本屆巴黎奧運將於7月底登場，主辦城市巴黎此次特別突顯「文化奧運」（Olympiade Culturelle）面向，台灣獲邀在官方指定藝文場域「拉維特園區」（Parc de la Villette）設置臺灣館，藉由舞蹈、馬戲、錄像、戲曲以及音樂等展演內容，傳遞台灣的文化願景。主視覺由三頁文創意總監顏伯駿操刀，以設計實力帶領團隊呈現台灣的多元價值與文化自信。

「設計」作為宣傳載體，為每屆奧運提供了一種獨特的宣傳手段，它們不僅是視覺藝術作品，也是為不同國族、不同文化的群眾而打造，在當今數位傳播占主導地位的時代，一旦無隔閡的視覺圖像被廣泛分享時，圖形藝術中包含的訊息仍是無可取代。

「其實無論從歷史觀還是族群組成來看，台灣都是一個很複合的國家，大概15年前左右，大家就在討論台灣是混種文化，可以感受到台灣人對於身分認同的不安和焦慮，但同時，我們又是亞洲第一個同性婚姻合法化的國家。」顏伯駿指出，這次巴黎文化奧運和運動賽事沒有直接相關，臺灣館將以「自由之聲、島嶼風華、當代新藝、世界共融」為4大主題，邀集22組表演團隊，各自帶來音樂、戲曲、舞蹈、DJ演出等節目，最主要的目的是希望能傳達台灣文化的多元性，「所以更重要的是表現積極正向的態度，來響應運動家精神，不用透過運動不斷地證明『你是誰』，反而是透過運動，讓大家知道我們跟你們一樣，我們享受運動、享受挑戰極限、享受榮譽感。」

重塑共識、實踐美學！以設計和世界同行

由顏伯駿主導，帶領三頁文團隊的設計師——陳泓宇、楊藥智、Dizzy、陳安，從去年12月開始進行整個專案的設計概念發想、提案、執行等工作，設計師們透露，三頁文工作室有一個大型電子白板，大家每一、兩天就會快速把各種浮現的靈感和想法丟上去討論並重新對焦。

「所有獎項的核心精神都不外乎『慶祝』和『喝采』，運動賽事聽起來好像非常具有速度感，或是一種體能數據的競爭，但事實上它反映了一種當代人類生活的文化縮影。我們的本質是設計師，我們做的是精神的淬煉，盡可能引起大眾共鳴和共感。」顏伯駿平時經常提醒同事，設計必須從生活中的喜好出發，找到自己最有感的切入視角，「喜歡運動的泓宇就分享過，他發現設計好比健身，天天重複做同樣的事，最後這件事會越來越精鍊，跟肌肉一樣日益茁壯。」當開始能看出極其微小的差異，顏伯駿強調，這就是所謂的「設計師之眼」。

接著，無可避免的那題靈魂銬問就來了——「台灣最迷人之處究竟是什麼？」三頁文團隊由內而外地不斷挖掘、延展、擴張，從台灣的民主自由、多元共融、友善熱情，到台灣獨有的山海地景、珍珠奶茶、阿里山小火車等，都能紛紛化為清晰易讀且國際通用的識別元素，「emoji」既是圖像也是文字，能最直觀地呈現台灣意象，「透過我們的核心價值觀、生活中的物質，共同形塑台灣樣貌，彷彿在一個很輕鬆的打字對話情境中，就把台灣文化用這些icon傳遞出去。」

而除了主視覺中由奧運五環衍生的彩帶，負責動態設計的楊藥智透露，這次的動態同樣自「emoji」出發，兩個代表勝利的「v」相撞後，一起變成Taiwan的「w」，寓意「Win Together」。顏伯駿在一旁補充：「這些設計符碼會出現於臺灣館周遭圍籬、電視牆、現場播放的影片中，並穿插於每段表演之間，因此它不是一張圖或海報而已，是一個整套的視覺應用方案。」

事實上，三頁文這幾年的設計作品，持續提出兩個概念，其一叫作「共同編織」，顏伯駿認為，只有人們有意識地持續共同編織，才能創造屬於自己的文化符號；其二則是一起「享受當下」，因為文化在本質上，就是 一群人一起共同經歷的事件。

