繼引發觀展熱潮的《戰鬥之城．終》後，北師美術館再推年度大展《草間彌生的「軌跡」與「奇跡」——W Collection & More 1951-2005》，全展聚焦1951至2005年草間彌生最具開創性時期之作，匯集版畫、拼貼、軟雕塑、裝置、錄像、服裝等70件作品，並重現她為1998台北雙年展創作的《圓點的強迫妄想》，成就台灣目前為止規模最大的草間彌生個展，帶觀者看一位藝術家如何藉由藝術尋得奇蹟般的自我救贖。

《草間彌生的「軌跡」與「奇跡」——W Collection & More 1951-2005》

展期｜2024.12.21－2025.5.4

地點｜國立臺北教育大學北師美術館

地址｜臺北市大安區和平東路二段134號

 

【 購票資訊 】

▍預售票

售票期間｜2024.11.14 12:00－12.20

票價｜單人票 $330

細則｜線上預約時段，每日有5個場次可選；KKday請點此；Klook請點此

 

▍展期間售票

售票期間｜2024.12.21－2025.05.04

票價｜

・單人票 $380

・優待票 $330／6歲以上持有效學生證件及學年註冊章，入場須出示正本證件，每證限購1張

・特惠票 $190／65歲以上者、持本國或外國身心障礙手冊之陪同者，入場須出示正本證件，每證限購1張

細則｜

・現場僅販售少量票卷，建議事先於線上購票，每日有5個場次可選

・不提供退票服務，務必依選定場次前往觀展

回顧草間彌生最具開創性的震盪時期

現年高齡96歲的草間彌生，為當代藝術史上最具代表性及顛覆性的創作者之一。草間彌生學生時期受日本畫訓練，卻不囿於傳統藝術形式的框架，由個體的生命經驗轉化、發展出獨樹一格的藝術語彙，作品媒材遍及繪畫、雕塑、拼貼、版畫、行為展演、錄像及大型裝置等，並跨足時尚產業，以其鮮豔奔放的色彩、大膽具原創性的創作語彙聞名於世。

1990年代，是草間彌生1973年自美國返回日本後，重回國際觀眾視野，而後大放異彩的關鍵時期。1993年，她成為首位於威尼斯雙年展日本館個展的當代藝術家；隨後五年，洛杉磯郡立美術館、東京都現代美術館接連舉辦大型回顧展，奠定草間彌生作為當代藝術大家的定位。1998年，草間彌生受邀為臺北雙年展創作巨型現地裝置《圓點的強迫妄想》，以7個帶有黑色圓點的螢光粉紅氣球滿佈北美館的中庭，此為草間彌生以巨大雕塑與公共空間對話的重要節點，那場展覽也開啟她與臺灣的頻繁交往。

4大展區亮點搶先看

《草間彌生的「軌跡」與「奇跡」》展覽以草間彌生與臺灣的原點——特別重製的《圓點的強迫妄想》揭開序幕，聚焦其1951年至2005年間的創作，展出70件精選作品，以草間彌生生涯中的創作探索與實驗為引，深入藝術家跌宕豐厚的生命軌跡。

▍草間的綻放

從《圓點的強迫妄想》為始，呈現草間彌生在1985年後至1990年代頻受世界各地邀約，以鮮豔的色彩、大型裝置作品重回國際觀眾視野的時期。逐步踏上世界舞台的她，作品揮別70年代的陰鬱，愈發流露出生氣蓬勃、無拘揮灑的創作動能。

▍圓點．原點

集結草間彌生早期的圓點、日本畫作品，呈現她早期的創作軌跡，標誌性的圓點源自她童年的精神幻覺，是她連結自然、家庭和社會現實的視覺符號，也是她探索無限的創作原點。

▍草間的蟄伏

聚焦草間彌生旅美時期的受挫經驗及1973年返日後的震盪階段，身心上的恐懼、焦躁、絕望與想望，反映在多件粉彩、墨彩與拼貼形構的平面作品上，觀者將在此潛入藝術家身心混沌時期的恐懼、焦躁、絕望與想望。

▍Love Forever

呈現草間彌生在1960年代紐約前衛藝術圈的行為展演，以《花縱慾》等4部前衛的展演紀錄影像，交織大型裝置《驅迫意象》及數件於早期演出中繪製使用的珍貴服裝，透過一系列激進的行動藝術作品，看她如何以反戰、性別、身體、愛為主題，挑戰當時的社會規範，激發大眾對當代社會的反思。

你可能不曾見過的草間彌生

北師美術館汲取收藏家W Collection獨到的收藏視野，奠基於日本青森縣立美術館《從W Collection看草間彌生的軌跡與奇跡》（草間彌生の キセキ –W コレクションによる）的展覽成果，亦與草間彌生工作室緊密合作，除重製《圓點的強迫妄想》之外，並借展10餘組鮮少曝光的偶發展演紀錄及服裝展件，聚焦藝術家早期行為實驗對形塑其藝術生涯的重要性。

除了觀眾熟悉的圓點、網狀圖案如《花》與《南瓜》等平面繪畫，此次展覽也將呈現人們不曾見過的草間彌生：從小生長於長野縣松本市育苗場和採種場的她，時常聽見植物與其對話，因此將自身幻化為植物的《自畫像》，甚至是試圖抹除物我界線的《花強迫（非洲菊）》行為錄像；將圓點滿佈人像和周遭環境的大型裝置《幻影的彼方》，高跟鞋上交織填充了無數陽具形狀的軟雕塑《性的強迫妄想》，以及60年代草間彌生於紐約策畫「乍現」（happening）行為演出時，設計繪製的《無題（彩繪上衣）》原件。

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）