電影的人很多，但看XR（包括AR、VR與MR）電影的人還不多。除了設備尚未普及，大眾不免有著諸多疑問：傳統電影已經夠精彩，為何還需要XR的新媒介？XR電影的嶄新體驗，是包裹著新奇糖衣，還是真有著動人內核？

近年台灣VR電影屢獲國際大獎，威尼斯影展的沉浸式內容單元最大獎「最佳VR體驗獎」，黃心健《沙中房間》、陳芯宜《無法離開的人》分別在2017、2022年拿下；許智彥《舊家》獲日本Beyond the Frame影展「最佳VR大賞」，王登鈺《紅尾巴》也獲安錫國際動畫影展「VR水晶獎」⋯⋯。

其中，綺影映畫創辦人陳斯婷，2018年與導演徐漢強合作的首部VR電影《全能元神宮改造王》，成為台灣首部入圍日舞影展的VR作品，可謂台灣VR電影的先鋒部隊之一；前景娛樂創辦人黃茂昌從電影發行跨足XR領域，2024年與法國Novaya合製的AR作品《黑》，就奪下坎城影展最佳沉浸式作品大獎。同樣擁有傳統影視背景的兩人，從製作、體驗、產業3個角度，道出XR電影和傳統電影同等的敘事感動，以及科技世界裡的新奇與辛勞。

Q：請先分享最初觀看和想投入XR電影的契機！

陳斯婷：最先是因為要做VR電影才去看。當時徐漢強找我們做《全能元神宮改造王》，我在想這個媒材可以怎麼樣運用？他就帶我們去他家玩喪屍的VR遊戲，我老公一個大男生竟然在遊戲裡尖叫，看到他完全沉浸在裡面的狀態，我覺得太有趣了。後來我也自費去看威尼斯影展，才知道VR的敘事和遊戲完全是兩種脈絡，還可以有不同表現形式，不論是動畫、實拍或掃描，突然間有一種腦洞大開的感覺。

黃茂昌：我最早是Google Cardboard的年代，在上面看了《紐約時報》幾支1、2分鐘的短片。第一次體驗就是覺得新鮮，並沒有讓我認為這是一個未來的產業，或者想要投入。之後藉著各種影展去體驗，開始讓我這個傳統電影人「得到跟看電影一樣的感動」，也讓我覺得它確實是一個可行的媒介。真正決定投入是直到疫情後，很多實體影展都變成線上，我跟朋友借了一個頭顯，在公司狂看2、3天，從那時候就很有興趣，開始思考自己可以說什麼故事。

Q：對傳統影視創作者來說，拍攝XR電影需要轉換哪些工作方法？

陳斯婷：VR電影還是有分鏡，但概念比較在於：你希望主要的故事方向在哪裡。除了分鏡，另外一個就是走位（blocking），創作者會去畫在360度空間裡，表演者應該怎麼出現、動線是什麼，這個動線跟下一個畫面的關係又是什麼，有點像結合了舞台劇和電影的兩種工作方法。VR也有不同媒材，像《星際大騙局之登月計劃》是動畫混合遊戲，就會遇到延伸性不同的問題。當我們把角色放到遊戲引擎裡，要去剪輯他的動作時，會發現遊戲引擎的工程，不是我們想要怎麼剪就怎麼剪，是另外一套coding邏輯。所以導演和不同領域的人，很多時候是要去理解彼此的製程是什麼。

黃茂昌：視角的選擇很重要，例如你是要從上面俯瞰，還是仰頭來看？在XR世界裡切換鏡頭的時候，或者稱之為攝影機，觀看者的位置會決定整個體驗的感受。還有一個和傳統電影不一樣的地方，就是語言。台灣電影很習慣上字幕，但VR或AR都不太適合觀看字幕，因此通常會變成可以聽得懂的語言。像《黑》和法國合製，就要做中文、法文、英文3個版本。

