2024第60屆威尼斯國際美術雙年展以《處處都是外人》（Stranieri Ovunque–Foreigners Everywhere）為題，有著「不論走到何處都會遇到外國人」、「無論身在何處都感覺像外人」等多重意涵。台灣館由藝術家袁廣鳴代表參加，在居家般的展間帶來一場《日常戰爭》。這場關於家與戰爭的故事要如何訴說？除了台灣館，本屆雙年展又有哪些國家館不可錯過？

原本為監獄的普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni），在威尼斯雙年展台灣館展出之際，放入沙發、檯燈、沙灘椅等家具，竟浮現出家的感覺。但曾經，袁廣鳴認為自己不可能成家，「總覺得藝術家結婚就被綁住了，得乖乖做一個該死的中產階級上班族。」

這不是他第一次參展威尼斯雙年展，早在2003年就與李小鏡、鄭淑麗、李明維以聯展形式展出。回憶過往，他笑說當時和現在的太太熱戀中，想著展覽結束後要同遊水都。而也就在雙年展後的1、2年，兩人結婚了，「因為碰到對的人，就對婚姻不那麼懼怕。」

相隔近20年再度參展威尼斯雙年展，這次他獨挑大梁展出《袁廣鳴：日常戰爭》，身邊還多了太太與女兒。連他也沒想到，雙年展竟見證了生命與創作歷程的轉換。「成家之前，我的創作議題偏向個人自身的探討，而這一次關心跟探討的事情又更大更深。」

「假」的日常演習，到「真」的日常戰爭

《袁廣鳴：日常戰爭》展出5件錄像、1件動力裝置、1件素描作品，作品呈現了防空演習、公民不服從運動、居家襲擊，更探討後資本主義、網路攻擊、氣候異常及族群紛爭等議題。內容不僅關於台灣，更是世界的不安、焦慮與現實寫照。

隨著近年烏俄戰爭、以哈衝突等國際政治動盪，不難聯想是否意有所指？事實並非如此，此次計畫早於2019年末成形並定名《日常戰爭》，名字源自此次亦展出的作品《日常演習》，雖拍攝「假」的戰爭演習，但他當時有感世界局勢與台灣狀況正朝向「很壞的」方向，日常演習會成為「真」的日常戰爭。

原計畫舉辦個展的袁廣鳴，因接到臺北市立美術館邀約而參加威尼斯雙年展，也因此有策展人、舊金山亞洲藝術博物館的當代藝術主管和資深策展人陳暢（Abby Chen）的加入，讓這次展出「不只是一個袁廣鳴個展」。陳暢首先提出展場不要太暗、要有椅子等家居式家具，讓袁廣鳴聯想到可以展出有以客廳為場景的《棲居如詩》，並把2018年個展時《向光》的白色椅子搬來，還加入餐桌動力裝置《預言》。

而從藝術家的角度，新作必然是放在展場最醒目處，原本袁廣鳴規劃入口為正反兩面大螢幕，正面播《日常戰爭》、反面為《扁平世界》，但陳暢建議輪播《日常演習》和拍攝太陽花學運的《佔領第561小時》，一來《日常演習》的警報聲可以讓觀眾在步入展場前就聽到，營造展題的不安氛圍；二來《佔領第561小時》是此次唯一有人的影像，即便展覽沉重，但至少有那麼一件作品，傳遞人的溫度，且人有辦法憑自己的力量做出改變。

爆炸是毀滅與重建的一體兩面

此次帶來的兩件新作，正好窺見了袁廣鳴熟悉與嶄新的創作脈絡。《日常戰爭》在頂樓工作室打造1比1實景，呈現中產階級房間中發生的一場襲擊。爆炸在袁廣鳴的作品中並不少見，前作就有《棲居如詩》描述客廳午後莫名其妙爆炸、《明日樂園》炸毀形似迪士尼樂園的城堡。

他說《日常戰爭》是他決定做的「最後一次爆炸」，過去爆炸鏡頭皆固定不動，這次想開發單軸運動手臂，既然攝影機要運動，就得採實景拍攝，否則模型容易穿幫。再加上創作前就打定主意，要全部由自己完成，剛好也辦了研究休假，想要享受創作的快樂。既然全部要自己來，實景較好掌握，測試途中道具要是壞了，就再買一個一模一樣的即可。

