建築師永山祐子等人皆親臨現場。值得注意的是，ACK自2022年獲得「保稅展覽」資格，讓國際參展單位得以免除需於銷售前課徵的10%消費稅，而今年也依舊維持此形式。

強調合作的ACK，今年首度攜手曼谷文化機構「Bangkok Kunsthalle」，推出獎助金計畫「Bangkok Collaborate Kyoto Fellowship」，最終由墨西哥藝廊「kurimanzutto」的王水（WangShui）、日本藝廊「Anomaly」的玉山拓郎獲選。兩位除了能獲得金援支持，還將前往曼谷駐村並舉辦展覽。評審團表示，評選標準是希望能尋找與Bangkok Kunsthalle和ACK理念相符的藝術家——具備實驗性、療癒，以及對文化系統的重新想像。而王水的作品結合了影像、演算程序和電影語彙，將科技與精神性以近乎儀式感的方式融合並呈現；玉山拓郎則能將經常被忽視的空間，轉化為令人意想不到的多重感官世界。

在2025年的此刻，ACK以「2050—凝視未來」（2050—Gaze Toward the Future）作為企劃主題，一方面回顧了這個世紀前1/4的歷程，也從此開始思索下一個1/4的世界樣貌。以下盤整今年展出亮點，看藝術與京都激盪出了哪些火花？

① 京都式的展場氛圍

藝博會的氛圍很大一部分由展場定調，有別於一般方正的白色間隔，ACK邀請建築師周防貴之操刀會場設計，運用原木牆拼接成一格格木製展間，各展位不規矩的位置設置，走逛其中，宛如置身於京都的迷宮巷弄間。許多展位也將作品擺放方式結合木格展間，看各藝廊怎麼和木格展間互動，也成為逛展的樂趣之一。

主展場國立京都國際會館的建築亦相當值得一看，這座於1966年開館的建築，由師從日本建築巨擘丹下健三的大谷幸夫設計，室內設計則由劍持勇操刀，可謂日本近代建築的重要作品。11月的ACK展期也正值楓葉季，在1樓展場觀展之餘，也相當推薦到2樓眺望國立京都國際會館周遭景緻，可見紅色楓葉與綠意、建築交織。

② Gallery Collaborations藝廊如何合作？

本屆「Gallery Collaborations」展區，共有29間日本畫廊與30間國際畫廊共同合作展出。其中，代理非洲藝術家的東京藝廊「space Un」，聯手奈及利雅首都阿布加藝廊「Retro Africa」，展出多位非洲藝術家作品，探討物質與身分、動態與靜止之間的關係。日本老字號畫廊「思文閣」，與在聖保羅、布魯塞爾、紐約、巴黎皆有據點的「Mendes Wood DM」合作，呈現拉丁美洲藝術家與日本戰後抽象與前衛書法的創作交流。

東京的「Taka Ishii Gallery」則攜手維也納的「Galerie Martin Janda」，呈現墨西哥藝術家Mario García Torres與斯洛伐克藝術家Roman Ondak的雙人展。其中擅長重構日常物件的Roman Ondak，其大型樓梯裝置〈Leap〉在展間相當吸睛。

東京藝廊「Mitochu Koeki Co.」和倫敦藝廊「Annely Juda Fine Art」的合作相當有趣，前者帶來4位日本女性陶藝家稲崎栄利子、波多野亜耶、服部真紀子、Aizawa Rie的作品，後者則帶來繪畫大師David Hockney於2021年以iPad創作的《20 Flowers》系列作品，呈現一場媒材迥異的展出。而David Hockney的3件作品，也各自以1,500～3,000萬日圓的高價出售。

③ Kyoto Meetings亮點藝廊聚焦

今年共有13間日本及國際藝廊參與「Kyoto Meetings」。墨西哥藝廊「kurimanzutto」帶來王水個展，展出多件以水墨與油彩在鋁板上作畫的作品，方正的畫框中，可見道道強勁而抽象的筆觸。且在預展日結束時，展位已有75%的作品售出，每件作品的成交價落在30,000～55,000美元間。

來自釜山的「Johyun Gallery」也相當值得一看，展出了李培（Lee Bae）、金澤相（Kim Taek Sang）、李光鎬（Lee Kwang-Ho）與墨西哥藝術家Bosco Sodi的作品。展間同時呈現了4位藝術家迥異的媒材特性：炭墨的焦痕、水的沉積色調、超寫實的形象、土質顏料的觸感，引人探索物質與感知的全新維度。