Q：從觀眾的角度，觀看XR電影時是否擁有更多主動性？

陳斯婷：觀眾可以叛逆（笑）。這是一個用科技創造記憶的媒材，可以不斷藉由每一次觀看，去重新理解這一段記憶。創作者沒有辦法控制觀者，要怎麼觀看他所創造出來的內容。所以它跟記憶和夢境是很相似的一件事情，觀眾在形容他看某一部VR體驗的時候，跟另外一個人是完全不一樣的。

黃茂昌：還是會有引導，比如說VR可以跳到一個特寫上。但「發現」這件事情是它的一個本質，就好像現實世界裡，人類到一個陌生的地方會去搜尋，VR或AR的體驗其實很貼近這樣的真實生活。像《黑》的AR場景有好幾個事件同時發生，你可以選擇要看向哪邊。這種更多自主的探索性跟選擇性，我覺得是XR的一個特色。

Q：XR體驗必定少不了科技介面，怎麼降低觀者的不適應與門檻？

黃茂昌：所謂XR不見得一定要跟「頭顯」有關，比如說teamLab就是透過投影做到沉浸式體驗。但要講「戴頭顯」這個方式的話，其實真的很看個人，包過他過去體驗的經驗，還有身體的承受能力。VR作品通常都在1個小時內，甚至10幾分鐘，因為它還是有負擔，即使我可以連續看VR一整天，中間依舊需要休息。所以這是不是一個門檻？我最近去澳洲體驗了一部南極探險家360度的VR，我的小孩12、13歲，連戴都不太容易，因為尺寸有點太大；之前來台展出的《永恆聖母院》，過程中還要揹電腦，其實是不太自然，甚至不太舒適。當然科技也在進步，但要說真的普及化，裝置、設備還有體驗的過程都還需要經過設計。

陳斯婷：它勢必跟傳統電影在不同的規格，常常會遇到看習慣傳統動畫的人說：這看起來很粗糙。但這不是粗糙，而是你有意識到，你今天只有戴著一個頭顯，沒有接電腦或任何東西，畫面就可以即時在跑嗎？目前VR所使用的硬體設備，還不足以負荷太多細節，因此我常常會提醒影視產業的人，做VR要知道什麼叫「Low-Poly」美學，用簡化但好看的方法達到效果。目前VR動畫還不能做到像傳統動畫一樣，把每個畫面都畫到非常滿，但可能有一天會，科技公司們會給我們更好的解法。

Q：兩位都參與不少國際合製，有哪些經驗可以分享？

陳斯婷：坦白說我近期覺得，國際合製是一件很好的事情，但同時也是對於資源整合的重新省思。很多時候大家為了合製而合製，你兜了很多國家的資金，但其實你把你的製程複雜化了。我確實也會遇到一些案子，他來找我的時候，我會很誠實地說「其實你不需要台灣」，你原本可以用更有效的時間和預算去做，你增加了我，其實是變成一個負擔。合製必須要讓資源最有效運用，以及確保台灣的人才真的能跟國外人才有深度交流，而不是單純被雇用。

黃茂昌：其實XR跟傳統電影的國際合製，沒有太大的差別，主要就是資金、人才、發行通路3個面向。我也非常同意不一定要走合製，我們看到一些很優秀的日本和韓國作品，尤其是日本講談社，他們的作品就是自己拍的，這也呼應了日本傳統，日本電影本來就不太會和別國合拍。台灣現在還有個問題，就是VR項目其實挺多的，但從業人員還是不夠。比如說做聲音的，可能同時在做別的導演的片，就沒時間接我的片，那我只能往外去尋求。

陳斯婷：我認同。現在政府資金大多都集中在同一季，突然間一批案量全部出來，但人員只有這一批。我相信很多工作人員，這季工作完成以後，下一季是沒工作的。目前政府相關資金的運用還沒有真正找到分流、怎麼樣幫助大家儲蓄更多能量，這時國際合製確實可以幫助一些分流。