至今採用了3次爆炸，不禁好奇他何以情有獨鍾？「會爆炸肯定和脆弱有關，也因為脆弱才會體現爆炸的威力。」相較於《日常戰爭》的爆炸明顯指向戰爭，《棲居如詩》則沒有政治象徵，可以是家庭主婦想把家炸毀的怨恨、地震摧毀家園的無情⋯⋯，不論哪種詮釋，都指向「家並不穩固」的概念。

他也說，「爆炸有毀滅和重建的意思，所以我使用到爆炸，一定都會用無縫循環（loop），讓爆炸有點像在夢裡面，可是又很真實。」若仔細觀看《日常戰爭》，會發現背景音是遊戲主在直播戰爭遊戲，影像裡的爆炸時而和聲音同步時而不同步，產生現實與夢境的游離，到底是現實還是遊戲場景？或許創作者本人也如遊戲主一般，嘻嘻哈哈地旁觀他人痛苦。

當代世界失去了距離來認識世界

另一件新作《扁平世界》以Google全球街景資料庫（Google Street View）將100個國家類似景貌的街景串接，製成10分鐘的「新公路電影」。每段影像皆由台灣開頭，再連接至世界各地，顯示在全球化、數位化的網路時代裡，世界竟是一個極度相似的「扁平世界」。

袁廣鳴從求學、任教到藝術創作，一直在處理技術與藝術的關係，也一直想著要做一件碰觸這個議題的作品。2006年他曾在台北當代藝術館策展《慢Slowtech》，內容是關於媒體及科技之中針對速度的「提問」或「反問」。「當代最主要的特徵就是速度，科技讓速度變快、生活變快，但我們卻失去了距離來認識世界。」他以米蘭．昆德拉的小說為例，當一 個人握上方向盤、踩下油門，在車子的狂駛速度中，身體就被拋棄了；反之在跑步時卻能深刻感受到身體。

套用至《扁平世界》，100個國家在10分鐘倏忽閃過，身體根本沒去過的國度，好似已經去過，漫漫網海資訊無垠，在家真能知曉天下事，「速度把距離刪除了，也把身體刪除了，但我們的古老身體其實是對於認識世界滿重要的一環。」他知道科技不會停止也並非反對進步，「對於所有的新媒體，只有以反身自省或批判的方式，才比較能進入新媒體的本質。」

不過，和爆炸無關的《扁平世界》也採用了無縫循環，袁廣鳴說，無縫循環是他很喜歡的播映方式。他在大一曾有電影夢，大二發現電影是工業後隨即幻滅，「轉向錄像後，做的很多事情都是在抵抗電影。不是說電影不好，而是動態影像是不是還有更多可能的實驗？」大學暑假曾一口氣看了450部電影系必看經典電影，他發現不論電影或錄像，如今的經典都是當初的前衛，因此要做正是抵抗現在的經典，才有可能突破。

無縫循環即是跳脫傳統觀影體驗，要從哪個時間點開始觀看，想看很多遍或看個幾秒就走，都是自由的。他坦言，台灣館入口大螢幕輪播《日常演習》和《佔領第561小時》，類似電影院輪播的感覺起初他相當抗拒，本想在兩部片中間夾雜10秒閃光，但怕對觀眾造成干擾，最後接受了策展人的說服。

越幸福就越脆弱

想來好奇，如今已成家的袁廣鳴，談起家庭總笑容不斷，為何反而不斷在作品傳遞出家的脆弱與不穩定？他談起2007年突然動念拍攝父親，創作《逝去中的風景－經過》，兩年後父親過世了，而也就在同年的4個月前，他迎來女兒出生。

「生和死每個人都會遇到，只不過我比較倒楣短時間湊在一起。越幸福的時候，其實會越擔心，因為我知道幸福其實是脆弱的。」這個心境或許在最初命名作品就已明瞭，「它不是逝去的風景，而是逝去『中』的風景。幸福來的時候，我們當然想慢慢地掌握，但這是不可能的，你就是眼睜睜看著它慢慢逝去。」

身為外省二代，袁廣鳴從小父母離異，父親走了之後台灣就無親人。還好他結婚了，沒那麼孤單，不過太太是日本人、又住在廢墟改造的家，整修時看著遺留的物件，想像這戶人家以前最輝煌的樣子，不斷往返跳躍的時間線全部湧現，「對家的感觸很多，越幸福，就越脆弱。」但越脆弱，也越證明了幸福的得來不易，儘管無法停留於線性時間軸，卻可以定格在影像藝術，成為存在的提醒。