「外國人來觀光最常說台灣人很熱情，起初我們想過要用『笑臉』這個元素，在設計上也有很多可以發揮的空間，但最後我們認為願意和大家一起往更好的方向前進，更能凝聚正面力量，於是double『v』雙贏的概念應運而生。」顏伯駿指出，奧運的視覺設計很鮮明地反映了每一屆、每一個舉辦地的民族特徵、地域特徵和文化特徵，從設計上除了要體現奧運精神和奧運文化，也要體現出國家文化，因此歷屆奧運會的視覺形象無不成為大眾矚目的焦點，這也為團隊帶來不小的挑戰。

歷屆奧運設計，映射所處時代的真實樣貌

1964東京奧運因產出了一系列具有影響力的設計作品，被稱為「日本設計轉捩點」，當時的日本想向世界展示一個「New Japan」的形象，以日本設計巨擘龜倉雄策為核心 的設計委員會，藉由「一個冉冉升起的紅日」來完成這一表達，將紅色和金色定為主視覺色調，紅日由赤紅往深紅漸變，並與日本國旗相互呼應，金色如同太陽灑下的光輝，象徵日本戰後的復甦重建，及日本人對未來生活的嚮往。

「他幾乎奠定了日本海報設計，標誌性符號的設計方法被國際看見，他既是包浩斯理念先驅，卻以大量日式風格呈現在運動比賽中，從我自己學設計以來，就深受啟發。」顏伯駿觀察，日本歷史跟文化之間不僅緊密相連，其藝術發展也是逐漸進化的過程，龜倉雄策對於形塑日本在戰後新興的平面設計產業，地位舉足輕重。

而談及2024巴黎奧運主視覺，顏伯駿對於這個奧運史上首個描繪臉部形象的logo，也有個人的獨特看法。他笑說當時新聞一發布，很多人都紛紛吐槽「不好看」，「也許以現在主流的設計美學標準，或是台灣深受日本文化影響的審美觀來看，並不十分討喜，但是接下來一系列設計亮點公開後，包括這次首度採用薰衣草般的紫色跑道等，突顯感性、柔軟的訴求，將國家文化、性別議題串聯，加上法國也是女權運動先驅的國家，我認為這樣大膽的精神深植於法國文化脈絡之中。」

縱觀平面設計的近代發展，尤其是進入數位時代後暴增的多元需求：動態、靜態、人機互動、跨平台、跨媒介等諸多新變數，「要做到不被綁手綁腳，不循規蹈矩，還要解決實際遭遇的問題，打造出具一致性且強烈的視覺，絕非易事！」顏伯駿再以2012倫敦奧運logo為例，推出時亦受到英國媒體及民眾猛烈批評，讓Wolff Olins公司承受來自各方的巨大壓力，然而多年後反而證明，他們確實顛覆了全球觀眾對奧運品牌視覺傳播的觀念，使多形態的圖像設計概念首次廣為人知。

懂「思考」的設計，可以答題也可以出題！

設計，和好酒一樣需要時間慢慢發酵，長出自己的文化連結和認同。顏伯駿認為，當討論一個設計好不好看時，不見得非得採取非黑即白、二元對立，「如果你覺得80%喜歡，但也有20%討厭，只要言之有理，又有何不可？」從金曲獎、金穗獎、臺灣文博會、全運會，再到這次的文化奧運和明年的世壯運，他不只單純用「美」的視覺答題，而是找到有趣的方法，拋出下一個問題，「第一件事永遠是了解合作對象的核心訴求，再決定要用拍攝、插畫、圖像、動態，或其他方式去挑戰、去榮耀、去玩耍，把心態打開會看到更多可能。」

作為三頁文團隊創意大腦，顏伯駿始終相信，設計的本質就是一套工具，而不僅限於一個風格，或一個技法，或是一種表現形式，「設計是用來解釋事情、組裝事情，再重新打磨的流程，因此無論接下什麼類型的案子，我們的目標都不是為了展現哪位設計師多會畫某一張圖，而是從作品中揭露他多會去詮釋、解析跟回應，這樣的能力正是關於設計的思考，也是我們所有作品中的共通點。」

 關於設計團隊三頁文的奧運看點！

 顏伯駿   體能是客觀數據，美學是主觀標準

霹靂舞、鞍馬（體操）、跳水、水上芭蕾這幾個項目，會是我比較有興趣的，這些都有藝術評分，能看大家怎麼定義「美」是很有趣的，因為藝術事實上就得保留甚至開放主觀性，給來自不同背景的評審去解讀和詮釋。