Q：XR電影已經或漸漸有形成商業模式嗎？成本要怎麼回收？

黃茂昌：兩個回收管道，一個是線上授權，比如說賣給Meta Oculus、PICO等等，這就好像一般影視把作品賣給Netflix。另外一種是走線下，例如《永恆聖母院》、《巴黎舞會》，會有門票收入。疫情結束之後，線下變成一種新的可能。這也回到了一些商業模式，比如說《黑》有一個困境，一場只能10個人，在人數上怎樣都比不上teamLab一次幾百人。所以其實越來越多的XR作品，都開始想怎麼樣去拓展人數。

陳斯婷：大家通常會覺得要去計算全部的預算很龐大，但很多成本是補助資金，所以對我們來講的商業模式，是計算發行後端必須要花的成本。我們滿多作品是走線上授權，也包含影展、線下展的授權，所以為什麼作品一定要推到國際影展、為什麼要跟國際上認可的公司合製，都是為了確保作品有發行上的價值，也就有更多機會被平台看到。但這不是一個大賺，就是讓這些創作持續走下去的生存機制。

XR 影展攻略！

入門版：10月即將展開的高雄電影節就是最方便且經濟的選擇，有大量從威尼斯影展、翠貝卡電影節挑選出來的作品，也有國際級講座可以聽。想出國看展但預算有限，鄰近的日本Beyond the Frame、韓國富川國際奇幻影展都很推薦。

進階版：目前國際XR最指標的3個影展，不外乎威尼斯、SXSW（South by Southwest）、翠貝卡。若針對業界人士，可參與設有創投的影展，像是NewImages Festival、Sunny Side of the Doc、專攻動畫的安錫國際動畫影展，威尼斯影展也有創投。

陳斯婷

製片人、綺影映畫創辦人。她於蔡明亮、李安導演電影奠定國際溝通專業，於台灣影視嶄露製片頭角。自2015年成立綺影映畫至今，累積製作超過十部國際合製作品，類型跨足影視、漫畫、XR沉浸式體驗等，屢獲義大利威尼斯影展、法國坎城影展、美國SXSW、日舞影展、翠貝卡電影節等國內外指標性影展肯定。

黃茂昌

資深監製、前景娛樂創辦人。擁有多年國際合拍經驗，經常擔任各大電影節、創投會的評審與演講者。監製作品《虎紋少女》榮獲坎城影展影評人週最佳影片；台法合製沉浸式作品《黑》榮獲坎城影展最佳沉浸式作品大獎。製作中的沉浸式互動動畫人權紀錄片《貝殼島》入選法國新影像藝術節XR創投、安錫動畫影展Mifa Pitches，將於10月高雄電影節WIP單元展映。

_{採訪整理｜張以潔
圖片提供｜綺影映畫、前景娛樂
更多精彩內容請見 La Vie 2024/9月號《賦予自由律動的當代設計》}

佐藤健說，想要創造出「哪怕不看連續劇的人，都會為之心動」的作品。為讓日劇通過Netflix平台被全世界觀看和喜愛，將自己20多歲時看過就愛上的小說《玻璃之心》影視化，成為了實現目標的第一步。有如使命般，他從演員本職分出「製作人」之身，親自參與多年籌備，2025年終於在觀眾耳畔奏響樂音。

※本文含部分劇透，且以劇集延伸解析及演員於各採訪中透露的製作花絮為主，非劇情懶人包，推薦10集皆已看畢再行閱讀。※

劇情落於俗套、美學令人疲乏，又或者是，音樂鏗鏘有力、台詞細膩動人，（還被志尊淳帥暈、為佐藤健神魂顛倒）⋯⋯劇集播出兩週來的褒褒貶貶融為一體，也許恰能接近《玻璃之心》的全貌。承主演佐藤健於日媒採訪中特別提及「Netflix進軍日本讓日劇能夠向全世界播映，是件大事」，串流平台確實完全改變了現下影視生態，使創作不再止步某某文化舒適圈，而需受更多截然不同思維的公評，相對也為相異甚至相斥的思維帶來碰撞和衝擊。