同場加映：不可錯過的5個國家館！

澳洲館《kith and kin》

威尼斯雙年展最高榮譽金獅獎，本屆雙雙獎落南半球原住民藝術家，主題館由4位紐西蘭毛利女性藝術家組成的Mataaho Collective奪下，國家館則頒給澳洲館。

黑白構成的靜謐展間是哀悼場所，中間水池平台上放置一落落澳洲原住民遭迫害的檔案。藝術家Archie Moore爬梳超過65,000年的家族親屬關係，用粉筆在四周牆面與天花板寫滿族譜，幽微傳遞原住民受迫害的歷史，同時印證不同族群的人類血親是如何彼此聯繫。評審團提及，族譜名字多達上千位，也提供了恢復原住民歷史的一絲可能。

盧森堡館《A Comparative Dialogue Act》 

通常人們的看展預期，都是要欣賞一檔「已完成」的展覽，但盧森堡館的展出，開幕後才正要開始。由音樂人暨藝術家Andrea Mancini、藝術團隊Every Island聯手策劃，展館為一座鋼製舞台，數場駐地表演將接連登場。

貫串演出的元素為「聲音」，且僅以聲音作為溝通媒介，每次藝術家在舞台上留下的聲音，均會交給下一位登場者改編運用。展場既是表演場域，亦是藝術家的工作現場，也引人思考個人創作與集體協作間的辯證。

波蘭館《Repeat after Me II》

烏俄戰爭爆發後，不少藝術家以創作回應或表述立場，波蘭館卻選擇了一個另類形式——卡拉OK。現場不會聽到流行音樂，而是槍聲、導彈、嚎叫和爆炸，致命槍械的描述也成了歌詞。

波蘭館參展藝術團體Open Group，由6位烏克蘭藝術家組成，作品分別拍攝於2022、2024年，讓戰爭目擊者試圖重現武器聲音等「戰爭配樂」。這些聲音既是創傷延續與擴大的證明，更是戰火下的新語言，烏克蘭人得具備辨認這些聲音的能力才能生存。 

馬爾他館《I WILL FOLLOW THE SHIP》

古老文明遇上最新AI科技將會如何？首位單獨代表馬爾他館的藝術家Matthew Attard，創作契機源於「還願供品」（ex-voto）的船隻塗鴉歷史圖像，這些圖像廣泛出現於馬爾他教堂外牆，據說是船員為求庇蔭所繪。

展名的「I」（我）在英文讀音與「eye」（眼睛）相同，他以現代眼動儀器作為繪圖工具，並和古老船隻圖像對比；現場亦有QR Code，觀眾可以掃描繪製自己的地圖。透過科技工具航行於資訊大海，相比古老技術甚至信仰，是更精準或迷航？ 

羅馬尼亞館《WHAT WORK IS》 

探討工作意義的展名，想必又是關於勞動議題的沉重內容？實際走進羅馬尼亞館，40幅繪畫與數個馬賽克建築模型，幽暗色調本以為如腦中所想，細看才發現畫中人物都在工作中打盹、打牌— 這不是工作場景，而是休息景象。

由羅馬尼亞藝術家erban Savu聯手比利時布魯塞爾設計工作室Atelier Brenda，在這些偏離傳統社會主義勞動敘事的作品中，爬梳工作與休閒的曖昧關係。儘管展名探問「工作是什麼？」或許種種作品指向的是另一種可能：工作也可以不是什麼。 

_{文｜張以潔
攝影｜Matteo de Mayda、Marco Zorzanello、Andrea Avezzù
圖片提供｜臺北市立美術館、La Biennale di Venezia} 

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觀看似乎是大多數人天生就會的事，但在資訊洪流之中，我們真的準備好「觀看」了嗎？巴黎龐畢度中心即將閉館5年整修，在暫別的時刻，以攝影與廣泛的創作光譜聞名的德國藝術家Wolfgang Tillmans，用大型個展《我們對此毫無準備——我們對此萬般准備》（Nothing could have prepared us - Everything could have prepared us）占領圖書館這個非典型展覽空間。