京都本地的「KANEGAE」則用藝術回應環境與社會問題：當鹿肉進入市場後，鹿皮與鹿骨因難以處理而被丟棄。因此KANEGAE開啟了藝術計畫，由藝術家將鹿角與鹿骨轉化為雕塑與陶藝，並從鹿皮提煉出用於繪畫的黏合劑。但他們注意到，光憑藝術無法提供實質解方，因此今年ACK，KANEGAE聯手時尚品牌「T.T」，用鹿皮製作外套與鞋子，試圖開啟新的商業可能。另外也推薦造訪KANEGAE位在大徳寺總門的藝廊，細品工藝的多重面貌。

④ 公共藝術不可錯過

會場除了各藝廊的展位，更有策展人Martin Germann、木村こころ（Kimura Kokoro）策劃的「公共計畫」（Public Program），以「共生：藝術與我們共同生活的世界」（Symbiosis: Art and Common Grounds）為題，邀請10位日本與海外藝術家，在會場內外各處展出作品。會場外可見德國－越南藝術家Phung-Tien Phan的裝置〈ersatzteile〉，將寶特瓶、燈具、收音機等日常可見的工業物件錯置組合，煙霧也不時冒出，隱喻對社會身分的真實性的質疑。

場內亦可見日本藝術家木村友紀翻玩日常物件，作品〈Des Treize〉讓透明球形機器人緩緩穿梭展間，基於數據運算的運動軌跡，會隨著機器人和環境的物理條件差異而慢慢偏離預設，呼應木村友紀長期關注的「物質與非物質存在」之間的關係。

日本藝術家遠藤利克的大型裝置〈Void–Blackening〉，將木、鐵、水泥、焦油炙燒成一顆偌大球形，延續藝術家一貫擅長轉化空間感受的紀念性雕塑脈絡，讓國立京都國際會館一角添上靜謐與神祕氣息。

⑤ 在寺廟遇見藝術

有趣的是，ACK也將展覽延伸到京都市內的寺廟、文化機構等，看藝術家們如何讓作品與空間、歷史互動，也成為到京都看展的獨特樂趣。兩足院由在紐約、洛杉磯擁有據點的藝廊「David Kordansky」，帶來日本藝術家日下翅央（Shio Kusaka）、美國藝術家Jonas Wood夫妻檔的雙人展。日下翅央的陶藝呈現了寺廟內部空間一角的景色，David Kordansky的繪畫則融入寺廟窗景，其筆觸亦呼應了日下翅央的陶藝紋理。

由「Kiang Malingue」代理的美國藝術家Carrie Yamaoka，則於曼殊院展開首次日本個展《Inside Out / Outside In》。在曼殊院這個室內禁止攝影隱密古蹟，Carrie Yamaoka的作品也靜靜隱身寺廟各處，讓旅人如解謎般探索，不斷轉換遠／近、外／內的視線欣賞作品。部分作品甚至直接暴露於自然環境中，隨著天氣、光線、時間的變化，作品將與空間、觀眾交織出不同變化，讓每一次的造訪，都是此刻僅有的體驗。

廣誠院則有倫敦藝廊「Sadie Coles HQ」舉辦的義大利藝術家Isabella Ducrot個展《Incongruous》，這也是這位1931年出生的藝術家，自1990年以來於日本的首次展覽。此次展出了《Bella Terra》與《Incongruous》2大以紙材創作的系列：前者意指「美麗之地」，透過樹木、水面、月亮3個基本元素，以自然的不斷嬗遞，隱喻生命的韻律；後者則展出於2樓，以花瓶、茶壺、桌子等家庭元素為核心。當日光從窗戶穿透紙面，作品也與窗外楓葉景致一同映入眼簾，亦巧妙回應了藝術家對自然與生命規律的叩問。

Art Collaboration Kyoto
時間：2025.11.14～16
地點：國立京都國際會館（ICC Kyoto）
＊2026年確定將於11.7～9舉辦！

_{文、攝影｜張以潔
圖片提供｜各單位}

台中勤美術館邀請台灣跨域藝術團隊 何理 WHYIXD 策展，以《Input > Unknown》為題，打造一場以「感知場域」為核心的沉浸式多感官體驗，以光影為主題，融合科技、感知與想像力，邀請觀眾穿越光影矩陣，重新看見隱藏的資訊如何於城市與日常之間流動、生成與綻放。

由日本建築大師隈研吾設計的「勤美術館 CMP INSPIRATION」於去年12月正式開幕，首展邀請日本設計師nendo團隊帶來《OUTLINES IN BETWEEN》，奠定展館「靈感能量」的創意基調；第3棒由首次登台的歐洲藝術團隊Numen/For Use，展出《Net & String Taichung》，延續對城市空間與感知的探索。今年冬季，第3棒展覽由台灣跨域藝術團隊何理 WHYIXD接手策展，回應勤美草悟長年累積的靈感脈絡，以及勤美術館「打開想像」的核心理念。