2022年《First Love初戀》至今被以「現象級神劇」傳頌，佐藤健作為男主角，可謂日本一線演員中首先於串流新型態市場取得（難以超越的）佳績的一位。所以是乘勝追擊嗎？實則不然，2025年方與觀眾見面的《玻璃之心》早在2019年便決定影視化，向Netflix提案獲許後於2020年著手腳本。劇集改編自佐藤健本人10年前一看即愛的日本輕小說作家若木未生同名作品，由知名電影導演柿本健作攜手後藤孝太郎共同執導，並集結以岡田麿里為首的女性編劇團隊，和包括靈魂人物野田洋次郎、佐藤健摯友Taka在內的諸多優秀音樂人費時多年打造。「無論作為演員或製作人，核心的那份『只是想做出一部好作品』的心情並沒有改變。」不出人意料的答案，卻樸實而真誠地傳達創作初衷——暫把對成品的好惡放一邊，從主創所言「只是想做出一部好作品」出發，《玻璃之心》無疑已經走得難望項背之遠。

因此，如果你剛好和編輯一樣相當喜愛這部作品，或至少能認同它是部好作品，歡迎隨本文潛入5個隱藏亮點和5個幕後故事，總覽你可能還不知道的音樂、造型、角色原型和台詞寓意等各面向的《玻璃之心》。

插播一則最新消息：配合劇集熱播，劇中樂團TENBLANK現正蓄勢登陸現實世界；除佐藤健、宮崎優、町田啓太、志尊淳全員預計2025年10月11日在橫濱Pia Arena MM舉行見面會外，佐藤健也將一人展開亞洲巡迴專場，4站地點包括台北、首爾、香港及曼谷，詳細資訊於文末加映。

推翻《玻璃之心》全是套路之說？

「模板劇情」千篇一律卻歷久不衰，不分時代都會再次滿血回歸

天才音樂人藤谷直季（佐藤健飾）帶著他基於不同原因親自選進TENBLANK樂團的3個小夥伴，經歷重重困難最終觸及心中所夢。一句話就能說完《玻璃之心》的故事。影評多指本劇劇情毫無新意，情節發展完全可以預知，少了驚喜感和符合當代價值的新穎詮釋觀點。然編輯以為這大概就像漢堡標配為兩片麵包皮、生菜、番茄加一片肉——正是這個不可撼動的組合讓漢堡之所以為漢堡。

經典日式漫改（輕小說性質類似）劇集看點自然不會在於劇情，而是「現實化」的過程本身。「比起劇情發展，若兩位主角沒有魅力，觀眾的心就不會被打動。重要的不是『發生了什麼事』，而是『誰做了什麼』。」如何找出萬千書迷腦海中角色形象的最大公約數，進而透過演繹，化平滑筆觸為有血肉、有凹凸的真實人身，遠比探問劇情結構來得重要太多。佐藤健在《MEN'S NON-NO》雜誌專訪中無所保留對角色傾注的感性，「我會愛上原作，也是因為被藤谷這個角色所吸引，所以我希望自己能像藤谷一樣不妥協、比誰都更認真地去面對音樂。」看著這張「少女漫男主臉」多年，佐藤健給人印象一直是非常了解能使觀眾著迷於自己的魅力所在、並懂得善用此般魅力於角色的演員，這回更見他挖掘出連觀眾也未知、專屬於藤谷直季執拗靈魂的巨大魅力——看似自我中心，事實上卻始終以自體發散的微光關照周遭，縱使到了恆星死亡之時也要最後帶來超新星爆炸，那超然意義上的宇宙中心。

綜上所述，能否達到主創期望的「熱血沸騰」因人而異；但可以肯定的是，《玻璃之心》讓熱血即便不沸騰，也至少汩汩而流。

《玻璃之心》5個隱藏亮點

劇中台詞雖大多圍繞音樂主題，卻訴說了超越音樂、超越創作的人生哲理。簡單輕巧的劇情架構下，處處藏有原作者與改編團隊滿含溫柔力道的深刻表達，冷不防戳進觀眾軟肋，聯繫起屏內、屏外的巧妙對話。