走進龐畢度中心2樓公共資訊圖書館（Bibliothèque publique d'information，Bpi）6,000平方公尺的空間，感覺像踏進入Wolfgang Tillmans近40年創作的檔案庫，但策展人暨龐畢度中心攝影部門總監Florian Ebner強調，這並不是一檔典型的「回顧展」。矛盾而曖昧的展題，似乎帶有些思辨性的懷疑色彩。他說明，這出自於醞釀多年的構想，尤其，我們正生活在一個資訊更加氾濫、往往讓我們缺乏清晰判斷的世界裡。「對比他在紐約MoMA的回顧展《To Look Without Fear》（2022），你會感受到不同的語調。也許在今天，我們已經不再處於一個可以『無所畏懼地觀看』的時刻了。」

對話圖書館空間的藝術實驗

整修前最後一展，龐畢度團隊早已決定要打開Bpi這非典型展演空間，便邀請了Wolfgang Tillmans。嘗試各色實體影像介入空間的可能性，一直是他的核心實踐。起初，他們聚焦在這寬敞空間的開放性；漸漸地，他們發掘出圖書館本身的歷史與特質。Wolfgang Tillmans十分欣賞這座Renzo Piano和Richard Rogers在生涯早期共創的建築作品。那種激進的姿態背後，是不畏解構、不怕暴露管線結構的大膽，更是著眼空間通透性帶來的解放自由精神。Florian Ebner解釋，「龐畢度中心的管線外露和開放式結構，體現了1970年代的控制論理念。放在今天來看，設計上恰好呼應了網路世界的特徵。」那時，彷彿就已經預示了一個萬物互聯、資訊透明流動的未來世界。

「Wolfgang經常與空間的不完美之處對話。」Florian Ebner觀察到。在傳統白盒子中，他或許會用影像覆蓋住緊急出口，或製造與管線的巧妙互動。而到了這次在Bpi空間，在部分沉重軟裝移除後，較新的灰綠色地毯與露出的舊有紫地毯交錯，本是一般展示空間中不該出現的雜音，他卻刻意保留下來，既呈現建築的歷史積澱，也與他個人的創作軌跡、作品系譜形成微妙的相互映襯。

他也改造了原有的書架與桌子，運用鏡子、雷射投影來牽引參觀者的視線軌跡。尤其在這閉館翻新前的特殊時機，他更能自由深入空間肌理，試驗全新的展示方式。他著名的無相機攝影與不同的時期影像作品、音樂創作、政治實踐織就在一起，延續他個展時慣常的非線性展示邏輯。Florian Ebner說明，「雖然沒有按時間排序，但這些作品系列幫助觀眾串聯起整個展覽的脈絡。」

圖書館化身活的檔案館

圖書館裡一些特殊的軟體設施，也成為Wolfgang Tillmans的創作靈感來源，例如「自學區」（Autoformation）被放在金屬格子間的電腦。近年來，來自海外的學生與新移民經常使用這些設備學習法語，或收看故鄉的衛星電視節目。Wolfgang Tillmans決定保留這獨特的區域，在其中44個螢幕上播放他與另外2名攝影師，在一天內記錄下80位圖書館使用者學習與工作中的日常片段。Florian Ebner解釋：「這些影像提醒我們，年輕群體曾為這個空間帶來的生機與活力。」在另外24台「隨選視訊」（Video on Demand）電腦上，參觀者真的就像檢索書目一樣，可以自由瀏覽Wolfgang Tillmans自1980年代後期開始的錄像作品。「從這個角度來看，圖書館儼然成為一座鮮活的檔案館。」

音樂也交織在展場各處。Wolfgang Tillmans曾夢想當音樂人，混跡地下音樂俱樂部與派對，1990年代初他以攝影師出道時，正是以拍攝倫敦和柏林的銳舞音樂場景而嶄露頭角。後來，他也曾將展覽空間變身為聆聽室，更發行過雜揉電子techno等各色風格的EP與專輯。在展覽南端、能俯瞰史特拉汶斯基噴泉（La Fontaine Stravinsky）的一側，策展團隊打造了一個大型沉浸式空間。訪客可以在揚聲器陣列下或躺或坐，觀賞大型LED螢幕上播放的錄像〈Time Flows All Over（Pompidou）〉，其中，Wolfgang Tillmans反覆吟唱著「We mean what we say, language is what it is」；其他影片亦記錄著書籍印刷等過程，語言與印刷，正是圖書館的核心使命。「這個空間既是放鬆的場所，也是美學體驗的所在。」一個較小的房間播放他的聲音裝置〈I Want to Make a Film〉；而在主圖書館區域，他所創作的環境音樂和實驗性音樂成為背景聲響，為這巨大空間構築出豐富層次。