以身體與感官作為「輸入」

展覽靈感源自電腦程式語法的命令提示符「Input >」，象徵等待輸入的未知狀態。在這場展覽中，觀眾不再只是觀看者，而是以身體與感官作為「輸入」，親身參與一場關於「未知（Unknown）」的感知運算。展覽由何理 WHYIXD策展與創作，並攜手德國聲音藝術實驗室KLING KLANG KLONG、台灣視覺設計團隊HOUTH，以及藝術家莊志維，共同構築一場融合光、聲、風與數據的多感官體驗，探索數位時代的「真實感」與感官邊界。

觀者化身參與世界生成的「玩家」

在《Input > Unknown》的展覽現場，觀者是參與世界生成的「玩家」。何理 WHYIXD表示，此次展覽透過觀者的參與性互動，讓科技藝術不再只是被觀看，而是成為每個人都能親身介入的感知場域。真實不只是一種結果，而是一種持續被生成的過程。當你改變觀察的角度、重新檢視習以為常的界線，世界也會回應你以另一種樣貌。展覽共分為4個展區：啟動、運算、渲染及沙盒模式，也象徵未知世界生成的4階段。

以偏光鏡啟動未知的光影世界

展覽自1樓入口〈Hello World〉啟動，觀者能拿起本展入場通行證——現場特製「偏光鏡」，親手解碼隱藏於牆面光影之間的訊息。隨著鏡片旋轉，光的偏振方向改變，潛藏的線條與色層逐一顯現，人們彷彿化身為指令輸入者，透過手勢與視角開啟個人化的光影界面。〈Hello World〉走廊以電腦語言與互動機制設計，透過每日投票「Accept／Deny」參與展覽程式，感受思考轉化為光的瞬間。

在7公尺高「像素矩陣」行走

順著階梯走入地下一層，壯闊的〈像素力場Dynamic Field〉以流動光影迎面而來。由偏光鏡面、旋轉機構與燈光交織而成的巨大裝置，構築出可步入的7公尺高「像素矩陣」，隨著觀眾的移動與視角改變，潛藏色層與反射光譜層層顯現。靜止的結構在觀看中流動，鏡面折射出觀者與環境的互動，使「身體」成為影像生成的一部分。讓光成為媒介、感知成為動力，模糊了虛擬與真實的界線，開啟一場關於影像與自我之間的沉浸對話。

在光與聲中聆聽數據的呼吸

從視覺宇宙轉入暗黑場域，〈海境：回溯 Tender Soul of Ocean: recall〉由何理 WHYIXD攜手德國聲音實驗室KLING KLANG KLONG共創，以勤美術館戶外的氣候資料與人流數據為素材，轉譯成流動的光影與聲音。觀眾步入作品，如同進入被風與海洋訊號編織的波光之境。光線隨氣候與人群移動而閃爍，聲音在空氣中震盪，如潮汐般呼吸。觀者不再只是旁觀者，而是環境節奏的共構者。〈海境：回溯Tender Soul of Ocean: recall〉以溫柔卻深刻的方式提醒我們：氣候、聲音與人並非分離的存在，而是一場持續共鳴的動態生命場。

以眾人之手生成詩性色譜

展覽最終章〈白色彩虹Spectrum of White〉由藝術家莊志維創作，運用偏光鏡獨特的折射特性，邀請觀眾以手指觸碰、留下痕跡，親身參與作品的生成過程。隨著每位參與者的指印與動作不斷堆疊，原本純白的偏光片逐漸映現出繽紛光譜，從透明到彩色、從個體到群體，最終形成一道由人共同構築的「彩虹」。作品象徵著當代人際網絡的連結——每一個獨立行為都能匯聚成共感的意識場。這件裝置成為展覽的尾聲，也是一場凝聚的儀式：當觀眾離開，光線仍在轉動，留下的是眾人共創的光譜印記，映照著人與人之間持續流動的生命力與連結感。

勤美術館 《Input > Unknown》
展期時間｜2025.11.22（六）－2026.03.01（日），週一休館
第一階段展期 2025.11.22(六) − 2026.01.04(日) 13:00−21:00
第二階段展期 2026.01.06(二) − 2026.03.01(日) 10:00−18:00
地點｜勤美術館 CMP INSPIRATION（台中市西區館前路79號）  
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_{資料提供｜勤美術館、文字整理｜Adela Cheng}