#01 關於坂本一至（志尊淳飾）

寶物也需要被正確捕捉和觀看

「你想用這種音色表達什麼？你要對準焦點，讓聽眾聽得懂。你現在是用廣角鏡頭，什麼都想拍進去，就算風景裡有寶物，會注意到的人也很少——明明裡面有寶物。」坂本一至原為網路創作音樂人，受藤谷直季之邀加入TENBLANK做鍵盤手，與之有過磨合。某次兩人為坂本一首創作的編曲方式爭執不下，坂本拒絕自己的音樂流俗，藤谷一語點破曲高和寡，「大家都是用手機喇叭或便利店買的耳機聽音樂」估計順道諷刺現代人不懂尊重孤高的作品（笑）。事實上藤谷是最了解坂本音樂之細膩的人，希望那份珍貴不被糟蹋。而廣角鏡頭這個比喻也彷彿「叮——」地一下，敲動創作掙扎中最微妙的擺錘，究竟什麼樣的尺度恰到好處，能不違本心、也被更多地喜愛呢。

#02 關於高岡尚（町田啓太飾）

繞個彎，我就希望你永遠活（不）下（放）去（棄）

「你真的要唱到我哭出來？」「對喔。」「那我這輩子都不哭了。」藤谷直季早被診斷出罹患腦腫瘤卻一直隱瞞團員、帶病表演，吉他手兼靈魂夥伴高岡尚得知後憤怒、傷心與不捨交加，逕自宣布退出TENBLANK，又被藤谷「柔情攻勢」找了回來。回程車上的這段對話淋漓展現角色間一路惺惺相惜、超乎任何情感的「我知道你懂」，不但語意層次豐富，亦極具日劇尤其出色的「樸拙見真情」台詞編寫功力。

#03 關於西條朱音（宮崎優飾）

真誠是所有創作的根本，而創作是為「讓人幸福」

西條朱音在被藤谷直季找進樂團之前經歷了無數次徵選失敗，成為TENBLANK一員後也仍受隊友批評「你的鼓聲並沒有去關注周遭」。首集即透過兩角色之口道出女主角異常努力，然而創作上缺乏包容力，過度沉溺在個人世界；中間集數則時不時透露藤谷「真的在組一個『團』」、「懂得去突出每一種聲音」等訊息；直至最後一集「音樂不在於技巧高低，音樂在於發現自己內心正在發生的事。」西條母親（YOU飾）台詞一出，瞬間串起本劇創作者自身對「創作」或「身為創作者」這件事的領悟：既要向內發掘，更重要是也要能向外溝通，最終帶給他人（而非只有自己）幸福。

#04 宇多田光〈First Love〉打破第四面牆，細節成就虛實模糊的音樂國度

全劇最大彩蛋非〈First Love〉由「佐藤直季」親口唱出莫屬。第4集中，TENBLANK來到藤谷家的郊外別墅閉關製作新專輯，晚間大夥兒在戶外烤肉唱歌，悠悠和弦輕下，歌詞「最後的吻帶著香菸的味道」，也帶著所有觀眾夢回2022年雪地裡的世紀重逢。浪漫之餘，此曲的出現徹底打破戲劇與現實世界的隔閡、模糊角色與真人的界線，無需再多塑造便立體化了TENBLANK的存在，也在在顯示《玻璃之心》對於「現實感」的營造，大到劇宣手法、小至細微情節的鋪排，都做得勾人情懷。

#05 耀眼和刺目在一念之間，「玻璃之心」映照世間事物的兩面性

第10集的演唱會上，「我的音樂傷害了很多人，把很多人脆弱的心像玻璃一樣擊得粉碎，我靠著那些碎片的光輝活下來了。」藤谷直季向滿場觀眾，以及那些他知道因他的音樂而陷入不幸的人們真情表白，說他討厭、恐懼那樣的自己，甚至覺得自己應該從這個世界上消失比較好。這場收束全劇的大規模演唱會是實景拍攝，硬體上共使用多達12台攝影機、動員5000位以上的群眾演員，概念上甚將屏外觀眾也納入音樂現場，使深感其間氛圍的起承轉合。