觀看從來都不容易

展中也匯聚Wolfgang Tillmans豐富的政治實踐，從HIV教育素材、反脫歐海報到倡議T-shirt，織就了一場社會參與的視覺宣言。對他而言，創作與政治行動之間並無明確界線。自1990年代以來，他走過了HIV病毒席捲歐洲、同志族群遭受歧視的年代，目睹世界局勢的跌宕起伏，他個人的見證，也是時代的印記。

如今回望，許多結果未必符合他當初的政治訴求，但Florian Ebner強調，只以立即見效的成功來衡量他行動的意義並不合適。「他的海報倡議雖無法阻止脫歐，但其中部分已成為政治辯論中的重要符號。比如那幅寫著『What is lost is lost forever』的海報，後來在法國選舉期間被某個運動引用為『Ce qui est perdu, est perdu à jamais』。這些作品產生了深遠影響，而這才是評估其價值的正確角度。」改造過的書架上也展示著他關於邊界與公民抵抗的主題作品（像是極右政黨崛起的德勒斯登地區、戰火中的烏克蘭哈爾科夫），還有他拍攝醫學世界的《operation theatre》系列。醫學是圖書館的經典學科分類，也是一個身體、健康與權力交錯的高度政治化的領域。Florian Ebner補充道：「在當前的時代背景下，這樣的展覽必然帶有政治意涵，特別是面對美國政府關閉與審查眾多機構、美術館及研究場所的現實。」

Wolfgang Tillmans的《Truth study centre》系列，自2005年以來持續探索人們如何看待「真相」——這無疑也是各種意識形態的表現。如今這「後真相時代」，AI演算法和深偽技術大行其道，似乎讓真相更加難以辨識，變得曖昧不明。Florian Ebner認為這場展覽的時機恰到好處，Wolfgang Tillmans這次「占領」圖書館的姿態，也令我們重新思考實體知識空間的存在意義。「Wolfgang與空間互動的手法創造了一種詩意、個人化且獨一無二的對話模式，」Florian Ebner表示，「這與AI慣於生成的回音式、制式化知識形成鮮明對比。」有些作品直接回應了這個課題，比如專為2020年代設置的展桌，探討的正是圖書館實體空間與AI那種潛在、虛無的數位空間之間的張力關係。他進一步補充：「從這個角度來看，圖書館成了AI的一種對立典範，而Wolfgang深刻且巧妙地演繹了這種對比關係。」

或許，這次展覽和Wolfgang Tillmans的創作，也是種對數位、虛擬世界諷刺性的質疑。Florian Ebner認為，他自1990年代後期革命性地改變了攝影，特別是他的實體展陳方式。「他拋棄線性的排列，而是像編輯雜誌版面一樣在牆上配置作品，在某種意義上解放了攝影，讓攝影作為實體物件的特質得以彰顯。」而過去20年中，人的感知逐漸成為他創作的核心：相機這光學儀器看到了什麼？我們人類又看到了什麼？攝影如何打破自身再現方式的理所當然？「在他的許多作品中，擁抱我所謂的『創造性的意外』，意即善用創作過程中意想不到的錯誤。這正是他的作品在當代如此珍貴的原因之一。」Wolfgang Tillmans的作品展現了攝影的雙重面向：既是見證世界的方式，也能是深刻的美學體驗。這正是他作品的力道所在。

Florian Ebner

2017年起擔任龐畢度中心國立現代藝術美術館攝影部門總監。1970年出生於德國雷根斯堡。曾任柏林畫廊攝影收藏代理主管（2008～2009）、布倫瑞克攝影博物館館長（2009～2012）與埃森福克旺博物館攝影部門總監（2012～2017）。2015年策劃威尼斯雙年展德國館。

Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》

• 時間：即日起至2025年至9月22日（Accès Libre par Celine｜7月3日、8月28日、9月22日11:00-23:00免費開放）
• 地點：巴黎龐畢度藝術中心公共資訊圖書館2樓