2024巴黎奧運以「Games Wide Open」（奧運更開放）為號召，開幕式選在貫穿巴黎的塞納河上更是創舉，除了美術館和劇場可以被「打開」，法國力圖全面跳脫、轉換過去的觀點來舉辦這次的奧運。

 楊藥智  巴黎奧運寫下性平里程碑

由於自己有打排球跟看籃球，所以這兩項比賽項目都會關注。另外，像柔道的楊勇緯、舉重的郭婞淳，以及體操、拳擊等，這些都還滿值得大家多多留意。設計上，我會很好奇「女性」這個主題如何在巴黎奧運中呈現，包括奧運史上第一個臉部形象logo，是向女性運動員致意，開啟性別平等的新時代。

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 陳泓宇  水火融合之美的設計

我和藥智大學時都在排球隊，曾於台灣全美盃排球比賽獲得冠軍，所以奧運一定會看排球，還有戴資穎這次將第四度征戰奧運殿堂，也想為她加油。自己很期待巴黎奧運的聖火傳遞，有超過1萬名火炬手參與，要走遍法國64區，再回到塞納河畔，由法國設計師Mathieu Lehanneur設計的火炬，以「水」作為最重要的元素，帶來非常女性化、感性，也非常柔軟的意象，同時傳遞「平等、和平」。

➤2024巴黎奧運聖火火炬揭曉！將「平等、水、和平」3大象徵意義融入設計

 Dizzy  聚集全球藝術家共同參與盛事

47項運動競賽中，我會比較鎖定新增的運動攀岩。這次巴黎奧運強調「文化關注」。法國700多個城市規劃推出近2,500項藝文計畫，共計6萬多場次展演，內容從時尚與運動特展、戲劇演出，到舞蹈表演都有囊括，活動會在古蹟、公共空間、藝文聚落與運動場館中呈現，我滿喜歡這樣子藉著奧運，藝術與運動進行交流對話的概念。

 陳安  耗時半年、藏有彩蛋的插畫

還記得2004年因為陳詩欣、朱木炎在雅典奧運奪金，加上以前有被爸媽送去學跆拳道，這次會特別關注這個項目。我對今年巴黎奧運邀請法國插畫家Ugo Gattoni 創作的海報留下印象，他將巴黎眾多標誌性地標重新詮釋，像艾菲爾鐵塔、凱旋門等，以豐富細節描繪出一座既現實又超現實的體育城市，視覺看起來充滿天馬行空的想像力。

➤到艾菲爾鐵塔、凡爾賽宮看奧運！盤點2024巴黎奧運期間將變身賽事場地的7座著名景點

三頁文（Yen Design）

由創意總監顏伯駿成立於2014年，以創意整合與跨域設計為首，擅長集結來自設計、動態影像、攝影、插畫、3D、音樂等跨領域技術創意團隊，服務客戶涵蓋娛樂、藝術文化、時尚流行、政府單位，近年來亦跨足品牌商品開發、品牌活動策劃、藝文策展、美感教育公益設計領域。

_{文｜張瑋涵
攝影｜林科呈　圖片提供｜三頁文、Paris 2024、Olympic Museum、VICTOR}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

樂桃航空邀請到nendo設計事務所的佐藤大操刀全新品牌識別，與飛機新塗裝設計。樂桃航空的全新Logo以原有的圓形與直線構成的設計為基礎，透過加入圓潤的邊角，與搭配柔和的色調，傳遞出安心感，也使整體印象更加親切。今（2026）年4月1日起，新Logo將全面應用於機場電子看板、官方網站及應用程式。

樂桃航空換上新Logo

大家相當熟悉的廉航樂桃航空，在迎來創立15週年之際，正式宣布進行品牌重塑，並特別邀請曾打造2020東京奧運聖火台設計、2025大阪世博日本館的nendo佐藤大參與。他分享，「在本次品牌重塑中，我們的目標是在安心感與信賴感之上，融入低調的玩心與愉悅感，透過留白、形狀及資訊整理等細節的精心設計，形塑出一種『看似嚴謹卻不讓人感到拘束』的氛圍，並在認真與玩心、信賴與輕盈這些看似矛盾的元素中取得平衡，使樂桃成為不論年齡或旅行經驗，任誰都能自然選擇的品牌。」