編按：有一事佐藤健說他打算跟所有媒體都講一遍，第10集因技術問題導致音量偏小，希望觀眾看到這裡時都能先稍微調高音量，此事重要到他還開玩笑請求專訪單位放上標題。不知大家觀賞時有發現嗎？總之是來自製作人佐藤桑的溫馨提醒。

日文「グラスハート」（Glass Heart）一語因劇集而備受討論，中文恰巧已有的新興詞彙「玻璃心」則因《玻璃之心》一劇而豐富了意涵。在外顯與內蘊、亮面與暗面、可見與不可見，乃至直觀的華麗與頹靡的擺盪間，創作團隊試圖呈現受推崇與受批判的事物實為一體兩面，相輔相成、缺一即毀，藉由極端關係的描繪，不斷引導觀眾反思「平凡」所隱含的負面意味與「不凡」所表彰的正面意味，歸根究柢仍得通過彼此的映照才得以成像；藤谷直季與昔日戰友井鷺一大（藤木直人飾）、同父異母弟弟真崎桐哉（菅田將暉飾），以及在愛中茁壯的西條朱音與被壓抑著激發才華的歌手櫻井雪乃（高石明里飾）等多條關係線皆如此相互映照。

▼ 藤谷直季 X 真崎桐哉

《玻璃之心》5個主創親曝幕後故事

#01 全製作最大難點在於創造出「原作中不存在的聲音」，野田洋次郎的參與至關重要

關於占據劇集大量篇幅的音樂部分，佐藤健憑藉在影像上極好的敏感度和判斷力，堅信著「影像與音樂疊合之際生出的力量」，力邀專業音樂人組建一支黃金陣容為《玻璃之心》劇中樂團TENBLANK真實創作出堪比正規專輯的10首歌曲。

除自許多從前看過的藝術家表演汲取靈感外，由於佐藤健自己在讀原作時便已有野田洋次郎（RADWIMPS主唱）的音樂浮現腦中，因此在首先找他寫了〈永遠前夜〉、〈Glass Heart〉兩首曲目後，TENBLANK的音樂取向才逐漸清晰。其他曲目由大家共同聆聽和精選：來自音樂家飛內將大（Tobinai Masahiro）的主題曲〈旋律と結晶（Crystalline Echo）〉正是劇中TENBLANK所拍攝MV的曲目；藤谷直季和櫻井雪乃的合唱曲〈君とうたう歌〉為米津玄師、藤井風製作人Yaffle所作，並邀創作歌手AO替演員配唱，以臻於角色在聲音上的完美設定；此外包括清竜人（Ryujin Kiyoshi）、大濱健悟（ULTRA TOWER主唱）、川上洋平（[ALEXANDROS]主唱）、太志（Aqua Timez詞曲創作）、美國作曲家Cj Baran等一眾音樂人都參與其中。分布各集數的插曲則另邀一位創作歌手ざらめ翻唱多首名曲而成，在故事精彩處輔以最佳配樂作為點睛之筆；其中，第9集插曲原先一直未定，最終Taka（ONE OK ROCK主唱）現身助陣，創作及製作了後來可以說成為佐藤健最喜歡場面之一的全新曲子。

所以說，TENBLANK真正的演唱者佐藤健有最中意的一首嗎？「全部」。

▼ 〈旋律と結晶〉劇中MV日前於佐藤健官方頻道現實化

▼ 藤谷直季和櫻井雪乃在劇中的合唱曲〈君とうたう歌〉由創作歌手AO替演員高石明里配唱

#02 痛恨小時候拒絕學鋼琴的自己，主演親揭「看不懂樂譜」訓練法

我們都以為總得有點音樂基礎才能在表演上游刃有餘吧？沒有，佐藤健毫不避諱自己不會看譜，劇中所有Live場景都是靠老師彈奏的錄像強記住手形，反覆練到能夠親自上陣（還想直接睡在鋼琴旁邊）；為此大概想過200萬次小時候要是有（聽從媽媽的提議）學點鋼琴就好了，很痛恨那時候的自己。