_{文｜吳哲夫　圖片提供｜各單位}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/9月號《開一家甜點店》

2025年8月2日至11月02日，尊彩藝術中心二樓展館將化身為一座時光隧道，《陳澄波百三特展》展出逾20件陳澄波珍貴油畫作品，邀請觀者深入這位台灣前輩畫家橫跨3地的藝術人生。

這場特展不僅是對一位藝術大師的致敬，更是一次深度的文化考古之旅。從陳澄波1924年東京美術學校的求學歲月，到1929～1933年上海任教的成熟期創作，再回到故鄉台灣的深情凝視，每一幅畫布上的筆觸，都見證著那個風雲變幻時代的文化交流與碰撞。20多件作品靜靜陳列，每一筆色彩都承載著跨越時空的深情對話。

一位跨越時空的藝術旅人

踏入展覽現場，我們遇見了一位跨越3個城市的藝術旅人。陳澄波，這個名字背後的故事遠比我們想像的更加複雜動人。1895年生於台灣嘉義的他，在殖民地的時空背景下，以近乎傳奇的方式開展藝術生命。1924年考入東京美術學校（現東京藝術大學），成為第一位以油畫作品〈嘉義街外（一）〉入選帝國美術展覽會（帝展）的台灣畫家。這不僅是個人榮耀，更打開了台灣藝術家走向國際舞台的第一扇門。

從東京到上海，再回到故鄉台灣，陳澄波的創作軌跡如同一本立體的文化地圖，記錄著20世紀初東亞地區文化交流的珍貴印記。1929年至1933年間，他在上海擔任多所美術學院的教職，視野與創作日趨成熟。然而，這位充滿理想的藝術家最終在1947年的二二八事件中殞落，年僅53歲。

重新認識陳澄波的文化座標

在他130歲冥誕之際，尊彩藝術中心特別策劃這檔展覽，每一筆色彩都承載著風雲變幻時代的記憶。陳澄波渴望與人親近，他的風景繪畫中，人物始終是不可或缺的元素。即使在遼闊的風景圖畫裡，總會點綴幾個人物，讓畫面充滿溫情。這種對人的關注，正是他藝術中最動人的特質。

陳澄波一生縱貫台灣、東京和上海的現代藝術風潮，在美術史上具有舉足輕重的代表性。他的彩筆不僅描繪台灣嘉義、淡水觀音山、淡水夕照等重要人文景觀，更見證了1930年代初期台灣農漁工商產業現代化的歷史進程。畫中洋溢著對故鄉及時代的熱情與感染力，透過畫面呈現20世紀初期台灣藝術進入現代化過程的複雜樣貌，也連接起東西方美學的精神內涵。他的精彩豐富人生，反映了台灣藝術史在不同政權統治下所經歷的曲折波濤，也為當代觀者提供深刻的文化思考。

陳澄波10件重點畫作一次看

❶〈夏日湖畔〉（Summertime Lakeside，1930）

遠山疊翠，湖水如鏡。這幅陳澄波在上海任教期間的作品，捕捉了西湖地區初夏寫生的溫潤氣息。相較於傳統文人筆下人跡渺茫的自然山水，他將西湖視為現代化的休閒場域。湖面上載著遊人的小艇愜意划行，湖畔散步的身影悠然自得，展現了蘇軾詩中「淡妝濃抹總相宜」的西湖神韻，展現他對江南水鄉的詩意凝視。

❷〈台灣農家〉（1932）

朱紅廟宇倒映在平靜池水中，撐傘垂釣的身影與撒網捕魚的農人構成寧靜的生活圖景。這座池塘原是彰化孔廟建廟時挖取土方留下的低窪地，經年累月積水成池。1932年的台灣正值農漁工商產業現代化進程，陳澄波透過此作遙望故鄉的農業社會變遷，儒家文教傳統與庶民生產活動和諧並置，成為一場傳統與現代的對話。

❸〈運河〉（約1929-1933）

蘇州運河上舟船穿梭，遠方工廠煙囪直指天際。上海任教期間，陳澄波深受倪雲林、八大山人等古典大師影響，開始將東方水墨畫元素納入創作。他從制高點俯瞰1930年代中國現代化的縮影，畫面中的現代化符號，像是工廠林立、煙火綿延、舟楫交錯，展現他對現代性的嚮往。建築與船隻輪廓以深色線條勾勒，採用類似元代山水畫「一河兩岸」的構圖方式，卻又融入西方透視法的縱深。