打造更具親和力與溫柔的形象

在品牌識別設計上，新Logo承襲了樂桃航空創業15週年所珍視的精神，以原有的圓形與直線構成的設計為基礎，透過加入圓潤的邊角，創造出更具親和力與溫柔的印象；加寬的字距，也營造出沉穩從容的氣質。色彩方面，則採用了柔和且平靜的色調，展現安心與信賴感；新Logo中的「葉子圖案」則象徵樂桃特有的玩心與挑戰精神。

全新機身塗裝2027年春季導入

除此之外，nendo也設計了樂桃航空的全新機身塗裝。機身設計上，透過多個圓形重疊的隨機圖案，呈現出對旅行的雀躍感。這些顏色與大小各異的圓形，不僅創造視覺上的趣味性，也象徵品牌溫柔包容旅客的態度。配色上，nendo將清新的粉紅色結合杏色，在華麗中增添了質感；同時，大眾熟悉的「鮮艷粉紅色」仍保留在機身中央與尾翼部分。另外，採用新塗裝的飛機則預計在2027年春季正式投入服務。

「稍微更成熟了一點」的全新樣貌

佐藤大補充，這次的更新，在保留樂桃航空既有的輕盈感的同時，進一步提升沉穩與質感，使其進化為「稍微更成熟了一點」的全新樣貌。另外，圓形圖案與葉子圖示蘊含了對「非日常旅行」的期待與玩心，這套設計將貫穿於機場、機艙到數位平台等各個接觸點。企業識別色則以讓人聯想到鮮嫩桃子的粉紅色為基調，搭配杏色與棕色，構築出溫柔且帶有信賴感與質感的品牌世界觀。

另外，配合此次的品牌重塑，樂桃航空也推出全新周邊商品：原子筆套組、飛行飄帶、聯名小熊玩偶、貼紙組、皮革行李吊牌、鑰匙圈，讓旅客能將這份具有「成熟質感」的商品帶回家！

更多資訊可至樂桃航空品牌重塑特設網站查看

資料來源｜Peach Aviation

從時下風靡的人氣IP角色到流行視覺，你是否曾不解這些「醜」東西「美」在哪裡？然而，當完美變得唾手可得，瑕疵是否反而成為一種真實的證明？當秩序與理性不再是唯一標準，又是否仍需要遵守既有的設計規則？在平面設計師廖小子、葉忠宜與視覺藝術家Sydney Sie眼裡，New Ugly不只是單純的風格選擇，更是一場關於審美邊界與時代情感的再思考。

2017年，日本平面設計師高田唯為日本平面設計協會（JAGDA）設計年鑑封面。近乎童稚的線條與不加修飾的構圖，在一向講究秩序與完成度的日本設計圈引發兩極評價：有人質疑其粗糙與失序，有人則看見其對規範的鬆動與挑戰。「New Ugly」這個原本帶有揶揄意味的詞彙，也因此再度浮出水面，並在近年的平面設計實踐中，悄然掀起一股新的審美風潮。

與過去強調秩序、留白與理性的設計語言形成強烈對比，New Ugly常見以高飽和的撞色、幾何圖形的堆疊，以及手繪插圖與符號的並置為特徵，甚至刻意保留未修乾淨的痕跡與不合常規的排版。它們看似混亂，卻依然可讀；看似粗糙，卻藏著高度自覺的選擇。這一次，La Vie邀請平面設計師廖小子、葉忠宜與視覺藝術家Sydney Sie，一同分享他們對這股風潮與時代情感的觀察！

Ｑ：最早從什麼時候開始注意到New Ugly？認為它出現的原因是？

 廖小子 
大概是2011、2012年左右。那時我聯想到以前很喜歡的美國設計師David Carson，他會把資訊全部打碎、排版看起來沒有明確主軸，卻依然能讀出視覺訊息。不過，他其實並沒有被歸類為New Ugly。後來我發現，New Ugly的討論與盛行幾乎都集中在亞洲，而且它銜接的是Gen Z的成長背景——社群媒體讓分眾越來越明顯，當每一個人的品味都被放大，就沒辦法再參照所謂的「標準答案」。同時，我們所接收的資訊也越來越碎片化，尤其是有了AI之後，人們已經懶得搜尋，資料真真假假參雜在一起。這些斷片加起來，說好聽點，是對傳統包浩斯以來乾淨、簡單、純潔設計的反叛；說難聽點，就是這個世代已經太習慣破碎的資訊，無法再接受過於單純的畫面，會覺得不夠刺激。