且不只佐藤健，飾演鼓手的宮崎優、吉他手町田啓太、鍵盤手志尊淳全員零基礎學起，宮崎優更提早到開拍前一年就開始，真正拍攝的8個月裡大家皆與樂器相伴。只能說，詮釋特定領域佼佼者角色所需的極高業務能力能在短時間內達到如此水平，並加以高強度表演補足氛圍感，4位著實獻出了能夠讓人信服和享受的音樂。

#03 佐藤健是Hip-hop、町田啓太是古典樂、志尊淳是小學合唱曲？！

接續佐藤健坦承「當下並不享受」的苦練經歷，收錄一段小小趣聞。宣傳時當被問到會用什麼音樂類型比喻對方時，3位男主演給出的答案都頭頭是道。志尊淳認為佐藤健是Hip-hop，因為總能夠將內心想法化為語言好好地表達出來；佐藤健也認同Hip-hop「時常在與什麼東西戰鬥著」的狀態確實和自己有所共通。佐藤健則以古典音樂形容既紳士又富昭和男子氣概的町田啓太。至於志尊淳，另兩位一致通過他是「小學的時候會唱的合唱歌曲」，至今都能放射出獨屬於那個時期的光輝與能量。

#04 藤谷直季衣櫥直通佐藤健本人衣櫥

藤谷直季整體而言簡直時髦度破表的造型，讓人忍不住邊看邊臆測他是否與佐藤健互通有無。果不其然，藤谷的服裝基本就是從佐藤家衣帽間穿出來的——本於原作裡對藤谷時尚穿搭的細膩描寫，加上佐藤健自己的想像，造就出「不讓任何單品重複出現」的服裝設計；當中包括佐藤健證實由他提供的YSL大衣（第4集烤肉趴的Loewe披肩合理懷疑也是私物），更有許多Oversized衣著來回穿梭角色和演員的真實生活。

此外，藤谷和西條都曾穿戴佐藤健自創品牌A（ABYTS）的服飾和帽款，從第7集三人於巡演期間出遊時藤谷的帽T、藤谷幫西條防止被認出來的鴨舌帽（給想魂穿朱音醬的朋友們指路：棕色條紋I can drink coffee款），回顧到第4集西條在錄音室穿的T恤（再次指路：TOGARU-KUN白色款）等出鏡率相當高，然不用說的是亦皆已全數售完。

#05 相信感性並勇往直前

此次兼為主演、企劃和製作人，「我認為創作者只能夠打造出自己喜歡的東西。正因如此，才更必須相信自己的感性並勇往直前。」掛名監製的演員並不少見，然而從錄音室、劇本討論會到拍攝現場的監控前，佐藤健在各環節親力親為的身影，踏實地實踐了讓世界看見日本電視劇、讓每年只去一次電影院看柯南的觀眾也被拉進《玻璃之心》世界，此般宏大的野心。而這其實來他與多數演員幾乎相反的「強項」：並不特別喜歡看劇或看電影——因此更有意識地要將那些「非影視狂粉」的人納入目標觀眾群。佐藤健渾身作為演員的使命感在其諸多採訪中昭然若揭，唯私下不愛看劇一事突然逆向嶄露統籌者必要具備的旁觀、理性，以及「不會一頭栽入」的全盤掌握力。再對照町田啓太於《NYLON JAPAN》9月號三人對談中的評價，「健君的魅力在於他的企劃能力，以及能將企劃貫徹到底的力量。」即明瞭如何能夠一人三職還樣樣到位。而，無論是用於總結《玻璃之心》的故事本身，抑或這個製作的整體，「勇往直前」四字都完全切中精神核心。