❹〈西湖春色（二）〉（約1934）

樹間湖光粼粼，白篷小船悠遊其間，陳澄波將這幅春日西湖經營成如世外桃源般的美麗世界，是東方美學的現代詮釋。前景樹木運用倪雲林的枯枝皴法，以粗黑線條勾勒枝幹與陰影；遠山綠葉則採八大山人的「擦筆」技法，使畫面剛柔並濟。斷橋附近的景色形成圓形視覺焦點，色彩明度較高，巧妙引導觀者視線。

❺〈綠蔭〉（1934）

1906年梅山大地震重創嘉義後，總督府在清朝孔廟舊址上重建嘉義醫院。畫面後方的建築展現和洋混合特色：入口門廊的日式三角坡頂，搭配西式立面窗格，象徵日治時期建築的文化融合現象。濃密的樹冠佔據四分之一畫幅，熾熱陽光穿透葉隙，在地面投下斑駁光影，林蔭下剛步出醫院的女子撐起洋傘。

❻〈滿載而歸〉（1936）

從淡水北方山坡俯瞰而下，蜿蜒的紅土大路引導視線穿越市街，直抵河港。天色將明未明的清晨時分，住在「城仔口」以北的民眾與挑擔小販，沿著電線桿的指引朝市街移動。河岸邊整齊堆疊著來自福州、北海道的進口杉木，冒煙的輪船停泊在棧橋旁。相較於一般風景畫家避開現代設施，陳澄波卻將電線桿、輪船、工廠等「礙眼」景物誇大入畫。

❼〈長榮女中學生宿舍〉（1941）

閩南式屋脊與西洋圓拱窗的奇妙組合，讓這幅作品成為台灣文化融合的象徵。畫面中央的巴克禮牧師館，以其獨特的閩南式屋頂配搭西洋圓拱窗，屋頂上的階梯狀構造，傳說是觀察天文星象之用。在戰爭的非常時期，當許多畫友響應當局製作「聖戰美術」時，陳澄波卻選擇描繪這樣的寧靜校園，高大的鳳凰木綠蔭如蓋，成為抵禦時代風暴的精神庇護所，是戰火中冀求的寧靜詩篇。

❽〈海邊三美〉（Three Beauties by the Sea，約1932）

三位女子結伴坐在海邊岩石上，身穿中式服裝卻搭配西式髮型與領巾，腳上踏著現代皮鞋。這幅畫作呈現了1930年代東方女性的摩登面貌，也反映了當時社會風氣的開放程度。3人結伴海邊遊玩的情景，在傳統中國婦德觀念中是不被允許的，顯示時代的變遷。技法上，前景草地與花卉運用厚塗與快筆交錯的處理方式，海水與天空的處理則融入了中國水墨的暈染技法。

❾〈搭肩裸女〉（1926）

右手輕搭肩膀，左手優雅地倚靠椅背，模特兒目光凝視著右下方，神情帶著一絲內省的沉靜。從坐姿裸女到立姿裸女，展現技法難度的提升——立姿人體對於身體比例、重心平衡、肌肉結構的掌握要求更高，陳澄波在此展現愈趨純熟的觀察力與表現力。背景的淡綠色花紋布幕與椅套上的花布圖案，與模特兒溫潤的膚色形成柔和的色彩對比，營造出寧靜雅致的整體氛圍。

❿〈畫中畫〉（年代待考）

圓桌上鮮花與水果錯落擺放，右側一幅裱框小畫描繪著山海邊的裸女。這幅靜物作品呈現桌面上不同物品的組合，構成豐富的視覺層次。前景水果運用厚塗手法，從金黃到深紅的色彩層次堆疊，質感飽滿。背景的小畫則以較為簡潔的筆法帶過，圓桌邊緣的藍色裝飾為整體暖色調增添變化。在後印象派的靜物畫傳統中，藝術家經常將日常物品與小幅藝術品並置入畫，陳澄波深受梵谷影響，這幅作品展現了他學習後印象派靜物畫技法的痕跡。

《陳澄波百三特展》

展期｜2025年8月2日（六）- 11月2日（日）

地點｜尊彩藝術中心 二樓展館

地址｜台北市內湖區瑞光路366號