 Sydney Sie 
我大概也是2010年之後知道New Ugly這個詞。現在搜尋「New Ugly」，第一個出現的幾乎都是高田唯。我曾去聽過他的講座，過程中他分享自己如何從生活中觀察細節，再把那些細節轉化為創作。他說了一句讓我印象很深的話：「有沒有打動自己，比別人喜不喜歡更重要。」
社群除了讓一切變得更小眾，也讓人們開始對過度精緻的東西感到疲倦。Instagram剛開放自製濾鏡時，大家都在追求精緻、修飾過的效果，但這幾年Y2K、CCD復興，反而流行開閃光燈、保留粗糙與真實的畫面。它其實就是一種缺陷的美——人們已經不再追求完美。另外，我覺得疫情也是一個關鍵轉折。疫情讓人突然失去對生活的掌控感，於是大家開始擁抱缺點與脆弱。那段時間身心靈、水晶、星座爆紅，正是因為人們被迫往內探索，也暫時隔離了外界對「美」的定義，重新思考自己真正想要什麼、想挑戰什麼。

 葉忠宜 
從歷史脈絡來看，我查到New Ugly這個詞早於2007年就出現在英國《Creative Review》雜誌，不過當時其實是用來diss某些風格。學院體制創造出所謂的學院派，從包浩斯到瑞士國際主義，都在擁抱秩序、擁抱完美，但到了80、90年代，歐洲新浪潮傳到美國後，舊金山灣區也誕生了許多實驗性的設計。當時美國社會抗議事件頻繁、左派興起，「反設計」某種程度也是對階級與威權的對抗。除了庶民設計師，許多設計大師也從那時開始擁抱時代的瑕疵。例如在照相排版時代，粒子原本被視為不能容許的缺陷，但田中一光的海報卻經常刻意保留粗粒子，擁抱時代工具特有的質地。那一代的設計師其實一直在思考：瑕疵究竟可以如何被運用？我覺得這些都可以被視為New Ugly的前期發展。

Ｑ：自己會怎麼定義 New Ugly？與反美學、反設計的異同之處？

 Sydney Sie 
我會把New Ugly視為一種高度自覺的選擇。它不是不好看，而是對美醜標準的重新定義。不過我覺得它和反美學不太一樣。反美學比較像是刻意與主流保持距離，某種程度也接近「非主流」，只是非主流往往帶著一種被排擠的意味；New Ugly 則不同，它更像是「我知道規則、也理解什麼是完美，但我選擇挑戰它」。現在一張精美的AI圖隨手可得，「完美」反而開始變得廉價。所以回到New Ugly，我覺得它也在定義什麼是「人」——你會看到缺陷、不完美，這些是AI做不出來的；你需要對人性有一定的理解，才有辦法做出這樣的嘲諷。

 葉忠宜 
我以前教課的時候常說，審美的歷史發展大概可以分成4個不同階段。首先，人們會明確定義「美」是什麼；接著會定義「醜」，因為並不是美以外就是醜，那是不同的邏輯；再來，會思考「美可以如何昇華」；最後一個階段，也就是我們正在經歷的：「醜，可以被挑戰嗎？」我覺得New Ugly就是在處理這件事情。
庶民日常中那些不完整、雜亂、被視為庸俗的元素，本來就充斥在生活裡，只是過去設計師會刻意排除它們。它跟反設計（Anti-Design）本質上其實很接近，但要討論的是，它是從設計師的視角出發，還是從素人主義出發。在被定義為New Ugly之前，這樣的風格難道就不存在嗎？其實不是沒有，只是大家不知道該怎麼定義，它們也長期被壓抑著。而現在這股思維慢慢被推向主流，成為一種形式；但在形式之前，許多設計師其實是在反秩序。

 廖小子
對我來說，反美學比較像是刻意站在對立面，直接將某種風格視為「醜」，然後選擇站在與美相反的位置。不過我覺得New Ugly並沒有認為傳統設計一定是錯的或醜的，它更像是在重新檢視設計，鬆動閱讀規則、用色規範與構圖邏輯。事實上，它可能看起來是在亂排，卻還是能被讀懂。於是你會開始思考：在這個資訊接收度不斷擴大的世代，以前的設計規範是否還能完全適用？我們是否一定要遵守既有的標準？那些規則是不是可以被挑戰？我覺得New Ugly比較是在討論這些問題。