同場加映：TENBLANK見面會即將啟動

最後，久久不能自拔的觀眾們，一睹TENBLANK現場的機會來了。劇中樂團繼以專輯《Glass Heart》正式在現實世界出道後，藤谷直季、西條朱音、高岡尚、坂本一至全員到齊的特別活動將於2025年10月11日重返劇集拍攝地日本橫濱ぴあアリーナMM（Pia Arena MM）限定舉辦。8月18日即結束各家粉絲會先行抽選，接下來準備開放海外人士抽選（兩場就能裝下兩萬粉絲，這比的是好運不是手速啊），備足底氣的朋友們，請點此飛往官方網站關注最新消息。

而11月1日至29日，佐藤健則將接續展開台北、首爾、香港、曼谷4站個人巡迴見面會，去不了日本，台北就能見音樂天才——那麼也在此預祝各位搶票順利。

台灣首家「Billboard Live TAIPEI」落腳台北信義區「ATT 4 FUN」7樓，計畫於今（2025）年深秋開幕，並預計邀請日本、歐美與台灣的知名音樂人，為音樂愛好者帶來令人期待的現場演出！

Billboard告示牌是什麼？

1894年創刊的美國《Billboard》（告示牌）雜誌，長期以來提供與音樂行業相關的排行榜、新聞、觀點、評論等內容。其中，「Billboard Hot 100」（告示牌百大單曲榜）以單曲的受歡迎程度為評估標準，「Billboard 200」（告示牌二百大專輯榜）則聚焦專輯銷售排行。這兩大排行榜早已成為全球音樂市場極具影響力的權威性指標，各國也有專屬的本地排行榜，比如日本的「Billboard Japan Hot 100」也是當地重要的音樂指摽一。

Billboard Live提供精彩音樂演出

而除了音樂排行榜，Billboard更進一步拓展至音樂現場演出與餐飲事業，為全球樂迷及音樂人提供更豐富的感官體驗。誕生於日本的Billboard Live，目前在東京、大阪、橫濱設有據點，專為音樂愛好者設計、致力於為觀眾帶來非凡的現場音樂演出，每個會場均配備先進的音響系統和舞台燈光，讓無論坐在哪裡的觀眾，都能盡情享受表演。

                                 ↓ Billboard Live 先前釋出的品牌廣告影片

齊聚西洋、日本、亞洲音樂家

除此之外，至今在日本Billboard Live登台演出的藝人，從當地新銳音樂家或國際級巨星都有，並涵蓋爵士、R&B、流行搖滾等音樂類型，為觀眾帶來豐富且多樣化的現場音樂體驗。而在先前的演出陣容中，西洋音樂部分包含：Steely Dan、The Stylistics、Babyface、Lauryn Hill、Paul Stanley、Chaka Khan等；日本則有松本孝弘（B'z）、MISIA、flumpool、Aimer、JUJU、森山直太朗、玉置浩二、德永英明、大橋三重唱等。其他還有來自韓國的10cm、ADOY與台灣的大象體操、Whyte ?te等表演者，多元的曲風與跨國陣容，讓觀眾近距離感受世界各地的音樂魅力。

                                 ↓ 台灣樂團大象體操去年10月曾登上橫濱的Billboard Live演出。

Billboard Live TAIPEI登陸台北信義區

如今，這座備受樂迷推崇的音樂表演聖地宣布將登陸台灣，也將把世界級的音樂體驗帶來台北。現場僅約300席（含VIP座位、餐桌區、站立區等），頂級音響與燈光設備，再搭配專業主廚精心設計的西式料理、調酒師調製的酒飲，以及豐富的飲品與佐食，讓觀眾在享受音樂的同時，也能盡享精緻餐飲與舒適氛圍。而你又期待哪些音樂人登上Billboard Live TAIPEI的表演舞台？有興趣者也不妨在官方IG留言許願！

Billboard Live TAIPEI
開幕日期：2025年深秋（預定）
地點：台北市松壽路12號「ATT 4 FUN」7樓

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