Ｑ：在過往的創作經驗中，是否曾受到 New Ugly 的影響？

 Sydney Sie 
我其實很難說New Ugly有沒有被我內化，或是它影響了我多少，不過對我來說確實有一個轉變。以前我的攝影作品比較精緻，構圖端正，所有元素都在水平線上，但生活中其實一直都會拍一些開閃光、過曝的照片，只是我不會把那些當成作品；現在，我對審美的標準放得更寬，也更願意接受粗糙感。我開始認為，只要是經由我的手，即使是生活的隨拍，也可以成為作品。
近期我在京都ddd gallery展覽的海報，就刻意保留了Photoshop的選取虛線。我把一張嘴巴、牙齒的照片挖空，但沒有把路徑修乾淨。在AI盛行的時代，這種未完成、甚至像錯誤的痕跡，反而成為人類存在的一種證明。有時候，幕後花絮甚至比正片更吸引人。

 廖小子 
我其實不太會特別去注意任何風潮。我一直都是從生活裡取樣，把路邊看到的東西拿來用，腦中的點子庫也是這樣累積的。像我的Instagram有一系列動態精選「城市毒瘤」，專門拍城市裡那些「必叉」（pit-tshe）的角落， 我常常從那些地方思考，怎麼把它們轉化進作品裡。至於New Ugly有沒有影響我？我覺得近代確實更著重個人特質與群體風格，但我們所做的其實都是原本就一直在做的事情，只是現在更被容許呈現出來；不管是庶民元素、過曝照片，或是藝術與設計的結合，這些本來就存在，只是大家看待這些東西的品味變得更寬了。我反而相信這是一種群體演進的過程。就像疫情時大家會轉向心靈探索，每個時代全人類都會面臨某種共同的趨勢，並不約而同產生類似的反應——而設計圈把它歸納為New Ugly。

 葉忠宜 
與其說內化到創作裡，我比較像是用逛美術館的方式，在學習欣賞這些物件或設計。我喜歡分析人類，所以我會去思考：它和社會脈絡產生了什麼關係？為什麼會出現這樣的形式？我去日本念書時，花了很多時間探究當代藝術；回台灣後，我把那種對形式與脈絡的思考帶回設計。對我來說，藝術與設計其實都在追求某種「真理」，而New Ugly則可以成為一種手段。它雖然從形式出發，但真正專注的往往是社會的「共感」。當那些來自日常、甚至被視為庸俗的物件進入作品時，人們可以先連結到某種社會經驗，進而產生情感上的價值。我覺得這也是New Ugly很重視的一部分——情感的價值。

我推的New Ugly

葉忠宜推薦：Bráulio Amado
因為New Ugly會擷取每個地方養成的在地通俗文化，所以我會去想像：如果在離我們很遙遠的國度，用這樣的形式長出來的視覺會是什麼樣子？在葡萄牙的話，對我來說就是Bráulio Amado手中的樣子。他常運用帶點模糊感、像Photoshop特效般的視覺效果，我超愛的！

葉忠宜
平面設計師、卵形設計工作室與重本書店主理人，畢業於日本京都藝術大學研究所藝術表現專攻。曾統籌製作華文圈首本字體設計專業雜誌《Typography字誌》，並於2023年入選AGI 國際平面設計聯盟。

廖小子推薦：ddd.pizza
我滿喜歡ddd.pizza負責人及藝術指導張溥輝，他早期的作品很有New Ugly的味道。他用新細明體做的坂口安吾《白痴》再版書封，讓我印象很深刻。

廖小子
本名廖俊裕，畢業於高雄師範大學視覺設計研究所，現為「小子藝術製作有限公司」主理人。創作橫跨藝術、書籍與唱片封面、展場設計與視覺識別，擅長從台灣草根文化汲取養分，轉化為個性鮮明的台式美學。

Sydney Sie 推薦：Daniel Johnston
美國創作歌手、視覺藝術家Daniel Johnston長期與心理疾病抗爭，他的創作幾乎都在地下室完成，專輯封面也幾乎全是親手繪製，看起來 像是小孩子的隨手塗鴉。雖然他未必會被歸類為New Ugly，但這樣的創作方式，本身就是一種反體制。

Sydney Sie
本名謝昕妮，視覺藝術家。畢業於臺灣科技大學，主修平面設計與資訊設計。擅長運用設計、攝影與動態影像呈現創作，把玩錯視、超現實構圖與符號語言，作品活躍於國內外各大視覺與藝文平台。

更多精彩內容請見La Vie 2026／3月號《平衡的設計哲思》